{"title":"Catálogo de obras de arte","description":"\u003cp\u003eExplora pintura, dibujo, obra gráfica y otras piezas del Taller. Consulta el estado de cada pieza en su ficha.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCada ficha presenta la información disponible sobre autoría, técnica, soporte, medidas y estado de conservación.\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"angel-ocallaghan-paisaje-panoramico-oleo-espatula-textura","title":"Ángel O’Callaghan Muñoz — Paisaje de invierno con iglesia y arboleda — Óleo sobre lienzo panorámico","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUn paisaje construido casi desde el silencio. Ángel O’Callaghan organiza esta extensa composición horizontal mediante una sucesión de campos, caminos y árboles desnudos que conducen la mirada hacia un pequeño núcleo arquitectónico presidido por una iglesia.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl formato panorámico resulta fundamental. En lugar de concentrar la escena alrededor de un único motivo, el pintor permite que el paisaje se desarrolle lateralmente, como una vista contemplada desde la distancia. A la derecha, la hilera de árboles sin hojas marca un ritmo vertical regular; a la izquierda, la vegetación y las construcciones se funden progresivamente con las elevaciones del horizonte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa gama cromática es deliberadamente contenida: tierras claros, ocres, grises verdosos, blancos rotos y pequeños matices amarillentos. El lienzo conserva en numerosas zonas su textura visible, aprovechada por el artista para integrar el soporte dentro de la pintura y acentuar la sensación de una luz seca y fría.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa arquitectura tampoco aparece descrita minuciosamente. O’Callaghan reduce casas, muros y tejados a masas luminosas, mientras reserva un dibujo más marcado para los troncos y ramas desnudas. El resultado se sitúa entre la observación naturalista y una interpretación mucho más atmosférica del paisaje.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eÁngel O’Callaghan Muñoz y el paisaje\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa documentación localizada permite identificar con seguridad a \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÁngel O’Callaghan Muñoz\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e como pintor español activo durante la segunda mitad del siglo XX, especializado principalmente en paisaje.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu producción conocida muestra una marcada preferencia por los espacios abiertos, los campos, las riberas y los paisajes de estación fría. Son características recurrentes las gamas apagadas, los blancos y tierras, la vegetación reducida a signos y una materia pictórica que deja participar visualmente al propio lienzo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta obra responde especialmente bien a ese lenguaje. La comparación con otras pinturas documentadas del artista muestra coincidencias claras tanto en la firma como en el tratamiento de la vegetación, las tierras y las grandes extensiones de paisaje.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eUna composición pensada en horizontal\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eHay algo especialmente atractivo en la manera en que el cuadro se recorre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa iglesia no se sitúa en el centro ni actúa como monumento protagonista. Aparece desplazada y parcialmente integrada en el caserío, como parte natural del territorio. Frente a ella, los árboles desnudos van sucediéndose hasta ocupar casi la mitad del lienzo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEse desplazamiento crea una composición muy equilibrada: arquitectura y vegetación, masa y línea, horizonte y primeros planos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa ausencia de figuras humanas refuerza además la sensación de quietud. No estamos ante una escena narrativa, sino ante un paisaje detenido en una estación concreta, probablemente durante los meses de invierno.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Ángel O’Callaghan Muñoz\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003ePaisaje de invierno con iglesia y arboleda\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Óleo sobre lienzo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones de la obra:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 27 × 73 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones con marco:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 44,5 × 90 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmado «O’Callaghan» en el ángulo inferior izquierdo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Segunda mitad del siglo XX, probablemente c. 1970–1980\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTema:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Paisaje rural con arquitectura y arboleda\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFormato:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Panorámico\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePresentación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Marco de época con amplia entrecalle textil\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general, con señales propias de la antigüedad. El reverso conserva el montaje y protección de época. Las fotografías forman parte de la descripción del estado de conservación.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller — El invierno reducido a tierra y luz\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLo que más nos interesa de esta obra no es únicamente el paisaje representado, sino la economía con la que está construido.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eO’Callaghan prescinde de colores intensos y de grandes contrastes. Casi todo sucede dentro de una misma gama de tierras, grises y blancos. Los árboles aparecen como líneas oscuras sobre un espacio luminoso; las casas parecen desvanecerse en el aire; incluso el cielo comparte tonalidades con el terreno.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl resultado tiene una serenidad poco efectista pero muy reconocible: \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eun paisaje amplio y silencioso en el que la atmósfera importa tanto como el lugar.\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51979162386765,"sku":null,"price":350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0192_35088e38-f73a-47a8-ba0d-31b0459c93ca.jpg?v=1792679099"},{"product_id":"jose-luis-serzo-construccion-dios-vientos-obra-original","title":"José Luis Serzo — La construcción de un dios de los vientos — Óleo sobre lienzo","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna escena fantástica sobre un mar agitado, bajo un cielo de luz amarillenta.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eComposición y técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl mar ocupa la mitad inferior del lienzo, con crestas de espuma que avanzan en distintas direcciones. Por encima del horizonte aparece una forma rojiza semejante a una pipa, acompañada por un penacho azul violáceo. Su presencia suspendida introduce el elemento fantástico dentro de un paisaje marino de apariencia reconocible.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa pintura combina el modelado de las nubes con trazos finos y claros que dibujan las olas. El formato horizontal permite extender el movimiento del agua y contrastarlo con la pequeña forma flotante, aislada en el cielo.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eColor y luz\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl cielo reúne amarillos, ocres y grises, con zonas luminosas entre las masas de nubes oscuras. El agua se resuelve en verdes y grises profundos, atravesados por la espuma clara. Los rojos del objeto suspendido y su penacho azul violáceo destacan sobre esta gama contenida.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl título y la serie\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa franja inferior incorpora una inscripción pintada que identifica la serie «Absurdas Aproximaciones» y desarrolla el título de la obra, con su referencia al tío Linuos de Familasia. La convivencia entre el paisaje y el objeto imposible permite leer la imagen como una escena de un relato fantástico.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e José Luis Serzo (n. 1977).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e \u003ci\u003eLa construcción de un dios de los vientos, emitidas y provocadas por el tío Linuos de Familasia.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAño:\u003c\/b\u003e c. 2000.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eSerie:\u003c\/b\u003e Absurdas Aproximaciones.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Óleo sobre lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 46 × 27 cm (lienzo); 50 × 30 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e «Serzo», en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Adquirido en el mercado secundario de arte, Barcelona. Anteriormente, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEnmarcación:\u003c\/b\u003e Sí, la obra se entrega enmarcada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa pequeña forma rojiza concentra la atención por su aislamiento entre el cielo y el mar. Alrededor, las crestas de las olas y las nubes construyen un movimiento amplio que contrasta con su suspensión. La inscripción recorre el borde inferior como una línea narrativa, mientras la firma «Serzo» queda en el extremo derecho. El marco dorado delimita la escena sin interrumpir la continuidad del paisaje.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52266810212685,"sku":null,"price":2900.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0095_12ea5e4e-f20a-4ded-b14c-edbb7436c3b1.jpg?v=1790896365"},{"product_id":"francisco-ribera-retrato-garcia-nieto-paris-oleo","title":"Francisco Ribera — Retrato de Ramón N. García-Nieto Paris (1980) — Óleo sobre lienzo","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUn retrato de Ramón N. García-Nieto Paris, fechado en 1980.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa mirada tras las gafas y la leve sonrisa dan al retrato un tono cercano. El traje azul se recorta sobre un fondo verde oscuro, mientras la camisa y los papeles aportan las zonas más claras de la composición. En la parte inferior, la mano y su reflejo sobre la mesa enlazan la figura con los objetos que la acompañan. La placa del marco identifica al retratado y recoge sus fechas de nacimiento y fallecimiento.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eComposición y técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa figura aparece sentada, con el rostro girado y unos papeles sostenidos sobre una mesa. El modelado del rostro y de la mano se combina con pinceladas más visibles en la chaqueta y el fondo. Los pliegues del traje, el dibujo de la corbata y los reflejos de la mesa introducen distintas texturas dentro de una composición centrada en el personaje.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003ePaleta y luz\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLos azules y grises del traje contrastan con los tonos cálidos del rostro y de la mano. La camisa y los papeles destacan en blanco roto sobre el fondo oscuro. La luz concentra la atención en las facciones y deja en sombra parte de la figura, dando volumen al retrato.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eIdentificación y fecha\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa placa identifica a Don Ramón N. García-Nieto Paris y recoge las fechas «21 MAYO 1931 - 16 JUNIO 1978». La pintura está firmada «FRANCISCO RIBERA» y fechada «MCMLXXX» (1980), por lo que es posterior al fallecimiento indicado en la placa.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Francisco Ribera Gómez (Madrid, 1907 - Barcelona, 1996)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e Retrato de Don Ramón N. García-Nieto Paris\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAño:\u003c\/b\u003e 1980 (MCMLXXX)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Óleo sobre lienzo\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eSoporte:\u003c\/b\u003e Lienzo\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Gran formato (medidas exactas disponibles bajo petición)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmado \"FRANCISCO RIBERA\" y fechado \"MCMLXXX\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eIdentificación del retratado:\u003c\/b\u003e Placa de metal en el marco con la inscripción: \"DON RAMON N. GARCIA-NIETO PARIS \/ BARCELONA \/ 21 MAYO 1931 - 16 JUNIO 1978\".\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de conservación:\u003c\/b\u003e Bueno. El lienzo y la capa pictórica se encuentran en buen estado general. Se observa un pequeño roce superficial junto a la zona de la firma, que no afecta a la integridad de la obra y es visible en las fotografías. El marco de época presenta los signos lógicos de su antigüedad.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52285682286925,"sku":null,"price":920.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0407_01_78e5d6d4-e01c-4df9-8499-a919bf5e1bec.jpg?v=1792679191"},{"product_id":"david-monros-shomu-oleo-sobre-lienzo","title":"David Monrós — S’homu que no tenía barca (2006) — Óleo y técnica mixta sobre lienzo","description":"\u003cp\u003e\u003ci\u003eUn viaje interior cuando el viaje exterior es imposible.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa estructura blanca de la barca ocupa la mitad izquierda, mientras la figura sentada se recoge sobre sí misma en la zona derecha. Los trazos blancos y sus goteos contrastan con el fondo turquesa; en el cuerpo aparecen amarillos, verdes, azules y violetas. Las formas negras del entorno y el pequeño motivo solar de la parte alta introducen otros ritmos dentro del formato horizontal. La relación entre la barca vacía y la postura de la figura sostiene la tensión de la escena.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch2\u003eComposición y técnica\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eMonrós despliega en este lienzo un lenguaje que bebe directamente del arte urbano y el neoexpresionismo. La composición es audaz, dividiendo la obra en dos grandes campos visuales: a la izquierda, la presencia fantasmagórica y vacía de la barca esquelética, pintada con trazos gestuales y goteos que le confieren dramatismo; a la derecha, la escena de la figura humana, enmarcada en estructuras geométricas que recuerdan a un laberinto o un espacio opresivo. El artista combina el óleo con lo que parecen ser técnicas de spray y estarcido (stencil), creando una superficie rica en texturas y capas que refleja la complejidad del tema.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa paleta y la luz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl uso del color es la clave emocional de la obra. Monrós crea un violento contraste entre el entorno y el individuo. El fondo se mueve en una gama de grises, negros y un azul verdoso de resonancias industriales y melancólicas, salpicado por un verde fluorescente que introduce una nota de acidez urbana. En total oposición, la piel del hombre es un campo de batalla cromático de azules, violetas, amarillos y naranjas, una luz que emana de su propio ser. No hay una fuente de luz externa; es el personaje quien ilumina la escena con su propia energía contenida.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eContexto y significado\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl título, \"S’homu que no tenía barca\" (El hombre que no tenía barca), es profundamente evocador. En una cultura mediterránea donde la barca es símbolo de libertad, sustento y viaje, su ausencia se convierte en una poderosa metáfora. La obra nos habla de estar varado, de la impotencia ante un horizonte inalcanzable. Sin embargo, la figura no se muestra derrotada, sino en un estado de profunda concentración, casi fetal. Monrós no pinta una tragedia, sino un estado de resiliencia: cuando el mundo exterior nos detiene, la única exploración posible es la interior.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e David Monrós (n. 1960)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e S’homu que no tenía barca\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAño:\u003c\/b\u003e 2006\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Óleo y técnica mixta sobre lienzo\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eSoporte:\u003c\/b\u003e Lienzo\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 100 × 50 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmado «Monrós» en el ángulo inferior derecho del anverso; firmado, titulado y fechado en el reverso del lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Bueno. La obra se encuentra en buen estado de conservación, sin daños ni desperfectos reseñables.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52377789858125,"sku":null,"price":690.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0011_99430240-1f22-4168-97ce-fd5b585f0b8e.jpg?v=1792284329"},{"product_id":"patrick-loste-composicion-abstracta-jinete-telurico","title":"Patrick Loste — Jinete entre montañas, técnica mixta sobre cartón","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl caballo, el jinete y las montañas forman parte inseparable del universo de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePatrick Loste (Perpiñán, 1955)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e. En esta composición, el artista francés reúne tres de sus motivos más característicos en una pintura de intensa materialidad, donde las figuras emergen de un paisaje de ocres, negros y azules.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa cabeza del caballo se orienta hacia la izquierda, mientras el jinete, situado a su espalda, queda integrado en una amplia masa oscura. Ambos personajes se construyen mediante superficies de pigmento, incisiones y trazos claros que interrumpen la materia. Tras ellos se extiende un paisaje montañoso de tonos dorados y terrosos, coronado por una estrecha franja azul que sugiere el cielo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra establece un diálogo entre figuración y abstracción. El caballo y su jinete son perfectamente reconocibles, pero sus contornos se confunden con las texturas del terreno. Las montañas, lejos de actuar como un simple fondo, participan de la misma energía pictórica que anima a las figuras.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eUn pintor cuya vida transcurre entre caballos y montañas\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePara comprender la pintura de Patrick Loste hay que conocer su relación con el mundo ecuestre. Desde niño sintió fascinación por los caballos y comenzó a dibujarlos a una edad muy temprana. A los dieciséis años llegó a vender una serie de dibujos de estos animales durante una exposición en Céret, una experiencia que anticipaba su futura dedicación artística.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAños después, durante su estancia en Barcelona, aprendió el oficio de herrador, una profesión que lo mantuvo en contacto directo con los caballos y que precedió a su consolidación como pintor.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eActualmente vive y trabaja en las montañas de las Albères, en el sur de Francia, rodeado de naturaleza y de caballos que se mueven en semilibertad. Este entorno se ha convertido en una fuente constante de inspiración para su obra.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu pintura explora la relación entre el ser humano, el animal y el paisaje. Trabaja mediante superposiciones de pigmentos, trazos enérgicos y superficies de notable riqueza matérica, creando composiciones en las que las figuras parecen surgir de la propia tierra.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eUna trayectoria consolidada en el arte contemporáneo francés\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra de Loste cuenta con una extensa trayectoria expositiva, desarrollada desde la década de 1980. Ha presentado su trabajo en instituciones como el Musée d'Art Moderne de Céret, el Musée Hyacinthe Rigaud de Perpiñán y el Musée des Beaux-Arts de Carcassonne, además de participar en exposiciones y ferias internacionales.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu lenguaje artístico, situado entre la representación figurativa y la experimentación matérica, ha convertido al caballo y al jinete en algunas de las imágenes más reconocibles de su producción.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta composición constituye una expresión especialmente significativa de ese universo: la presencia humana y animal se funde con la montaña mediante una pintura que privilegia la materia, el movimiento y la evocación del territorio.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Patrick Loste (Perpiñán, Francia, 1955).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eJinete entre montañas\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e (título descriptivo).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Técnica mixta sobre cartón.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 52 × 35 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Obra contemporánea, sin fecha determinada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada «Loste» en la zona superior izquierda.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTemática:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Jinete a caballo, paisaje montañoso, figuración contemporánea.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general. Superficie de marcada textura y bordes irregulares, propios de las características materiales del soporte y de la ejecución.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEnmarcación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Sin enmarcar.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos ocres de las montañas contrastan con la masa oscura del caballo y el jinete. Las incisiones y los trazos claros recorren ambas zonas, de manera que figura y paisaje comparten una misma textura. La franja azul del borde superior introduce una pausa entre el relieve terrestre y el cielo.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52377829245261,"sku":null,"price":725.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0096_1e9ad4ad-661e-4393-b437-07ba3d973dc3.jpg?v=1791805300"},{"product_id":"ricardo-opisso-enterrament-poeta-iglesias-1928","title":"Atribuido a Ricard Opisso — Entierro del poeta Ignasi Iglésies (1928) — Dibujo Histórico","description":"\u003cp\u003eUn testimonio visual y un tributo a la Barcelona de 1928. Un documento gráfico de época donde la crónica social se transforma en una elegía personal, capturando la esencia del Modernismo catalán.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa historia tras el trazo\u003c\/b\u003e Para entender la magnitud de esta pieza, debemos situarla en el corazón de la efervescencia cultural de la Cataluña de principios de siglo. No estamos ante una simple representación de un artista y un poeta; estamos ante el cruce histórico de dos figuras fundamentales. Ricard Opisso (1880-1966) fue el gran cronista gráfico de la generación de Els Quatre Gats, e Ignasi Iglésies se erigió como uno de sus dramaturgos y poetas sociales más célebres. La composición, atribuida a Ricard Opisso, presenta el duelo colectivo como una despedida íntima.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eEl documento detrás de la obra\u003c\/b\u003e Una nota manuscrita al reverso relaciona la escena con el funeral de Iglésies en 1928 y recoge estas referencias:\u003c\/p\u003e\u003col start=\"1\"\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Emoción:\u003c\/b\u003e La inscripción \u003ci\u003e\"Ho va dibuixar plorant\"\u003c\/i\u003e (Lo dibujó llorando) atribuye al dibujante una reacción emocional. La frase forma parte del texto manuscrito del reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Composición:\u003c\/b\u003e La marea humana plasmada en el papel no es una masa anónima; es la sociedad barcelonesa rindiendo tributo. Como rasgo de genialidad compositiva, en el centro no se dibuja un féretro, sino el rostro enmarcado del poeta, erigiéndose como el epicentro espiritual del duelo.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Unicidad:\u003c\/b\u003e La nota afirma: \u003ci\u003e\"L'unic retrat que existeix de l'enterrament\"\u003c\/i\u003e (El único retrato que existe del entierro). La frase se recoge como parte de la inscripción del reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ol\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Atribuido a Ricard Opisso i Sala (1880-1966).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e Entierro del poeta Ignasi Iglésies.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eAño:\u003c\/b\u003e 1928, fecha del funeral representado según la nota del reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Tinta de época sobre papel.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 31,5 x 57 cm (Obra) | 54,5 x 79,5 x 2,5 cm (Marco).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Presenta la inscripción \"Opisso\" en el ángulo inferior derecho. Incluye nota histórica manuscrita al reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. Presenta leves puntos de foxing (manchas pardas) acordes a su antigüedad, que no afectan a la integridad del dibujo. Se entrega con marco si se desea.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa multitud se organiza alrededor del rostro enmarcado del poeta, que actúa como centro visual de la escena. La acumulación de figuras concentra el movimiento del dibujo y contrasta con la presencia estable del retrato. En el reverso, la nota manuscrita añade la referencia al funeral y las frases transcritas en la descripción.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52783994306893,"sku":null,"price":2200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0196_8753b6a4-a3cd-4b81-baf0-0ddd8393f433.jpg?v=1790820020"},{"product_id":"j-fin-jose-vilato-composicion-abstracta-oleo-acrilico-escuela-paris","title":"Atribuido a J. Fin (José Vilató) — Composición Abstracta — Óleo y acrílico","description":"\u003cp\u003eEquilibrio y materia en la Escuela de París. Una pieza de época que testimonia la abstracción estructural y sobria vinculada al círculo de José Vilató, logrando la emancipación artística frente a la herencia picassiana.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa identidad propia de J. Fin\u003c\/b\u003e José Vilató Ruiz, conocido artísticamente como J. Fin (1916-1969), enfrentó el reto de desarrollar una voz propia compartiendo linaje y estudio con su tío, Pablo Picasso. Esta composición abstracta, atribuida a su mano por sólidas similitudes técnicas y formales, es un testimonio de la madurez creativa asociada a la Escuela de París de posguerra. La obra no busca la mímesis, sino la construcción de un espacio autónomo basado en la fuerza del gesto y la solidez compositiva.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstructura y paleta cromática\u003c\/b\u003e Técnicamente, la pieza destaca por una arquitectura interna muy definida. La composición se ancla mediante trazos negros que ordenan el plano, permitiendo que las manchas de azul vibrante y blanco roto interactúen con libertad sobre una superficie rica en texturas. El uso del óleo y el acrílico le otorga a la pincelada un cuerpo y un peso físico evidentes, huyendo de la planitud. La paleta, sobria y elegante, refleja la estética de la posguerra francesa, priorizando el equilibrio visual sobre la estridencia.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Atribuido a J. Fin (José Vilató Ruiz, 1916-1969).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Sin título (Composición abstracta).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Mediados del siglo XX (Escuela de París).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo y acrílico de época sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 28 x 38 cm (obra) | 49 x 56 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Presenta la inscripción \"J. Fin\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. Presenta una pátina natural acorde a su antigüedad. Enmarcado con paspartú de calidad y moldura dorada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLo que hace rotunda a esta obra es su absoluta falta de artificios. Se percibe el trabajo de un pintor que domina el oficio y logra una estructura sólida con una economía de medios envidiable. Es pintura pura: color, materia y equilibrio.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52785939611981,"sku":null,"price":750.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0039-removebg-preview.png?v=1790858846"},{"product_id":"patrick-loste-dos-figuras-tecnica-mixta-original","title":"Patrick Loste — Dos figuras (1983) — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cdiv class=\"bot-name gds-title-s ng-tns-c142734555-84 ng-star-inserted\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv class=\"response-content ng-tns-c142734555-84\"\u003e\n\u003cdiv class=\"markdown markdown-main-panel stronger enable-updated-hr-color\" id=\"model-response-message-contentr_b584c5d0fd35c473\" dir=\"ltr\"\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cem\u003eDos figuras reclinadas entre manchas anaranjadas y trazos azules.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"5\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003ePatrick Loste (n. 1955)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eSin Título (Pareja \/ Dos figuras)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e 1983\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eTécnica mixta sobre papel\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e32 x 44 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eFirmado en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eColección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eEl reverso presenta manchas ocres visibles en las fotografías.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003chr data-path-to-node=\"6\"\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl artista y la obra\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePatrick Loste (Perpiñán, 1955) vive y trabaja en las Albères, en los Pirineos Orientales. Durante sus primeros años en Barcelona compaginó la pintura con su formación como herrador, un oficio vinculado a su interés por los caballos.\u003c\/p\u003e\n\u003col start=\"1\" data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb\u003eComposición:\u003c\/b\u003e Dos figuras reclinadas ocupan casi todo el papel. Sus perfiles y cuerpos están dibujados con líneas negras y azules, mientras amplias manchas anaranjadas unen ambas presencias sobre un fondo claro.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb\u003eColor y trazo:\u003c\/b\u003e El azul destaca en líneas y manchas que atraviesan los cuerpos y recorren la zona inferior. Aparecen también matices violetas, verdes y grises. La alternancia entre contornos finos y trazos más anchos da movimiento a la composición.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ol\u003e\n\u003chr data-path-to-node=\"10\"\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15\"\u003eLa proximidad de las dos figuras concentra la lectura en la relación entre sus perfiles y el dibujo de los cuerpos. El anaranjado forma una superficie continua, mientras los trazos azules la recorren en varias direcciones. En la zona inferior, las líneas se superponen con manchas violetas y verdes; hacia la parte alta, el fondo claro deja más espacio alrededor de las cabezas. La firma y la fecha «Loste 83» aparecen en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52792963432781,"sku":null,"price":295.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0245_01_61df6587-82ac-4c55-938b-23db9d015ad0.jpg?v=1792249118"},{"product_id":"francois-boucher-etude-champetre-grabado-frances-siglo-xix","title":"Según François Boucher — “Étude Champêtre” — Aguafuerte coloreado — Escuela Francesa, s. XIX","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eElegante estampa francesa inspirada en el universo pastoril de \u003cstrong\u003eFrançois Boucher (1703–1770)\u003c\/strong\u003e, uno de los grandes representantes del Rococó francés. La escena reúne pastores, jóvenes parejas, rebaños y arquitectura fantástica en un paisaje idealizado de marcado carácter dieciochesco.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa composición está realizada mediante un minucioso trabajo de línea y trama, enriquecido posteriormente con delicados realces de color en azules, verdes, rosas y blancos que acentúan determinadas figuras y elementos del paisaje.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLa pastoral rococó\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eDurante el siglo XVIII, François Boucher convirtió la pastoral galante en uno de los motivos más reconocibles de su producción. Sus paisajes no pretendían representar la vida rural de forma documental, sino construir un mundo idealizado poblado por pastores elegantes, jóvenes enamorados, animales y arquitecturas caprichosas.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEsta composición responde plenamente a ese imaginario.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEn primer término se desarrolla una sucesión de pequeñas escenas humanas: un joven transporta a una muchacha, otra pareja aparece reclinada entre la vegetación y varios animales ocupan el espacio central. Al fondo, árboles, construcciones y desniveles arquitectónicos amplían el paisaje y producen una considerable sensación de profundidad.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLa obra gráfica según Boucher\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa extraordinaria difusión de la obra de Boucher hizo que sus composiciones fueran trasladadas al grabado por numerosos artistas tanto durante el siglo XVIII como posteriormente.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEn esta estampa, el dibujo se construye mediante una trama extremadamente detallada de líneas paralelas, cruzadas y curvas, especialmente visible en las arquitecturas, vegetación, ropajes y superficies del agua.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLos pequeños realces cromáticos rompen deliberadamente el predominio monocromo de la impresión y aportan a la escena una apariencia decorativa especialmente atractiva.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEn el margen inferior derecho figura impresa la leyenda \u003cstrong\u003e“Étude Champêtre à l’Eau-forte de BOUCHER”\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eFrançois Boucher\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003e\u003cstrong\u003eFrançois Boucher (París, 1703–1770)\u003c\/strong\u003e fue una de las figuras fundamentales del Rococó francés. Pintor, dibujante y grabador, desarrolló una extensa producción dedicada a escenas mitológicas, alegorías, pastorales y composiciones galantes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eSu éxito produjo una enorme difusión gráfica de sus imágenes: además de sus propios aguafuertes, numerosos grabadores franceses reprodujeron sus pinturas y dibujos, contribuyendo decisivamente a la expansión internacional de su lenguaje artístico.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eFicha técnica\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor de la composición:\u003c\/strong\u003e Según François Boucher (París, 1703–1770).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGrabador:\u003c\/strong\u003e No identificado.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eÉtude Champêtre\u003c\/em\u003e \/ \u003cem\u003eEstudio campestre\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInscripción:\u003c\/strong\u003e “Étude Champêtre à l’Eau-forte de BOUCHER”.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eCronología:\u003c\/strong\u003e Probablemente siglo XIX.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Aguafuerte \/ estampa calcográfica con realces de color sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas:\u003c\/strong\u003e 35,5 × 57 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEscuela:\u003c\/strong\u003e Escuela Francesa.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstilo:\u003c\/strong\u003e Rococó \/ interpretación historicista.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTema:\u003c\/strong\u003e Escena pastoril \/ paisaje galante.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eReferencia artística:\u003c\/strong\u003e François Boucher.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Estado acorde con su antigüedad. El papel presenta tonalidad y pequeñas señales propias del paso del tiempo. La hoja conserva una buena lectura general y los realces cromáticos permanecen visibles.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h3\u003e\u003cp dir=\"auto\"\u003eLos grupos de figuras ocupan la parte baja de la composición: a la izquierda, un joven lleva a una muchacha; hacia el centro, los animales y la pareja sentada reúnen varias direcciones de movimiento. El arco del puente abre el espacio a la derecha, mientras los árboles y la construcción del fondo elevan la mirada. Los pequeños toques de azul, rosa y verde se distribuyen sobre la trama de líneas y permiten seguir las figuras entre la vegetación.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52793258541389,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0319_0397c329-208d-441a-9da6-a232b5c6052a.jpg?v=1789741620"},{"product_id":"josep-barrenechea-retrato-masculino-carboncillo-original","title":"Josep Barrenechea — Retrato masculino (1972) — Carboncillo sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003ci\u003eUn estudio psicológico de luces y sombras.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Josep Barrenechea Tubilla (Barcelona, 1908 – 1991).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e Retrato Masculino.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño:\u003c\/b\u003e 1972\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Carboncillo sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 48 x 32 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmado \"Barrenechea\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado:\u003c\/b\u003e Bueno.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003chr data-path-to-node=\"8\"\u003e\n\n\u003ch2\u003eEl retrato y el trazo\u003c\/h2\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003eJosep Barrenechea Tubilla no fue un aficionado; fue un pintor figurista que expuso en los míticos \u003cb\u003eSalones de Primavera de Barcelona\u003c\/b\u003e de los años 30 (1933-1937) y en el \u003cb\u003eSaló d'Independents\u003c\/b\u003e de 1936. Pertenece a esa generación de oficio sólido que mantuvo viva la figuración clásica a través de las décadas convulsas del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl modelo aparece de busto y en tres cuartos, con el cabello peinado hacia atrás, bigote, chaqueta y corbata. Las sombras del carboncillo definen los ojos, la nariz y las mejillas, mientras los trazos paralelos describen las solapas y los hombros. El fondo claro permite distinguir el perfil de la cabeza y la silueta del traje.\u003c\/p\u003e\n\u003chr data-path-to-node=\"13\"\u003e\n\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas líneas curvas del cabello contrastan con los trazos oblicuos de la chaqueta. En el rostro, el sombreado es más compacto alrededor de los ojos y bajo la nariz y el mentón; las zonas claras de la frente y las mejillas dan volumen a la cabeza. El dibujo se abre hacia los bordes de los hombros, donde los trazos quedan separados y dejan visible el papel.\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52793523601741,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0376_01_20aaa58e-e6c2-4183-af70-a1ab282e0ccf.jpg?v=1792250064"},{"product_id":"magda-folch-doble-retrato-pareja-1973-tinta-sobre-papel","title":"Magda Folch — Doble retrato de pareja, 1973 — Tinta sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eDos figuras se aproximan en un doble retrato a tinta, firmado «Magda Folch» y fechado en 1973. La artista construye rostros, cabellos y un gesto de cercanía a partir de un dibujo de línea contenida sobre el blanco del papel.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eMagda Folch y el arte del retrato\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eMagda Folch Solé (Reus, 1903 – Tarragona, 1981) fue una pintora, dibujante y docente catalana. Se formó en la Escola Municipal d’Arts i Oficis de Reus y desarrolló una trayectoria expositiva vinculada a Reus, Barcelona y Tarragona. El retrato ocupó un lugar destacado en su producción, hasta el punto de motivar la exposición \u003cem\u003eMagda Folch. La mestria del retrat\u003c\/em\u003e, presentada en el Museu de Reus en 2016.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eUna composición resuelta con la línea\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl rostro barbado de la izquierda y el rostro de la derecha se disponen muy próximos, con las miradas dirigidas hacia el espectador. La línea, irregular y deliberadamente económica, perfila los ojos, los labios y el cabello sin recurrir a extensas zonas sombreadas. Una mano sobre el hombro enlaza las dos figuras y concentra el sentido de proximidad. La amplia superficie sin cubrir concede protagonismo al trazo y al diálogo entre ambos rostros.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutora:\u003c\/strong\u003e Magda Folch Solé (1903–1981); obra con firma «Magda Folch».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo descriptivo:\u003c\/strong\u003e Doble retrato de pareja.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFecha:\u003c\/strong\u003e 1973, inscrita como «73» junto a la firma.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Tinta sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 49,5 × 34,5 cm (alto × ancho).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e «Magda Folch», en la zona inferior izquierda.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Papel con algunas manchas y señales de envejecimiento, especialmente en zonas marginales; el dibujo principal conserva buena legibilidad.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución para examinar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl interés de este dibujo reside en la economía de medios: los rostros adquieren presencia con muy pocos elementos, y la mano apoyada sobre el hombro introduce un vínculo entre las figuras sin necesidad de construir un escenario.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803348037965,"sku":null,"price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0150_43043e9c-6f0b-47c3-ab10-3fe9f4d2fb26.jpg?v=1792677700"},{"product_id":"josep-rigol-fornaguera-apunte-de-avila-plaza-e-iglesia-de-las-vacas-dibujo-preparatorio-con-anotaciones-lapiz","title":"Josep Rigol i Fornaguera — Apunte de Ávila, plaza de las Vacas — Lápiz sobre papel, siglo XX","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDibujo original a lápiz sobre papel de Josep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e, dedicado a un rincón de Ávila identificado en las anotaciones de la propia hoja con el entorno de la plaza de las Vacas. La composición reúne la arquitectura de una iglesia, construcciones del entorno y una cruz de piedra en primer plano. Más que una vista terminada, es un apunte de trabajo en el que el artista observa la relación entre los elementos y ensaya su disposición en el espacio.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl dibujo está resuelto mediante trazos de grafito de distinta intensidad. Las líneas principales delimitan las formas arquitectónicas y los volúmenes, mientras los sombreados breves y las zonas del papel que permanecen en blanco permiten diferenciar planos y sugerir la luz. La cruz del primer término actúa como referencia visual y establece un diálogo con la arquitectura religiosa del fondo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUn rasgo especialmente interesante son las \u003cstrong\u003enotas manuscritas en catalán\u003c\/strong\u003e que acompañan la imagen. Entre ellas se ha leído una indicación relativa al desplazamiento de la cruz hacia la derecha. Estas anotaciones muestran que Rigol no se limitaba a registrar el motivo: también reconsideraba su encuadre y organización compositiva. No se ha documentado, sin embargo, que el apunte sirviese efectivamente como preparación para un óleo o grabado posterior.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa obra resulta representativa del dibujo como instrumento de observación y estudio, una faceta especialmente relevante en la trayectoria de Rigol por su formación académica, su dedicación al grabado y su prolongada actividad docente. La identificación del lugar se mantiene de acuerdo con las inscripciones asociadas a la pieza; no se ha contrastado mediante una comparación topográfica concluyente.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eSobre el artista\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eJosep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e fue dibujante, grabador, pintor y una figura destacada de la enseñanza artística y la conservación patrimonial de Terrassa. Se formó inicialmente con Tomàs y Pere Viver y, becado por el Ayuntamiento de Terrassa, ingresó en 1922 en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. Tras su formación y estancias artísticas europeas, regresó a Terrassa, donde desarrolló buena parte de su carrera como profesor de dibujo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eFue presidente de Amics de les Arts y director de la Escuela de Artes y Oficios de Terrassa entre 1961 y 1979. Vinculado durante décadas al patrimonio local, participó en la protección de las iglesias de Sant Pere durante los acontecimientos de 1936 y en el impulso de las colecciones del Museu de Terrassa. Su trayectoria fue objeto de la monografía \u003cem\u003eJosep Rigol i Fornaguera: l'home, l'artista i el mestre\u003c\/em\u003e, editada por el Museu de Terrassa en 2011.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Josep Rigol i Fornaguera (1897–1986).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo descriptivo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eApunte de Ávila: plaza e iglesia de las Vacas\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eCronología:\u003c\/strong\u003e Siglo XX, sin fecha documentada en la ficha.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Lápiz grafito sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas:\u003c\/strong\u003e 29 × 24,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Firmado «J. Rigol F.» en el ángulo inferior derecho, con anotaciones de trabajo manuscritas.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Papel de tonalidad envejecida, con tres manchas rectangulares oscuras, probablemente relacionadas con antiguos elementos de fijación, y bordes irregulares. Las manchas son visibles y forman parte del estado actual de la obra; no se ha realizado un examen de conservación presencial.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl interés de este dibujo reside tanto en su representación arquitectónica como en su condición de apunte de trabajo. Las indicaciones escritas junto a la imagen permiten observar una fase del proceso compositivo que normalmente desaparece de las obras acabadas. La cruz, la iglesia y las correcciones manuscritas convierten una vista de paisaje urbano en un testimonio particularmente cercano de la práctica del dibujo de Josep Rigol.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803640066381,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-18_021509892.png?v=1792282513"},{"product_id":"maria-assumpcio-raventos-composicion-azul-1993-tecnica-mixta","title":"Maria Assumpció Raventós — Composición azul (1993) — Técnica mixta y collage textil sobre tabla","description":"\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eEntre materia, paisaje y memoria\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUna extensa gama de azules recorre la composición de arriba abajo. Sobre ella aparecen zonas veladas, manchas, tejidos incorporados y formas que parecen surgir y desaparecer antes de llegar a convertirse en imágenes reconocibles.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eMaria Assumpció Raventós organiza la obra mediante grandes franjas horizontales. En la zona superior, una atmósfera azul grisácea y ligeramente violácea alberga pequeñas manchas oscuras y una forma circular blanca que concentra inmediatamente la mirada. Más abajo, una superficie irregular atravesada por textiles y pigmentos claros introduce una dimensión física y casi topográfica, mientras la parte inferior se construye con bloques de azul mucho más densos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl resultado puede recordar vagamente a un paisaje: cielo, horizonte, agua o tierra. Sin embargo, Raventós evita convertir esas asociaciones en una representación concreta. La imagen permanece abierta, situada deliberadamente entre la naturaleza observada y la abstracción.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003emateria\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e desempeña un papel esencial. En determinadas zonas, una trama textil queda incorporada a la superficie, atrapando el pigmento y creando pequeñas irregularidades. No funciona como un simple recurso decorativo: introduce volumen, modifica la forma en que la luz incide sobre el cuadro y conecta directamente la pintura con la larga investigación de Raventós en torno al tejido.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn medio de una composición dominada por tonos fríos, la forma circular clara del tercio superior funciona como un punto de silencio. Puede evocar un astro, un reflejo o simplemente una presencia lumínica, pero la artista deja que sea el espectador quien complete esa lectura.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eMaria Assumpció Raventós — Del grabado y el tapiz a la pintura\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMaria Assumpció Raventós i Torras\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e ocupa un lugar singular dentro del arte catalán de la segunda mitad del siglo XX por haber desarrollado paralelamente pintura, grabado y arte textil.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eFormada en la Escola Superior de Belles Arts de Sant Jordi de Barcelona, profundizó posteriormente en las técnicas del grabado y la litografía y formó parte de la renovación del tapiz contemporáneo catalán vinculada al entorno de Josep Grau-Garriga.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu trayectoria recibió importantes reconocimientos: obtuvo el \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePrimer Premio de Grabado de la Exposición Nacional de Bellas Artes en 1971\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, el \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePremio Ciudad de Barcelona de Grabado en 1973\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, la \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMedalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1976\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, un premio en la Bienal Internacional Textil de Bratislava en 1987 y la \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCreu de Sant Jordi en 1991\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePrecisamente durante los años noventa su producción volvió a orientarse con especial intensidad hacia la pintura, desarrollando composiciones donde grandes masas cromáticas, texturas y recuerdos del lenguaje textil se integran dentro de una superficie cada vez más abstracta.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu obra está representada en instituciones como el \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMNAC, MACBA, Museu del Disseny de Barcelona, Museu d’Art de Girona, Museu de l’Empordà, Fundació Palau y Biblioteca Museu Víctor Balaguer\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, entre otras.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003e1993 — Pintura y tejido en una misma superficie\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta obra resulta especialmente interesante por su fecha.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eRealizada en \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e1993\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, aparece justo en el periodo en el que Raventós desarrollaba con mayor intensidad su pintura tras décadas de experimentación con grabado y tapiz.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAquí esos lenguajes no están completamente separados. La pintura incorpora fragmentos textiles y aprovecha su trama para modificar la superficie. Los azules se depositan, se arrastran y quedan retenidos de manera distinta según el material sobre el que trabajan.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra conserva así algo de sus investigaciones textiles anteriores, pero trasladadas al terreno de la pintura.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eProcedencia documentada — Supermercat d’Art 93-94\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pieza conserva en el reverso su etiqueta original del \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSupermercat d’Art 93-94 de American Prints\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, correspondiente a la décima edición de la muestra.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn ella consta expresamente que \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAmerican Prints y la autora certificaban la autenticidad de la obra\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, proporcionando una procedencia contemporánea a su realización particularmente interesante.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa documentación coincide además cronológicamente con la fecha que parece acompañar a la firma en el anverso.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutora:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Maria Assumpció Raventós i Torras (Sant Sadurní d’Anoia, 1930)\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eComposición azul\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e — título descriptivo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFecha:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 1993\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Técnica mixta con collage textil sobre tabla\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones de la obra:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 47 × 32,5 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones con marco:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 64 × 49 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada “M. A. Raventós” y fechada “93” en el ángulo inferior derecho\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstilo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Abstracción matérica \/ abstracción lírica\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePeriodo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Producción pictórica de los años noventa\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eProcedencia:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e American Prints, 10.ª edición del Supermercat d’Art, 1993-1994\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDocumentación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Etiqueta original al reverso certificando la autenticidad de la obra y su participación en la muestra\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePresentación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Enmarcada\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general, conservando la riqueza de texturas y los materiales incorporados a la superficie. Se observan pequeñas señales compatibles con su antigüedad y con la propia naturaleza matérica de la técnica. Las fotografías forman parte de la descripción del estado de conservación.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller — Pintar con la memoria del tejido\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eHay una razón por la que esta obra resulta especialmente representativa de Maria Assumpció Raventós.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDurante décadas, el tejido había sido para ella algo más que un soporte artesanal: podía doblarse, romperse, adquirir volumen y ocupar el espacio. Cuando en los años noventa la pintura recuperó protagonismo en su producción, parte de aquella manera de entender la materia continuó presente.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAquí el tejido permanece literalmente dentro del cuadro.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLas tramas aparecen y desaparecen bajo el azul, la pintura se deposita de manera distinta sobre cada superficie y una forma blanca parece flotar sobre un espacio que nunca llega a convertirse completamente en paisaje.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa etiqueta original del \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSupermercat d’Art 93-94\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, contemporánea a la ejecución, completa además una obra con una procedencia particularmente bien documentada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803727393101,"sku":null,"price":295.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0123_01_7c1c77b6-6ea7-4e59-adaf-2935a79df0b0.jpg?v=1790864289"},{"product_id":"michel-henricot-la-dame-dans-le-bain-realismo-fantastico-serigrafia","title":"Michel Henricot — La dame dans le bain — Serigrafía","description":"\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci class=\"\"\u003eUna visión hipnótica y atemporal del cuerpo humano, donde la figura no se baña, sino que parece levitar en un estado de suspensión eterna.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eEl Cuerpo como Arquitectura\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Michel Henricot (Francia,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 1936–2022) fue un maestro del \"Realismo Fantástico\".\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Su obra se aleja del surrealismo onírico de Dalí para adentrarse en algo más solemne y misterioso.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Henricot estaba obsesionado con el cuerpo humano,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e pero no como carne viva,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e sino como estructura fosilizada,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e momificada o etérea.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Esta obra,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003ci class=\"\"\u003eLa Dame dans le bain\u003c\/i\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e (La dama en el baño),\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e es un ejemplo clásico de su imaginario:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e la figura humana encapsulada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAnálisis Visual: La Crisálida\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La perspectiva es cenital (vista desde arriba),\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e lo que nos coloca en una posición de observadores privilegiados.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La figura femenina no parece estar sumergida en agua común,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e sino en un fluido amniótico o energético de tonos turquesas y esmeraldas luminiscentes.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Lo fascinante es el tratamiento de la anatomía:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Henricot envuelve el cuerpo en bandas o veladuras que recuerdan a las vendas de una momia o a una armadura biológica.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e No hay movimiento; hay un silencio absoluto.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La composición ovalada refuerza la idea de útero,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e sarcófago o cápsula de hibernación de ciencia ficción.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Es una imagen que oscila entre lo ancestral (la muerte\/el rito) y lo futurista.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTécnica\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La serigrafía captura perfectamente las transparencias y los degradados sutiles que caracterizan la pintura de Henricot.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e El efecto de \"resplandor\" alrededor del cuerpo está muy bien conseguido,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e creando esa atmósfera sobrenatural típica del autor.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Michel Henricot (1936–2022).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003ci class=\"\"\u003eLa Dame dans le bain\u003c\/i\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e (La dama en el baño).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Circa 1970–1980.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Serigrafía a color sobre papel de alto gramaje.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 65 x 50 cm (Papel).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Firmada a lápiz \"Henricot\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Numerada 78\/100 en el izquierdo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Bueno.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La imagen central está en buen estado y mantiene sus colores vibrantes.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e L\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003eos márgenes blancos presentan \u003c\/span\u003e\u003ci class=\"\"\u003efoxing\u003c\/i\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e (puntos de óxido). \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa figura ocupa el centro de una forma ovalada y se presenta desde un punto de vista elevado. Los tonos turquesas y esmeraldas envuelven el cuerpo, mientras las bandas y veladuras de la anatomía introducen un ritmo de líneas curvas. El resplandor alrededor de la silueta contrasta con la quietud de la postura.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803974463821,"sku":null,"price":110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0070_cacfb206-6122-459c-91d0-4988f73abdbb.jpg?v=1790437922"},{"product_id":"rofer-roberto-fernandez-tras-el-telon-cronica-sovietica-ilustracion-original-de-prensa-tecnica-mixta","title":"Rofer (Roberto Fernández) — Tras el telón — Ilustración original — Técnica mixta sobre cartulina","description":"\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUna pieza de periodismo gráfico que captura, con la ironía y la rapidez del ilustrador de raza, la atmósfera de secretismo tras el Telón de Acero.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eEl Reportero Gráfico\u003c\/b\u003e Roberto Fernández «Rofer» (Segovia, 1931 – Madrid, 2019) fue un pintor, acuarelista e ilustrador español. Su producción abarcó la ilustración editorial y el dibujo de prensa. Esta obra no es un cuadro de gabinete; es una \u003cb\u003eilustración original\u003c\/b\u003e concebida para ser reproducida (posiblemente como cabecera de sección, portada de reportaje o libro). El título manuscrito \"TRAS EL TELÓN..\" y la arquitectura de Moscú permiten leer la escena en relación con el Telón de Acero y el contexto soviético de la Guerra Fría.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: La Mirada del Espía\u003c\/b\u003e La composición es teatral y narrativa. Un personaje masculino —probablemente un \u003ci\u003ealter ego\u003c\/i\u003e del periodista o del propio artista—, ataviado con el característico gorro de piel (\u003ci\u003eushanka\u003c\/i\u003e) y gafas, aparta unas pesadas cortinas azules para tomar notas. Su mirada, directa al espectador, nos hace cómplices de lo que está observando\/investigando.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eAl fondo, Rofer sitúa el icono por excelencia de Moscú: las cúpulas bulbosas de la Catedral de San Basilio, resueltas con trazos rápidos de tinta y manchas de color que sugieren la arquitectura sin detenerse en el detalle académico. La técnica es mixta: acuarela o aguada para las grandes masas de color (el cortinaje, la ropa) y tinta china o rotulador para perfilar los contornos con un grafismo nervioso y eficaz, propio de quien trabaja contra el reloj de la imprenta.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Rofer (Roberto Fernández, 1931–2019).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Tras el telón (Periodista en Moscú).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e Circa 1970-1980.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta sobre cartulina.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 69,5 x 49,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmada \"Rofer\" en vertical, en la zona central izquierda. Título manuscrito en la zona superior derecha.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Aceptable. La imagen central y los colores están en excelente estado, vibrantes y frescos. Se aprecian manchas de oxidación (\u003ci\u003efoxing\u003c\/i\u003e) y suciedad en el margen derecho, fuera de la ilustración principal, visibles en las fotografías.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEsta obra me divierte y me fascina a partes iguales. Tiene esa cualidad cinematográfica de las películas de espías de los 70. Rofer tenía una capacidad única para caracterizar personajes con cuatro líneas; fíjese en la expresión del periodista, mezcla de curiosidad y cautela.\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804294869325,"sku":null,"price":195.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0080_490999dd-05d2-4c83-ad88-3826bd139acf.jpg?v=1790438102"},{"product_id":"sabrina-sampere-escena-portuaria-y-urbana-apunte-del-natural-1998-carboncillo","title":"Sabrina Sampere — Escena portuaria y urbana (apunte del natural, 1998) — Carboncillo","description":"\u003chr data-path-to-node=\"1\" class=\"\"\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"2\"\u003e \u003c\/p\u003e\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eLa actividad de un puerto y su entorno urbano, captada con trazos de carboncillo que alternan líneas precisas y zonas difuminadas.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eSabrina Sampere y el dibujo\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eSabrina Sampere (Sabadell, 1975) se licenció en Bellas Artes en Barcelona en 1998. Su lenguaje plástico parte de la figuración. En este dibujo, fechado ese mismo año, reúne la embarcación y el movimiento urbano mediante el contraste entre trazos densos y líneas más ligeras.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAnálisis Visual: El Ritmo de la Ciudad\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La composición se divide en dos planos narrativos.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e En primer término,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e la cubierta de una embarcación,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e con sus elementos técnicos (cabos,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e bombonas,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e estructuras) resueltos con un trazo de carboncillo denso,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e negro y graso,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e que ancla la mirada.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e En segundo plano,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e tras un muro o muelle,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e la vida urbana:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e coches,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e viandantes y rótulos comerciales (se lee parcialmente \"NAUTIC...\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e\") esbozados con un trazo mucho más ligero y atmosférico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cspan class=\"\"\u003eSampere utiliza el carboncillo en todas sus vertientes:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e la línea afilada para definir la arquitectura del barco y el difumino (o el dedo) para crear las sombras y la sensación de movimiento y humo en la calle.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Es una obra de atmósfera,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e gris y plateada,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e que captura la luz húmeda del puerto.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Sabrina Sampere.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Vista del puerto y tráfico urbano.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 1998 (Fechado junto a la firma).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Carboncillo sobre papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 56 x 40 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Firmada \"Sabrina Sampere\" y fechada \"98\" en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Bueno.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e El papel presenta un ligero tono natural por el paso del tiempo,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e pero sin manchas de humedad evidentes en la imagen.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eMe gusta esta obra porque es \"cine negro\". Tiene una atmósfera de novela policíaca, de puerto activo y ruidoso. El contraste entre la solidez estática del barco en primer plano y el caos de los coches al fondo está muy bien resuelto.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804341203277,"sku":null,"price":145.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0129_01_449115cb-79f1-4902-b984-244f2c2bb8a4.jpg?v=1792678124"},{"product_id":"gines-serran-pagan-composicion-habana-1987","title":"Ginés Serrán Pagán — Composición de La Habana (1987) — Técnica mixta","description":"\u003cp\u003eUna obra creada en \u003cstrong\u003eLa Habana en 1987\u003c\/strong\u003e, el mismo año en que Ginés Serrán Pagán expuso en Casa de las Américas. Firmada y numerada \u003cstrong\u003e6\/12\u003c\/strong\u003e, pertenece a una edición de doce ejemplares.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eGinés Serrán Pagán (Ceuta, 1949)\u003c\/strong\u003e ha construido una trayectoria difícil de separar del viaje. Artista y antropólogo, desarrolló buena parte de su carrera entre Nueva York, Europa, Latinoamérica y Asia, incorporando a su lenguaje plástico las huellas de los lugares, culturas y experiencias que encontraba en el camino.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEsta obra conserva una inscripción especialmente reveladora: \u003cstrong\u003e“Havana” y la fecha 1987\u003c\/strong\u003e. No se trata de una referencia geográfica arbitraria. Ese mismo año Serrán Pagán se encontraba en Cuba, donde fue invitado a presentar su trabajo en \u003cstrong\u003eCasa de las Américas, La Habana\u003c\/strong\u003e. Su presencia en la ciudad aparece además documentada en la prensa cubana de marzo de 1987.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa pieza adquiere así el carácter de un \u003cstrong\u003etestimonio material de aquel momento de su trayectoria\u003c\/strong\u003e: una abstracción nacida dentro de un contexto biográfico perfectamente identificable.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eVisualmente, Serrán Pagán construye una superficie que recuerda simultáneamente a un \u003cstrong\u003emapa, un muro erosionado y una página antigua\u003c\/strong\u003e. El fondo de tonos ocres y tierras conserva manchas, transparencias y pequeñas variaciones de pigmento sobre las que emerge una poderosa estructura de líneas negras.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDentro de ella aparecen signos, trazos y formas fragmentarias que parecen estar a medio camino entre la escritura y la imagen. Los rojos, amarillos y azules surgen de manera puntual sobre el fondo cálido, aportando tensión a una composición deliberadamente irregular.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa riqueza de la superficie es una de las características más interesantes de la obra. \u003cstrong\u003eEstampación, textura y posteriores intervenciones pictóricas parecen convivir sobre el mismo papel\u003c\/strong\u003e, un procedimiento coherente con la investigación técnica que Serrán Pagán desarrolló desde comienzos de los años ochenta.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa pieza está numerada \u003cstrong\u003e6\/12\u003c\/strong\u003e, correspondiente al sexto ejemplar de una edición de doce.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Ginés Serrán Pagán (Ceuta, 1949).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eHavana\u003c\/em\u003e. Composición abstracta.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eLugar y Fecha:\u003c\/strong\u003e La Habana, 1987.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEdición:\u003c\/strong\u003e Ejemplar \u003cstrong\u003e6\/12\u003c\/strong\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Obra gráfica original en técnica mixta sobre papel, con estampación e intervención pictórica.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e \u003cstrong\u003e73,5 × 49,5 cm\u003c\/strong\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmada a lápiz \u003cstrong\u003e“Ginés Serrán Pagán”\u003c\/strong\u003e en el margen inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInscripciones:\u003c\/strong\u003e Localizada y fechada manuscritamente. Numerada 6\/12.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de Conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eContexto:\u003c\/strong\u003e Realizada en el año de la estancia de Ginés Serrán Pagán en Cuba y de su exposición en Casa de las Américas, La Habana.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa estructura de líneas negras organiza el fondo ocre y terroso, entre transparencias y zonas de pigmento más denso. Los acentos rojos, amarillos y azules aparecen de forma puntual y marcan recorridos entre los signos. La inscripción «Havana», la fecha 1987 y la numeración 6\/12 completan la lectura del papel.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804497113421,"sku":null,"price":1350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0215_01_8405e48b-710c-496d-8d20-256437fb6436.jpg?v=1790779119"},{"product_id":"escuela-espanola-s-xix-xx-la-lectora-segun-fragonard-academicismo-carboncillo","title":"Escuela española (siglos XIX–XX) — La lectora — Carboncillo","description":"\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUn ejercicio de virtuosismo académico que traduce al blanco y negro la intimidad y el silencio de una escena de lectura.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEl estudio de la figura y la luz\u003c\/b\u003e La obra representa a una joven absorta en la lectura, resuelta mediante una escala de grises y un modelado académico. El artista concentra la atención en el rostro, las páginas del libro y los pliegues de la vestimenta.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: La Luz del Conocimiento\u003c\/b\u003e La obra destaca por su exquisito tratamiento de la luz, que incide sobre el rostro de la joven y las páginas del libro, dejando el fondo en una penumbra aterciopelada que realza la intimidad de la escena. El uso del carboncillo es académico y pulcro: hay un modelado suave (\u003ci\u003esfumato\u003c\/i\u003e) en la piel de la chica y un trabajo volumétrico notable en los pliegues del vestido y el cojín, que contrastan con la oscuridad del respaldo de la silla.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eLa dedicatoria manuscrita en la esquina inferior derecha (\"Recuerdo a mi cariñosa hermana en el día de su Santo...\") nos revela la naturaleza íntima de la obra: no fue un encargo comercial anónimo, sino un regalo personal, realizado probablemente por un artista culto formado en la copia de museos.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Escuela Española \/ Catalana (Firma no identificada).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e La Lectora.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e Circa 1900-1930.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Carboncillo y difumino sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 62 x 46,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eInscripciones:\u003c\/b\u003e Dedicatoria manuscrita en el margen inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb style=\"font-size: 0.875rem;\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e\u003cspan style=\"font-size: 0.875rem;\"\u003e Buen estado. El dibujo central (la figura) se mantiene en perfecto estado de legibilidad y contraste. El papel presenta\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-size: 0.875rem;\"\u003e el tostado natural del soporte por el paso del tiempo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLo que me fascina de esta pieza es cómo logra capturar la absorción total de la lectura. El artista ha conseguido construir una escala de grises silenciosa y aterciopelada, creando una atmósfera de intimidad absoluta. Pero sobre todo, es la dedicatoria manuscrita lo que le da alma: transforma un estudio técnico en un testimonio personal de afecto familiar.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815284928845,"sku":null,"price":325.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0225_01_8f77c292-ee05-42e9-bede-8e5ecfe10c64.jpg?v=1790792379"},{"product_id":"domenec-malfeito-tanella-retrato-de-yorkshire-terrier-realismo-expresivo-tecnica-mixta-1981","title":"Domènec Malfeito Tanella — Retrato de Yorkshire terrier (1981) — Técnica mixta","description":"\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUna captura llena de ternura y carácter donde la rapidez del trazo logra transmitir la vivacidad eléctrica de la mascota.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eEl Retratista de Caracteres\u003c\/b\u003e Domènec Malfeito Tanella (Barcelona, 1936) es un artista que se ha movido con soltura entre el paisaje y la figura, pero es en el apunte del natural donde su mano demuestra mayor destreza. Realizada en 1981, esta obra se aleja del retrato de mascota estático y relamido para ofrecernos algo más moderno: la psicología del animal.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: La Textura del Nervio\u003c\/b\u003e Lo más destacado de esta pieza es cómo el artista resuelve la dificultad técnica del pelaje. En lugar de dibujar pelo a pelo, Malfeito utiliza un trazo negro (carbón o lápiz graso) muy gestual, rápido y enérgico. Esos rayones controlados crean la ilusión perfecta de la textura hirsuta y desordenada típica de los Yorkshire Terriers.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eEl fondo, resuelto con barridos verticales de sanguina o pastel en tono salmón, no solo aporta calidez, sino que empuja la figura hacia adelante, dándole volumen. La mirada del animal, centrada y brillante, actúa como el punto focal que humaniza la composición, conectando inmediatamente con el espectador.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Domènec Malfeito Tanella (1936 - ).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Retrato de Yorkshire Terrier.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e 1981 (Fechado bajo la firma).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta (Carboncillo\/Lápiz graso y sanguina\/pastel) sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 46,5 x 30 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmada \"D. Malfeito Tanella\" y fechada \"1981\" en el margen inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Bueno. El dibujo central está en perfecto estado. El papel presenta restos de cinta adhesiva antigua (\u003ci\u003etape marks\u003c\/i\u003e) en los márgenes superior, derecho e izquierdo, compatibles con una fijación anterior del papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003eLos trazos negros rápidos y entrecruzados sugieren el pelaje desordenado del Yorkshire terrier. La mirada concentra la atención, mientras las franjas verticales de tono salmón dan calidez al fondo y separan la silueta del animal del papel.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815408890189,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0024_52e9bc59-6875-480d-80f3-12324cf70f42.jpg?v=1792280095"},{"product_id":"julio-quesada-guilabert-retrato-de-caballero-escuela-espanola-1961-acuarela","title":"Julio Quesada Guilabert — Retrato de caballero — Acuarela sobre papel (1961)","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eRetrato masculino realizado en acuarela sobre papel por Julio Quesada Guilabert (Madrid, 1918–2009), firmado y fechado en 1961.\u003c\/strong\u003e La obra presenta a un caballero con camisa y corbata, cuyo rostro concentra la atención de la composición. La expresión y los matices de la mirada adquieren protagonismo frente a un fondo resuelto con mayor libertad.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLas aguadas transparentes, las superposiciones de color y las reservas de papel articulan las facciones mediante una paleta de ocres, rosados, azules y tonos violáceos. El tratamiento más suelto de la indumentaria contrasta con la observación detenida del rostro. Esta diferencia de ejecución aporta frescura al conjunto sin restar presencia al retratado.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eJulio Quesada Guilabert: la acuarela y el retrato\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eNacido en Madrid en 1918, Julio Quesada Guilabert se formó en la Escuela de Artes y Oficios y en la Escuela de Cerámica de Madrid. Desarrolló una extensa trayectoria dedicada especialmente a la acuarela, con una producción en la que sobresalen los retratos y los paisajes. Expuso en numerosas ciudades españolas y también en el extranjero. Su vinculación con Crevillent, localidad de origen de su familia, se refleja en el Museo Pintor Julio Quesada, dedicado a conservar y difundir su obra.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Julio Quesada Guilabert (Madrid, 1918–2009).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo descriptivo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eRetrato de caballero\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFecha:\u003c\/strong\u003e 1961.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e acuarela sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas de la obra:\u003c\/strong\u003e 43,5 × 31 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e firmada «Quesada» y fechada «61» en el ángulo inferior derecho, según los datos registrados de la obra.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e buen aspecto general en las fotografías disponibles; consultar para ampliar detalles.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eUn retrato que permite apreciar la vertiente más característica de Quesada: la construcción del carácter mediante el color, la luz y las transparencias propias de la acuarela. La fecha de 1961 sitúa la obra en una etapa de plena actividad del artista. Su interés reside tanto en la ejecución del rostro como en la espontaneidad de las zonas apenas sugeridas.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815514665293,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0009_03_59fe958a-f397-4ba7-bd70-0a283e7cb8e6.jpg?v=1792279990"},{"product_id":"candid-planas-maso-oleo-original-1939-bodegon-caza-sporting-art","title":"Cándid Planas Masó — Naturaleza muerta de caza (1939) — Óleo sobre lienzo","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003cem\u003eBodegón clásico de la escuela catalana. Un óleo original sobre lienzo fechado en 1939 que destaca por el dominio de las texturas y el contraste cromático entre la sobriedad del trofeo de caza y la viveza de los frutos.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa tradición del bodegón y el contexto histórico\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eCándid Planas Masó recupera en esta obra la tradición del trofeo de caza, un subgénero clásico que exige un alto nivel de virtuosismo técnico para la representación fiel de las texturas orgánicas. Ejecutada en 1939, una fecha clave en la historia contemporánea española, la pieza se aleja de la narrativa del momento para anclarse en la tangibilidad de la naturaleza muerta, el sustento y la vida rural, demostrando la pervivencia de los valores estéticos de la pintura clásica en tiempos de transición.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eComposición, textura y detalle narrativo\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eLa estructura visual es marcadamente vertical y rotunda. El artista aplica un empaste generoso y una pincelada direccional para captar la densidad del pelaje de la liebre y el plumaje del ave, contrastándolos con la suavidad volumétrica y la luminosidad de las uvas y la manzana. El detalle del cartucho de escopeta en el ángulo inferior actúa como cierre narrativo: no solo introduce un acento de color azul y latón en una paleta dominada por los tierras, sino que incorpora la huella de la acción cinegética humana en la composición.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"10\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Cándid Planas Masó.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Naturaleza muerta de caza con liebre y frutas (Bodegón \/ Sporting Art).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e 1939 (Escuela Catalana).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo sobre lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 64 x 49 cm (lienzo) | 78 x 63 x 5 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"C. Planas Masó\" y fechado \"39\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. Lienzo estable y bien tensado, sin alteraciones estructurales aparentes. El marco clásico con filete dorado acompaña a la obra y presenta desgaste natural acorde a su antigüedad.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y comprobar su estado.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa liebre y el ave forman el eje vertical del bodegón. Los trazos que describen el pelaje y las plumas contrastan con las superficies más suaves de la fruta. En la parte inferior, el cartucho introduce un pequeño acento azul y metálico dentro de la gama de tierras.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815712158029,"sku":null,"price":195.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0175_86ec6d00-04b3-4333-9cb1-14590b38116f.jpg?v=1790819804"},{"product_id":"ramon-marti-alsina-oleo-original-apunte-fluvial-realismo-siglo-xix","title":"Atribuido a Ramón Martí Alsina — Apunte fluvial con figuras — Óleo sobre lienzo, siglo XIX","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eHay paisajes que no necesitan grandes dimensiones para abrir un mundo. En este pequeño óleo, atribuido a Ramón Martí Alsina, el río, las figuras y la luz comparten un instante de quietud.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eUna pausa a la orilla del río\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDos figuras ocupan el primer término, junto al agua. Una permanece erguida; la otra se recoge cerca de la orilla. No sabemos quiénes son ni qué las ha llevado hasta allí. Esa discreción es parte del encanto de la escena: basta su presencia para que el paisaje deje de ser un lugar vacío y se convierta en un espacio vivido.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa mirada cruza las franjas claras del cauce y alcanza la otra ribera, donde los tonos ocres de la tierra se encuentran con árboles, vegetación y pequeñas construcciones. Más lejos, una línea suave de montañas cierra el horizonte bajo un cielo de luz templada. El formato panorámico convierte apenas 13 × 34 centímetros de tela en una escena de sorprendente amplitud.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl paisaje contado con manchas de color\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl interés del apunte está en su economía de medios. Las figuras se definen con trazos breves; los reflejos del agua, con bandas de luz; las copas de los árboles, con manchas verdes que dan ritmo a la ribera. Las tierras cálidas y los grises del fondo construyen la profundidad sin recurrir a un detalle minucioso. Es una pintura para recorrer despacio, siguiendo la conversación entre el agua, la orilla y el horizonte.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEsta sensibilidad hacia la luz y el paisaje cotidiano permite leer la pieza en el contexto del realismo catalán del siglo XIX, asociado a figuras como Martí Alsina.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutoría:\u003c\/strong\u003e Atribuido a Ramón Martí Alsina (Barcelona, 1826–1894).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Apunte fluvial con figuras.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉpoca:\u003c\/strong\u003e Segunda mitad del siglo XIX (c. 1870–1890), según la catalogación de la pieza.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Óleo sobre lienzo crudo, sin bastidor.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 13 × 34 cm, formato panorámico.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Firma «R. Martí» en el ángulo inferior derecho, según la ficha de la obra.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Aceptable, con desgaste. El lienzo carece de bastidor y presenta bordes irregulares y una rotura\/pérdida de soporte en el margen inferior derecho. Se recomienda un montaje de conservación para estabilizar y proteger la pieza.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y comprobar su calidad pictórica.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLo que invita a volver a este paisaje es la relación entre su tamaño íntimo y la amplitud que sugiere. Las figuras apenas ocupan unos centímetros, pero hacen habitable toda la escena. Un enmarcado respetuoso con la tela suelta permitiría disfrutar de esa delicadeza sin ocultar su estado material. Puede dialogar especialmente bien con el apunte de viajeros a caballo al atardecer que también presentamos como atribuido a Martí Alsina: dos maneras distintas de situar la vida humana dentro del paisaje.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815731491149,"sku":null,"price":490.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0331_293630fd-1559-4d0e-926c-2027db8876c6.jpg?v=1790902394"},{"product_id":"ramon-marti-alsina-oleo-original-atardecer-viajeros-caballo-realismo","title":"Atribuido a Ramón Martí Alsina — Viajeros a caballo al atardecer — Óleo sobre lienzo, siglo XIX","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eEl día se apaga, pero el camino continúa. Este óleo panorámico, atribuido a Ramón Martí Alsina, encuentra su fuerza en un contraste sencillo: la extensión oscura del paisaje y la claridad de un caballo que atrae la mirada.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl último tramo del camino\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa escena se despliega como una franja de horizonte. Bajo un cielo de ocres, rosados apagados y grises, los viajeros se distribuyen a lo largo del camino. Hacia la derecha, la figura montada y el caballo claro concentran la atención; más a la izquierda, otras presencias se funden con los tonos oscuros del terreno. No hace falta conocer su destino para reconocer la sensación que transmite el cuadro: el tránsito pausado cuando la luz comienza a retirarse.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl paisaje no ofrece un relato cerrado. Sugiere distancia, silencio y el tiempo suspendido de un trayecto. Esa ambigüedad permite al espectador entrar en la escena sin que la pintura tenga que explicarlo todo.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eUna pequeña luz en un horizonte profundo\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa composición contrapone el cielo claro y la tierra sombría. Las pinceladas horizontales ensanchan el espacio, mientras los toques luminosos del caballo introducen un punto de referencia entre las figuras y el fondo. En lugar de describir cada forma con precisión, la pintura confía en manchas de color y contrastes para dar presencia al conjunto.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl formato de 13 × 34 centímetros acentúa ese recorrido lateral, casi como una escena vista a través de una ventana estrecha. Su lenguaje puede leerse en el contexto de la pintura de paisaje y del realismo catalán del siglo XIX, manteniendo la autoría bajo la denominación de atribución.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutoría:\u003c\/strong\u003e Atribuido a Ramón Martí Alsina (Barcelona, 1826–1894).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Viajeros a caballo al atardecer.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉpoca:\u003c\/strong\u003e Segunda mitad del siglo XIX (c. 1870–1890), según la catalogación de la pieza.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Óleo sobre lienzo crudo, sin bastidor.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 13 × 34 cm, formato panorámico.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Firma «R. Martí» en el ángulo inferior derecho, ligeramente desvanecida, según la ficha de la obra.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Aceptable, con pliegues, roces inferiores y bordes irregulares. Carece de bastidor. La ficha existente describe la capa pictórica central como estable. Se recomienda un enmarcado de conservación de tipo flotante o vitrina para proteger la tela; cualquier intervención debe valorarse con un profesional de conservación.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y apreciar su ejecución pictórica.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eSu atractivo está en cómo una pequeña zona de luz sostiene todo un paisaje. El caballo claro no necesita un dibujo exhaustivo para convertirse en el centro de la escena: basta su contraste con la penumbra. Es una pieza de contemplación cercana, donde el formato y la superficie de la tela forman parte de la experiencia. Junto al apunte fluvial que también presentamos como atribuido a Martí Alsina, propone un diálogo entre dos ritmos: la quietud junto al agua y el avance de los viajeros al caer la tarde.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815769665869,"sku":null,"price":420.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0319_f52505c2-2f57-40d7-8ea9-5491475183d1.jpg?v=1792683317"},{"product_id":"paco-duran-vila-acuarela-original-barcelona-panoramica-bodegon-1985","title":"Paco Duran Vila — Panorámica de Barcelona con bodegón (1985) — Acuarela sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"1\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa ciudad observada desde la intimidad. Una acuarela original que fusiona el paisaje urbano y el bodegón mediante un dominio excepcional de la perspectiva atmosférica y el formato panorámico.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa doble narrativa y la profundidad de campo\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003ePaco Duran Vila huye de la clásica vista panorámica plana para presentarnos un ejercicio de profundidad visual casi cinematográfico. La composición de esta acuarela de 1985 se basa en la confrontación de dos géneros: el bodegón y el paisaje. En primer término, el artista sitúa un conjunto de cajas y estuches definidos con nitidez y solidez geométrica. Estos objetos actúan como un ancla táctil; nos sitúan en el interior de una estancia o azotea, convirtiendo al espectador en un observador silencioso que contempla la urbe preolímpica desde la intimidad de un estudio.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa ciudad disuelta en la bruma\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eMás allá de ese balcón improvisado, Barcelona se extiende hacia el horizonte. Técnicamente, Duran Vila renuncia al detalle arquitectónico estricto para priorizar la atmósfera. Utilizando la técnica de la acuarela muy fluida (\u003ci data-path-to-node=\"6\" data-index-in-node=\"225\"\u003ewet-on-wet\u003c\/i\u003e o húmedo sobre húmedo), el artista disuelve los edificios en una bruma de ocres, grises y tierras pardas. Esta decisión técnica difumina los límites entre la ciudad, el mar y la montaña, capturando magistralmente la luz difusa y la densidad del aire en lo que parece un atardecer o un día nublado.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"10\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Paco Duran Vila (Francesc Duran i Vila).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Vista panorámica de Barcelona con bodegón (Paisaje urbano).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e 1985 (Firmado y fechado).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Acuarela original sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 22 x 47,5 cm (obra) | 39 x 65 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"P. Duran Vila\" y fechado \"85\" en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. La pigmentación de la acuarela se mantiene estable y sin alteraciones severas. El marco de madera de época presenta una excelente integridad.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y apreciar su profundidad espacial.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas cajas y los estuches del primer plano fijan la posición de la mirada antes de que esta se abra hacia la ciudad. Sus bordes geométricos contrastan con los edificios diluidos en ocres y grises. La transición entre el interior cercano y el horizonte brumoso sostiene la profundidad del formato panorámico.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52816412606797,"sku":null,"price":235.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0304_15a1e0d5-85d5-4dbd-a201-7a6be7fd7a15.jpg?v=1790856315"},{"product_id":"jose-manuel-legazpi-acrilico-original-abstraccion-gestual-rojo-negro","title":"José Manuel Legazpi — Abstracción gestual en rojo y negro — Acrílico y técnica mixta sobre tabla","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"1\" data-index-in-node=\"0\"\u003eUna explosión matérica sobre fondo neutro. Una obra original donde la mancha roja central actúa como el núcleo de una composición dominada por la urgencia del trazo y la fuerza física del informalismo.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa tensión física del informalismo\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eLa obra de José Manuel Legazpi (Asturias, 1943 - 2019) suele transitar por terrenos de calma geológica, pero en esta tabla el artista despliega su vertiente más visceral y directa. El interés de esta pieza no reside en la narrativa figurativa, sino en el impacto físico. La decisión técnica clave es su concepción espacial: Legazpi aísla el conflicto. Utiliza un fondo gris neutro y plano que actúa como un escenario completamente silencioso, obligando a que toda la energía compositiva estalle y se concentre en la masa central del soporte.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEl rojo como ancla y la técnica del rascado\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eEn medio de esa tormenta de negros profundos y trazos de blanco sucio, irrumpe una rotunda mancha de rojo carmín. En la paleta de Legazpi, esta franja deja de ser un simple acento cromático para convertirse en un elemento orgánico que lucha por su espacio y estabiliza el caos visual. La ejecución es rápida, agresiva y sumamente segura. El artista ataca la rigidez de la tabla alternando gruesos empastes de espátula con la técnica del esgrafiado (\u003ci data-path-to-node=\"6\" data-index-in-node=\"449\"\u003esgraffito\u003c\/i\u003e) —rascando la pintura aún fresca para revelar el fondo—. Estas incisiones directas dotan a la masa oscura de un ritmo frenético, estructurando la composición y demostrando un dominio absoluto sobre la materia pictórica.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"10\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e José Manuel Legazpi (Asturias, 1943 - 2019).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Sin título (Abstracción gestual \/ Expresionismo matérico).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Arte Contemporáneo Español (Etapa de madurez).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Acrílico y técnica mixta original sobre tabla.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 60,5 x 50 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"legazpi\" en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. La capa pictórica se encuentra totalmente estable, conservando intacta la viveza del rojo carmín y la topografía de los empastes.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y comprobar su contundencia física.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa mancha carmín concentra el color entre los trazos negros y blancos. El fondo gris deja espacio alrededor de la masa central, mientras los rascados y los empastes introducen ritmos de distinta densidad. La zona roja establece un punto de equilibrio dentro de esa superposición de gestos.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52816958226765,"sku":null,"price":285.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0331_46185c63-13ab-4f11-ab7f-e6864d45b1c1.jpg?v=1790856491"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-roma-piazza-del-popolo-con-ciclista-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Roma: Piazza del Popolo con ciclista — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUna visión insólita de la Ciudad Eterna donde la monumentalidad barroca cede el paso a la soledad del ciclista urbano.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eLa Escala Humana frente a la Historia\u003c\/b\u003e En esta obra de 1989, Ricard Calvo Duran nos transporta a uno de los escenarios más teatrales de Roma: la entrada a la \u003cb\u003ePiazza del Popolo\u003c\/b\u003e. Sin embargo, el artista huye de la postal turística convencional. En lugar de una plaza abarrotada, nos presenta un espacio casi metafísico, vacío, dominado por la simetría perfecta de las iglesias gemelas de Santa Maria in Montesanto y Santa Maria dei Miracoli.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: Ligne Claire y Atmósfera\u003c\/b\u003e La ejecución técnica es impecable, heredera de la mejor tradición de la ilustración arquitectónica y la \"línea clara\" europea.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Dibujo:\u003c\/b\u003e Calvo Duran utiliza la tinta para definir con precisión quirúrgica las columnas, cúpulas y entablamentos del Barroco romano.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Color:\u003c\/b\u003e La aplicación de la acuarela es atmosférica. El cielo no es el azul típico del Mediterráneo, sino una mancha parda y grisácea, cargada de humedad, que otorga a la escena un aire melancólico y sofisticado.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Contrapunto:\u003c\/b\u003e Toda la solemnidad de la piedra se rompe con la figura del ciclista en primer plano, vestido con una llamativa camisa rosa. Es el elemento discordante que da vida a la obra: un ser humano solitario pedaleando hacia la inmensidad de la historia.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Ricard Calvo Duran (Firmado \"Calvoduran\").\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Roma: La Piazza del Popolo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e 1989 (Fechado junto a la firma).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Obra: 42,5 x 52,5 cm | Marco: 54,5 x 62 x 5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Manuscrita en tinta en la zona inferior central, con localización \"Roma\".\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. El papel conserva su blancura original en los márgenes y los colores se mantienen frescos.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003eRoma es una ciudad ruidosa y caótica, pero Calvo Duran ha conseguido \"apagar\" el sonido. Al eliminar el tráfico y las multitudes, nos deja solos con la arquitectura y ese único ciclista. Es una obra que transmite calma y elegancia. Me gusta pensar en ella como una pausa visual; una ventana a una Roma que solo existe temprano en la mañana o en la imaginación del artista.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817072521549,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0365.jpg?v=1790857359"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-costumbrismo-italiano-en-asis-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Costumbrismo italiano en Asís — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUn delicioso contraste entre la espiritualidad de la arquitectura sacra y la vibrante vida cotidiana sobre dos ruedas.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eLo Sagrado y lo Mundano\u003c\/b\u003e Realizada en 1990, esta obra de Ricard Calvo Duran captura el alma de Italia mejor que cualquier fotografía turística. El artista nos sitúa frente a la imponente \u003cb\u003eBasílica de San Francisco de Asís\u003c\/b\u003e, uno de los centros de peregrinación más importantes del mundo. Sin embargo, lejos de solemnizar la escena, Calvo Duran introduce un elemento de humor y humanidad irresistible: una monja conduciendo una Vespa clásica en primer plano. Es una imagen que resume la \"dolce vita\" eclesiástica, donde la tradición milenaria convive con la modernidad práctica.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: Precisión y Atmósfera\u003c\/b\u003e La pieza destaca por su estilo de \"línea clara\", muy cercano a la ilustración editorial de alta calidad.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Arquitectura:\u003c\/b\u003e El dibujo a tinta es riguroso, capturando con detalle la estructura gótica y románica del complejo, desde el campanario hasta los arcos inferiores.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Color:\u003c\/b\u003e El artista utiliza una paleta audaz. El cielo no es celeste, sino un azul que recorta la silueta de piedra color crema de la basílica, creando un dramatismo casi teatral.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Narrativa:\u003c\/b\u003e La composición guía el ojo desde la monumentalidad del fondo hasta la anécdota del primer plano. Los coches de época (finales de los 80) aparcados y los grupos de frailes caminando aportan un contexto temporal y sociológico fascinante.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Ricard Calvo Duran (Firmado \"Calvoduran\").\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Escena en la Basílica de San Francisco de Asís.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e 1990 (Fechado junto a la firma).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Obra: 32 x 39 cm | Marco: 53,5 x 60,5 x 5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Manuscrita en tinta en el ángulo inferior derecho, con localización \"Assisi\".\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. Colores vibrantes y papel en perfecto estado.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa figura de la monja en la Vespa introduce un movimiento cotidiano frente a la masa de la basílica. Los coches y los grupos de frailes distribuyen pequeñas escenas por la plaza. El dibujo preciso de los arcos y el campanario contrasta con la ligereza narrativa del primer plano.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817239212365,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0405_dfef902f-4ffe-4911-bf55-a0e5742fb5c3.jpg?v=1790858014"},{"product_id":"edmond-vales-veilleur-de-nuit-el-vigilante-nocturno-orientalismo-grabado-al-aguafuerte","title":"Edmond Valès — Veilleur de nuit (el vigilante nocturno) — Aguafuerte","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUna atmósfera de silencio y espera donde la luz de la lámpara revela la intimidad de una noche en el Magreb.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eEl Ritual de la Espera\u003c\/b\u003e En este grabado, Edmond Valès (1918-2001) nos invita a compartir la soledad de un personaje arquetípico de la cultura norteafricana: el vigilante nocturno. Lejos de una representación de tensión o peligro, Valès captura un momento de pausa introspectiva. El protagonista, envuelto en su chilaba pesada para protegerse del frío del desierto, sostiene un vaso de té, compañero indispensable de las largas horas de vigilia.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: Maestría en el Claroscuro\u003c\/b\u003e La técnica del aguafuerte permite al artista construir la escena a través de la luz y la sombra.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Atmósfera:\u003c\/b\u003e El fondo oscuro y denso, logrado mediante un tramado tupido de líneas, envuelve al personaje y centra toda la atención en su rostro curtido y sus manos.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eLos Detalles:\u003c\/b\u003e Valès es un cronista minucioso. Cada objeto narra la historia de la noche: el brasero bajo la tetera humeante, la lámpara de aceite que ilumina la escena desde abajo (creando sombras teatrales en el rostro) y la vara de apoyo descansando contra la pared. Incluso la babucha solitaria en primer plano aporta una nota de humanidad y descanso.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Textura:\u003c\/b\u003e El trazo del grabador se vuelve especialmente sensible al describir los pliegues de la tela y la textura de la piel, transmitiendo el peso y la calidez de la vestimenta frente al frío nocturno.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Edmond Valès (Firmado \"E. Valès\" a lápiz en el ángulo inferior derecho).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e \u003ci\u003eVeilleur de Nuit\u003c\/i\u003e (Vigilante de Noche).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e Siglo XX (Probablemente décadas centrales, c. 1950-70).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Grabado al aguafuerte sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Obra: 32,5 x 50 cm | Marco: 48,5 x 66,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eEdición:\u003c\/b\u003e 30\/150 (Numerada a lápiz en el ángulo inferior izquierdo).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl tramado denso del fondo concentra la luz en el rostro y las manos del vigilante. La lámpara ilumina desde abajo, mientras el vaso de té, la tetera y el brasero sitúan pequeños focos de atención alrededor de la figura. Los pliegues de la chilaba y la babucha del primer plano introducen texturas y pausas dentro de la escena nocturna.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52825809682765,"sku":"ETC-52825809682765","price":125.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0392_a2205425-0d77-4818-998a-58bf6e4a1930.jpg?v=1790857744"},{"product_id":"edmond-vales-lithams-mujeres-veladas-orientalismo-etnografico-grabado-a-punta-seca","title":"Edmond Valès — Lithams (mujeres veladas) — Punta seca","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUn estudio de miradas y textiles que explora la identidad femenina en el Magreb a través de la delicadeza de la línea.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eEl Lenguaje del Velo\u003c\/b\u003e En esta obra titulada \u003ci\u003eLithams\u003c\/i\u003e, Edmond Valès (1918-2001) realiza un ejercicio de documentación cultural fascinante. Lejos de la mirada exótica o sensualizada típica del orientalismo decimonónico, Valès se aproxima a la figura femenina con la curiosidad de un antropólogo y la sensibilidad de un artista. La obra es un compendio visual de los diferentes modos de portar el \u003ci\u003elitham\u003c\/i\u003e o velo tradicional, mostrando cómo una misma prenda puede adquirir personalidades distintas según quien la lleve.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: La Línea como Protagonista\u003c\/b\u003e En esta composición, Valès emplea la \u003cb\u003epunta seca\u003c\/b\u003e, una técnica más directa y lineal.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Composición:\u003c\/b\u003e No es una escena narrativa, sino una lámina de estudios. El artista distribuye cinco retratos femeninos en el espacio, creando un collage visual donde cada rostro dialoga con los demás sin competir.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Trazo:\u003c\/b\u003e La punta seca permite una línea aterciopelada y rica. Valès demuestra un dominio técnico excepcional al diferenciar las texturas: la rigidez de las telas rayadas, la suavidad de los pliegues que caen y, sobre todo, la intensidad de los ojos.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Mirada:\u003c\/b\u003e Al ocultar la boca y la nariz, toda la expresividad recae en los ojos. Valès logra que cada mirada sea única: algunas son directas y desafiantes, otras tímidas o esquivas, dotando de individualidad a cada mujer a pesar del velo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Edmond Valès (Firmado \"E. Valès\" a lápiz en el ángulo inferior derecho).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e \u003ci\u003eLithams\u003c\/i\u003e (Estudio de mujeres con velo).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e Siglo XX (c. 1950-70).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Grabado a punta seca sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Huella\/Imagen: 32,5 x 51,5 cm | Marco: 48,5 x 66,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eEdición:\u003c\/b\u003e 42\/150 (Numerada a lápiz en el ángulo inferior izquierdo).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. El papel presenta las marcas naturales de la plancha (huella) y se observa alguna leve oxidación en los márgenes (fuera de la imagen) que forma parte de su estado de conservación.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLas cinco figuras distribuyen la atención entre miradas y tejidos. En el tocado central a rayas, la dirección de las líneas construye el volumen sin recurrir a grandes sombras. Los distintos pliegues y la intensidad de los ojos permiten distinguir cada rostro dentro del conjunto.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52825907265869,"sku":"ETC-52825907265869","price":125.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0398_02_56102884-d6f8-4a34-94db-57f4310caf33.jpg?v=1790857704"},{"product_id":"rainer-hercks-zappel-philipp-el-hampelmann-surrealismo-ludico-grabado-al-aguafuerte-y-aguatinta","title":"Rainer Hercks — Zappel-Philipp (el Hampelmann) — Aguafuerte y aguatinta","description":"\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003ci\u003eUna representación nostálgica y ligeramente inquietante del clásico juguete articulado, ejecutada con una maestría técnica que invita a buscar los detalles ocultos.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eEl Juguete como Metáfora\u003c\/b\u003e Bajo el título \u003ci\u003e\"Zappel-Philipp\"\u003c\/i\u003e (que remite al personaje del libro infantil alemán \u003ci\u003eStruwwelpeter\u003c\/i\u003e), el artista nos presenta un payaso marioneta suspendido en un espacio onírico. La obra juega con la dualidad del juguete antiguo: es inocente por su función lúdica, pero inquietante por su mirada fija y su movimiento mecánico.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: Textura y Simbolismo\u003c\/b\u003e La técnica del grabado es exquisita y compleja.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"8\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,0,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Fondo:\u003c\/b\u003e Lejos de ser un espacio vacío, el fondo grisáceo está trabajado con texturas de aguatinta que crean una atmósfera de \"muro antiguo\" o superficie desgastada. Si nos fijamos bien, aparecen elementos flotantes casi mágicos: letras góticas (\"SM\"?), una pequeña llave dorada, un banderín y una figura diminuta en la esquina superior derecha que parece un eco del personaje principal.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,1,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Personaje:\u003c\/b\u003e El payaso está delineado con un dibujo preciso. El uso del color es selectivo y vibrante: las bolas naranja y violeta que sostiene en las manos actúan como puntos de anclaje visual, equilibrando la composición simétrica de las extremidades abiertas.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,2,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Técnica:\u003c\/b\u003e El artista combina la línea mordida del aguafuerte para los contornos con manchas de aguatinta para dar volumen y color a la ropa (el estampado de estrellas, los pantalones marrones), logrando una sensación de relieve táctil.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"11\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Rainer Hercks (Firmado en el ángulo inferior derecho).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e \u003ci\u003eZappel-Philipp\u003c\/i\u003e (Payaso articulado \/ Jumping Jack).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e 1997 (Fechado junto a la firma).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Grabado al aguafuerte y aguatinta a color sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Huella: 19,5 x 15 cm | Marco: 54 x 44 x 4,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,5,0\"\u003e\u003cb\u003eEdición:\u003c\/b\u003e 62\/200.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. El papel se mantiene limpio y los colores conservan su intensidad original.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"13\"\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eMe detuve ante este grabado por su fondo. Es como si el artista hubiera capturado no solo el juguete, sino el recuerdo borroso de la infancia.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52826315293005,"sku":"ETC-52826315293005","price":85.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0009_b4b0ad84-c90f-4286-8d55-402bc40256e2.jpg?v=1790858104"},{"product_id":"m-a-raventos-tecnica-mixta-original-paisaje-onirico-texturas-azul","title":"Mª Assumpció Raventós — Paisaje Onírico con Texturas — Técnica mixta original","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna superficie clara reúne formas geométricas, trazos finos y zonas de textura. Los blancos y grises de esta composición de Maria Assumpció Raventós contrastan con los tonos tierra y con pequeños acentos azules, verdes y rojizos.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFormas que sugieren una arquitectura\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl campo central, de contorno irregular, se recorta sobre una franja oscura. Dentro de él aparecen rectángulos, diagonales y líneas que pueden recordar vanos o fragmentos de una construcción, sin describir un lugar concreto. Las formas oscuras de la izquierda encuentran un contrapunto en los cuatro planos rectangulares de la derecha.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eColor y textura\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLas capas claras dejan entrever zonas ocres, grises y negras. Los trazos rojizos perfilan algunos bordes y los pequeños toques azules y verdosos interrumpen la paleta más apagada. El contraste entre superficies cubiertas y zonas de trama visible da relieve a la composición y permite recorrerla de cerca.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutora:\u003c\/strong\u003e Maria Assumpció Raventós.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Paisaje onírico. Composición abstracta con texturas.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉpoca:\u003c\/strong\u003e Finales del siglo XX.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Técnica mixta (pintura y collage de tarlatana\/gasa) sobre tabla.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 47 × 32,5 cm (obra) | 64 × 49 cm (con marco).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Firmada «M. A. Raventós» en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Mercado secundario de arte, colección particular. Conserva etiqueta de originalidad al dorso.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Excelente.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa composición combina dos maneras de construir el espacio: los rectángulos oscuros sugieren profundidad y las líneas finas permanecen sobre la superficie. Una diagonal negra atraviesa la zona inferior y rompe la estabilidad de las formas verticales. Los pequeños trazos de color enlazan estos planos sin cerrar del todo sus contornos.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52826409926989,"sku":null,"price":255.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0214_01_020681c5-9b31-4df9-95a5-af22450d072f.jpg?v=1790421277"},{"product_id":"subirana-verdaguer-bailarina-clasica-impresionismo-estilo-degas-pastel-sobre-papel","title":"Subirana Verdaguer — Bailarina clásica — Pastel sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci class=\"\"\u003eUn homenaje directo a la elegancia y el movimiento suspendido de las bailarinas de Degas.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa referencia a Degas\u003c\/b\u003e La bailarina y el tratamiento del pastel recuerdan las escenas de ballet de Edgar Degas. Subirana Verdaguer concentra la composición en una figura solitaria en pose, sobre un escenario indefinido que permite destacar la línea del cuerpo y la ligereza del tutú.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAnálisis Visual: La Suavidad del Pastel\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La técnica del pastel es la elección perfecta para este tema,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e y Subirana la maneja con destreza.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eLa Luz y el Color:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e El foco de atención es el tutú blanco,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e construido con trazos rápidos y difusos que sugieren el tul en movimiento,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e contrastando con el corpiño azul celeste que aporta una nota fría y elegante.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La iluminación es teatral,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e incidiendo sobre la figura desde la izquierda y dejando el fondo en una penumbra cálida de tonos grises y ocres.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eLa Anatomía:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La figura está estilizada,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e con extremidades alargadas que enfatizan la gracia del ballet.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e El tratamiento de las piernas y los brazos,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e con transiciones suaves de color carne y sombras rosadas,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e demuestra un buen conocimiento del dibujo académico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eEl Fondo:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e A diferencia del realismo fotográfico,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e el fondo es una abstracción atmosférica,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e una \"niebla\" de color que envuelve a la bailarina y la despega del plano,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e dándole volumen.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Subirana Verdaguer (Firmado \"Subirana\" en el ángulo inferior izquierdo).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Bailarina clásica en pose.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Siglo XX (Probablemente década 1970-80).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Pastel sobre papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Obra:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 37 x 27 cm | Marco:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 53 x 44 x 4,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e5 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Manuscrita en pastel rojizo en la esquina inferior izquierda.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Placa identificativa en el marco.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Colección privada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Excelente.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e El pastel se mantiene vibrante y bien fijado,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e sin pérdidas de pigmento visibles.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl tutú blanco se construye con manchas de pastel y bordes difusos que sugieren la ligereza del tejido. El corpiño azul introduce un contraste frío, mientras las piernas y los brazos enlazan transiciones rosadas y tonos de piel. El fondo gris y ocre envuelve la figura sin fijar un lugar concreto.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52826523435341,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0146_191dfe51-5dad-44f1-9af1-a0112a190f93.jpg?v=1790864440"},{"product_id":"uis-sinovas-pescadores-remendando-redes-escuela-de-valladolid-acrilico-sobre-tabla","title":"Luis Sinovas — Pescadores remendando redes — Acrílico sobre tabla","description":"\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003ci\u003eUna obra que demuestra la maestría de la pintura al aire libre, capturando la luz fugaz del puerto.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3\u003eLa Captura del Instante\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eLuis Sinovas (Valladolid, 1956) resuelve esta escena marinera mediante una pincelada directa y una síntesis de las figuras y las redes. La luz rosada y los trazos cargados de materia concentran la atención en el trabajo de los pescadores.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eAnálisis Visual: La Atmósfera Cromática\u003c\/h3\u003e\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eLa obra se define por una paleta de colores valiente y atmosférica, alejada de los tópicos grises del realismo castellano de su origen.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"9\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,0,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Color:\u003c\/b\u003e Sinovas inunda la escena de una luz rosada y violeta (malva). Es una decisión estética arriesgada que sugiere un amanecer brumoso, envolviendo la dureza del trabajo en una atmósfera casi onírica.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,1,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Pincelada:\u003c\/b\u003e Se aprecia la técnica de \"ataque\" directo propia de la pintura rápida. Los trazos son nerviosos y cargados de materia, especialmente en las camisas de los pescadores y en la cascada de redes blancas, que parecen tener movimiento propio.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,2,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Composición:\u003c\/b\u003e Al eliminar el horizonte, el artista nos obliga a centrarnos en la intimidad de la tarea manual, creando una escena cerrada y acogedora.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"13\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Luis Sinovas (Valladolid, 1956). Firmado \"Sinovas\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Pescadores \/ Rederos en el puerto.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e Siglo XX (c. Década 1980-90).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Acrílico sobre tabla.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Obra: 32,5 x 24,5 cm | Marco: 61,5 x 53,5 x 3,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,5,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,6,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,7,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"14\"\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa luz rosada y violeta envuelve a los pescadores y atraviesa la caída de las redes blancas. Las pinceladas sueltas concentran la materia en las camisas y en los tejidos, mientras la ausencia de horizonte acerca la escena al trabajo de las manos. El marco negro lacado delimita el campo de color con un contorno geométrico.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52826753040717,"sku":null,"price":175.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0239_5777cec8-965d-40e3-b056-d41893245165.jpg?v=1790864526"},{"product_id":"pere-de-ribot-oleo-original-abstraccion-nocturna-informalismo-sgraffito","title":"Pere de Ribot — Abstracción nocturna — Óleo sobre lienzo","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"1\" data-index-in-node=\"0\"\u003eUna composición abstracta donde la tensión compositiva entre una masa oscura rotunda y la violencia de la textura rascada define por completo el espacio.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEl peso del vacío y la geometría de la sombra\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003ePere de Ribot nació en Girona en 1962. Esta composición presenta un contraste entre una gran forma oscura y una superficie clara trabajada con texturas y rascados.\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFricción táctil y el accidente controlado\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003ePara equilibrar ese silencio negro, el lado izquierdo del lienzo se convierte en un campo de batalla físico. El artista ataca la superficie arrastrando el pincel y utilizando la técnica del esgrafiado (\u003ci data-path-to-node=\"6\" data-index-in-node=\"202\"\u003esgraffito\u003c\/i\u003e), rascando las gruesas capas de óleo blanco y gris para revelar los tonos terrosos subyacentes. Esta fricción genera un mapa de texturas caóticas y direccionales que chocan violentamente contra la nitidez de la curva oscura. El toque de genio que demuestra el control absoluto del autor se encuentra justo en la frontera entre ambas zonas: un minúsculo y deliberado acento azul sobre la línea negra. Un único punto de color frío que ancla la mirada y dota de escala a toda la composición.\u003c\/p\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul data-path-to-node=\"10\"\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"10,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Pere de Ribot (Girona, 1962).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"10,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Abstracción nocturna (Informalismo matérico).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"10,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Década de 1990.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"10,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo original con texturas y rascados (\u003ci data-path-to-node=\"10,3,0\" data-index-in-node=\"58\"\u003esgraffito\u003c\/i\u003e) sobre lienzo.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"10,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 36,5 x 34 cm (obra) | 44,5 x 42,5 x 2 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"10,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"de Ribot\" en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"10,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"10,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. La capa pictórica es estable, y el contraste entre los empastes rascados y la zona oscura mantiene toda su integridad y saturación.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"10,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y comprobar el relieve de sus texturas.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eUna frontera curva separa la masa oscura de la superficie clara trabajada con rascados. Los trazos del esgrafiado dejan ver tonos terrosos bajo los blancos y grises. El pequeño acento azul situado junto a la línea divisoria introduce un punto de color frío entre ambas zonas.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52831683477837,"sku":null,"price":780.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0330_03efd722-72b0-4de9-8201-4f222fa1fc23.jpg?v=1790865727"},{"product_id":"jose-luis-barcelona-oleo-original-sagrada-familia-bruma-gaudi","title":"José Luis Barcelona — Sagrada Familia entre la bruma — Óleo sobre tabla","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"1\" data-index-in-node=\"0\"\u003eUna visión mística del gran icono barcelonés. Un óleo original que despoja a la arquitectura de su pesadez de piedra para convertirla en un espejismo envuelto en niebla.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa audacia de ocultar el monumento\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003ePintar la Sagrada Familia de Gaudí es enfrentarse al riesgo constante de caer en la estampa turística o la copia fotográfica. José Luis Barcelona esquiva este peligro tomando una decisión radical: en lugar de describir minuciosamente las fachadas, decide sumergir el templo en una densa bruma. El artista nos ofrece una visión íntima y onírica, donde solo los característicos pináculos y la cruz tridimensional logran perforar la niebla. Es un ejercicio de síntesis donde lo que se oculta genera más magnetismo que lo que se muestra.\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAtmósfera, color y dinamismo\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eTécnicamente, la obra se sostiene sobre un magistral uso de la textura y el contraste térmico. El fondo no es un cielo plano; está trabajado con una espátula y pincelada vibrante en tonos gris azulados (\"azul polvo\") que transmiten la sensación física de humedad y aire denso. En medio de esta paleta fría, el pintor hace estallar el centro geométrico de la cruz con un sorpresivo tono coral cálido.\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003ePara romper la estática monumental, el autor introduce una bandada de gaviotas en primer plano. Ejecutadas con gruesos trazos blancos (impasto), estas aves no solo aportan profundidad y escala, sino que introducen el movimiento y la ligereza del vuelo frente a la pesadez de la piedra oculta.\u003c\/p\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e José Luis Barcelona.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Sagrada Familia entre la bruma (Paisaje urbano onírico).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Segunda mitad del siglo XX.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo sobre tabla con texturas.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 26 × 21 cm (obra) | 45 × 40 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"José Luis Barcelona\" en el ángulo inferior izquierdo. Placa identificativa en el paspartú.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. La capa pictórica se encuentra estable y los empastes de las gaviotas mantienen todo su relieve.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y comprobar la calidad de su atmósfera.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa bruma gris azulada deja emerger los pináculos y la cruz del templo. El acento coral de la parte central contrasta con la gama fría, mientras las gaviotas blancas del primer plano introducen relieve y movimiento. La arquitectura aparece sugerida entre capas de color y textura.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52831787090253,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0389_e1e6f9a8-de7a-4e76-973d-88f46a158fed.jpg?v=1790868842"},{"product_id":"joan-fuster-gimpera-oleo-original-nocturno-urbano-figuras","title":"Joan Fuster Gimpera — Nocturno Urbano con Figuras — Óleo original","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"1\" data-index-in-node=\"0\"\u003eCrónica visual de la noche. Un óleo original sobre lienzo donde la luz artificial esculpe la arquitectura y las sombras de los transeúntes, capturando la atmósfera de la Cataluña urbana de mediados del siglo XX.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa poesía de la noche en el Ampurdán\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eJoan Fuster Gimpera (Torroella de Montgrí, 1917 - 2011) fue un cronista excepcional de los paisajes y pueblos de Girona. Aunque su reconocimiento se cimentó en gran medida sobre sus acuarelas, en este óleo demuestra un dominio avanzado de la escena nocturna. La obra sitúa al espectador en un entorno presidido por una arquitectura monumental —posiblemente una iglesia con reloj—, donde la luz transforma lo cotidiano en una escena cargada de misterio y atmósfera.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAnálisis visual: Claroscuro moderno\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eLa composición se articula mediante un contraste lumínico directo. Fuster emplea una paleta de azules y verdes profundos para construir el cielo y las sombras, generando una sensación de noche cerrada. El foco principal emana de la luz cálida de las farolas, que inunda la calle y \"muerde\" la oscuridad, iluminando parcialmente la fachada y el reloj. Los personajes, resueltos como siluetas rápidas y espectrales, refuerzan el carácter cinematográfico y narrativo de la pieza.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"10\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Joan Fuster Gimpera (Torroella de Montgrí, 1917 - 2011).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Escena nocturna urbana con figuras.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Segunda mitad del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo sobre lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 33 x 24 cm (obra) | 49 x 40 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"J. Fuster\" en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Bueno. Capa pictórica estable y colores con excelente profundidad.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y apreciar su capacidad evocadora.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"11\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003eEl reloj y la torre organizan la parte superior de la composición, mientras que el halo de luz concentra la atención en la plaza. Los azules y verdes de la arquitectura contrastan con los amarillos del portal y las ventanas. Las figuras aparecen como siluetas de trazos breves; sus reflejos prolongan el movimiento sobre el pavimento. La pincelada deja visible la textura del lienzo y alterna zonas de color extendido con pequeños acentos de luz.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52832023871821,"sku":"ETC-52832023871821","price":115.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0399_8be61760-f234-45c8-a6d7-277f28366559.jpg?v=1790868930"},{"product_id":"josep-colomer-oleo-original-tabla-paisaje-rural-masia-olot","title":"Josep Colomer — Paisaje Rural con Masía — Óleo original sobre tabla","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"1\" data-index-in-node=\"0\"\u003eUn óleo original que trasciende la pintura costumbrista para convertirse en un refugio atmosférico.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa arquitectura del verde\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003ePintar un paisaje frondoso es enfrentarse al peligro constante de crear un muro plano y monótono. Josep Colomer i Comas, firme heredero de la Escuela de Olot, esquiva este problema con una lección magistral de temperatura de color. El \u003ci data-path-to-node=\"4\" data-index-in-node=\"235\"\u003estorytelling\u003c\/i\u003e de esta obra no reside en la masía del fondo, sino en cómo el artista pinta el aire húmedo que la rodea. Colomer despliega una auténtica sinfonía cromática: en la zona izquierda, donde la luz tamizada incide, utiliza tonos amarillentos y cálidos; en las zonas de sombra, la paleta cae en picado hacia verdes vejiga y esmeraldas profundos. El artista no dibuja hojas, esculpe el volumen de las copas a través del contraste de luz y sombra mediante una pincelada rítmica y cargada.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEquilibrio estructural y el peso de la piedra\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eSi analizamos la estructura, la obra es un ejercicio de equilibrio perfecto. El plano se divide en franjas horizontales que nos invitan a adentrarnos en el prado, pero Colomer rompe esa horizontalidad con los estilizados árboles del centro (posiblemente chopos), que actúan como flechas visuales hacia la arquitectura rural escondida.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eLa decisión técnica más inteligente se encuentra en la esquina inferior derecha. Para evitar que el inmenso peso visual del árbol izquierdo desequilibre el cuadro, el pintor sitúa un grupo de piedras. Con apenas cuatro trazos rápidos de ocre y gris, Colomer ancla la composición, demostrando el oficio de un pintor maduro que entiende que cada mancha en el soporte debe cumplir una función estructural.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Josep Colomer i Comas.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Paisaje rural con masía y árboles (Escuela de Olot).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Segunda mitad del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo original sobre tabla.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 38 x 50 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"J. Colomer\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Bueno. La capa pictórica se muestra sana y vibrante. Los bordes extremos de la tabla presentan ligeros desgastes por la manipulación histórica, visibles en los extremos del soporte.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y apreciar su profundidad atmosférica.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa perspectiva sitúa la mirada bajo los árboles del primer plano. Las pinceladas de ocre y gris de las piedras de la derecha equilibran el volumen del árbol situado a la izquierda. Entre ambas masas, el prado y los árboles más altos conducen hacia la masía, con transiciones entre verdes cálidos y sombras más profundas.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52832529350989,"sku":null,"price":165.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0071_45cf9996-c678-4104-a8be-1cb3119f4893.jpg?v=1790869801"},{"product_id":"balbino-costa-candamo-oleo-original-ria-calma-paisaje-gallego","title":"Balbino Costa Cándamo — Vista de ría en calma — Óleo sobre tabla","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"1\" data-index-in-node=\"0\"\u003ePaisaje costero de gran precisión atmosférica. Un óleo original sobre tabla que captura la luz y la quietud de las rías del norte de España con absoluto rigor técnico y contención formal.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEl reto técnico de pintar la calma\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eBalbino Costa Cándamo, reconocido paisajista y fotógrafo gallego nacido en Vilagarcía de Arousa, traslada a esta tabla la quietud característica del litoral norte. Alejándose del habitual dramatismo del oleaje marino, el autor se centra en un objetivo mucho más complejo: plasmar el silencio visual y la atmósfera. Su dilatada experiencia con la fotografía en blanco y negro influye directamente en su obra pictórica, otorgándole una capacidad excepcional para medir los contrastes y captar los sutiles cambios lumínicos del entorno.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003ePerspectiva aérea y tratamiento del color\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eEl análisis visual confirma un sólido dominio del oficio. Costa Cándamo estructura el cielo con una pincelada rítmica que sugiere nubes altas, las cuales se reflejan con exactitud en la superficie del agua para ampliar la profundidad espacial de la obra. Asimismo, aplica una perspectiva atmosférica estricta: las rocas del primer plano se definen con texturas marcadas y tonos ocres para anclar la composición, mientras que los montes del horizonte se difuminan en azules y grises perla, integrándose perfectamente con el cielo.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"10\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Balbino Costa Cándamo (Vilagarcía de Arousa).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Vista de Ría en Calma (Paisaje costero).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Mediados del siglo XX (Arte Contemporáneo Español).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo sobre tabla.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 44,5 x 53 cm (obra) | 54 x 63 x 5 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"COSTACANDAMO\" en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. Soporte estable y capa pictórica íntegra, manteniendo la frescura de los colores originales.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas rocas del primer plano, definidas con ocres y texturas marcadas, contrastan con los montes lejanos difuminados en azules y grises. Los reflejos del cielo amplían la superficie de agua y prolongan la profundidad. La ausencia de embarcaciones y figuras concentra la composición en el paisaje y la luz.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52838702711117,"sku":null,"price":285.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0132_c93b0aeb-ac1c-4090-a4b2-5818143584fa.jpg?v=1790870099"},{"product_id":"raul-conti-constructivismo-raices-precolombinas-oleo-tabla","title":"Raúl Conti — Constructivismo con Raíces Precolombinas — Óleo sobre tabla","description":"\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003ci\u003eUna síntesis magistral donde la vanguardia geométrica reinterpreta el misterio y la simbología de la América ancestral.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eRaúl Conti (Argentina, 1931) es un exponente lúcido de la búsqueda de identidad en el arte latinoamericano. Su obra no se conforma con el folclore; intelectualiza la herencia indígena pasándola por el filtro del Constructivismo. En esta pieza, vemos cómo el artista rompe con la representación tradicional para \"construir\" la figura mediante planos y aristas, una herencia directa de las vanguardias que buscaban un lenguaje universal, legible tanto para el hombre moderno como para el antiguo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eVisualmente, la obra organiza la figura mediante planos y aristas. La simplificación de las formas y su disposición totémica permiten relacionarla con la simbología precolombina.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eTécnicamente, el uso del óleo sobre tabla es deliberado. A diferencia del lienzo, que tiene trama, la tabla permite una superficie más lisa y rígida, ideal para la precisión de bordes que exige el constructivismo. La pincelada está subordinada a la forma; no hay gestualidad desordenada, sino una aplicación meditada del color que busca planitud y solidez, otorgando a la obra una presencia casi escultórica.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Raúl Conti (1931).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Composición constructivista con reminiscencias precolombinas.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,2,0\"\u003e\u003cb\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Segunda mitad del siglo XX \/ Contemporánea.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo sobre tabla.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 60 x 41 cm (Obra) | 70,5 x 52,5 x 3,5 cm (Marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Esquina inferior derecha. \u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Bueno. La rigidez del soporte de tabla favorece la estabilidad de la capa pictórica.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl ritmo de los planos y las aristas organiza la composición. La figura se construye mediante formas simplificadas que relacionan el lenguaje geométrico con las referencias precolombinas de la obra.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52838918783309,"sku":null,"price":725.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0149_01_64b98ba8-6ff8-4f96-9165-c18069e91179.jpg?v=1790870836"},{"product_id":"josep-cabrer-borrell-oleo-original-las-ramblas-barcelona-flores","title":"Josep Cabrer Borrell — Las Ramblas y el Paseo de las Flores — Óleo original","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eLos puestos de flores, los árboles y los paseantes organizan esta vista de las Ramblas de Barcelona. Josep Cabrer Borrell contrapone los colores del primer plano a la luz suave de los edificios del fondo.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eUn paseo entre árboles y fachadas\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDos troncos verticales enmarcan la escena y sus copas ocres se extienden por la parte superior. A la izquierda, el quiosco y los puestos de flores ocupan el primer término. La calle se abre hacia el centro, donde las figuras disminuyen de tamaño y las fachadas pierden contraste con la distancia.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLas flores como punto de atención\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLos verdes, amarillos y rojos de las flores concentran los acentos de color más intensos. A su alrededor, los rosados y grises del pavimento y de la arquitectura mantienen una atmósfera clara. Los paseantes, las farolas y un vehículo amarillo distribuyen pequeños puntos de actividad a lo largo del paseo.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Josep Cabrer Borrell.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Las Ramblas de Barcelona. Paisaje urbano con puestos de flores.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉpoca:\u003c\/strong\u003e Segunda mitad del siglo XX (c. 1960–1970).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Óleo sobre lienzo.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 45,5 × 54,5 cm (obra) | 54 × 63 cm (con marco).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Firmado «Cabrer» en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno. El lienzo mantiene una tensión adecuada y la capa pictórica conserva su luminosidad.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl quiosco y las flores fijan el primer plano, mientras que el espacio libre del paseo conduce la mirada hacia las figuras y las fachadas más claras. Las sombras de los árboles forman manchas suaves sobre el pavimento. La repetición de troncos y farolas da continuidad a la perspectiva sin restar protagonismo a los puestos.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52841409478989,"sku":null,"price":235.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0161_1359e80a-4e87-4c08-80d3-ceb7ac72d9ca.jpg?v=1790870918"},{"product_id":"borja-guijarro-tecnica-mixta-original-neo-pop-veloce-motor-clasico","title":"Borja Guijarro — Veloce (2006) — Técnica mixta sobre tabla","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"1\" data-index-in-node=\"0\"\u003eComposición Neo-Pop de gran formato. Una obra original sobre tabla que fusiona iconografía clásica del motor, tipografía publicitaria y moda retro mediante la limpieza técnica de la Línea Clara europea.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEl lenguaje gráfico y la estética Neo-Pop\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eBorja Guijarro emplea los recursos del cómic europeo y el cartelismo para estructurar obras pictóricas de gran complejidad visual. En esta tabla, fechada en 2006, el artista prescinde de la perspectiva espacial tradicional para construir un ensamblaje pictórico en formato panorámico. La técnica mixta le permite aplicar colores planos y saturados, consiguiendo una superficie pulida que cede el protagonismo absoluto a la precisión del dibujo y al diseño gráfico.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eIconografía global y contraste narrativo\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eLa composición funciona como un friso continuo donde conviven elementos de diferentes épocas y culturas. El diseño industrial pesado, representado por la motocicleta clásica y el vehículo soviético (un Moskvitch 408), se equilibra visualmente con la estilización de las figuras femeninas ataviadas con moda de los años 20 y 30. La integración de tipografías en diversos alfabetos —cirílico, caracteres asiáticos y alfabeto latino— junto con objetos cotidianos como la hilera de calzado inferior, sitúa la obra en un contexto cosmopolita, dinámico y puramente urbano.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"10\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Borja Guijarro.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Veloce (Composición Pop con motocicleta y figuras).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e 2006 (Arte Contemporáneo Español \/ Neo-Pop).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta sobre tabla.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 100 x 50 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado y fechado \"BORJA GUIJARRO 06\" en el ángulo superior izquierdo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. Superficie pictórica estable, limpia y con los pigmentos conservando su máxima saturación original.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y comprobar su estado.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"11\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa motocicleta y su conductor ocupan la zona central y derecha, mientras las figuras de vestidos largos forman un grupo vertical a la izquierda. Las ruedas y las curvas de la palabra «Veloce» contrastan con los bloques rectangulares de números y textos. En el borde inferior, la hilera de zapatos establece una franja continua que une ambos lados de la composición. Los azules verdosos del vehículo se repiten en otros elementos y se alternan con rojos, amarillos y tonos crema.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52841617752397,"sku":null,"price":825.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0224_01_c532dc01-293b-4b1a-8543-6805afaf15b8.jpg?v=1790871204"},{"product_id":"gerald-moreno-diptico-litografias-akhnaton-metamorfosis","title":"Gerald Moreno — Díptico Akhnaton y Metamorfosis Artificial — Litografías E.A. \/ H.C.","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eDos retratos combinan rostros modelados con precisión y formas que se transforman en estructuras orgánicas y geométricas. Las litografías de Gerald Moreno comparten una paleta contenida y amplias zonas de papel claro.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eDos imágenes en transformación\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEn \u003cem\u003eAkhnaton mon maitre\u003c\/em\u003e, la figura masculina se organiza alrededor de un eje vertical. Una parte del rostro y del torso mantiene un modelado reconocible; la otra se abre en líneas y formas que evocan una arquitectura fantástica. La trama geométrica del pecho prolonga ese paso entre cuerpo y estructura.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eLa métamorphose artificielle\u003c\/em\u003e presenta un rostro femenino rodeado de volúmenes curvos, fragmentos y tramas. La mirada y los labios concentran el modelado más definido, mientras que el contorno se prolonga en formas imaginarias. La relación entre anatomía, geometría y transformación sitúa ambas composiciones en un lenguaje surrealista.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl detalle y el espacio del papel\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLos tonos grises, los sombreados suaves y las líneas finas permiten pasar del retrato reconocible a la forma inventada. Los amplios fondos claros aíslan las figuras y refuerzan el diálogo entre las dos estampas, presentadas juntas en un mismo marco.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Gerald Moreno.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulos:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eAkhnaton mon maitre\u003c\/em\u003e y \u003cem\u003eLa métamorphose artificielle\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstilo:\u003c\/strong\u003e Surrealismo \/ realismo mágico.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Litografía sobre papel de alto gramaje.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEdición:\u003c\/strong\u003e Anotaciones E.A. (Épreuve d'artiste) y H.C. (Hors commerce) a lápiz.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 50 × 36 cm (huella aproximada) | 68 × 89 cm (marco total).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmadas a lápiz «Gerald Moreno» en el margen inferior.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas dos estampas contrastan una zona de rostro modelada con otras partes resueltas mediante líneas abiertas. En la figura masculina domina el eje vertical; en el retrato femenino, el movimiento se distribuye alrededor de la cabeza. El espacio claro que rodea cada imagen permite seguir las transiciones entre el cuerpo y las formas imaginarias.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52841720938829,"sku":null,"price":590.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0310_367bb350-c80e-4317-b62a-fb53f4a662cd.jpg?v=1790872240"},{"product_id":"paco-cabeza-hello-abstraccion-materica-tecnica-mixta","title":"Paco Cabeza — Hello — Técnica mixta sobre lienzo","description":"\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eUna obra de fuerte impacto visual que destaca por su riqueza de texturas y su estética urbana contemporánea.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003ePaco Cabeza se inscribe en la corriente de la abstracción matérica contemporánea. Su investigación plástica se centra en la \"arqueología de la superficie\". En esta obra, titulada irónicamente \u003ci\u003e\"Hello\"\u003c\/i\u003e (un saludo verbal en un entorno de silencio visual), el artista construye el cuadro como si fuera un muro urbano desgastado. No hay narrativa figurativa; el protagonista es el proceso: el rascado, la superposición de capas y la huella del gesto.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eVisualmente, la obra se estructura en una retícula rota. Predomina una paleta \"sorda\" de negros profundos, grises cemento y ocres sucios, colores que evocan el asfalto y la tierra. Sin embargo, la maestría de Cabeza reside en cómo rompe esa monocromía:\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"8\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,0,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Nota Discordante:\u003c\/b\u003e En el cuadrante superior izquierdo, un trazo eléctrico de azul ultramar (y leves matices debajo) rasga la oscuridad.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,1,0\"\u003e\u003cb\u003eGrafismo y Rascado:\u003c\/b\u003e Se aprecian incisiones sobre la pintura fresca (\u003ci\u003esgraffito\u003c\/i\u003e) y arrastres de espátula que revelan las capas inferiores blancas, creando una vibración lumínica que dota de profundidad física al lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,2,0\"\u003e\u003cb\u003eComposición:\u003c\/b\u003e A pesar de la abstracción, hay un orden tectónico. Bloques verticales y horizontales sugieren ventanas ciegas o estructuras de edificación, aportando solidez al caos de la mancha.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Paco Cabeza.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e Hello.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,2,0\"\u003e\u003cb\u003eEstilo:\u003c\/b\u003e Abstracción Matérica \/ Informalismo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica Mixta sobre lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 81 x 81 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Nombre en el reverso\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. \u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa superficie se organiza en bloques verticales y horizontales, entre negros, grises y ocres. Los rascados revelan capas claras bajo la pintura y producen pequeñas vibraciones de luz. En la parte superior izquierda, el trazo azul concentra el contraste cromático dentro de la retícula irregular.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52842623566157,"sku":null,"price":450.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0377_580d2c87-19c1-40b7-88d7-214774ecfa5e.jpg?v=1790872644"},{"product_id":"roca-freixas-oleo-original-friso-rupestre-lascaux-bisonte-ciervos","title":"Roca Freixas — Homenaje a Lascaux: bisonte y ciervos — Óleo sobre lienzo","description":"\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eUn fragmento de la caverna llevado al lienzo. Una recreación pictórica visceral donde la extrema carga de materia transforma la pintura en pura arqueología visual.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"7\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa arqueología de la materia\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eEn esta obra, Roca Freixas se aleja por completo de la pintura de salón complaciente para adentrarse en la pulsión más primigenia del ser humano: el origen del arte. La pieza es un sentido homenaje a los paneles rupestres del Paleolítico (como los de Lascaux o Altamira). El artista no busca hacer una simple copia ilustrativa de las figuras; su ambición es capturar la experiencia geológica y espiritual de la caverna. Para lograrlo, abandona la planitud del lienzo y utiliza una carga de pintura extrema (\u003ci data-path-to-node=\"8\" data-index-in-node=\"534\"\u003eimpasto\u003c\/i\u003e), construyendo una superficie deliberadamente accidentada y rugosa. Sobre esta falsa pared calcárea, aplica pigmentos que imitan la paleta prehistórica: tierras, ocres, rojos óxido y negros de carbón.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEl friso narrativo y el movimiento congelado\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003eRespetando el formato panorámico propio de los frisos rupestres, la composición se articula mediante el contraste anatómico. A la izquierda, irrumpe la masa oscura y potente del bisonte, modelada con trazos gruesos que le otorgan un peso brutal. A la derecha, en claro contrapunto, aparecen los ciervos, resueltos con una línea mucho más grácil y estilizada en sus cornamentas. Freixas logra capturar a la perfección el \"movimiento congelado\" característico del arte parietal: los animales flotan y corren en un espacio atemporal, carente de línea de suelo o perspectiva geométrica, devolviendo al espectador a la magia de los primeros ritos sagrados.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"13\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"14\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Roca Freixas.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Friso paleolítico con bisonte y ciervos (Primitivismo matérico \/ Homenaje a Lascaux).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Segunda mitad del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo original sobre lienzo con extrema carga matérica (\u003ci data-path-to-node=\"14,3,0\" data-index-in-node=\"74\"\u003eimpasto\u003c\/i\u003e) imitando textura pétrea.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 11,5 x 29,5 cm (obra).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"Roca Freixas\" en el ángulo inferior izquierdo, integrando la firma en el relieve del suelo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. La capa pictórica presenta una textura rugosa intencional, estable y firmemente adherida al soporte. El enmarcado con paspartú de tela rústica presenta un desgaste natural acorde a su época.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y comprobar el rotundo relieve tridimensional de su técnica.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl bisonte de la izquierda concentra la masa oscura, frente a las siluetas más ligeras de los ciervos de la derecha. El relieve de la pintura prolonga las formas del cuerpo y las cornamentas sobre un fondo de tierras y ocres. El formato alargado permite seguir a los animales como un friso continuo.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52847825158477,"sku":"ETC-52847825158477","price":125.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0136_03.jpg?v=1764254276"},{"product_id":"enric-beltran-messa-oleo-original-patio-rural-costumbrismo","title":"Enric Beltrán Messa — Patio rural con figura y gallinas — Óleo sobre lienzo","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUna mujer atraviesa lentamente un patio encalado llevando una cesta, mientras unas gallinas picotean en la zona iluminada y la ropa tendida, las macetas y una enredadera convierten la arquitectura en un espacio vivido. Enric Beltrán Messa construye aquí una escena rural íntima, alejada de cualquier monumentalidad, donde la verdadera protagonista es la luz.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición se articula mediante un fuerte contraste entre sombra y claridad. A la izquierda, el gran portal y el muro gris permanecen en penumbra; a la derecha, una fachada blanca y rosada recibe directamente el sol. La figura humana ocupa precisamente la transición entre ambos ámbitos, guiando la mirada desde la zona oscura hacia el centro luminoso del patio.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl artista evita una descripción excesivamente minuciosa. Las paredes, la vegetación y el terreno están construidos con pinceladas visibles y una materia pictórica que conserva irregularidades y pequeños empastes. Los blancos se mezclan con lilas, grises y ocres; los verdes de la enredadera aportan profundidad y los pequeños acentos rojos de las flores y la ropa animan la superficie.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEspecialmente logrado resulta el tratamiento de la fachada central. La sombra diagonal proyectada sobre el muro introduce una estructura geométrica dentro de una escena aparentemente espontánea y permite a Beltrán Messa trabajar varias temperaturas de blanco sin perder luminosidad.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLos elementos domésticos —macetas, prendas tendidas, gallinas, cestas— no funcionan como simples accesorios. Son precisamente los que convierten la arquitectura en un lugar habitado y dan a la pintura su carácter costumbrista.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eEnric Beltrán Messa — Paisaje, arquitectura y vida cotidiana\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEnric Àngel Beltrán Messa (Valencia, 1940–2006)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e fue un pintor español vinculado especialmente al paisaje y a la pintura figurativa de carácter rural y urbano.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSe formó inicialmente en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y completó sus estudios en la Escuela de Sant Jordi de Barcelona. Desarrolló buena parte de su trayectoria en Cataluña y estuvo especialmente vinculado a \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eBesalú\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, desde donde trabajó paisajes, núcleos rurales, escenas campesinas, vistas urbanas y arquitectura mediterránea. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.catawiki.com\/en\/l\/103962322-enric-angel-beltran-messa-1940-2006-la-gioconda-tras-leonardo-da-vinci\"\u003eCatawiki\u003c\/a\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu pintura se caracteriza por una figuración de pincelada libre, interesada en la atmósfera, la luz y el color más que en una reproducción fotográfica del motivo. Está documentada su presencia en exposiciones y en el mercado español durante varias décadas, y actualmente su obra continúa apareciendo con regularidad en casas de subastas. \u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e\u003ca href=\"https:\/\/www.invaluable.com\/artist\/beltran-messa-enric-g6fyzpsbo9\/\"\u003eInvaluable\u003c\/a\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta escena pertenece plenamente a una de sus vertientes más reconocibles: \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eel mundo rural observado desde lo cotidiano\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, donde arquitectura, naturaleza y figura humana mantienen un equilibrio constante.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLuz, sombra y arquitectura doméstica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUno de los aspectos más interesantes de la obra es la forma en que Beltrán Messa utiliza la propia arquitectura para organizar la luz.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl patio no se presenta como un espacio completamente abierto. Las construcciones proyectan sombras profundas que dividen la composición y obligan al ojo a recorrerla de izquierda a derecha.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa figura femenina ocupa una posición discreta, casi secundaria en tamaño, pero resulta fundamental para establecer la escala del lugar. Su presencia, junto con las aves del primer término y la ropa tendida sobre el muro, introduce una narración mínima: no ocurre nada extraordinario, y precisamente ahí reside el encanto de la escena.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pintura conserva así una sensación de vida cotidiana detenida durante unos instantes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Enric Àngel Beltrán Messa (1940–2006)\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003ePatio rural con figura\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Óleo sobre lienzo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 55 × 46,5 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada “Beltrán Messa” en el ángulo inferior izquierdo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTema:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Escena rural \/ patio con figura\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstilo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Figuración luminista \/ paisajismo costumbrista\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePeriodo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Segunda mitad del siglo XX\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSoporte:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Lienzo sobre bastidor de madera\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePresentación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Sin marco\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general. La capa pictórica conserva correctamente su textura, color y lectura. El reverso muestra el lienzo tensado sobre su bastidor. Las fotografías forman parte de la descripción del estado de conservación.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller — Un patio que todavía parece habitado\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNos gusta especialmente que Beltrán Messa no haya convertido este patio en una postal.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa mujer con la cesta, las gallinas, la ropa y las macetas mantienen la sensación de que alguien continúa viviendo detrás de esas puertas. El espacio tiene uso, sombra, desgaste y pequeños detalles cotidianos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePero el verdadero argumento del cuadro es la luz: una fachada recibe el sol mientras otra permanece en sombra, y entre ambas aparece la figura humana.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUna composición sencilla y muy representativa del interés de Beltrán Messa por la arquitectura rural y la vida cotidiana.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52848457908557,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0082_5a77faa0-431a-4241-847c-c89d837b0fb2.jpg?v=1790862444"},{"product_id":"antoni-esplugues-isaac-albeniz-y-su-circulo-intelectual-modernismo-catalan-fotografia-de-epoca","title":"Antoni Esplugas — Isaac Albéniz y acompañantes — Fotografía","description":"\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003ci\u003eUn retrato de grupo que reúne al personaje identificado como Isaac Albéniz con cinco acompañantes.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eFotografía de grupo del gabinete de Antoni Esplugas, identificado por la marca «Esplugas» visible en la imagen. La ficha de la colección identifica al hombre situado junto a la mujer como Isaac Albéniz, acompañado por otras cinco personas.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003eLos bordes del grupo se desvanecen progresivamente hacia el blanco, concentrando la atención en los personajes. La iluminación suave y difusa modela los rostros sin sombras duras y permite distinguir las texturas de la indumentaria.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Antoni Esplugas i Puig (Sello \"Esplugas\" en la emulsión).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb\u003ePersonaje Central:\u003c\/b\u003e Isaac Albéniz (1860-1909).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,2,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Retrato de grupo identificado como Isaac Albéniz y acompañantes.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,3,0\"\u003e\u003cb\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Principios del siglo XX (Circa 1900-1905).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,4,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Fotografía sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,5,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 45 x 23 cm (Imagen visible) | 64 x 43 cm (Marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14\"\u003eLa disposición de las seis personas equilibra el retrato de grupo. La iluminación suave destaca los rostros y las texturas de la ropa, mientras el desvanecimiento de los bordes reduce la presencia del fondo y mantiene la atención en los retratados.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52848599400781,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0040_01.jpg?v=1764263819"},{"product_id":"j-grau-ribero-tecnica-mixta-materica-abstraccion-plata-naranja","title":"J. Grau Ribero — Abstracción matérica con plata y naranja — Técnica mixta","description":"\u003cp\u003e\u003ci\u003eUn diálogo táctil entre la densidad de la materia y el brillo metálico. Una obra original que abandona el plano bidimensional para explorar la tridimensionalidad del soporte mediante la estética del informalismo contemporáneo.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch2\u003eLa materia como protagonista expresiva\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eJ. Grau Ribero (Castellón, 1964) es un exponente de la pintura matérica en el arte español actual. Siguiendo la tradición de los grandes maestros del informalismo, Ribero sustituye la representación figurativa por una investigación profunda sobre el peso, la densidad y la textura. El artista experimenta con tierras y aglutinantes para crear superficies de gran relieve, transformando el lienzo en un objeto físico que interactúa con el espacio y la luz de forma casi escultórica.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eContraste entre caos orgánico y geometría racional\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa composición se articula mediante un núcleo central rotundo que flota sobre un fondo neutro. La base de la obra es una masa magmática de color negro profundo, trabajada con herramientas de incisión para generar surcos y crestas. Sobre esta oscuridad, Ribero aplica zonas plateadas que capturan la luz ambiente, creando brillos cambiantes según el ángulo de observación. El equilibrio visual se logra mediante la introducción de tres rectángulos de naranja cadmio; esta geometría pura se impone sobre el caos de la materia, dotando a la pieza de una tensión moderna y equilibrada.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e J. Grau Ribero (Castellón, n. 1964).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Composición abstracta matérica (Plata y Naranja).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Contemporánea (Escuela Española).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta con cargas matéricas, tierras y acrílico sobre lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 50 × 50 cm (obra) | 79 × 79 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"Grau\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección particular. Conserva etiqueta de galería y biografía al dorso.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. La integridad de las cargas matéricas y la saturación del color se mantienen impecables.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y apreciar su excepcional relieve.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDos barras horizontales y un pequeño rectángulo naranja introducen formas regulares dentro de un núcleo de contornos irregulares. Las zonas plateadas resaltan las rugosidades de la superficie y se alternan con áreas negras. El fondo claro deja espacio alrededor de esta concentración de materia, mientras los trazos abiertos de la parte inferior prolongan la composición hacia el margen.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52848916758861,"sku":null,"price":210.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0263_5f3485aa-75dc-43c0-9af9-2c4f883e4d98.jpg?v=1790871785"},{"product_id":"segun-benjamin-vautier-el-arresto-del-comerciante-estampa","title":"J. López (inscripción), según B. Vautier — El arresto del comerciante — Estampa sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna calle de arquitectura tradicional se convierte en escenario de una detención pública. Esta estampa sobre papel reproduce una composición de Benjamin Vautier el Viejo, destacado pintor de género vinculado a la escuela de Düsseldorf.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa obra y su contexto\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa escena se relaciona con \u003cem\u003eDie Verhaftung des Kaufmanns\u003c\/em\u003e (El arresto del comerciante), composición documentada de Benjamin Vautier (1829–1898). En ella, el tumulto de una calle estrecha contrasta con la aflicción de una mujer sentada junto a una entrada. El tema pertenece al repertorio de escenas narrativas de la pintura de género centroeuropea del siglo XIX. La composición también circuló en reproducciones gráficas de época.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eComposición y lenguaje gráfico\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa perspectiva de la calle se articula mediante fachadas entramadas, aleros, faroles y pavimento irregular. A la izquierda, los vecinos se agrupan en torno a una figura que señala hacia el fondo; a la derecha, dos mujeres expresan abatimiento junto a un portal. La acumulación de líneas y tramas diferencia madera, piedra y tejidos, mientras los espacios de papel sin entintar mantienen la claridad de una composición muy poblada.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor de la composición:\u003c\/strong\u003e Benjamin Vautier el Viejo (1829–1898).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor de la estampa:\u003c\/strong\u003e Inscripción «J. López» en la zona inferior; identificación del grabador pendiente de corroboración documental.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e El arresto del comerciante (\u003cem\u003eDie Verhaftung des Kaufmanns\u003c\/em\u003e).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eCronología:\u003c\/strong\u003e Composición del siglo XIX; fecha concreta de impresión de este ejemplar sin determinar.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Estampa impresa en tinta sobre papel; procedimiento gráfico pendiente de confirmación.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 42 × 55 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Papel de tonalidad crema con señales discretas de envejecimiento; imagen de lectura nítida.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución para examinar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa tensión de la escena no depende de un único protagonista: se reparte entre el gesto acusador, la multitud expectante y las figuras recogidas junto al portal. La arquitectura actúa como marco narrativo y conduce la mirada hacia el desenlace, sugerido más que explicado.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52855871439181,"sku":null,"price":195.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-22_160055535.png?v=1792677661"},{"product_id":"jose-miguel-serrano-caballo-en-corveta-estudio-de-movimiento-escuela-de-paris-carboncillo-sobre-papel","title":"Josep Miquel Serrano — Caballo encabritado — Tinta y aguada sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUn caballo se alza sobre las patas traseras en un estudio de movimiento firmado «Serrano». La figura destaca por la combinación de trazos oscuros, aguadas diluidas y zonas reservadas del papel.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eUn estudio del movimiento equino\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa cabeza elevada, el cuello arqueado y una extremidad anterior flexionada definen una actitud de impulso y tensión. El cuerpo claro se recorta sobre un fondo de manchas pardas y grises, dispuesto mediante amplias pasadas de pincel. Las zonas oscuras refuerzan la crin y las patas, mientras el contorno del animal permanece abierto en algunos tramos para conservar la vivacidad del gesto.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEl movimiento puede describirse como un caballo encabritado, pero no se documenta una figura específica de alta escuela ni una corveta ejecutada conforme a la terminología ecuestre.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eJosep Miquel Serrano\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eJosep Miquel Serrano i Serra (1912–1982), también citado como José Miguel Serrano, fue un artista catalán formado con Francesc Labarta y Xavier Nogués. La utilización expresiva de la línea y la aguada sitúa este dibujo en el ámbito de su producción figurativa, aunque la datación concreta necesita apoyo documental.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Josep Miquel Serrano i Serra (1912–1982); atribución apoyada por firma «Serrano».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo descriptivo:\u003c\/strong\u003e Caballo encabritado, estudio de movimiento.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉpoca:\u003c\/strong\u003e Siglo XX; fecha exacta sin determinar.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Tinta aplicada con pincel y aguada sobre papel, identificación visual pendiente de confirmación.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 47 × 46,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e «Serrano», en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Papel con tono cálido y algunas marcas de envejecimiento; composición legible.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl dibujo concentra la energía en la curva del cuello y la elevación del cuerpo. La mancha del fondo enmarca el movimiento sin anular la ligereza de las reservas de papel.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52856041046349,"sku":null,"price":170.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0405_01_2bf5d277-641e-458b-bf9c-bb4486b2d686.jpg?v=1792678796"},{"product_id":"maite-gonzalez-naturaleza-muerta-con-ciclamenes-realismo-intimista-linografia-ejemplar-unico-1-1","title":"Maite González — Naturaleza muerta con ciclámenes — Linografía (ejemplar único 1\/1)","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna maceta con flores ocupa el primer plano de este pequeño bodegón de Maite González. El verde y el ocre enlazan las plantas, la cesta de fruta y el fondo de líneas horizontales.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eUn interior construido con líneas\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa maceta decorada concentra la atención en la zona derecha, mientras la cesta con frutas ocupa la izquierda. Las hojas alargadas del fondo amplían el recorrido de la composición. Los trazos finos y las tramas distinguen los pétalos, las hojas, el mimbre y la superficie sobre la que descansan los objetos.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl paso del verde al ocre\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl verde es más intenso en la parte inferior y en algunos contornos; los ocres aparecen en las frutas, la maceta y el fondo. Las zonas claras del papel mantienen abiertos los volúmenes. La estampa está fechada en 2005 y lleva la numeración «1\/1».\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutora:\u003c\/strong\u003e Maite González.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Bodegón con maceta de ciclámenes y fruta.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAño:\u003c\/strong\u003e 2005.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Linografía sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEdición:\u003c\/strong\u003e 1\/1 (ejemplar único).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 16 × 15 cm (huella de la imagen). Papel con márgenes amplios.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmada a lápiz «Maite González '05» en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas curvas de la cesta y de la maceta se contraponen a las líneas horizontales del fondo. En la parte superior, las flores y las hojas interrumpen esa regularidad. El cambio gradual del verde al ocre conecta los objetos, mientras las reservas claras del papel separan sus contornos.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52856888394061,"sku":"ETC-52856888394061","price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0006_2204b3f2-14f1-4ce9-b702-abffd8a4409c.jpg?v=1790437113"}],"url":"https:\/\/eltallerdelcoleccionista.com\/collections\/all.oembed?page=27","provider":"El taller del coleccionista","version":"1.0","type":"link"}