{"title":"Arte sacro y religioso","description":"\u003cp\u003eCompra arte sacro y religioso online entre nuestra selección de pinturas, dibujos, acuarelas y obra gráfica. La colección reúne escenas bíblicas, figuras de santos y vistas de iglesias y ermitas de distintas épocas: obras para coleccionar y disfrutar por su temática y su interés artístico. Consulta precios, fotografías y los datos disponibles sobre técnica, dimensiones, autoría y conservación en cada ficha. Si buscas una escena o un formato concreto, pregúntanos por las obras del catálogo.\u003c\/p\u003e\u003cp data-taller-artists=\"collection\"\u003e\u003cstrong\u003eArtistas con obra en esta colección:\u003c\/strong\u003e \u003ca href=\"\/pages\/carbonell-rull-noies\"\u003eCarbonell — Rull (Noies)\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/david-mercade-recasens\"\u003eDavid Mercadé Recasens\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/guillem-fresquet-bardina\"\u003eGuillem Fresquet Bardina\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/heber-luis-gil\"\u003eHeber Luis Gil\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/lucas-lorenzo\"\u003eLucas Lorenzo\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/ricard-calvo-duran\"\u003eRicard Calvo Duran\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/antoni-carrera-karris\"\u003eAntoni Carrera «Karris»\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/antonio-santos\"\u003eAntonio Santos\u003c\/a\u003e.\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"angel-ocallaghan-paisaje-panoramico-oleo-espatula-textura","title":"Ángel O’Callaghan Muñoz — Paisaje de invierno con iglesia y arboleda — Óleo sobre lienzo panorámico","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUn paisaje construido casi desde el silencio. Ángel O’Callaghan organiza esta extensa composición horizontal mediante una sucesión de campos, caminos y árboles desnudos que conducen la mirada hacia un pequeño núcleo arquitectónico presidido por una iglesia.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl formato panorámico resulta fundamental. En lugar de concentrar la escena alrededor de un único motivo, el pintor permite que el paisaje se desarrolle lateralmente, como una vista contemplada desde la distancia. A la derecha, la hilera de árboles sin hojas marca un ritmo vertical regular; a la izquierda, la vegetación y las construcciones se funden progresivamente con las elevaciones del horizonte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa gama cromática es deliberadamente contenida: tierras claros, ocres, grises verdosos, blancos rotos y pequeños matices amarillentos. El lienzo conserva en numerosas zonas su textura visible, aprovechada por el artista para integrar el soporte dentro de la pintura y acentuar la sensación de una luz seca y fría.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa arquitectura tampoco aparece descrita minuciosamente. O’Callaghan reduce casas, muros y tejados a masas luminosas, mientras reserva un dibujo más marcado para los troncos y ramas desnudas. El resultado se sitúa entre la observación naturalista y una interpretación mucho más atmosférica del paisaje.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eÁngel O’Callaghan Muñoz y el paisaje\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa documentación localizada permite identificar con seguridad a \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÁngel O’Callaghan Muñoz\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e como pintor español activo durante la segunda mitad del siglo XX, especializado principalmente en paisaje.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu producción conocida muestra una marcada preferencia por los espacios abiertos, los campos, las riberas y los paisajes de estación fría. Son características recurrentes las gamas apagadas, los blancos y tierras, la vegetación reducida a signos y una materia pictórica que deja participar visualmente al propio lienzo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta obra responde especialmente bien a ese lenguaje. La comparación con otras pinturas documentadas del artista muestra coincidencias claras tanto en la firma como en el tratamiento de la vegetación, las tierras y las grandes extensiones de paisaje.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eUna composición pensada en horizontal\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eHay algo especialmente atractivo en la manera en que el cuadro se recorre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa iglesia no se sitúa en el centro ni actúa como monumento protagonista. Aparece desplazada y parcialmente integrada en el caserío, como parte natural del territorio. Frente a ella, los árboles desnudos van sucediéndose hasta ocupar casi la mitad del lienzo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEse desplazamiento crea una composición muy equilibrada: arquitectura y vegetación, masa y línea, horizonte y primeros planos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa ausencia de figuras humanas refuerza además la sensación de quietud. No estamos ante una escena narrativa, sino ante un paisaje detenido en una estación concreta, probablemente durante los meses de invierno.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Ángel O’Callaghan Muñoz\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003ePaisaje de invierno con iglesia y arboleda\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Óleo sobre lienzo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones de la obra:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 27 × 73 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones con marco:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 44,5 × 90 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmado «O’Callaghan» en el ángulo inferior izquierdo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Segunda mitad del siglo XX, probablemente c. 1970–1980\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTema:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Paisaje rural con arquitectura y arboleda\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFormato:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Panorámico\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePresentación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Marco de época con amplia entrecalle textil\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general, con señales propias de la antigüedad. El reverso conserva el montaje y protección de época. Las fotografías forman parte de la descripción del estado de conservación.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller — El invierno reducido a tierra y luz\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLo que más nos interesa de esta obra no es únicamente el paisaje representado, sino la economía con la que está construido.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eO’Callaghan prescinde de colores intensos y de grandes contrastes. Casi todo sucede dentro de una misma gama de tierras, grises y blancos. Los árboles aparecen como líneas oscuras sobre un espacio luminoso; las casas parecen desvanecerse en el aire; incluso el cielo comparte tonalidades con el terreno.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl resultado tiene una serenidad poco efectista pero muy reconocible: \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eun paisaje amplio y silencioso en el que la atmósfera importa tanto como el lugar.\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51979162386765,"sku":null,"price":350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0192_35088e38-f73a-47a8-ba0d-31b0459c93ca.jpg?v=1792679099"},{"product_id":"ricardo-opisso-enterrament-poeta-iglesias-1928","title":"Atribuido a Ricard Opisso — Entierro del poeta Ignasi Iglésies (1928) — Dibujo Histórico","description":"\u003cp\u003eUn testimonio visual y un tributo a la Barcelona de 1928. Un documento gráfico de época donde la crónica social se transforma en una elegía personal, capturando la esencia del Modernismo catalán.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa historia tras el trazo\u003c\/b\u003e Para entender la magnitud de esta pieza, debemos situarla en el corazón de la efervescencia cultural de la Cataluña de principios de siglo. No estamos ante una simple representación de un artista y un poeta; estamos ante el cruce histórico de dos figuras fundamentales. Ricard Opisso (1880-1966) fue el gran cronista gráfico de la generación de Els Quatre Gats, e Ignasi Iglésies se erigió como uno de sus dramaturgos y poetas sociales más célebres. La composición, atribuida a Ricard Opisso, presenta el duelo colectivo como una despedida íntima.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eEl documento detrás de la obra\u003c\/b\u003e Una nota manuscrita al reverso relaciona la escena con el funeral de Iglésies en 1928 y recoge estas referencias:\u003c\/p\u003e\u003col start=\"1\"\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Emoción:\u003c\/b\u003e La inscripción \u003ci\u003e\"Ho va dibuixar plorant\"\u003c\/i\u003e (Lo dibujó llorando) atribuye al dibujante una reacción emocional. La frase forma parte del texto manuscrito del reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Composición:\u003c\/b\u003e La marea humana plasmada en el papel no es una masa anónima; es la sociedad barcelonesa rindiendo tributo. Como rasgo de genialidad compositiva, en el centro no se dibuja un féretro, sino el rostro enmarcado del poeta, erigiéndose como el epicentro espiritual del duelo.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Unicidad:\u003c\/b\u003e La nota afirma: \u003ci\u003e\"L'unic retrat que existeix de l'enterrament\"\u003c\/i\u003e (El único retrato que existe del entierro). La frase se recoge como parte de la inscripción del reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ol\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Atribuido a Ricard Opisso i Sala (1880-1966).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e Entierro del poeta Ignasi Iglésies.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eAño:\u003c\/b\u003e 1928, fecha del funeral representado según la nota del reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Tinta de época sobre papel.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 31,5 x 57 cm (Obra) | 54,5 x 79,5 x 2,5 cm (Marco).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Presenta la inscripción \"Opisso\" en el ángulo inferior derecho. Incluye nota histórica manuscrita al reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. Presenta leves puntos de foxing (manchas pardas) acordes a su antigüedad, que no afectan a la integridad del dibujo. Se entrega con marco si se desea.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa multitud se organiza alrededor del rostro enmarcado del poeta, que actúa como centro visual de la escena. La acumulación de figuras concentra el movimiento del dibujo y contrasta con la presencia estable del retrato. En el reverso, la nota manuscrita añade la referencia al funeral y las frases transcritas en la descripción.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52783994306893,"sku":null,"price":2200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0196_8753b6a4-a3cd-4b81-baf0-0ddd8393f433.jpg?v=1790820020"},{"product_id":"josep-rigol-fornaguera-apunte-de-avila-plaza-e-iglesia-de-las-vacas-dibujo-preparatorio-con-anotaciones-lapiz","title":"Josep Rigol i Fornaguera — Apunte de Ávila, plaza de las Vacas — Lápiz sobre papel, siglo XX","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDibujo original a lápiz sobre papel de Josep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e, dedicado a un rincón de Ávila identificado en las anotaciones de la propia hoja con el entorno de la plaza de las Vacas. La composición reúne la arquitectura de una iglesia, construcciones del entorno y una cruz de piedra en primer plano. Más que una vista terminada, es un apunte de trabajo en el que el artista observa la relación entre los elementos y ensaya su disposición en el espacio.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl dibujo está resuelto mediante trazos de grafito de distinta intensidad. Las líneas principales delimitan las formas arquitectónicas y los volúmenes, mientras los sombreados breves y las zonas del papel que permanecen en blanco permiten diferenciar planos y sugerir la luz. La cruz del primer término actúa como referencia visual y establece un diálogo con la arquitectura religiosa del fondo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUn rasgo especialmente interesante son las \u003cstrong\u003enotas manuscritas en catalán\u003c\/strong\u003e que acompañan la imagen. Entre ellas se ha leído una indicación relativa al desplazamiento de la cruz hacia la derecha. Estas anotaciones muestran que Rigol no se limitaba a registrar el motivo: también reconsideraba su encuadre y organización compositiva. No se ha documentado, sin embargo, que el apunte sirviese efectivamente como preparación para un óleo o grabado posterior.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa obra resulta representativa del dibujo como instrumento de observación y estudio, una faceta especialmente relevante en la trayectoria de Rigol por su formación académica, su dedicación al grabado y su prolongada actividad docente. La identificación del lugar se mantiene de acuerdo con las inscripciones asociadas a la pieza; no se ha contrastado mediante una comparación topográfica concluyente.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eSobre el artista\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eJosep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e fue dibujante, grabador, pintor y una figura destacada de la enseñanza artística y la conservación patrimonial de Terrassa. Se formó inicialmente con Tomàs y Pere Viver y, becado por el Ayuntamiento de Terrassa, ingresó en 1922 en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. Tras su formación y estancias artísticas europeas, regresó a Terrassa, donde desarrolló buena parte de su carrera como profesor de dibujo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eFue presidente de Amics de les Arts y director de la Escuela de Artes y Oficios de Terrassa entre 1961 y 1979. Vinculado durante décadas al patrimonio local, participó en la protección de las iglesias de Sant Pere durante los acontecimientos de 1936 y en el impulso de las colecciones del Museu de Terrassa. Su trayectoria fue objeto de la monografía \u003cem\u003eJosep Rigol i Fornaguera: l'home, l'artista i el mestre\u003c\/em\u003e, editada por el Museu de Terrassa en 2011.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Josep Rigol i Fornaguera (1897–1986).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo descriptivo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eApunte de Ávila: plaza e iglesia de las Vacas\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eCronología:\u003c\/strong\u003e Siglo XX, sin fecha documentada en la ficha.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Lápiz grafito sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas:\u003c\/strong\u003e 29 × 24,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Firmado «J. Rigol F.» en el ángulo inferior derecho, con anotaciones de trabajo manuscritas.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Papel de tonalidad envejecida, con tres manchas rectangulares oscuras, probablemente relacionadas con antiguos elementos de fijación, y bordes irregulares. Las manchas son visibles y forman parte del estado actual de la obra; no se ha realizado un examen de conservación presencial.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl interés de este dibujo reside tanto en su representación arquitectónica como en su condición de apunte de trabajo. Las indicaciones escritas junto a la imagen permiten observar una fase del proceso compositivo que normalmente desaparece de las obras acabadas. La cruz, la iglesia y las correcciones manuscritas convierten una vista de paisaje urbano en un testimonio particularmente cercano de la práctica del dibujo de Josep Rigol.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803640066381,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-18_021509892.png?v=1792282513"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-roma-piazza-del-popolo-con-ciclista-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Roma: Piazza del Popolo con ciclista — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUna visión insólita de la Ciudad Eterna donde la monumentalidad barroca cede el paso a la soledad del ciclista urbano.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eLa Escala Humana frente a la Historia\u003c\/b\u003e En esta obra de 1989, Ricard Calvo Duran nos transporta a uno de los escenarios más teatrales de Roma: la entrada a la \u003cb\u003ePiazza del Popolo\u003c\/b\u003e. Sin embargo, el artista huye de la postal turística convencional. En lugar de una plaza abarrotada, nos presenta un espacio casi metafísico, vacío, dominado por la simetría perfecta de las iglesias gemelas de Santa Maria in Montesanto y Santa Maria dei Miracoli.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: Ligne Claire y Atmósfera\u003c\/b\u003e La ejecución técnica es impecable, heredera de la mejor tradición de la ilustración arquitectónica y la \"línea clara\" europea.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Dibujo:\u003c\/b\u003e Calvo Duran utiliza la tinta para definir con precisión quirúrgica las columnas, cúpulas y entablamentos del Barroco romano.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Color:\u003c\/b\u003e La aplicación de la acuarela es atmosférica. El cielo no es el azul típico del Mediterráneo, sino una mancha parda y grisácea, cargada de humedad, que otorga a la escena un aire melancólico y sofisticado.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Contrapunto:\u003c\/b\u003e Toda la solemnidad de la piedra se rompe con la figura del ciclista en primer plano, vestido con una llamativa camisa rosa. Es el elemento discordante que da vida a la obra: un ser humano solitario pedaleando hacia la inmensidad de la historia.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Ricard Calvo Duran (Firmado \"Calvoduran\").\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Roma: La Piazza del Popolo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e 1989 (Fechado junto a la firma).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Obra: 42,5 x 52,5 cm | Marco: 54,5 x 62 x 5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Manuscrita en tinta en la zona inferior central, con localización \"Roma\".\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. El papel conserva su blancura original en los márgenes y los colores se mantienen frescos.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003eRoma es una ciudad ruidosa y caótica, pero Calvo Duran ha conseguido \"apagar\" el sonido. Al eliminar el tráfico y las multitudes, nos deja solos con la arquitectura y ese único ciclista. Es una obra que transmite calma y elegancia. Me gusta pensar en ella como una pausa visual; una ventana a una Roma que solo existe temprano en la mañana o en la imaginación del artista.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817072521549,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0365.jpg?v=1790857359"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-costumbrismo-italiano-en-asis-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Costumbrismo italiano en Asís — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUn delicioso contraste entre la espiritualidad de la arquitectura sacra y la vibrante vida cotidiana sobre dos ruedas.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eLo Sagrado y lo Mundano\u003c\/b\u003e Realizada en 1990, esta obra de Ricard Calvo Duran captura el alma de Italia mejor que cualquier fotografía turística. El artista nos sitúa frente a la imponente \u003cb\u003eBasílica de San Francisco de Asís\u003c\/b\u003e, uno de los centros de peregrinación más importantes del mundo. Sin embargo, lejos de solemnizar la escena, Calvo Duran introduce un elemento de humor y humanidad irresistible: una monja conduciendo una Vespa clásica en primer plano. Es una imagen que resume la \"dolce vita\" eclesiástica, donde la tradición milenaria convive con la modernidad práctica.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: Precisión y Atmósfera\u003c\/b\u003e La pieza destaca por su estilo de \"línea clara\", muy cercano a la ilustración editorial de alta calidad.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Arquitectura:\u003c\/b\u003e El dibujo a tinta es riguroso, capturando con detalle la estructura gótica y románica del complejo, desde el campanario hasta los arcos inferiores.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Color:\u003c\/b\u003e El artista utiliza una paleta audaz. El cielo no es celeste, sino un azul que recorta la silueta de piedra color crema de la basílica, creando un dramatismo casi teatral.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Narrativa:\u003c\/b\u003e La composición guía el ojo desde la monumentalidad del fondo hasta la anécdota del primer plano. Los coches de época (finales de los 80) aparcados y los grupos de frailes caminando aportan un contexto temporal y sociológico fascinante.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Ricard Calvo Duran (Firmado \"Calvoduran\").\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Escena en la Basílica de San Francisco de Asís.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e 1990 (Fechado junto a la firma).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Obra: 32 x 39 cm | Marco: 53,5 x 60,5 x 5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Manuscrita en tinta en el ángulo inferior derecho, con localización \"Assisi\".\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. Colores vibrantes y papel en perfecto estado.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa figura de la monja en la Vespa introduce un movimiento cotidiano frente a la masa de la basílica. Los coches y los grupos de frailes distribuyen pequeñas escenas por la plaza. El dibujo preciso de los arcos y el campanario contrasta con la ligereza narrativa del primer plano.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817239212365,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0405_dfef902f-4ffe-4911-bf55-a0e5742fb5c3.jpg?v=1790858014"},{"product_id":"jose-luis-barcelona-oleo-original-sagrada-familia-bruma-gaudi","title":"José Luis Barcelona — Sagrada Familia entre la bruma — Óleo sobre tabla","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"1\" data-index-in-node=\"0\"\u003eUna visión mística del gran icono barcelonés. Un óleo original que despoja a la arquitectura de su pesadez de piedra para convertirla en un espejismo envuelto en niebla.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa audacia de ocultar el monumento\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003ePintar la Sagrada Familia de Gaudí es enfrentarse al riesgo constante de caer en la estampa turística o la copia fotográfica. José Luis Barcelona esquiva este peligro tomando una decisión radical: en lugar de describir minuciosamente las fachadas, decide sumergir el templo en una densa bruma. El artista nos ofrece una visión íntima y onírica, donde solo los característicos pináculos y la cruz tridimensional logran perforar la niebla. Es un ejercicio de síntesis donde lo que se oculta genera más magnetismo que lo que se muestra.\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAtmósfera, color y dinamismo\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eTécnicamente, la obra se sostiene sobre un magistral uso de la textura y el contraste térmico. El fondo no es un cielo plano; está trabajado con una espátula y pincelada vibrante en tonos gris azulados (\"azul polvo\") que transmiten la sensación física de humedad y aire denso. En medio de esta paleta fría, el pintor hace estallar el centro geométrico de la cruz con un sorpresivo tono coral cálido.\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003ePara romper la estática monumental, el autor introduce una bandada de gaviotas en primer plano. Ejecutadas con gruesos trazos blancos (impasto), estas aves no solo aportan profundidad y escala, sino que introducen el movimiento y la ligereza del vuelo frente a la pesadez de la piedra oculta.\u003c\/p\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e José Luis Barcelona.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Sagrada Familia entre la bruma (Paisaje urbano onírico).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Segunda mitad del siglo XX.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo sobre tabla con texturas.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 26 × 21 cm (obra) | 45 × 40 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"José Luis Barcelona\" en el ángulo inferior izquierdo. Placa identificativa en el paspartú.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. La capa pictórica se encuentra estable y los empastes de las gaviotas mantienen todo su relieve.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y comprobar la calidad de su atmósfera.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa bruma gris azulada deja emerger los pináculos y la cruz del templo. El acento coral de la parte central contrasta con la gama fría, mientras las gaviotas blancas del primer plano introducen relieve y movimiento. La arquitectura aparece sugerida entre capas de color y textura.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52831787090253,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0389_e1e6f9a8-de7a-4e76-973d-88f46a158fed.jpg?v=1790868842"},{"product_id":"joan-fuster-gimpera-oleo-original-nocturno-urbano-figuras","title":"Joan Fuster Gimpera — Nocturno Urbano con Figuras — Óleo original","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"1\" data-index-in-node=\"0\"\u003eCrónica visual de la noche. Un óleo original sobre lienzo donde la luz artificial esculpe la arquitectura y las sombras de los transeúntes, capturando la atmósfera de la Cataluña urbana de mediados del siglo XX.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa poesía de la noche en el Ampurdán\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eJoan Fuster Gimpera (Torroella de Montgrí, 1917 - 2011) fue un cronista excepcional de los paisajes y pueblos de Girona. Aunque su reconocimiento se cimentó en gran medida sobre sus acuarelas, en este óleo demuestra un dominio avanzado de la escena nocturna. La obra sitúa al espectador en un entorno presidido por una arquitectura monumental —posiblemente una iglesia con reloj—, donde la luz transforma lo cotidiano en una escena cargada de misterio y atmósfera.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAnálisis visual: Claroscuro moderno\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eLa composición se articula mediante un contraste lumínico directo. Fuster emplea una paleta de azules y verdes profundos para construir el cielo y las sombras, generando una sensación de noche cerrada. El foco principal emana de la luz cálida de las farolas, que inunda la calle y \"muerde\" la oscuridad, iluminando parcialmente la fachada y el reloj. Los personajes, resueltos como siluetas rápidas y espectrales, refuerzan el carácter cinematográfico y narrativo de la pieza.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"10\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Joan Fuster Gimpera (Torroella de Montgrí, 1917 - 2011).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Escena nocturna urbana con figuras.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Segunda mitad del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo sobre lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 33 x 24 cm (obra) | 49 x 40 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"J. Fuster\" en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Bueno. Capa pictórica estable y colores con excelente profundidad.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y apreciar su capacidad evocadora.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"11\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003eEl reloj y la torre organizan la parte superior de la composición, mientras que el halo de luz concentra la atención en la plaza. Los azules y verdes de la arquitectura contrastan con los amarillos del portal y las ventanas. Las figuras aparecen como siluetas de trazos breves; sus reflejos prolongan el movimiento sobre el pavimento. La pincelada deja visible la textura del lienzo y alterna zonas de color extendido con pequeños acentos de luz.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52832023871821,"sku":"ETC-52832023871821","price":115.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0399_8be61760-f234-45c8-a6d7-277f28366559.jpg?v=1790868930"},{"product_id":"francois-antoine-aveline-notre-dame-y-la-isla-de-saint-louis-grabado-s-xviii-documento-historico-de-paris","title":"Pierre Aveline — Notre Dame y la Île Saint-Louis — Grabado coloreado sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna vista del Sena donde la arquitectura de la isla y la actividad de las orillas construyen una panorámica de gran profundidad.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003ePierre Aveline y la vista topográfica\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003ePierre Aveline (hacia 1656–1722) fue un grabador, editor y comerciante de estampas especializado en vistas topográficas. Esta pieza forma parte del conjunto de tres estampas de Aveline conservadas en la colección.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eLa composición\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eLa leyenda identifica la antigua «Isle Nostre Dame», hoy Île Saint-Louis, desde el lado de la casa de Bretonvilliers. Los edificios de la isla ocupan la derecha, mientras las torres de Notre Dame aparecen al fondo. Las embarcaciones, las figuras y el trabajo junto a la orilla introducen una escala humana en el conjunto.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEl trazado grabado define la arquitectura y los detalles de la escena. El coloreado introduce contrastes entre el agua, los edificios y el cielo, haciendo visibles las distintas distancias y los puntos de interés de la composición.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Pierre Aveline (hacia 1656–1722).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e Veüe et Perspective de l’Isle Nostre Dame du costé de la Maison de Monsr. de Bretonvilliers.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Grabado coloreado a mano sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones registradas:\u003c\/strong\u003e 32,5 × 50 cm (alto × ancho; huella\/papel visible).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInscripción de autor:\u003c\/strong\u003e «fait par Aveline à Paris avec Privil. du Roy».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular; mismo conjunto que las otras dos estampas de Aveline.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Buen estado general. Colores vivos.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl interés de esta vista está en el equilibrio entre la arquitectura y el río. La sucesión de planos conduce la mirada desde las figuras del primer término hasta la silueta de la ciudad, y el color diferencia las superficies sin ocultar el dibujo grabado.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52867376644429,"sku":"ETC-52867376644429","price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0127_d2fcb0ab-3159-4805-9304-b4d1ac38934a.jpg?v=1792246770"},{"product_id":"jordi-vila-rufas-friso-calices-abstraccion-sacra","title":"Jordi Vila Rufas — El Friso de los Cálices — Abstracción Sacra sobre Tabla","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna cruz central organiza dos hileras de cálices sobre un fondo oscuro y rojizo. La superficie dorada y las líneas incisas dan relieve a este friso de Jordi Vila Rufas.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa tradición del retablo\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eJordi Vila Rufas (Barcelona, 1924–2011) fue pintor y retablista. Hijo del dibujante Joan Vila i Pujol, «d’Ivori», se formó en la Escola Massana, donde también ejerció como profesor. Su trabajo renovó la técnica del retablo desde el conocimiento de sus materiales y procedimientos.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa repetición de los cálices\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos cálices se distribuyen a ambos lados de la cruz en dos registros. Sus contornos varían en tamaño y forma, dentro de una estructura de repetición. Los tonos dorados contrastan con los rojos y negros, mientras las incisiones y las zonas de textura interrumpen la continuidad de la superficie.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Jordi Vila Rufas (1924–2011).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Composición litúrgica. Friso de cálices.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉpoca:\u003c\/strong\u003e Segunda mitad del siglo XX.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Técnica mixta (óleo, incisión, pan de oro\/plata) sobre madera.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 46,5 × 100 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa cruz divide el friso sin romper la continuidad de las dos hileras. Las diferencias entre los contornos de los cálices evitan una repetición uniforme. Las líneas claras y las zonas doradas se superponen al fondo oscuro; en los bordes, el rojo concentra el marco cromático de la composición.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52959161385293,"sku":null,"price":900.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0212_224982d5-ee00-418a-9699-c3fd4b3c55e2.jpg?v=1790871133"},{"product_id":"esteban-escartin-pueblo-de-alta-montana-arquitectura-de-luz-y-piedra-pintura-de-paisaje-oleo-a-espatula","title":"Esteban Escartín Lacoma — Pueblo de montaña, pintura a espátula sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLas casas se agrupan alrededor de una iglesia que domina el paisaje. Sus tejados oscuros, las fachadas de tonos rosados y las montañas que se elevan al fondo construyen una escena de aparente sencillez, transformada por \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEsteban Escartín Lacoma (1938)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e en una composición de intensa riqueza cromática y material.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl pintor aragonés, vinculado especialmente a la representación de pueblos y paisajes del Alto Aragón, desarrolla aquí una interpretación personal de la arquitectura rural. La espátula sustituye buena parte del dibujo lineal por pequeñas superficies de pigmento que construyen directamente los tejados, los muros y las fachadas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLos tonos malvas, rosas, ocres y verdes contrastan con la oscuridad de las cubiertas, mientras el fondo azul verdoso sugiere la presencia de un entorno montañoso. La torre del campanario constituye el eje vertical de una composición organizada mediante formas geométricas superpuestas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eEsteban Escartín y la memoria de los pueblos aragoneses\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa representación de los pueblos y de la arquitectura tradicional ocupa un lugar destacado en la trayectoria de Esteban Escartín Lacoma, artista aragonés nacido en 1938.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu obra está vinculada a la transformación del paisaje rural en una construcción pictórica donde la geometría, el color y la disposición de los volúmenes adquieren un protagonismo especial.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn 2015, su trabajo formó parte de la exposición \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMiradas. Huesca y su paisaje en el arte\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, organizada por Fundación Ibercaja, junto a otros artistas relacionados con la provincia oscense.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUn año después, Fundación Caja Inmaculada presentó en su Sala CAI Huesca la retrospectiva \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eTiempo de recuerdos\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, que reunió 31 pinturas dedicadas principalmente a los pueblos aragoneses y, especialmente, a los del Alto Aragón.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAquella exposición permitió apreciar distintas etapas de su producción, desde un lenguaje más figurativo hasta composiciones próximas a planteamientos constructivos, en las que la arquitectura y la geometría desempeñaban un papel esencial.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pintura de Escartín revela asimismo intereses artísticos diversos. Su trayectoria ha sido relacionada con la tradición figurativa europea, la experimentación compositiva y determinadas influencias de la Bauhaus, especialmente en la organización de los volúmenes y el tratamiento del color.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eLa arquitectura convertida en pintura\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn esta composición, Escartín reúne varias de las características más reconocibles de su lenguaje paisajístico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLas viviendas se organizan en distintos planos, creando una sucesión de tejados y fachadas que conduce la mirada hacia el campanario. La perspectiva tradicional queda parcialmente subordinada a una estructura de formas compactas, casi como si las casas fueran piezas ensambladas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl empleo de la espátula introduce una dimensión material especialmente atractiva. Las aplicaciones de pigmento presentan bordes fragmentados, pequeñas acumulaciones y variaciones de espesor que evocan las superficies irregulares de la piedra y de las construcciones antiguas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn contraste con estos elementos, las zonas sin pintar del papel proporcionan luminosidad y permiten que la composición respire dentro de un formato amplio.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl paisaje no está concebido como una reproducción topográfica precisa. Se trata, más bien, de una interpretación de la arquitectura tradicional de montaña, en la que la memoria del lugar se expresa mediante el color y la materia.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Esteban Escartín Lacoma (1938).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003ePueblo de montaña\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e (título descriptivo).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Pintura a espátula sobre papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSoporte:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Papel grueso de textura marcada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 60 × 50 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Segunda mitad del siglo XX o comienzos del XXI, sin fecha documentada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada «Escartín» en el ángulo inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTemática:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Paisaje rural, arquitectura tradicional y pueblo de montaña.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general de la composición pictórica, con empastes y pigmentos de buena presencia. El papel presenta una variación de tonalidad visible en el margen derecho, además de leves señales de envejecimiento.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEnmarcación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Incluye marco dorado.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa torre del campanario establece el eje vertical del conjunto. Los tejados oscuros se superponen a fachadas rosas y malvas, con acentos verdes en ventanas y vegetación. Al fondo, los planos azulados y verdosos sugieren las montañas. Los bordes fragmentados de las aplicaciones de pintura contrastan con las amplias zonas claras del papel que rodean el pueblo.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462980788557,"sku":null,"price":180.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0031_095d9950-1594-4284-9202-86758c32c0ff.jpg?v=1791848672"},{"product_id":"jordi-pagans-montsalvatge-cadaques-blava-maestro-del-vibrantismo-mediterraneo-aguafuerte-iluminado-a-mano","title":"Jordi Pagans Montsalvatge — Cadaqués blava — Aguafuerte iluminado a mano","description":"\u003cp\u003eVista de Cadaqués en aguafuerte de Jordi Pagans i Montsalvatge, iluminada a mano a la acuarela. Las casas y la torre de la iglesia se elevan sobre una franja de árboles, con el mar y la costa al fondo.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEl pueblo y la bahía\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl dibujo reúne tejados, muros y vegetación en una sucesión de planos. La torre de Santa Maria destaca entre los edificios; detrás, el mar claro separa el núcleo urbano de los salientes rocosos de la costa.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEl color sobre el grabado\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos verdes se concentran en los árboles del primer plano y los amarillos destacan en varias cubiertas. Las aguadas tenues del cielo y el mar contrastan con el trazo más denso de la arquitectura. En el margen derecho se conserva la anotación «PAGANS - (cadaques blava)».\u003c\/p\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"13\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Jordi Pagans i Montsalvatge (Barcelona, 1932 - 2017).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Cadaqués blava (Vista arquitectónica y marítima).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Arte Contemporáneo (Figuración lírica catalana).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Aguafuerte original iluminado a mano (acuarela) sobre papel artístico de alto gramaje con barbas naturales.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Soporte (Papel): 36 x 29 cm | Huella de la plancha: 27 x 20 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Anotación manuscrita a lápiz \u003ci data-path-to-node=\"13,5,0\" data-index-in-node=\"52\"\u003e\"PAGANS - (cadaques blava)\"\u003c\/i\u003e en el margen derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada \/ Fondo de taller.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. Soporte íntegro con márgenes limpios, huella de tórculo perfectamente definida y pigmentos de acuarela que conservan su transparencia y frescura original.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"14\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15\"\u003eLos árboles del primer plano forman una franja densa bajo el conjunto de casas y la torre de la iglesia. Las líneas oscuras dibujan las cubiertas y los muros, con acentos amarillos en varios tejados. Detrás del pueblo, el mar claro se abre hacia las puntas rocosas y una pequeña formación frente a la costa. Las aguadas horizontales y suaves del cielo contrastan con los trazos más densos de la vegetación y la arquitectura.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53470766661965,"sku":null,"price":110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0194_b7add8d0-754e-4262-b7e0-56bdaac010b8.jpg?v=1791820312"},{"product_id":"carbonell-rull-noies-el-caballo-alado-prueba-bon-a-tirer-b-a-t-aguafuerte-original","title":"Carbonell — Rull (Noies): el caballo alado — Prueba bon à tirer (B.A.T.) — Aguafuerte","description":"\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003ePrueba bon à tirer (B.A.T.) de «El caballo alado», aguafuerte de Carbonell de la serie «Rull (Noies)», estampado en el taller de Masafumi Yamamoto, en Barcelona.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"7\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEl lirismo onírico y la colaboración literaria\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eEsta cautivadora estampa forma parte de la cuarta entrega de la aclamada serie gráfica \"Rull (Noies)\", concebida en marzo de 1985 como un diálogo creativo entre el artista Carbonell y el escritor catalán Pep Albanell. Lejos del realismo estricto, Carbonell nos sumerge en un universo de figuración onírica y poética. La composición está dominada por el tierno encuentro entre una joven (vestida con un delicado traje moteado) y un monumental caballo alado que evoca la figura mitológica de Pegaso. El gesto de la muchacha, acariciando el rostro del animal frente a un fondo texturizado y nubes abstractas, dota a la obra de un silencio y una sensibilidad visual formidables.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa estampación y las texturas\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003eLa estampa se imprimió a mano en el taller de Masafumi Yamamoto, en Barcelona. Los negros densos del fondo contrastan con las tramas más finas de las alas del caballo y el vestido de la joven. La huella de la plancha delimita el área impresa.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"13\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"14\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Carbonell (Grabado perteneciente a la serie \"Rull\", con textos de Pep Albanell).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Rull (Noies) - Cuarta estampa (El encuentro con el caballo alado).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Marzo de 1985 (Arte Contemporáneo \/ Figuración poética).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Aguafuerte original estampado a mano sobre papel Vélin Arches de 250 grs (con barbas intactas).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEdición \/ Tirada:\u003c\/b\u003e Ejemplar de referencia \u003cb data-path-to-node=\"14,4,0\" data-index-in-node=\"33\"\u003eB.A.T. (\u003ci data-path-to-node=\"14,4,0\" data-index-in-node=\"41\"\u003eBon à Tirer\u003c\/i\u003e)\u003c\/b\u003e. Estampa de referencia del taller, fuera de comercio.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Soporte (Papel): 44 x 32 cm | Huella de la plancha: 24,5 x 30 cm (aprox).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Anotación manuscrita \u003ci data-path-to-node=\"14,6,0\" data-index-in-node=\"44\"\u003e\"Bon a Tirer\"\u003c\/i\u003e a lápiz en el margen inferior izquierdo y firmado de puño y letra por Carbonell en el margen inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Taller del maestro impresor Masafumi Yamamoto (Barcelona) \/ Archivo técnico.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno en conjunto. En el reverso fotografiado se observan manchas pardas y una marca oscura junto a la esquina superior izquierda.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"15\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"16\"\u003eEl caballo alado ocupa la mayor parte de la composición, mientras la joven descalza se sitúa a la derecha con ambas manos sobre su rostro. Las alas claras forman figuras altas y puntiagudas contra el fondo oscuro y texturado. Los puntos y las líneas cortas diferencian el cuerpo del caballo, el vestido y las formas redondeadas del entorno. Los brazos de la joven y la cabeza inclinada del animal reúnen las dos figuras en la zona superior derecha.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53470924079437,"sku":null,"price":110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0354_902a9f76-76f7-4471-8e21-120bbcc11eaf.jpg?v=1791818086"},{"product_id":"carbonell-y-pep-albanell-rull-noies-carpeta-completa-5-grabados-aguafuerte-original-39-50","title":"Carbonell y Pep Albanell — Rull (Noies) — Carpeta completa (5 grabados) — Aguafuerte (39\/50)","description":"\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eUna joya indiscutible de la bibliofilia contemporánea. Una edición íntegra de 1985 que preserva el diálogo inalterado entre la literatura catalana y la maestría calcográfica, estampada en los míticos tórculos de Masafumi Yamamoto.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEl diálogo indivisible entre literatura y grabado\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003eEditada en la efervescente Barcelona de marzo de 1985, la carpeta \"Rull (Noies)\" trasciende el coleccionismo tradicional para ofrecer una experiencia estética integral. La obra custodia una conversación íntima entre la prosa literaria del reconocido autor catalán Pep Albanell y cinco hipnóticos aguafuertes originales del artista Carbonell. La secuencia visual propuesta por el pintor es un recorrido narrativo fascinante: transita desde el voyeurismo silencioso de los desnudos en interiores, pasando por el lirismo poético y mitológico (como el encuentro con el caballo alado), hasta desembocar en evocadoras escenas de costumbrismo mediterráneo, donde dos mujeres se arreglan el cabello frente a la inmensidad del mar.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa impresión y los contrastes gráficos\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11\"\u003eLas cinco estampas se imprimieron a mano en el taller de Masafumi Yamamoto en Barcelona. Las imágenes combinan zonas oscuras densas, contornos finos y texturas variadas. Las figuras claras destacan sobre los fondos más oscuros, y las huellas de las planchas permanecen visibles alrededor de las áreas impresas.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"14\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"15\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutores:\u003c\/b\u003e Textos originales de Pep Albanell \/ Grabados originales de Carbonell.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Rull (Noies). Carpeta completa.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Marzo de 1985 (Arte Contemporáneo \/ Bibliofilia).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e 5 Aguafuertes originales estampados a mano sobre papel Vélin Arches de 250 grs, blanco (con barbas intactas).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEdición \/ Tirada:\u003c\/b\u003e Edición limitada a 50 ejemplares. Ejemplar 39 \/ 50.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Soporte (Papel): 44 x 32 cm | Huella de la plancha: 24,5 x 30 cm (aprox. por estampa).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Los 5 aguafuertes están firmados y numerados a lápiz (39\/50) por Carbonell en los márgenes inferiores.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Taller del maestro impresor Masafumi Yamamoto (Barcelona).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eContenido Íntegro:\u003c\/b\u003e Carpeta contenedora original, páginas de cortesía, textos tipográficos de Pep Albanell y 5 aguafuertes originales.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,9,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,9,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente estado general.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"16\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa carpeta alterna los grabados de Carbonell con el texto de Pep Albanell. La tipografía y los claroscuros de las imágenes ofrecen dos ritmos de lectura dentro del conjunto.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53470945182029,"sku":null,"price":310.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0301_0be8221c-8db2-46d7-b07a-0541fa46bb98.jpg?v=1791817742"},{"product_id":"perico-pastor-triptico-la-biblia-2007-obra-grafica-firmada-y-certificada-edicion-notarial","title":"Perico Pastor — Tríptico «La Bíblia» (2007) — Obra gráfica sobre papel","description":"\u003ch2\u003e\u003cspan\u003ePerico Pastor — La Bíblia (2007) — Tres láminas firmadas y numeradas sobre papel\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eConjunto de tres estampas de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePerico Pastor (La Seu d'Urgell, 1953)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, realizadas para la edición de coleccionista de \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eLa Bíblia\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, publicada por Enciclopèdia Catalana en 2007. Las composiciones representan tres episodios bíblicos: \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eEl pas del Mar Roig\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eLloeu Déu al seu santuari\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e y \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eAdoració dels savis\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLas tres láminas pertenecen al ejemplar \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e188\/1000\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, están firmadas a lápiz por el artista y se acompañan de su carpeta editorial y documentación de la edición, incluida una diligencia notarial.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eLa Bíblia: un proyecto destacado de Perico Pastor\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn 2007, Enciclopèdia Catalana publicó una ambiciosa edición ilustrada de la Biblia para la que Perico Pastor realizó 954 imágenes, de las cuales 433 eran en color y 521 en blanco y negro.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl proyecto permitió al artista desarrollar una interpretación personal de los textos bíblicos mediante su característico lenguaje pictórico, basado en la espontaneidad del dibujo, las transparencias de la acuarela y el equilibrio entre las manchas de color y los trazos de tinta.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLejos de adoptar una representación religiosa estrictamente académica, Pastor abordó las narraciones sagradas con una sensibilidad contemporánea, capaz de alternar la monumentalidad del relato, la celebración colectiva y la intimidad de los personajes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl interés artístico de este conjunto editorial quedó reflejado en la exposición \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003ePerico Pastor: La Bíblia il·luminada\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, presentada en La Pedrera de Barcelona entre 2010 y 2011, y posteriormente en otros espacios culturales, entre ellos el Museu d'Art Jaume Morera de Lleida.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eLas tres composiciones\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e1. El pas del Mar Roig — El paso del Mar Rojo\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa primera estampa representa el episodio del Éxodo en el que las aguas del mar Rojo se abren para permitir el paso del pueblo de Israel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePastor organiza la composición mediante extensas superficies de azul, verde y turquesa, atravesadas por líneas negras que sugieren el movimiento de las aguas. En la franja inferior se concentra una multitud de figuras, resueltas con una notable economía de medios.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl contraste entre las masas cromáticas y la escala reducida de los personajes transmite la dimensión extraordinaria del acontecimiento. La escena destaca por su dinamismo y por la capacidad del artista para construir una narración compleja mediante unos pocos elementos gráficos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e2. Lloeu Déu al seu santuari — Alabad a Dios en su santuario (Salmo 150)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta composición interpreta el carácter musical y celebratorio del último salmo del Libro de los Salmos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLas figuras esquemáticas de los músicos aparecen entre manchas de rojo, amarillo, azul y verde, acompañadas de instrumentos que evocan la celebración descrita en el texto bíblico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl ritmo de las líneas y la libertad en la distribución del color producen una composición especialmente viva. La música no se representa únicamente mediante los instrumentos, sino también a través del movimiento visual de las figuras y las relaciones cromáticas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e3. Adoració dels savis — Adoración de los Magos\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa tercera estampa aborda la adoración del Niño Jesús mediante una composición figurativa de gran riqueza cromática.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa Virgen y el Niño constituyen el núcleo de la escena, rodeados por las figuras de los Magos. Los azules, ocres, amarillos y tonos magenta se distribuyen en superficies fluidas, delimitadas parcialmente por trazos negros.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa proximidad de los personajes y el tratamiento cálido del color confieren a la representación un carácter humano e íntimo, alejado de las composiciones religiosas más solemnes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eSobre el artista\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePerico Pastor, nombre artístico de Pere Pastor i Bodmer, nació en La Seu d'Urgell en 1953. Pintor, dibujante e ilustrador, desarrolló una parte fundamental de su trayectoria en Nueva York, ciudad a la que se trasladó en 1976 y donde comenzó a colaborar con publicaciones como \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eThe New York Times\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eVogue\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e y \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eHarper's\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDesde 1989 reside en Barcelona, donde ha continuado su actividad artística mediante exposiciones, colaboraciones con medios de comunicación y proyectos editoriales.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu obra se caracteriza por la soltura del trazo, el uso expresivo del color y una interpretación especialmente sensible de la figura humana. La tinta china y la acuarela ocupan un lugar destacado en su producción.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEntre sus reconocimientos figuran la Medalla Morera de Lleida, concedida en 1993, y el premio especial del Comité Olímpico Español en la Bienal del Deporte en las Bellas Artes de 1997.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Perico Pastor (Pere Pastor i Bodmer, 1953).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo del conjunto:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e La Bíblia.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eObras:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e El pas del Mar Roig; Lloeu Déu al seu santuari; Adoració dels savis.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFecha:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 2007.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEditor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Enciclopèdia Catalana, Barcelona.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Estampas de edición a partir de ilustraciones del artista, tradicionalmente comercializadas como litografías. Procedimiento de impresión específico pendiente de confirmación.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSoporte:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Papel artístico de alto gramaje.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 50 × 37 cm cada lámina.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEdición:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 188\/1000, numeradas a lápiz.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «perico», manuscrita a lápiz en el margen inferior izquierdo de las tres láminas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDocumentación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Carpeta editorial de La Bíblia y documentación de la edición con diligencia notarial.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Muy buen estado general, con las composiciones completas y los márgenes de papel conservados, sin incidencias relevantes consignadas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eReunimos en este conjunto tres composiciones representativas de la interpretación que Perico Pastor realizó de los textos bíblicos para Enciclopèdia Catalana.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLas estampas permiten apreciar tres registros diferentes de su lenguaje: la fuerza de las masas cromáticas en \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eEl pas del Mar Roig\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, el ritmo festivo de \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eLloeu Déu al seu santuari\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e y la sensibilidad figurativa de \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eAdoració dels savis\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa conservación de las tres láminas con una misma numeración, junto con su carpeta y documentación editorial, constituye un elemento especialmente interesante del conjunto, tanto desde el punto de vista artístico como desde el coleccionismo de obra gráfica y ediciones ilustradas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53474968961357,"sku":null,"price":295.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0034_99095d60-e4a7-4cd9-9176-73f8e05a6e65.jpg?v=1791814409"},{"product_id":"josep-ribot-llupia-basilica-santa-maria-castello-empuries-acuarela","title":"Josep Ribot Llupià — Basílica de Santa Maria de Castelló d'Empúries, acuarela sobre papel, c. 1970–1980","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUna de las grandes joyas del gótico catalán, la basílica de Santa Maria de Castelló d'Empúries, protagoniza esta acuarela de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJosep Ribot Llupià (1925–2020)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, pintor catalán especializado en el paisaje y la representación arquitectónica.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición nos transporta a la plaza de esta histórica localidad del Alt Empordà durante las últimas décadas del siglo XX. Frente a la monumental fachada medieval, varios automóviles de época permanecen estacionados mientras los visitantes recorren la plaza. En primer término, una figura se detiene para fotografiar el edificio, estableciendo un interesante paralelismo con el propio ejercicio artístico: dos maneras de conservar la memoria de un lugar.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl artista desarrolla la arquitectura con una notable precisión. Destacan las seis arquivoltas de la portada gótica, las figuras escultóricas de los apóstoles, el gran rosetón central y la torre campanario situada a la izquierda. La complejidad de la piedra queda resuelta mediante pequeñas pinceladas, veladuras transparentes y variaciones cromáticas que oscilan entre los ocres, los grises y los tonos dorados.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSobre el conjunto se extiende un cielo azul de pincelada amplia y espontánea, cuya ligereza contrasta con el minucioso tratamiento de la fachada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eJosep Ribot Llupià: un acuarelista entre Cataluña e Ibiza\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eJosep Ribot Llupià (1925–2020) fue un pintor y acuarelista catalán vinculado a Capellades, en la comarca de la Anoia, que posteriormente se estableció en Ibiza.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu producción artística se desarrolló principalmente en el ámbito del paisaje, las marinas y las vistas arquitectónicas. Cultivó especialmente la acuarela de gran formato, técnica que le permitió explorar las transparencias del color, los efectos atmosféricos y la relación entre la luz y los elementos construidos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu actividad expositiva está documentada desde mediados del siglo XX. En junio de 1960 participó en una exposición de artistas de Igualada y su comarca celebrada en el Palacio de la Virreina de Barcelona.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn enero de 1982, la prensa catalana anunciaba una muestra de sus acuarelas y dibujos en una sala de La Caixa. La Biblioteca de Catalunya conserva asimismo la referencia a un cartel de una exposición titulada \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003ePaisatges i marines\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, celebrada en las salas de la Caja de Ahorros Provincial de Tarragona durante la década de 1980.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEstas referencias permiten recuperar la trayectoria de un artista cuya obra continúa vinculada a la tradición catalana de la acuarela paisajística, pero cuya biografía ha tenido hasta ahora una difusión limitada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eLa Catedral del Empordà: arquitectura y memoria de una época\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa basílica de Santa Maria de Castelló d'Empúries, conocida popularmente como la Catedral del Empordà, es uno de los monumentos religiosos más destacados de la arquitectura gótica catalana.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu imponente portada, realizada a comienzos del siglo XV, constituye uno de sus elementos más singulares. Las arquivoltas, las esculturas de los doce apóstoles y el tímpano dedicado a la Epifanía conforman un extraordinario conjunto escultórico medieval.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eRibot Llupià no se limita a realizar una representación monumental del edificio. Al introducir vehículos, viandantes y pequeñas escenas cotidianas, sitúa la arquitectura histórica dentro de la vida de la población.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa acuarela adquiere así un doble interés: como obra pictórica y como testimonio visual de una plaza catalana durante la segunda mitad del siglo XX.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Josep Ribot Llupià (1925–2020).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eBasílica de Santa Maria de Castelló d'Empúries\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e (título descriptivo).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Acuarela sobre papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 47,5 × 65 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Segunda mitad del siglo XX, probablemente décadas de 1970–1980.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada «RIBOT LLUPIÀ» en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eLocalización representada:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Castelló d'Empúries, Alt Empordà, Girona, Cataluña.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTemática:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Paisaje urbano, arquitectura gótica catalana y costumbrismo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general, con leves señales de envejecimiento y pequeñas irregularidades superficiales del papel, sin pérdidas importantes de composición identificadas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLo que distingue esta acuarela es la combinación de precisión arquitectónica y sensibilidad hacia la vida cotidiana. Ribot Llupià dedica una atención extraordinaria a la portada de Santa Maria, pero reserva también espacio para los automóviles, los visitantes y las pequeñas escenas que sitúan el monumento en una época concreta.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNos interesa especialmente el contraste entre la permanencia de la arquitectura medieval y el carácter pasajero de la actividad humana representada. Una composición que conserva no solo la imagen de uno de los grandes monumentos del Empordà, sino también la atmósfera de una plaza que ha cambiado con el paso del tiempo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu formato generoso y la luminosidad de la acuarela refuerzan el atractivo de una obra que reúne pintura, arquitectura y memoria histórica.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53475898687821,"sku":null,"price":295.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0268_0e310184-7deb-4ce3-b488-631645cc46c9.jpg?v=1791806453"},{"product_id":"joan-aragones-iglesia-rural-homenaje-a-mossen-baldello-aguada-original-escuela-catalana","title":"Joan Aragonès — Iglesia rural (homenaje a Mossèn Baldelló) — Aguada sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003eLa reverencia de un discípulo plasmada en la sobriedad del claroscuro. Un extraordinario documento histórico y artístico que atestigua el respeto y la profunda conexión entre dos intelectuales de la cultura catalana de entresiglos.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"7\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEl tributo al maestro: Francesc de Paula Baldelló\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eExisten obras cuya importancia trasciende la técnica gráfica para adentrarse de lleno en el terreno de la memoria cultural. Esta delicada aguada original de Joan Aragonès es un ejemplo excepcional de ello. No se trata de un simple apunte de paisaje; es, ante todo, un objeto de veneración personal.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003eLa clave de la estampa reside en la rotunda dedicatoria autógrafa manuscrita a pluma en el ángulo inferior izquierdo: \u003ci data-path-to-node=\"9\" data-index-in-node=\"118\"\u003e\"A Mossèn Baldelló amb la veneració que devem als grans mestres\"\u003c\/i\u003e. Francesc de Paula Baldelló (1887-1977), presbítero y figura fundacional de la musicología catalana moderna, recibe aquí el tributo de un Aragonès que utiliza la pureza de la aguada monocroma para dotar a la arquitectura de una espiritualidad y un silencio tangibles.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa síntesis del volumen y el control del agua\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11\"\u003eLa ejecución técnica es de una contención y una madurez magistrales. Aragonès nos presenta una iglesia rural de arquitectura robusta, coronada por un campanario de espadaña y enmarcada hábilmente por la silueta de un pino en el margen izquierdo. El artista renuncia al color para jugar exclusivamente con las diluciones del pigmento, creando los pesados volúmenes de la piedra mediante manchas seguras e intuitivas. Resulta brillante su dominio del \"espacio negativo\": la reserva del blanco crudo del papel actúa visualmente como el sol implacable del mediodía golpeando las fachadas, generando un contraste de enorme fuerza escenográfica.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"14\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"15\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Joan Aragonès.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Paisaje con Iglesia rural \/ Homenaje a Mossèn Baldelló (Dibujo arquitectónico).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca estimada:\u003c\/b\u003e Mediados del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Aguada original monocroma (tinta diluida) sobre papel de dibujo de tono cálido.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones documentadas:\u003c\/b\u003e Aprox. 21 x 26 cm (Formato apaisado de gabinete).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Presenta dedicatoria autógrafa y firma manuscrita \u003ci data-path-to-node=\"15,5,0\" data-index-in-node=\"73\"\u003e\"Joan Aragonès\"\u003c\/i\u003e en el margen inferior izquierdo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstilo \/ Movimiento:\u003c\/b\u003e Realismo sintético \/ Escuela Catalana.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada \/ Fondo de galería.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e El papel presenta una tonalidad cálida y pequeñas perforaciones, principalmente en la zona del cielo sobre el campanario. La aguada mantiene el contraste y la composición conserva una lectura clara.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"16\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEsta pieza es un diálogo silencioso entre dos eruditos. Aragonès nos entrega un paisaje que respira la misma humildad con la que él reconoce en el otro a un \"gran maestro\".\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53488357048653,"sku":null,"price":125.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0258_04.jpg?v=1772753624"},{"product_id":"pau-sabate-i-jauma-paisaje-mediterraneo-con-campanario-acuarela-original-postimpresionismo-catalan","title":"Pau Sabaté i Jaumà — Paisaje mediterráneo con campanario — Acuarela sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eLa luz del Mediterráneo capturada a través de una paleta vibrante y moderna. Una acuarela original donde la solidez de la arquitectura histórica dialoga con la inmensidad del mar y la perspectiva atmosférica.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEl maestro del dibujo frente al paisaje abierto\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003eEn el panorama del arte catalán de la primera mitad del siglo XX, pocos artistas lograron dominar la dualidad entre el rigor académico del dibujo y la libertad del color como Pau Sabaté i Jaumà (1872-1954). Esta acuarela es un testimonio excepcional de su faceta más suelta y luminosa. Sabaté nos transporta a un enclave costero (posiblemente la costa del Maresme o el Garraf), donde un robusto campanario de reminiscencias románicas y tejado piramidal se erige como vigía del tiempo frente al horizonte marino.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11\"\u003eLa composición es un tratado de equilibrio clásico. En primer término, los estilizados cipreses —símbolo ancestral de bienvenida en el Mediterráneo— marcan la verticalidad de la escena, guiando la mirada del espectador hacia la línea de la costa.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa audacia cromática: lila, púrpura y luz\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003eLo que eleva esta estampa a la categoría de obra maestra es su paleta de color. Lejos del paisajismo decimonónico y terroso, Sabaté abraza una estética claramente postimpresionista. El artista utiliza magistralmente las transparencias de la acuarela para construir la profundidad visual, tiñendo las montañas del fondo y las nubes con audaces veladuras púrpuras, lilas y rosadas. Este recurso (\u003ci data-path-to-node=\"13\" data-index-in-node=\"394\"\u003eperspectiva atmosférica\u003c\/i\u003e) dota a la obra de una luminosidad interna deslumbrante, dejando que la reserva del blanco del papel respire y se convierta en la luz cegadora del mediodía.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"16\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"17\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Pau Sabaté i Jaumà (Reus, 1872 - Barcelona, 1954).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Paisaje con iglesia y cipreses frente al mar (Marina \/ Paisajismo rural).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca estimada:\u003c\/b\u003e Primera mitad del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Acuarela original fluida sobre papel de dibujo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones documentadas:\u003c\/b\u003e 18 x 26,5 cm (Formato apaisado de gabinete).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmada a mano a pincel \u003ci data-path-to-node=\"17,5,0\" data-index-in-node=\"47\"\u003e\"P. Sabaté\"\u003c\/i\u003e en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstilo \/ Movimiento:\u003c\/b\u003e Postimpresionismo \/ Escuela Catalana.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada \/ Fondo de galería.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,8,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de conservación:\u003c\/b\u003e El papel presenta dos pequeñas perforaciones en el extremo superior izquierdo, fuera de la composición central.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"18\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eExisten paisajes que se limitan a describir un lugar y paisajes que logran transmitir una temperatura. Sabaté consigue aquí que sintamos el calor de la piedra y la brisa del horizonte lila.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53488380346701,"sku":null,"price":135.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0215_c5500db1-9785-459b-b332-6177e1d19178.jpg?v=1791590823"},{"product_id":"guillem-fresquet-paisaje-rural-con-campanario-1952-acuarela-original-escuela-catalana","title":"Guillem Fresquet — Paisaje rural con campanario (1952) — Acuarela sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eLa danza del agua y el pigmento. Una ventana abierta a la atmósfera del paisaje catalán, ejecutada por uno de los grandes maestros históricos de la Agrupación de Acuarelistas de Cataluña.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEl pintor del aire y la perspectiva atmosférica\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11\"\u003eGuillem Fresquet Bardina (1914–1991) no solo pintaba topografía; pintaba el aire y la humedad que envolvían el paisaje. Formado en la Llotja, dedicó su vida a perfeccionar la técnica más implacable de las artes plásticas. En esta soberbia acuarela original, fechada en 1952, nos encontramos ante la quintaesencia de su estilo: un pequeño núcleo rural coronado por un campanario que emerge frente a la imponente silueta de una montaña.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003eLa pieza vibra con una energía particular. Fresquet utiliza la acuarela no como un simple relleno cromático, sino como un elemento vivo que expande el volumen. La gran masa montañosa del fondo, resuelta con magistrales tonos plomizos y púrpuras, se desdibuja fundiéndose con el cielo nuboso, logrando una profundidad atmosférica deslumbrante que empequeñece la persistente huella humana de la arquitectura.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa dualidad técnica: del \u003ci data-path-to-node=\"13\" data-index-in-node=\"25\"\u003ehúmedo sobre húmedo\u003c\/i\u003e al trazo seco\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14\"\u003eEl verdadero alarde técnico de esta estampa se encuentra en su factura dividida. Mientras los fondos se resuelven con la incontrolable y poética técnica del \"húmedo sobre húmedo\" (dejando que el agua trabaje sola sobre la celulosa), el primer término nos muestra el pulso firme del dibujante. Fresquet define la rústica valla de madera de la izquierda y los márgenes del camino de tierra con enérgicos trazos de pincel casi seco y pigmento muy saturado, anclando visualmente la composición y empujando el paisaje hacia el horizonte.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"17\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"18\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Guillem Fresquet Bardina (Barcelona, 1914 - 1991).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Paisaje rural con campanario y montaña (Paisajismo Catalán).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAño de creación:\u003c\/b\u003e 1952.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Acuarela original fluida sobre papel de dibujo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones documentadas:\u003c\/b\u003e 19,5 x 28,5 cm (Formato apaisado de gabinete).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmada a mano y fechada \u003ci data-path-to-node=\"18,5,0\" data-index-in-node=\"48\"\u003e\"FRESQUET 52\"\u003c\/i\u003e en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstilo \/ Movimiento:\u003c\/b\u003e Realismo atmosférico \/ Escuela Catalana de Acuarela.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada \/ Fondo de galería.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,8,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de conservación:\u003c\/b\u003e Los colores conservan su intensidad. El papel presenta ligeras manchas pardas (foxing), concentradas principalmente en el área del cielo. Las fotografías permiten valorar su extensión.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"19\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eUn aficionado pinta los árboles; un maestro pinta la niebla que los oculta. Esta obra de Fresquet es un refugio visual que invita a la contemplación silenciosa.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53488400597325,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0201_59d012eb-56d1-4af8-a033-9784794aff64.jpg?v=1791589974"},{"product_id":"antoni-carrera-karris-silueta-urbana-gesto-expresionista-acuarela-y-tinta-sobre-papel","title":"Antoni Carrera «Karris» — Silueta urbana: gesto expresionista — Acuarela y tinta sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003ePaisaje urbano contemporáneo en técnica mixta. Una obra original de Antoni Carrera \"Karris\" que documenta su etapa neoexpresionista, destacando por el contraste estructural entre el dibujo a tinta y el uso expansivo de la acuarela.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"7\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa síntesis del paisaje contemporáneo\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eEsta obra, fechada en 2004, aleja al espectador de la representación figurativa tradicional para adentrarlo en una interpretación puramente expresiva del paisaje urbano. La pieza estructura la silueta de un pueblo dominado por la verticalidad de su iglesia, un eje compositivo que ancla la mirada y da estabilidad a la obra. Karris captura la esencia del lugar a través de una economía de medios que prioriza el impacto visual sobre la descripción topográfica estricta.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa arquitectura del trazo y la aguada\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003eLo que hace magnética a esta pieza es el contraste dramático de sus materiales. Por un lado, el uso de la tinta negra —aplicada con un trazo caligráfico rápido— define la solidez de las edificaciones y la topografía de las montañas. En claro contraste técnico, las aguadas en tonos magenta y rosáceos envuelven la escena. Resulta interesante observar cómo Karris utiliza magistralmente el vacío del papel en blanco para dotar de luz a la composición, generando un equilibrio propio de la pintura contemporánea.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"13\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"14\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Antoni Carrera (\"Karris\").\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Silueta urbana con iglesia (Paisaje Neoexpresionista).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAño \/ Época:\u003c\/b\u003e 2004 (Firmado y fechado \"KARRIS '04\").\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Acuarela y tinta original sobre papel, trabajado con trazo caligráfico y aguadas expansivas.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones documentadas:\u003c\/b\u003e Aprox. 24 x 33 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstilo \/ Movimiento:\u003c\/b\u003e Neoexpresionismo \/ Abstracción Figurativa.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"15\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eUna obra original de Antoni Carrera \"Karris\" que documenta su etapa neoexpresionista, destacando por el contraste estructural entre el dibujo a tinta y el uso expansivo de la acuarela.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53493029830989,"sku":null,"price":145.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0392_93890c0d-4b67-4e16-a9b2-45cc076589e0.jpg?v=1791575964"},{"product_id":"antonio-comerma-dibujo-arquitectura-romanica-aguada-sepia-1942","title":"Antonio Comerma — Monumentalidad Románica (1942) — Dibujo original a la aguada Sepia","description":"\u003cp data-path-to-node=\"2\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"2\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDibujo original de 1942 que representa la arquitectura de una iglesia románica. Una obra académica de gran formato que destaca por su dominio del volumen y la luz.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eFirmada por Antonio Comerma y fechada en 1942, esta pieza es un ejemplo de dibujo arquitectónico riguroso. La obra muestra la cabecera y el campanario de una iglesia románica catalana, centrando la atención en la estructura del ábside. La elección de la aguada monocroma en tonos sepia otorga a la imagen una estética similar a la de los grabados antiguos o las fotografías de época, reforzando su carácter histórico.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003eEl artista construye la volumetría de la piedra mediante un uso preciso de las sombras proyectadas. La profundidad de los arcos ciegos y la perspectiva de los muros demuestran un conocimiento avanzado de la geometría arquitectónica. Realizada en un contexto histórico complejo, la obra busca transmitir la solidez y estabilidad del patrimonio medieval a través de un dibujo sereno y equilibrado.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"8\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"9\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor\u003c\/b\u003e: Antonio Comerma.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema\u003c\/b\u003e: Vista de ábside y campanario románico.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAño\u003c\/b\u003e: 1942.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica\u003c\/b\u003e: Aguada sepia sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones\u003c\/b\u003e: 52 x 37 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eInscripciones\u003c\/b\u003e: Firmado \"A. Comerma\" y fechado \"1942\" en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstilo \/ Movimiento\u003c\/b\u003e: Realismo académico \/ Arquitectura regionalista.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia\u003c\/b\u003e: Colección Privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación\u003c\/b\u003e: Estado vintage. El soporte presenta \u003ci data-path-to-node=\"9,8,0\" data-index-in-node=\"60\"\u003efoxing\u003c\/i\u003e (pequeñas manchas de oxidación por humedad) propias de la edad del papel. Estas señales no interfieren en la lectura del dibujo y acentúan su carácter de objeto antiguo original.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa suavidad de los tonos sepia y la firmeza del trazo permiten seguir los detalles de la arquitectura. El dibujo combina una descripción precisa de sus formas con una gradación de luces y sombras que da profundidad al edificio.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53518282031437,"sku":null,"price":103.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-22_155933274.png?v=1792677576"},{"product_id":"blanca-montane-la-punta-sitges-acuarela-1987","title":"Blanca Montané Ramírez — La Punta de Sitges, 1987 — Acuarela sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAcuarela original fechada en 1987 que representa la iglesia de Sant Bartomeu i Santa Tecla, uno de los monumentos más reconocibles del litoral de Sitges. La composición recoge el conjunto arquitectónico conocido popularmente como \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eLa Punta\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, situado sobre el antiguo baluarte de la villa y abierto al mar Mediterráneo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa iglesia ocupa el extremo izquierdo de la escena, con sus dos torres destacando sobre un cielo de amplias aguadas azules y amarillentas. A la derecha se extiende el horizonte marino, resuelto mediante suaves pinceladas horizontales y transparencias de color que aportan luminosidad y profundidad.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa arquitectura se construye con tonalidades ocres, amarillos cálidos y sombras pardas, aplicadas mediante pinceladas rápidas y bien diferenciadas. El tratamiento de las fachadas, las escalinatas y los muros que descienden hacia el paseo revela un especial interés por la síntesis de las formas y la representación de la luz mediterránea.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa acuarela presenta una firma «Montané» y la fecha «87» en el ángulo inferior derecho. La obra es de la producción de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eBlanca Montané Ramírez\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, acuarelista vinculada a Sitges y conocida por sus representaciones de lugares característicos de la villa.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa artista aparece documentada en el Fons d'Art Ave Maria Fundació, que conserva otra acuarela de la iglesia de Sant Bartomeu i Santa Tecla, de composición y lenguaje pictórico estrechamente relacionados con esta obra.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutoría:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Blanca Montané Ramírez.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e La Punta de Sitges (denominación descriptiva).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFecha:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 1987.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Acuarela original sobre papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones de la obra:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 23,5 × 33 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones con marco:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 38 × 47 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTema:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Vista de la iglesia de Sant Bartomeu i Santa Tecla, Sitges.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «Montané 87», en el ángulo inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general, con la composición íntegra y las aguadas cromáticas conservadas. Papel enmarcado bajo cristal, con ligeras señales de envejecimiento propias del soporte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePresentación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Marco dorado con paspartú claro.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta acuarela recoge una de las vistas más representativas de Sitges mediante una interpretación especialmente luminosa y espontánea. La arquitectura monumental de La Punta contrasta con la amplitud del cielo y la serenidad del horizonte marino.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54325779333453,"sku":null,"price":175.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0052_59325f25-984c-4881-ae98-6aed66ad8308.jpg?v=1784376125"},{"product_id":"jesus-casas-plaza-navalcarnero-oleo-1978","title":"Jesús Casas — Plaza de Navalcarnero: Paisaje Urbano Monumental — Óleo sobre lienzo (1978)","description":"\u003cp\u003eObra original de 1978 que documenta con precisión la emblemática Plaza de Segovia en Navalcarnero, Madrid. Jesús Casas plasma la arquitectura castellana —sus característicos soportales, columnas de piedra y la silueta de la iglesia de Nuestra Señora de la Asunción— mediante una pincelada suelta y empastada. La perspectiva abierta del pavimento y el tratamiento del celaje aportan monumentalidad a este paisaje urbano de gran formato.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eLa obra es una representación documentada del casco histórico de Navalcarnero. Casas emplea una técnica con clara influencia impresionista, visible en el tratamiento de las texturas de la teja árabe y la luminosidad del cielo. La elección de representar la plaza despejada, enfatizando el despiece del pavimento, genera una profundidad que atrapa la mirada y sitúa al espectador en el centro del espacio público. Es un registro histórico y artístico de calidad documental.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Jesús Casas.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTema:\u003c\/b\u003e Paisaje urbano \/ Costumbrismo arquitectónico (Plaza de Segovia, Navalcarnero).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Óleo sobre lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Obra: 60 x 81,5 cm | Marco: 78 x 100 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmado \"J. Casas\" en el anverso. Firmado, titulado y fechado en el reverso: \"PLAZA de NAVALCARNERO \/ 1978 \/ J. CASAS\".\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy buen estado. Capa pictórica estable y lienzo con tensión óptima. Marco de madera en tono cálido con entrecalle clara en buenas condiciones.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y comprobar su calidad.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas líneas del pavimento convergen hacia las fachadas y abren una amplia superficie en primer término. La farola de la izquierda introduce una vertical próxima, mientras las torres y sus chapiteles sobresalen por encima de los tejados. Bajo los balcones, las zonas oscuras de los soportales contrastan con los muros claros. Los tonos ocres del suelo y las tejas enlazan la arquitectura con la plaza, frente a los azules y blancos del cielo.\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54326641066317,"sku":null,"price":550.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0411_e5c09419-364f-4da0-b353-49b059305eeb.jpg?v=1791901372"},{"product_id":"karl-stuhlmuller-mercado-rural-bavaro","title":"Karl Stuhlmüller — Escena de mercado rural bávaro — Óleo sobre lienzo — Finales del siglo XIX","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003eUna representación precisa de la vida cotidiana en la Alta Baviera. Esta obra captura el bullicio y la cotidianidad de un mercado de ganado, trasladándonos a la atmósfera rural centroeuropea del cambio de siglo.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003eEsta pintura se enmarca en la tradición costumbrista de la Escuela de Múnich, un movimiento que alcanzó su madurez técnica en el último cuarto del siglo XIX. La composición sitúa al espectador frente a una feria de ganado, un motivo recurrente en la producción asociada a Karl Stuhlmüller, quien demostró una notable capacidad para organizar escenas corales con precisión animalista. El eje visual está definido por el conjunto arquitectónico local, donde destaca la silueta de la iglesia con su cúpula bulbosa, elemento distintivo de la región. En el plano principal, el artista articula la interacción entre las figuras humanas y el ganado de tiro. El tratamiento de la luz y la gestión del color siguen los cánones de los talleres alemanes de la época, logrando una profundidad equilibrada que otorga veracidad a la escena.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"4\" data-index-in-node=\"0\"\u003eNota de Catalogación\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003eLa pieza presenta la firma «K. Stuhlmüller München» en el ángulo inferior izquierdo. La escena de mercado rural, la composición coral y el tratamiento de las figuras y los animales se inscriben en el contexto de la pintura costumbrista bávara de finales del siglo XIX.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"9\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Karl Stuhlmüller (Múnich, 1859 - Etzenhausen, 1930).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTema:\u003c\/b\u003e Paisaje con figuras \/ Costumbrismo rural \/ Mercado bávaro.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Óleo sobre lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 39 x 60 cm (Lienzo) \/ 53 x 74 cm (Marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Presenta firma \"K. Stuhlmüller München\" en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. Capa pictórica estable. El marco de época presenta pátina natural y desgastes propios del uso.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eIncluye:\u003c\/b\u003e Marco de madera tallada y seguro de transporte.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11\"\u003eLas figuras y el ganado se distribuyen ante la arquitectura del pueblo, formando una escena coral. La iglesia organiza el fondo de la composición, mientras la variedad de gestos y agrupaciones da ritmo al mercado. El marco de época conserva su pátina y acompaña la presentación de la pintura.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54326674620749,"sku":null,"price":2250.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0289_3da0af67-e363-4467-811d-40d49b14431b.jpg?v=1791898267"},{"product_id":"albert-carner-paisaje-postimpresionista-escuela-catalana-oleo","title":"Albert Carner — Costumbrismo Postimpresionista. Escuela Catalana — Óleo sobre lienzo — S. XX","description":"\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eUna inmersión en la serenidad de la vida rural mediterránea. Este lienzo de formato generoso captura la esencia de un entorno tradicional mediante una luz contundente y un dominio técnico de la perspectiva, invitando al espectador a caminar por sus calles.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eLa composición nos traslada a una escena puramente costumbrista, estructurada a través de una calle en pendiente que guía la mirada de forma natural hacia el punto de fuga, donde se erige la imponente silueta de la iglesia y su campanario. Albert Carner emplea un lenguaje postimpresionista muy arraigado en la tradición paisajística catalana, caracterizado por una pincelada firme, decidida y cargada de materia.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eEl aspecto más destacable de la obra es su riguroso estudio lumínico. La luz, de un sol rasante de media tarde, genera un fuerte contraste entre las zonas iluminadas del asfalto y las fachadas, frente a las densas sombras arrojadas por las figuras y el muro perimetral. Los verdes de la vegetación, aplicados con un toque más suelto y expresivo, aportan frescura y volumen a la composición. Además, el reverso del lienzo conserva el sello histórico de \"Vicente Piera\" (Cardenal Casañas, Barcelona), lo que ubica y contextualiza inequívocamente la ejecución material de la pieza dentro del núcleo artístico catalán de la época.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Albert Carner.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTema:\u003c\/b\u003e Paisaje rural \/ Costumbrismo \/ Arquitectura.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Óleo sobre lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 55 x 66 cm (Obra) \/ 85 x 96 cm (Marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmado en el ángulo inferior derecho. Presenta sello de la histórica casa de bellas artes Vicente Piera (Barcelona) en el reverso.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. La capa pictórica se muestra sólida, sin craquelados evidentes y con un colorido vibrante. El lienzo mantiene una excelente tensión sobre el bastidor. El marco clásico se encuentra en magníficas condiciones, aportando gran solidez al conjunto. Se recomienda revisar detenidamente el reportaje fotográfico como documento vinculante.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eIncluye:\u003c\/b\u003e Marco de madera tallada de alta calidad, paspartú de tela y seguro de transporte profesional.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003eMás allá de la anécdota rural, estamos ante una obra donde la verdadera protagonista es la luz del Mediterráneo. La destreza con la que Carner resuelve las sombras en el asfalto y la volumetría de los árboles demuestra un oficio pictórico maduro y muy seguro de sí mismo. Es una pieza que cuenta la historia de la quietud de un pueblo, consolidándose como una ventana abierta a la mejor tradición de la escuela paisajística catalana.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54326766240077,"sku":null,"price":490.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0270_8ebf3205-7006-4388-9076-bfc110c3f8f4.jpg?v=1791990012"},{"product_id":"oriol-jansana-cristo-calvario-crucifixion-oleo-tabla","title":"Atribuido a Josep Oriol Jansana d'Anzizu — El Calvario — Óleo sobre tabla, siglo XX","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePintura original de temática religiosa, atribuida al artista catalán \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJosep Oriol Jansana d'Anzizu (Barcelona, 1913–1993)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, que representa la Crucifixión de Cristo mediante un lenguaje expresionista de marcada intensidad dramática.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición se organiza alrededor de la figura de Cristo crucificado, situada en el centro de la tabla. A sus pies aparecen dos personajes en actitud de recogimiento, uno de ellos cubierto por un manto azul que permite relacionarlo con la Virgen María, mientras que la figura situada a la derecha viste una amplia túnica rojiza.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl artista construye la escena mediante una pincelada libre y sintética, concentrando la atención en las figuras y prescindiendo de elementos narrativos secundarios. El cuerpo de Cristo, iluminado con tonalidades ocres y blanquecinas, destaca sobre un fondo oscuro de negros azulados y verdes profundos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLos acompañantes están representados con una gran economía de detalles, mediante amplias aplicaciones de color y trazos que sugieren sus gestos y expresiones. Las tonalidades rojizas de las vestiduras contrastan con las sombras del paisaje y el azul intenso del manto de la figura femenina.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa austeridad de la composición y el carácter abocetado de la ejecución refuerzan la dimensión espiritual y emocional de la escena, próxima a las tendencias expresionistas de la pintura figurativa del siglo XX.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn el reverso de la tabla figura una inscripción manuscrita que parece indicar «Bocet de Oriol Jansana», acompañada de diversos apuntes y anotaciones a lápiz. Esta referencia constituye un elemento documental relevante para la atribución de la pieza.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eSobre el artista\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJosep Oriol Jansana d'Anzizu (Barcelona, 1913–1993)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e fue un pintor catalán formado con Nolasc Valls y en la Escola de la Llotja de Barcelona. Mantuvo una relación artística con Marià Pidelaserra, figura destacada de la renovación pictórica catalana.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eInició su actividad expositiva durante la década de 1930 y participó en diferentes agrupaciones artísticas, entre ellas el grupo de La Campana de Sant Gervasi.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu producción se desarrolló principalmente en el ámbito del paisaje urbano y rural, aunque también cultivó el retrato y la representación figurativa. Su pintura muestra influencias del fauvismo y del expresionismo, con especial atención a la intensidad cromática y la construcción sintética de las formas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu trayectoria incluye exposiciones en galerías barcelonesas como Syra y Subex, así como una estancia artística en Italia durante la que obtuvo una medalla de oro en el concurso Cadorago-Lario de Como en 1971.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu obra se encuentra representada en colecciones institucionales, entre ellas el Museu d'Art de Girona.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutoría:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Atribuido a Josep Oriol Jansana d'Anzizu (1913–1993).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e El Calvario (denominación descriptiva).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Óleo sobre tabla de madera.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Siglo XX, sin fecha identificada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones de la obra:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 24,5 × 18 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones con marco:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 36 × 30 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstilo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Figuración expresionista de temática religiosa.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscripciones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e En el reverso, anotación manuscrita aparentemente «Bocet de Oriol Jansana», junto con otros apuntes a lápiz.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general de presentación. La capa pictórica conserva su textura y las principales relaciones cromáticas. Se observan pequeñas señales superficiales y desgastes puntuales acordes con su antigüedad.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePresentación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Marco de madera ornamentada con motivos vegetales, acabado en blanco.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta pequeña tabla destaca por la fuerza expresiva de su composición y la austeridad con la que se representa el episodio de la Crucifixión.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa utilización de una paleta oscura, la pincelada libre y el carácter sintético de las figuras confieren a la obra una intensidad que contrasta con sus reducidas dimensiones.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa inscripción manuscrita del reverso, que relaciona la pintura con Oriol Jansana y la describe aparentemente como boceto, constituye un elemento de particular interés para el estudio de su autoría y de su proceso de creación.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54326783115597,"sku":null,"price":200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0146_6a013eb7-06a7-41d7-9492-f23ec3506d2e.jpg?v=1791942870"},{"product_id":"puell-melia-paisaje-rural-campanario-acuarela-tabla","title":"Puell Meliá — Atmósfera Mediterránea: Paisaje Rural con Campanario — Acuarela sobre tabla","description":"\u003cp\u003eUna obra que captura la esencia de la quietud rural a través de un dominio absoluto de la luz y la atmósfera. Este paisaje de Puell Meliá destaca por la fluidez de sus aguadas y la calidez de su paleta, ofreciendo una ventana directa a la tranquilidad del entorno campestre.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eLa composición nos traslada a un núcleo rural tradicional, dominado por la verticalidad de un campanario y la silueta inconfundible de los cipreses, elementos clásicos del paisaje mediterráneo. Puell Meliá estructura la escena en varios planos de profundidad: un primer término abocetado con pinceladas sueltas y matices terrosos, un plano medio donde se asienta el caserío —con el detalle narrativo del humo escapando de la chimenea—, y un fondo montañoso difuminado bajo un cielo encapotado.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTécnicamente, la elección de la acuarela sobre tabla es muy interesante. Este soporte rígido permite al artista trabajar con un control diferente sobre la humedad del pigmento en comparación con el papel tradicional, evitando deformaciones. El autor demuestra una gran maestría en la técnica húmedo sobre húmedo para resolver el cielo cargado y las montañas del fondo, contrastando con el detalle más preciso y seco en la arquitectura y la vegetación central.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Puell Meliá.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTema:\u003c\/b\u003e Paisaje rural \/ Arquitectura tradicional.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Acuarela sobre tabla.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 46 x 60 cm (Obra) \/ 67 x 80,5 x 6 cm (Marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmado \"Puell Meliá\" en el ángulo inferior derecho. Cuenta además con una placa identificativa metálica centrada en el paspartú inferior.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. Los pigmentos mantienen su frescura y luminosidad original, sin signos de oxidación ni decoloración por exposición lumínica. La tabla garantiza la perfecta planimetría de la obra. El marco sólido se encuentra en magníficas condiciones. Rogamos revisar las fotografías de detalle, las cuales tienen carácter vinculante.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eIncluye:\u003c\/b\u003e Marco original de alta calidad y seguro de transporte profesional.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl campanario y los cipreses forman un grupo de verticales que sobresale por encima de los tejados. Las fachadas claras se alternan con manchas verdes y pardas, mientras el humo de la chimenea introduce una línea blanca a la izquierda. En primer término, las piedras y las hierbas presentan contornos más definidos; detrás, las montañas se disuelven en tonos grises y azulados. Esta diferencia de nitidez separa los planos y deja una amplia zona clara entre el caserío y el borde inferior.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54332571418957,"sku":null,"price":135.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0091_b8e5a2cb-3f3f-4712-803d-c6dea2b38262.jpg?v=1791909861"},{"product_id":"acrilico-vista-collioure-martine-foissier-2013","title":"Vista de Collioure — Acrílico sobre tabla — Martine Foissier (2013) — Neo-Fauvismo Francés","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003eUna interpretación vibrante y contemporánea de la costa mediterránea, donde el color puro y el trazo gestual capturan la inconfundible luz del sur de Francia.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003eAunque a primera vista la obra pueda evocar diversos enclaves lacustres o costeros, la iconografía arquitectónica revela sin lugar a dudas que nos encontramos ante una vista de Collioure, en la región de Occitania (Francia). La inconfundible silueta de la iglesia de \u003ci data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"267\"\u003eNotre-Dame-des-Anges\u003c\/i\u003e adentrándose en el mar y el perfil del castillo dominan el fondo de la composición, rindiendo un claro homenaje al pueblo que fue cuna del Fauvismo a principios del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eTécnicamente, Martine Foissier despliega un lenguaje plástico de herencia postimpresionista y neo-fauvista. Utiliza un trazo negro firme y caligráfico —cercano al cloisonismo— para estructurar los elementos principales: la barca catalana en primer término, la arquitectura y el oleaje. Sobre este esqueleto lineal, aplica el acrílico con una pincelada rápida, ancha y matérica. La paleta cromática es audaz, contrastando la frialdad de los azules cerúleos del agua con la calidez del rojo de la embarcación y los tonos anaranjados de un sol representado mediante una espiral esquemática, dotando a la obra de un marcado dinamismo y frescura visual.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"7\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"8\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Martine Foissier\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e 2013\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEscuela:\u003c\/b\u003e Escuela Francesa contemporánea\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstilo:\u003c\/b\u003e Neo-Fauvismo \/ Expresionismo\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Acrílico sobre soporte rígido (tabla)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones obra:\u003c\/b\u003e 65 x 50 cm (formato vertical)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones con marco:\u003c\/b\u003e 79 x 64 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. El soporte rígido mantiene la tensión de la capa pictórica. Se presenta con un marco decapado en tonos claros que complementa y respeta la luminosidad de la obra.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEsta pintura de Martine Foissier es una excelente muestra de la pervivencia de la tradición paisajística del sur de Francia adaptada a una sensibilidad actual. Destaca por su franqueza técnica: no se pierde en detalles superfluos, sino que va directa a la captura del color y la forma.\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54336976519501,"sku":null,"price":84.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0005_fadf3562-a608-4bcb-a327-db2ee134d7f2.jpg?v=1791905238"},{"product_id":"frans-geerts-oleo-cardenal-estudio-costumbrismo-belga-siglo-xix","title":"Frans Geerts — El Cardenal en su Estudio — Óleo sobre lienzo — Costumbrismo Anecdótico Belga","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUna escena de género del pintor belga \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFrans Geerts (Amberes, 1869–Borgerhout, 1957)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, que representa a un cardenal en la intimidad de su gabinete, rodeado de un elaborado mobiliario y objetos decorativos. La composición participa de una tradición característica de la pintura europea de finales del siglo XIX: las escenas anecdóticas de altos dignatarios eclesiásticos en ambientes domésticos, en las que la solemnidad institucional convive con situaciones cotidianas y un discreto sentido del humor.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl protagonista aparece sentado junto a una mesa cubierta con un rico tejido ornamental, cuya combinación de motivos geométricos y colores contrasta con el rojo intenso de su vestimenta. Ante él se encuentra un pequeño animal, objeto de su atención, que introduce el componente narrativo de la pintura. El gesto contenido del cardenal establece una relación entre ambos y desplaza el interés desde la dignidad de su cargo hacia un instante de carácter privado.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl interior presenta una notable acumulación de elementos decorativos: una chimenea monumental, revestimientos arquitectónicos ornamentados, una silla de madera tallada y tapicería rojiza, un mueble oscuro y diversos objetos que completan la ambientación. El artista organiza estos detalles en torno a la figura principal, estableciendo una jerarquía visual mediante la intensidad cromática del ropaje y la distribución de la iluminación.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDesde el punto de vista pictórico, destaca la diferencia entre las superficies textiles, los acabados del mobiliario y las decoraciones arquitectónicas. Las pinceladas más definidas de los elementos ornamentales contrastan con el modelado del rostro y las manos, mientras que el pavimento introduce una amplia superficie cálida que equilibra la complejidad del fondo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición se relaciona con la llamada \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003epintura de cardenales\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, modalidad del costumbrismo anecdótico cultivada especialmente durante las últimas décadas del siglo XIX. Artistas como Georges Croegaert, Jehan Georges Vibert y Andrea Landini desarrollaron este repertorio, caracterizado por la representación de eclesiásticos en escenas de lectura, conversación, ocio o pequeñas situaciones humorísticas. Su atractivo residía tanto en el carácter narrativo como en la minuciosa descripción de ambientes y objetos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pintura de Geerts participa de esta tradición mediante una escena de dimensiones íntimas, concebida para una observación próxima, donde el interés por el detalle y la caracterización del personaje adquieren especial importancia.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSobre el artista\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eFrans Geerts, también citado como Franz o François Geerts, nació en Amberes en 1869 y falleció en Borgerhout en 1957. Fue un pintor belga de formación académica, vinculado a la tradición figurativa flamenca.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEntre 1880 y 1886 recibió enseñanza artística en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, donde estudió bajo la dirección de Lucas Victor Schaefels. Su producción abarcó retratos, escenas de género, asuntos religiosos, paisajes y naturalezas muertas, realizados principalmente al óleo, aunque también practicó la acuarela y el dibujo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu lenguaje pictórico permaneció ligado a las tradiciones realista y romántica, con especial atención a la representación narrativa y a la pintura de pequeño formato. Además de composiciones propias, realizó interpretaciones y copias de obras de maestros anteriores, dentro de una práctica de estudio habitual en la formación académica europea.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDesarrolló buena parte de su actividad en el entorno de Amberes y Borgerhout, donde residió durante décadas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Frans Geerts (1869–1957).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo descriptivo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eEl cardenal en su estudio\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Finales del siglo XIX – principios del XX, probablemente hacia 1890–1910.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Óleo sobre lienzo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstilo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Pintura de género, costumbrismo anecdótico de tradición académica belga.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones de la obra:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 32 × 25 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmado «F. Geerts» en el ángulo inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDocumentación material:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e El bastidor conserva una etiqueta del establecimiento de enmarcación F. De Leeuw, situado en Turnhoutschebaan, Borgerhout (Amberes).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEnmarcación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Marco de madera tallada y dorada, de ornamentación historicista. \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general de presentación, con craquelado superficial visible en determinadas zonas y señales compatibles con su antigüedad. \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDestacamos especialmente la relación entre el contenido narrativo de la escena y el cuidado dedicado a los elementos materiales del interior. El rojo de la vestimenta concentra la atención sobre el cardenal, mientras que la variedad de textiles y superficies decoradas proporciona profundidad y riqueza visual al conjunto.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa etiqueta conservada en el reverso constituye un testimonio interesante de la historia material de la pintura. Su localización en Borgerhout coincide con el ámbito geográfico donde Frans Geerts desarrolló parte de su actividad.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUna obra de gabinete representativa del gusto europeo de finales del siglo XIX por las escenas figurativas de carácter íntimo y anecdótico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54337467187533,"sku":null,"price":390.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/IMG_20260506_181710_eef9e544-bf49-4c8c-aad6-aa9893360a53.jpg?v=1792070813"},{"product_id":"javier-rey-oleo-paleta-pintor-vista-sitges-expresionismo","title":"Javier Rey — Vista de Sitges sobre Paleta de Pintor — Óleo sobre tabla — Expresionismo Colorista","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003eUna colorista e icónica vista de Sitges ejecutada sobre un soporte verdaderamente singular: una paleta de pintor de madera, donde la forma del objeto integrado en el enmarcado multiplica el valor plástico de la escena.\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003eEl artista gallego Javier Rey, afincado en Sitges, recoge la gran tradición paisajística de esta emblemática villa marinera catalana —hito histórico del Modernismo y foco de atracción de creadores desde la época de Santiago Rusiñol y Ramon Casas— para reinterpretarla desde un prisma contemporáneo y marcadamente expresionista.\u003c\/p\u003e\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eEn esta obra, Rey toma como motivo la estampa más reconocible de Sitges: el paseo marítimo (Passeig de la Ribera) con su característico quiosco, las palmeras, el mar salpicado de veleros y la silueta inconfundible de la iglesia de Sant Bartomeu i Santa Tecla alzándose sobre el espigón. La singularidad técnica de la pieza radica en el uso directo de una paleta de pintor como soporte rígido. Sobre ella, el autor aplica el óleo con pincelada rápida, gestual y cargada de materia. La paleta cromática es intensamente fauvista: domina un cielo en tonos violetas y púrpuras bajo un sol encendido en rojo cadmio, generando un vivo contraste con los amarillos de la arquitectura y los verdes turquesa del agua.\u003c\/p\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"7\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul data-path-to-node=\"8\"\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"8,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Javier Rey\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"8,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e Vista de Sitges desde el Paseo Marítimo (Título atribuido)\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"8,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Contemporánea\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"8,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstilo:\u003c\/b\u003e Expresionismo \/ Fauvismo\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"8,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Óleo sobre tabla recortada en forma de paleta de pintor\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"8,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones obra:\u003c\/b\u003e 40 x 28 cm (Paleta)\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"8,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones con marco:\u003c\/b\u003e 50 x 38 cm\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"8,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Ángulo inferior derecho de la paleta (\"Rey\")\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"8,9,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,9,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de conservación:\u003c\/b\u003e Excelente estado estructural y de la capa pictórica.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa curva interior de la paleta acompaña la línea del mar. El paseo violeta conduce desde el quiosco del primer plano hasta la iglesia, mientras los blancos de las velas y los amarillos de la arquitectura destacan sobre los verdes y azules del agua.\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54368438747469,"sku":null,"price":170.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0146_a95fffd2-3e2e-495a-b098-c1842a8dcae9.jpg?v=1792094230"},{"product_id":"roser-puig-maternidad-virgen-nino-tecnica-mixta-1957","title":"Roser Puig — Maternidad (Virgen con el Niño) (1957) — Técnica mixta sobre papel — Dibujo Académico Catalán","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003eUn dibujo de delicadeza extraordinaria donde la pureza de la línea a grafito y la sutileza del clarión capturan la ternura de la maternidad en la gráfica catalana de mediados del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003eRealizada en 1957, esta pieza de Roser Puig representa una aproximación intimista a la iconografía de la Maternidad o la Virgen con el Niño, un tema de amplia tradición y arraigo en la ilustración catalana del periodo de postguerra.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eTécnicamente, la obra destaca por una factura lineal limpia y serena, heredera de la sobriedad del Noucentisme y de la ilustración académica de mediados del siglo XX. Puig trabaja sobre un papel entonado en beige cálido, construyendo la anatomía de las figuras mediante un trazo firme y modulado a grafito. Para dotar de tridimensionalidad y volumen a la composición, la autora recurre de forma magistral al clarión blanco —aplicado con precisión en los rostros, el cabello del infante y el halo nimboide— y a sutiles toques de pigmentos ocre para definir los pliegues de la vestimenta. La inclusión de las dos aves revoloteando sobre la aureola añade una nota de lirismo y frescura compositiva.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"7\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"8\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Roser Puig\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e \u003ci data-path-to-node=\"8,1,0\" data-index-in-node=\"8\"\u003eMaternidad \/ Virgen con el Niño\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAño:\u003c\/b\u003e 1957\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstilo:\u003c\/b\u003e Ilustración académica \/ Dibujo catalán de mediados del S. XX\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Técnica mixta (grafito, clarión blanco y pigmentos tierra) sobre papel entonado\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones obra:\u003c\/b\u003e 41 x 30 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones con marco:\u003c\/b\u003e 68 x 52 cm aprox.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Ángulo inferior derecho (\"roser puig 1957\")\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEnmarcado:\u003c\/b\u003e Marco liso de madera natural con cristal protector y paspartú de gran formato en tono café neutro.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,9,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,9,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. Papel firme, estable y en óptimas condiciones de preservación.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEsta pieza de Roser Puig destaca por su impecable factura: el uso del clarión blanco sobre el tono natural del papel le otorga una luz muy particular a los rostros.\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54368448676173,"sku":null,"price":190.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0180_ea30194c-1292-4170-97e3-9b43fd0a9517.jpg?v=1792094677"},{"product_id":"escuela-europea-the-ave-maria-relic-retablo-antiguo","title":"Escuela Europea — The Ave Maria Relic: Madonna con el Niño y Santos — Óleo y Retablo de Alta Antigüedad","description":"\u003cp\u003eUna pieza devocional de carácter museístico que atestigua la riqueza del arte sacro de alta época. Este retablo, concebido para el culto privado, fusiona la talla en madera maciza policromada con una detallada pintura al óleo, encapsulando la devoción y el virtuosismo técnico de la imaginería religiosa europea.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEl esplendor del culto doméstico:\u003c\/b\u003e Durante la alta antigüedad, los oratorios privados eran el epicentro espiritual de las familias nobles o de la alta burguesía. Esta obra responde a esa necesidad de devoción íntima, presentando una estructura arquitectónica tallada, policromada y dorada que eleva la escena central a lo sagrado. Sus características estilísticas evidencian una escuela europea que oscila entre el rigor compositivo de los talleres florentinos y el dramatismo devocional de la tradición española.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eUn documento material inalterado:\u003c\/b\u003e La relevancia de esta tabla radica en su integridad histórica y su factura inalterada. El óleo central dialoga directamente con la estructura maciza que lo alberga, creando una obra total. La presencia de restos de una etiqueta de catalogación antigua en el reverso subraya su importancia documental, trazando su paso por el coleccionismo histórico y sin que esa inscripción permita reconstruir por sí sola su recorrido histórico.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Anónimo (Escuela Europea, posible origen español o florentino).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e The Ave Maria Relic: Madonna, Child and Saints (Virgen, Niño y santos).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Alta Antigüedad.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo sobre tabla integrada en retablo de madera maciza tallada, policromada y dorada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 70 cm (Alto) x 37 cm (Ancho) x 6,5 cm (Grosor).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003ePeso:\u003c\/b\u003e 4,5 kg.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e No presenta. Conserva restos de etiqueta de catalogación antigua en el reverso.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario \/ Colección particular histórica.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno en su estado antiguo. Mantiene íntegra su pátina genuina. Presenta craquelado natural en la capa pictórica, grieta central por la contracción de la madera, faltas estructurales y marcas históricas inactivas de xilófagos que documentan su estado material, sin acreditar por sí solas su fecha ni su autenticidad.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEstar frente a este retablo es observar cómo el tiempo ha esculpido su propia pátina sobre la obra humana. Es una obra solemne, cargada de contexto histórico y con una presencia física imponente que exige respeto.\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54521905152333,"sku":null,"price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/WhatsAppImage2026-05-11at13.51.03_01-Photoroom-copia.png?v=1786806361"},{"product_id":"san-pedro-de-alcantara-oleo-barroco-espanol","title":"Escuela española — San Pedro de Alcántara ante el Crucificado — Óleo sobre lienzo — Tradición barroca con Marca Mariana devocional.","description":"\u003cp\u003ePoderosa pintura religiosa de tradición barroca española que representa, con gran probabilidad, a \u003cstrong\u003eSan Pedro de Alcántara (1499-1562)\u003c\/strong\u003e entregado a la contemplación de Cristo crucificado. El santo aparece aislado frente a un fondo profundamente oscuro, acompañado únicamente por el crucifijo, un libro abierto y una calavera, elementos que concentran en la escena algunos de los principales motivos de la espiritualidad ascética de la Edad Moderna.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa obra presenta además un elemento excepcional: en el ángulo superior derecho se conserva adherida una \u003cstrong\u003epequeña pintura mariana realizada a mano sobre el soporte textil\u003c\/strong\u003e, probablemente una representación de \u003cstrong\u003eNuestra Señora de Atocha\u003c\/strong\u003e. Este diminuto añadido devocional, incorporado en algún momento de la historia material del cuadro, constituye una singular huella de su antiguo uso religioso.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eLa composición pertenece claramente a la tradición de la pintura religiosa española desarrollada durante el Barroco y prolongada durante los siglos posteriores. El protagonista aparece de perfil, completamente absorto en la contemplación del Crucificado que sostiene entre sus manos.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa identificación con \u003cstrong\u003eSan Pedro de Alcántara\u003c\/strong\u003e resulta especialmente plausible por la combinación de varios elementos: el hábito franciscano, la marcada tonsura o calvicie, el carácter extremadamente austero de la representación, el crucifijo, la calavera y el libro.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSan Pedro de Alcántara fue una de las figuras fundamentales de la reforma franciscana española del siglo XVI y alcanzó una importante difusión iconográfica a partir de su canonización en 1669. Su imagen se desarrolló fundamentalmente como la de un religioso ascético, de intensa vida contemplativa, asociado al crucifijo, la penitencia y la meditación sobre la muerte.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa composición prescinde casi por completo de elementos narrativos. El pintor concentra la iluminación sobre el rostro del religioso, sus manos, el Crucificado y determinadas zonas del hábito, mientras el resto de la escena queda sumido en penumbra. Este procedimiento proporciona a la pintura una notable intensidad psicológica y remite directamente a los recursos tenebristas característicos de la pintura religiosa española.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEspecial interés presenta el rostro del santo, tratado mediante una iluminación lateral que modela con fuerza la frente, la nariz y el pómulo. Su mirada se dirige directamente hacia Cristo y establece el auténtico eje emocional de la composición.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl libro y la calavera: meditación y \u003cem\u003ememento mori\u003c\/em\u003e\n\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEn primer término aparece un libro abierto, sobre el que se dispone una calavera humana.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAmbos elementos deben entenderse dentro de la tradición ascética cristiana.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl libro remite al estudio, la oración y la meditación espiritual. La calavera constituye uno de los símbolos más extendidos del \u003cem\u003ememento mori\u003c\/em\u003e, expresión latina que recuerda al creyente la inevitabilidad de la muerte y la naturaleza transitoria de la existencia terrenal.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa presencia simultánea del Crucificado, el libro y la calavera transforma la escena en una auténtica imagen de meditación: Cristo como objeto de contemplación, las Escrituras o los textos espirituales como medio de conocimiento y la muerte como recordatorio de la fugacidad de la vida.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEsta austeridad simbólica resulta característica de buena parte de la pintura religiosa española de los siglos XVII y XVIII.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl hábito franciscano\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eUno de los aspectos pictóricos más singulares de la obra es el tratamiento del hábito.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl pintor ha representado determinadas zonas de la manga y del hombro mediante numerosas líneas paralelas oscuras sobre una tonalidad terrosa clara, produciendo visualmente la sensación de un tejido extremadamente basto.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNo parece un detalle puramente decorativo. La pobreza del vestido forma parte de la construcción iconográfica del religioso y subraya deliberadamente el carácter penitencial de la escena.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa contraposición entre las zonas iluminadas del hábito y la oscuridad prácticamente absoluta del fondo refuerza aún más la presencia física del santo.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa pequeña pintura mariana\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEn el ángulo superior derecho se conserva uno de los elementos más singulares de toda la obra: \u003cstrong\u003euna diminuta representación de la Virgen pintada a mano sobre el soporte textil independiente.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn las fotografías puede apreciarse la estructura del tejido y una ejecución pictórica directa. Su estado de conservación es fragmentario y dificulta una identificación absolutamente segura. No obstante, su iconografía presenta importantes semejanzas con las representaciones históricas de \u003cstrong\u003eNuestra Señora de Atocha\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003ePosible identificación como Nuestra Señora de Atocha\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eNuestra Señora de Atocha fue una de las advocaciones marianas más importantes de la España de la Edad Moderna y estuvo especialmente vinculada a Madrid y a la monarquía española.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa imagen original es una pequeña talla medieval de la Virgen con el Niño que, desde época barroca, era presentada a los fieles ricamente vestida y coronada.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLas vestiduras postizas ocultaban buena parte de la escultura original y proporcionaban a la imagen una característica silueta rígida, casi triangular o cónica. Esta particular apariencia dio lugar a un tipo iconográfico fácilmente reconocible que fue reproducido numerosas veces durante los siglos XVII y XVIII.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLas representaciones de Atocha presentan habitualmente varios elementos característicos:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eVirgen coronada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eNiño Jesús asociado a la figura materna.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eAmplia vestidura de estructura triangular o cónica.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eRostro rodeado por un rostrillo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eGran aureola o estructura radiante alrededor de la cabeza.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003ePresencia frecuente de estrellas y rayos.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003ePresentación de la imagen como si se encontrara dentro de su altar o camarín.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eEn numerosas representaciones, cortinajes o elementos arquitectónicos que enmarcan la efigie.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eDiversos de estos elementos parecen reconocerse, aunque de manera muy deteriorada, en la pequeña pintura adherida al lienzo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePor esta razón proponemos prudentemente su identificación como \u003cstrong\u003e“probable Nuestra Señora de Atocha”\u003c\/strong\u003e, manteniendo abierta la posibilidad de que corresponda a otra advocación mariana de tipología semejante.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLos “verdaderos retratos” de imágenes milagrosas\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa posible identificación con Atocha resulta especialmente interesante por una práctica característica de la religiosidad barroca.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDurante los siglos XVII y XVIII se realizaron numerosas representaciones conocidas como \u003cstrong\u003e“verdaderos retratos” o \u003cem\u003evera effigies\u003c\/em\u003e\u003c\/strong\u003e de imágenes de culto.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl objetivo no era representar simplemente a la Virgen de manera idealizada, sino reproducir con la mayor fidelidad posible una escultura concreta tal y como podía verla el fiel en su iglesia: sus vestidos, joyas, corona, resplandor y camarín.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLas pinturas de Nuestra Señora de Atocha constituyen uno de los mejores ejemplos españoles de este fenómeno.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAlgunas de estas reproducciones adquirían además un significado devocional extraordinario. Está documentado incluso el caso de una reproducción pictórica de la Virgen de Atocha realizada en el siglo XVII que fue puesta en contacto con la propia imagen original, siguiendo la creencia de que ese contacto podía transmitir simbólicamente parte de sus propiedades protectoras.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNo es posible determinar si la pequeña pintura conservada en este cuadro participó de alguna práctica semejante. Sin embargo, su carácter de pequeño objeto independiente y su posterior incorporación a otro lienzo religioso resulta plenamente compatible con una utilización devocional privada.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eUna intervención histórica de carácter devocional\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa diminuta pintura mariana no parece formar parte de la composición originalmente concebida por el autor.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSu posición en el ángulo superior derecho, su soporte independiente y sus bordes visibles indican que fue añadida posteriormente.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEsta circunstancia constituye una parte especialmente interesante de la historia material de la pintura.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn lugar de entenderla únicamente como una alteración posterior, puede interpretarse como testimonio de la utilización del cuadro como verdadero \u003cstrong\u003eobjeto de devoción\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn algún momento de su historia, un antiguo propietario, religioso o comunidad decidió incorporar esta pequeña imagen mariana a una pintura ya dedicada a la meditación religiosa.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl resultado reúne así dos niveles distintos de devoción: la representación pictórica de un santo contemplando a Cristo y una pequeña imagen de la Virgen físicamente incorporada a la superficie del cuadro.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSe trata de una intervención humilde pero de considerable interés histórico, pues permite aproximarnos no únicamente a cómo se realizó la obra, sino también a \u003cstrong\u003ecómo fue utilizada y transformada por quienes la poseyeron\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eCronología\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa obra responde inequívocamente a modelos desarrollados por la pintura barroca española.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSin embargo, distinguir entre la fecha de creación de una composición y la fecha de ejecución material del lienzo resulta fundamental.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLos modelos barrocos continuaron copiándose y reinterpretándose durante los siglos XVIII e incluso XIX, especialmente en ámbitos conventuales, provinciales y de devoción privada.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePor este motivo, y mientras no se realice un estudio directo del tejido, preparación, pigmentos, bastidor y restauraciones, proponemos de manera prudente una datación aproximada entre los \u003cstrong\u003esiglos XVIII y XIX\u003c\/strong\u003e, dentro de la tradición barroca española.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUna cronología más temprana no puede descartarse completamente, pero requeriría un estudio técnico.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa pequeña pintura mariana puede además pertenecer a un momento distinto de la ejecución del lienzo principal, puesto que parece haber sido añadida posteriormente.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEstado y huellas materiales\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa pintura presenta un estado de conservación acorde con una obra de considerable antigüedad y una historia material compleja.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSe aprecia craquelado extendido, suciedad superficial, desgaste y abrasiones de la capa pictórica, pequeñas pérdidas y antiguas intervenciones.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLos bordes del lienzo muestran deterioro y pérdida de material, especialmente en determinadas zonas superiores.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn el reverso se observan antiguas reparaciones mediante parches aplicados sobre el tejido, evidencia de intervenciones realizadas para consolidar roturas o perforaciones producidas durante la historia de la pieza.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEstas restauraciones forman parte de su recorrido material y se encuentran claramente documentadas en las fotografías.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Anónimo\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEscuela:\u003c\/strong\u003e Española\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTítulo propuesto:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eSan Pedro de Alcántara ante el Crucificado\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDatación propuesta:\u003c\/strong\u003e Siglos XVIII-XIX\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTradición artística:\u003c\/strong\u003e Barroca española\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eGénero:\u003c\/strong\u003e Pintura religiosa \/ pintura devocional\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Óleo sobre lienzo\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 103 × 83 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e No apreciada\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003ePersonaje representado:\u003c\/strong\u003e Probablemente San Pedro de Alcántara\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAtributos:\u003c\/strong\u003e Crucifijo, libro y calavera\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eElemento añadido:\u003c\/strong\u003e Pequeña pintura mariana sobre soporte textil\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAdvocación mariana propuesta:\u003c\/strong\u003e Probablemente Nuestra Señora de Atocha\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEstado:\u003c\/strong\u003e Presenta craquelado, desgastes, pérdidas y antiguas reparaciones. El reverso conserva parches correspondientes a intervenciones históricas sobre el soporte. Los bordes presentan deterioro y pérdida de tejido. Se recomienda consultar detenidamente todas las fotografías, que forman parte integral de la descripción del estado de conservación.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eHay obras antiguas cuya importancia no reside únicamente en quién las pintó, sino en todo aquello que les envolvió Este lienzo constituye un magnífico ejemplo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUn religioso contempla en silencio a Cristo crucificado. Frente a él, un libro y una calavera recuerdan la oración, el conocimiento y la inevitabilidad de la muerte. Todo sucede dentro de una oscuridad casi absoluta. Pero alguien, en algún momento posterior de la historia de la pintura, añadió algo más. En uno de sus ángulos colocó una diminuta imagen de la Virgen, pintada cuidadosamente sobre un pequeño fragmento de tejido. No sabemos quién lo hizo, cuándo lo hizo ni por qué decidió incorporarla precisamente a esta pintura.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSu iconografía permite relacionarla probablemente con Nuestra Señora de Atocha, una de las grandes imágenes devocionales de la España barroca, aunque preferimos mantener esta identificación como una propuesta mientras no puedan documentarse nuevos elementos.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLo verdaderamente extraordinario es que esta pequeña pintura transforma nuestra manera de entender el conjunto. El cuadro dejó de ser, en algún momento de su historia, únicamente una representación de un santo. Alguien intervino sobre él y lo convirtió en un objeto personal de devoción, reuniendo físicamente sobre una misma superficie la contemplación de Cristo y una imagen protectora de la Virgen. Sus desgastes, reparaciones y añadidos no ocultan esa historia, la conservan.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54594673279309,"sku":null,"price":900.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/IMG_20260805_164223.jpg?v=1787839695"},{"product_id":"lucas-lorenzo-cristo-crucificado-arte-popular-mexicano","title":"Atribuido a Lucas Lorenzo — Cristo Crucificado — Acrílico sobre masonite — Arte popular mexicano","description":"\u003cp\u003eColorida representación de \u003cstrong\u003eCristo Crucificado\u003c\/strong\u003e, atribuida a \u003cstrong\u003eLucas Lorenzo (1941–2020)\u003c\/strong\u003e, artista mexicano de Xalitla, Guerrero, y figura destacada del arte popular mexicano.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa obra presenta a Cristo sobre la cruz rodeado de rosas, grandes vasijas y un paisaje de intenso cromatismo. El artista utiliza contornos negros muy marcados, colores planos y una perspectiva libre, rasgos característicos del lenguaje naïf desarrollado por la \u003cstrong\u003eFamilia Lorenzo\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEsta pintura fue adquirida junto a otras dos obras del mismo formato, soporte y estilo. Una de ellas está claramente firmada \u003cstrong\u003e«Lucas Lorenzo»\u003c\/strong\u003e, circunstancia que refuerza la atribución de esta pieza al mismo autor o a su entorno familiar inmediato.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Atribuido a Lucas Lorenzo (1941–2020)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eCristo Crucificado\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eOrigen:\u003c\/strong\u003e Xalitla, Guerrero, México\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEstilo:\u003c\/strong\u003e Arte popular mexicano \/ arte naïf\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Acrílico sobre masonite\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMedidas obra:\u003c\/strong\u003e 29 × 19,5 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMedidas con marco:\u003c\/strong\u003e 33 × 23 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMarco:\u003c\/strong\u003e Incluido\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e No visible en esta obra\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Adquirida junto a otras dos pinturas similares, una de ellas firmada Lucas Lorenzo\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEstado:\u003c\/strong\u003e Buen estado general. Consultar las fotografías, que forman parte de la descripción.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eUna interpretación muy personal de la Crucifixión, donde el dramatismo religioso convive con rosas, vegetación y colores intensos. La procedencia conjunta con una obra firmada por Lucas Lorenzo constituye además un dato especialmente interesante para su atribución.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54594722365773,"sku":null,"price":160.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/IMG_20260805_170118.jpg?v=1787841864"},{"product_id":"lucas-lorenzo-san-martin-de-porres-arte-popular-mexicano","title":"Atribuido a Lucas Lorenzo — San Martín de Porres — Acrílico sobre masonite — Arte popular mexicano","description":"\u003cp\u003eColorida representación de \u003cstrong\u003eSan Martín de Porres\u003c\/strong\u003e, atribuida a \u003cstrong\u003eLucas Lorenzo (1941–2020)\u003c\/strong\u003e, artista de Xalitla, Guerrero, y figura destacada del arte popular mexicano.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl santo aparece con sus atributos más reconocibles: la \u003cstrong\u003eescoba\u003c\/strong\u003e, el rosario y distintos animales a sus pies, elementos vinculados a su humildad, caridad y especial relación con los animales. La escena está construida mediante colores planos y brillantes, contornos negros y una perspectiva deliberadamente libre, características propias del lenguaje naïf de la \u003cstrong\u003eFamilia Lorenzo\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa obra fue adquirida junto a otras dos pinturas del mismo tamaño, soporte, marco y estilo. Una de ellas está claramente firmada \u003cstrong\u003e«Lucas Lorenzo»\u003c\/strong\u003e, dato de procedencia que refuerza la atribución de esta pieza al propio artista o a su entorno familiar inmediato.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Atribuido a Lucas Lorenzo (1941–2020)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eSan Martín de Porres\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eOrigen:\u003c\/strong\u003e Xalitla, Guerrero, México\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEstilo:\u003c\/strong\u003e Arte popular mexicano \/ arte naïf\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Acrílico sobre masonite\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMedidas obra:\u003c\/strong\u003e 29 × 19,5 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMedidas con marco:\u003c\/strong\u003e 33 × 23 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMarco:\u003c\/strong\u003e Incluido\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eInscripción:\u003c\/strong\u003e «San Martín de Porres»\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Adquirida junto a otras dos obras similares, una de ellas firmada Lucas Lorenzo\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEstado:\u003c\/strong\u003e Buen estado general. Consultar las fotografías, que forman parte de la descripción.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eUna imagen especialmente representativa del arte religioso popular latinoamericano. La figura de San Martín de Porres, conocido tradicionalmente como \u003cstrong\u003eel santo de la escoba\u003c\/strong\u003e, se transforma aquí mediante el color y la espontaneidad característica de la pintura popular de Xalitla.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54594725708109,"sku":null,"price":160.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/IMG_20260805_170138.jpg?v=1787842239"},{"product_id":"heber-l-gil-lluvia-bajo-estrellas-japon-2016","title":"Heber L. Gil — \"Lluvia bajo las Estrellas\" — Japón en mi Memoria — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp\u003eObra original sobre papel de \u003cstrong\u003eHeber Luis Gil Ameijeiras\u003c\/strong\u003e, firmada como \u003cem\u003eHeber L. Gil\u003c\/em\u003e y realizada en Barcelona en diciembre de 2016. Titulada por el propio artista \u003cem\u003eLluvia bajo las Estrellas\u003c\/em\u003e, pertenece a su particular evocación \u003cstrong\u003e“Japón en mi Memoria”\u003c\/strong\u003e, una aproximación íntima al paisaje, la arquitectura y la atmósfera de Japón.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa escena representa la entrada monumental de un templo o santuario japonés bajo un profundo cielo azul. Los pilares rojizos, los detalles dorados de la arquitectura y las pequeñas figuras protegidas por paraguas construyen una imagen silenciosa en la que la lluvia parece haber detenido momentáneamente el ritmo del lugar.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3\u003eJapón desde la memoria\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMás que una representación documental de un monumento concreto, la obra funciona como un recuerdo reconstruido. La propia inscripción manuscrita \u003cstrong\u003e“Japón en mi Memoria”\u003c\/strong\u003e proporciona la clave: Heber L. Gil selecciona elementos reconocibles de la arquitectura tradicional japonesa y los transforma mediante su propia percepción.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa monumental puerta domina la composición, mientras las figuras humanas quedan reducidas a una escala mínima. Una mujer con paraguas rosado avanza en primer término y aporta profundidad a la escena, reforzando esa sensación de instante cotidiano capturado durante un día de lluvia.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eArquitectura, lluvia y noche\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eLa utilización de \u003cstrong\u003etintas especiales sobre papel\u003c\/strong\u003e permite al artista trabajar mediante transparencias, líneas y pequeños detalles ornamentales. Los rojos y dorados de la arquitectura contrastan con los grises del suelo mojado y el azul intenso del cielo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLas pequeñas luces blancas que salpican la parte superior justifican el evocador título \u003cem\u003eLluvia bajo las Estrellas\u003c\/em\u003e, creando una combinación poco habitual entre humedad, nocturnidad y luz.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Heber Luis Gil Ameijeiras (Heber L. Gil).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eLluvia bajo las Estrellas\u003c\/em\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSerie \/ referencia:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eJapón en mi Memoria\u003c\/em\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eFecha:\u003c\/strong\u003e Diciembre de 2016.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eLugar de creación:\u003c\/strong\u003e Barcelona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Tintas especiales sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTemática:\u003c\/strong\u003e Japón \/ arquitectura tradicional japonesa \/ paisaje urbano.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMedidas de la obra:\u003c\/strong\u003e 25 × 17 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMedidas con marco:\u003c\/strong\u003e 34 × 28 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmado “Heber L. Gil” en rojo en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEnmarcado:\u003c\/strong\u003e Sí. Marco negro con protección frontal y sistema de cuelgue.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAutenticación:\u003c\/strong\u003e El reverso conserva una ficha manuscrita por el propio artista con autor, título, técnica, referencia a \u003cem\u003eJapón en mi Memoria\u003c\/em\u003e, fecha y lugar de ejecución.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy buen estado general. El marco presenta pequeñas señales normales de uso. Las fotografías forman parte integral de la descripción.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eHay algo especialmente atractivo en que Heber L. Gil no titulase esta obra simplemente con el nombre de un lugar.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eLluvia bajo las Estrellas\u003c\/em\u003e habla más de una sensación que de una localización. El enorme portal, los paraguas, el pavimento húmedo y el cielo profundamente azul convierten una escena aparentemente cotidiana en un recuerdo casi cinematográfico.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa anotación \u003cstrong\u003e“Japón en mi Memoria”\u003c\/strong\u003e, escrita por el propio artista en el reverso, termina de darle sentido: Estamos ante la manera en que un lugar permanece después en la memoria.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54594969796941,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0148_3c083d23-8700-4a43-a007-ca77ba0fd851.jpg?v=1792245044"},{"product_id":"heber-l-gil-descanso-templo-japon-tecnica-mixta","title":"Heber L. Gil — \"Descanso en el Templo\" — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp\u003eObra original de \u003cstrong\u003eHeber Luis Gil Ameijeiras\u003c\/strong\u003e, firmada como \u003cem\u003eHeber L. Gil\u003c\/em\u003e, que representa una escena de inspiración japonesa ambientada en el interior de un templo. Una figura femenina vestida con indumentaria tradicional aparece sentada junto a una imagen budista dorada y diferentes elementos que evocan la escritura y la cultura visual de Japón.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa pieza combina figuración, color y una interpretación libre de la estética oriental dentro del lenguaje contemporáneo del artista.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eUna escena de pausa y contemplación\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eEl propio título, \u003cem\u003eDescanso en el Templo\u003c\/em\u003e, dirige la mirada hacia el carácter íntimo de la escena. La figura permanece sentada y aislada, mientras la imagen dorada situada tras ella introduce una dimensión espiritual y silenciosa.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eHeber L. Gil contrapone los tonos terrosos del templo con los pequeños acentos cromáticos del vestido floral, creando una composición sencilla pero de fuerte carácter narrativo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMás que reproducir de manera documental un espacio religioso concreto, la obra parece formar parte de la visión personal que el artista desarrolló en torno a \u003cstrong\u003eJapón, sus templos y su cultura tradicional\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Heber Luis Gil Ameijeiras (Heber L. Gil).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eDescanso en el Templo\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Técnica mixta sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTemática:\u003c\/strong\u003e Japón \/ templo japonés \/ escena de inspiración oriental.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas de la obra:\u003c\/strong\u003e 25 × 18 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas con marco:\u003c\/strong\u003e 36 × 25 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmado “Heber L. Gil” en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEnmarcado:\u003c\/strong\u003e Sí. Marco en tono madera.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Conserva en el reverso identificación manuscrita y antigua etiqueta de catalogación con título, técnica y precio histórico de \u003cstrong\u003e100 €\u003c\/strong\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e La obra se encuentra en buen estado general. \u003cstrong\u003eEl cristal protector presenta varias roturas visibles y deberá sustituirse.\u003c\/strong\u003e El marco muestra pequeñas señales de uso. Las fotografías forman parte integral de la descripción.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eNos interesa especialmente el contraste entre una escena aparentemente cotidiana —una mujer sentada descansando— y el entorno ceremonial que la rodea.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa figura dorada, las inscripciones y el vestido tradicional convierten ese pequeño momento de pausa en una imagen cargada de atmósfera. Una obra íntima dentro de la producción de \u003cstrong\u003eHeber L. Gil inspirada en Japón\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54594980282701,"sku":null,"price":80.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/SantuarioserenoconmujeryBuda.png?v=1792245613"},{"product_id":"m-camps-santiago-peregrino-tecnica-mixta-papel-1966","title":"M. Camps — “Santiago Peregrino” — Técnica mixta sobre papel, 1966","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eRepresentación de \u003cstrong\u003eSantiago Peregrino\u003c\/strong\u003e, realizada en 1966 y firmada “M. Camps”. La figura del apóstol aparece de cuerpo entero, sosteniendo un largo bordón y envuelta en un amplio manto rojo, sobre un intenso fondo cromático dominado por azules, amarillos y rojos.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa obra combina una composición de carácter religioso tradicional con una interpretación claramente vinculada a la estética decorativa de mediados del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eSantiago como peregrino\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa figura se representa frontalmente, con barba, túnica, manto y un largo bastón o bordón. Estos elementos remiten a la iconografía tradicional de \u003cstrong\u003eSantiago el Mayor como peregrino\u003c\/strong\u003e, una de las formas más difundidas de representar al apóstol.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEl artista prescinde aquí del paisaje y de una narración religiosa compleja para concentrar toda la atención en la figura. El personaje ocupa prácticamente la totalidad de la composición y adquiere una presencia monumental gracias al formato vertical.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eColor y carácter decorativo\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eUno de los elementos más llamativos de la obra es el uso del color. El intenso azul del fondo contrasta con el rojo del manto, mientras una zona amarilla y verdosa ilumina la parte superior derecha de la composición.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLos ornamentos vegetales de las esquinas refuerzan el carácter decorativo del conjunto y crean una especie de marco pictórico alrededor de la figura central.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa ejecución combina zonas transparentes con otras de color más opaco, por lo que resulta más adecuado catalogarla como \u003cstrong\u003etécnica mixta sobre papel\u003c\/strong\u003e que limitarla exclusivamente a la acuarela.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e M. Camps.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eSantiago Peregrino\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e Descriptivo, asignado para catalogación.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFecha:\u003c\/strong\u003e 1966.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Técnica mixta sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas:\u003c\/strong\u003e 45 × 29,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmada y fechada “M. Camps. 66” en la parte inferior de la composición.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTema:\u003c\/strong\u003e Arte religioso \/ Santiago Apóstol.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003ePeriodo:\u003c\/strong\u003e Segunda mitad del siglo XX.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Buen estado general acorde con su antigüedad. Se observan ligeras señales de envejecimiento y pequeñas alteraciones en los márgenes del papel, visibles en las fotografías.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa figura de Santiago domina la composición. El rojo del manto contrasta con el azul del fondo, mientras los pequeños elementos ornamentales enmarcan la imagen y acompañan su lectura religiosa.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54768198615373,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0056_b17e3553-3568-4906-8795-0504afd484c9.jpg?v=1792246123"},{"product_id":"gaspar-riera-esglesia-sesgleieta-mallorca-tinta-1960","title":"Gaspar Riera — “L’església de s’Esgleieta” — Tinta sobre papel, 1960","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eDibujo original a tinta sobre papel realizado por \u003cstrong\u003eGaspar Riera Moragues\u003c\/strong\u003e en 1960. La obra representa la iglesia de \u003cstrong\u003eSanta Maria de l'Olivar de s'Esgleieta\u003c\/strong\u003e, pequeño núcleo rural perteneciente al municipio mallorquín de Esporles.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eRiera construye la escena mediante un dibujo directo y espontáneo, concentrándose en la arquitectura, los tejados, el campanario y la vegetación circundante. La economía cromática permite que toda la expresividad recaiga sobre la línea y el ritmo del trazo.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eMallorca antes de convertirse en motivo\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eGaspar Riera desarrolló prácticamente toda su trayectoria alrededor del paisaje mallorquín. Nacido en Estellencs en 1922, fue un artista esencialmente autodidacta que encontró en los pueblos, campos y caminos de Mallorca su principal fuente de trabajo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa presente obra está fechada en \u003cstrong\u003e1960\u003c\/strong\u003e, un momento temprano dentro de su evolución artística. Durante aquellos años Riera todavía se encontraba consolidando un lenguaje propio que, a lo largo de la década siguiente, acabaría caracterizándose por la simplificación del paisaje y una interpretación cada vez más personal del territorio mallorquín.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa elección de s'Esgleieta resulta especialmente coherente con esa atención a los rincones rurales de la isla. El artista no representa un gran monumento, sino una pequeña iglesia integrada en su entorno cotidiano.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLa iglesia de Santa Maria de l'Olivar\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEl edificio representado corresponde a la iglesia de \u003cstrong\u003eSanta Maria de l'Olivar\u003c\/strong\u003e, situada en s'Esgleieta, núcleo histórico del municipio de Esporles.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eRiera escoge una vista lateral en la que destacan la torre campanario, la larga cubierta de teja y las construcciones anexas. La vegetación se introduce entre los diferentes planos arquitectónicos mediante trazos rápidos y nerviosos, evitando una representación excesivamente rígida.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEl dibujo posee así un doble interés: como obra sobre papel de Gaspar Riera y como testimonio gráfico de un lugar concreto de la Mallorca de comienzos de los años sesenta.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Gaspar Riera Moragues (Estellencs, 1922 – Palma, 1993).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eL’església de s’Esgleieta\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFecha:\u003c\/strong\u003e 1960.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Tinta sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas:\u003c\/strong\u003e 35 × 48 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmada “Gaspar Riera” en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInscripciones:\u003c\/strong\u003e Titulada y fechada al reverso “L’Església de S’Esglaieta – 1960”.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTema:\u003c\/strong\u003e Paisaje arquitectónico \/ Mallorca.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eLocalización representada:\u003c\/strong\u003e Iglesia de Santa Maria de l'Olivar, s'Esgleieta, Esporles, Mallorca.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003ePeriodo:\u003c\/strong\u003e Primera etapa de la producción del artista.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Buen estado general acorde con su antigüedad. Se observan pequeñas señales, manchas puntuales y alteraciones propias del papel, visibles en las fotografías.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eUna pieza especialmente interesante dentro de la producción sobre papel de Gaspar Riera por combinar \u003cstrong\u003efecha temprana, localización perfectamente identificada y un formato generoso para dibujo\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEl artista construye la arquitectura prácticamente sin recurrir al color: tejados, campanario, árboles y muros se articulan mediante una línea rápida que transmite la impresión de un apunte realizado directamente ante el motivo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eFechada en 1960, la obra permite acercarse a Riera antes del desarrollo pleno del lenguaje paisajístico por el que sería especialmente conocido durante las décadas posteriores.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54771056804173,"sku":null,"price":190.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0171_01_1c15b68f-c479-49d0-93ef-b3f1b84d9cf1.jpg?v=1792247922"},{"product_id":"morato-aragones-paisaje-urbano-catalan-dibujo-tinta","title":"Josep Maria Morató Aragonès — “Pueblo de montaña” — Tinta sobre papel — Escuela Catalana","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eDibujo original de \u003cstrong\u003eJosep Maria Morató Aragonès\u003c\/strong\u003e, realizado a tinta sobre papel y dedicado a uno de los grandes temas de su trayectoria: el paisaje y la arquitectura rural.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa composición representa un núcleo de casas escalonadas sobre el terreno, dominado en la parte superior por la silueta de una iglesia. Tejados, muros y construcciones se integran con el relieve montañoso mediante un dibujo rápido y expresivo, característico de la vertiente más inmediata de la obra del artista.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eEl paisaje en la obra de Morató Aragonès\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEl paisaje ocupó una posición central en la extensa trayectoria de Josep Maria Morató Aragonès. Desde sus primeros años en Cornudella de Montsant, el artista desarrolló una estrecha relación con los pueblos y montañas del interior catalán, motivos a los que regresaría repetidamente a lo largo de su carrera.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eSu pintura evolucionó mediante el contacto con diferentes lenguajes europeos, combinando la tradición paisajística con una progresiva simplificación de las formas y una creciente libertad del trazo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEn sus dibujos, esta síntesis aparece de manera especialmente directa.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLa fuerza de la línea\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa obra está construida prácticamente sin color. La tinta delimita las fachadas, tejados y campanario mediante trazos de diferente intensidad, mientras líneas más ligeras describen las montañas del fondo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eMorató evita una representación arquitectónica rígida. Algunos edificios están definidos mediante contornos rotundos y zonas intensamente negras, mientras otros elementos permanecen apenas sugeridos.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEsta alternancia entre dibujo preciso y línea espontánea aporta movimiento a la composición y convierte el pueblo en una estructura de formas superpuestas.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEl gran formato del papel permite además apreciar con claridad la seguridad del trazo y el proceso de construcción de la escena.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Josep Maria Morató Aragonès (Reus, 1923 – Barcelona, 2006).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003ePueblo de montaña\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e Descriptivo, asignado para catalogación.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eCronología:\u003c\/strong\u003e Segunda mitad del siglo XX.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Tinta sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas:\u003c\/strong\u003e 35 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmada “Morató Aragonès” en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEscuela:\u003c\/strong\u003e Escuela Catalana.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstilo:\u003c\/strong\u003e Figuración expresiva \/ paisajismo.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTema:\u003c\/strong\u003e Paisaje urbano \/ arquitectura rural \/ pueblo de montaña.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003ePeriodo:\u003c\/strong\u003e Arte catalán de la segunda mitad del siglo XX.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Buen estado general acorde con su antigüedad, con pequeñas señales y alteraciones puntuales propias del papel visibles en las fotografías.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eUna obra especialmente interesante para apreciar la faceta de \u003cstrong\u003eMorató Aragonès como dibujante\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eSin recurrir al color, el artista estructura todo el paisaje mediante la línea: las formas compactas de las casas contrastan con el dibujo libre y casi abstracto de las montañas, mientras la iglesia situada en la parte superior actúa como eje visual de la composición.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEl resultado conserva la espontaneidad de un apunte realizado directamente ante el paisaje y, al mismo tiempo, posee suficiente desarrollo y tamaño para funcionar como una obra autónoma.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54777373851981,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0258_42e48793-e0cb-4c47-999f-df9673bc61aa.jpg?v=1791592227"},{"product_id":"guillem-fresquet-paisaje-ermita-acuarela-original","title":"Guillem Fresquet — “Paisaje con ermita y caminantes” — Acuarela original — Escuela Catalana","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eAcuarela original de \u003cstrong\u003eGuillem Fresquet Bardina\u003c\/strong\u003e dedicada al paisaje rural catalán, con una pequeña iglesia o ermita de piedra situada entre montañas y dos figuras avanzando por un camino.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa arquitectura ocupa el centro de la composición, destacándose sobre un paisaje construido mediante sucesivos planos de verdes, azules y tierras. Fresquet aprovecha con especial eficacia la transparencia propia de la acuarela para separar el primer término rocoso de las montañas del fondo y producir una marcada sensación de profundidad.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eEl paisaje en la obra de Guillem Fresquet\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eGuillem Fresquet desarrolló buena parte de su trayectoria alrededor de la acuarela, técnica en la que alcanzó un importante reconocimiento dentro de la pintura catalana del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eSu producción incluye paisajes, pueblos, puertos, mercados, escenas urbanas y motivos rurales. En 1968 obtuvo además un reconocimiento en el Premio de Pintura Villa de Palamós por una acuarela titulada \u003cem\u003eSargint xarxes\u003c\/em\u003e, cuyo dominio técnico fue destacado ya por la crítica de la época. \u003cspan class=\"contents\"\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa presente obra pertenece precisamente a esa vertiente paisajística.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa composición se estructura alrededor de un camino que penetra diagonalmente en el paisaje y conduce visualmente hacia la iglesia. Las dos pequeñas figuras introducen escala humana y rompen la quietud del escenario.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLuz, piedra y profundidad atmosférica\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEl primer plano está construido mediante pinceladas enérgicas de gris, azul, verde y tierra que describen la roca sin necesidad de un dibujo cerrado.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa iglesia, ejecutada mediante tonos pardos y grisáceos, funciona como centro visual. Sobre ella, el campanario se recorta contra un cielo prácticamente reservado en blanco.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEn el fondo, Fresquet reduce progresivamente el contraste y utiliza lavados azulados para representar las montañas, recurriendo a un procedimiento clásico de perspectiva atmosférica especialmente adecuado para la acuarela.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa obra muestra una ejecución fluida y segura, con amplias reservas del propio papel utilizadas como parte activa de la composición.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eGuillem Fresquet Bardina\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003e\u003cstrong\u003eGuillem Fresquet Bardina (Barcelona, 1914–1991)\u003c\/strong\u003e fue pintor y dibujante especializado especialmente en acuarela.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eSu actividad expositiva se desarrolló desde mediados del siglo XX y su obra estuvo estrechamente vinculada a la tradición acuarelista catalana. En \u003cstrong\u003e1973 recibió el encargo de realizar vistas de ciudades españolas destinadas a diseños relacionados con Correos\u003c\/strong\u003e, y fue además coautor junto a José M. Parramón del manual \u003cem\u003eCómo pintar a la acuarela\u003c\/em\u003e. \u003cspan class=\"contents\"\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Guillem Fresquet Bardina (Barcelona, 1914–1991).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003ePaisaje con ermita y caminantes\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e Descriptivo, asignado para catalogación.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Acuarela sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas:\u003c\/strong\u003e 32 × 45 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmada “Guillem Fresquet” en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInscripciones:\u003c\/strong\u003e Presenta anotaciones manuscritas de catalogación al reverso.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEscuela:\u003c\/strong\u003e Escuela Catalana.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstilo:\u003c\/strong\u003e Paisajismo figurativo.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTema:\u003c\/strong\u003e Paisaje rural \/ arquitectura religiosa \/ montaña.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003ePeriodo:\u003c\/strong\u003e Siglo XX.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Buen estado general. Los colores conservan luminosidad y contraste, con leves señales propias de antigüedad y manipulación del soporte.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eUna acuarela muy representativa de la producción paisajística de \u003cstrong\u003eGuillem Fresquet\u003c\/strong\u003e, con una composición especialmente equilibrada y una atractiva combinación de arquitectura, montaña y figura humana.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eDestaca la economía técnica con la que el artista consigue separar los diferentes planos: las rocas del primer término aparecen definidas mediante pinceladas firmes, mientras el paisaje montañoso se diluye progresivamente mediante suaves transparencias azuladas.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa iglesia y los dos caminantes convierten una sencilla vista rural en una escena narrativa, característica de la tradición paisajística catalana de mediados del siglo XX.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54779289600333,"sku":null,"price":145.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0327_01_c14fbc79-feef-4bb6-ac8e-5eb267fcb803.jpg?v=1789742043"},{"product_id":"david-roberts-giralda-sevilla-litografia-siglo-xix","title":"David Roberts — La Giralda de Sevilla — Litografía coloreada — Siglo XIX","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eElegante \u003cstrong\u003elitografía coloreada según David Roberts (1796–1864)\u003c\/strong\u003e, representando una de las vistas más emblemáticas de Sevilla: \u003cstrong\u003ela Giralda elevándose sobre el antiguo entramado urbano de la ciudad\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa composición procede de los dibujos realizados por Roberts durante su viaje por España en 1832–1833 y fue difundida posteriormente dentro de su célebre serie de vistas españolas. La precisión arquitectónica de la torre contrasta con la animación de las calles, balcones y pequeñas figuras que ocupan el primer término.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eDavid Roberts fue una de las figuras fundamentales del romanticismo británico y uno de los artistas que más contribuyó a difundir internacionalmente la imagen de la España monumental del siglo XIX.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEsta vista de la Giralda combina \u003cstrong\u003einterés topográfico y sensibilidad romántica\u003c\/strong\u003e, con un dibujo minucioso y un coloreado selectivo en azules, verdes, ocres y rojizos.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eArtista:\u003c\/strong\u003e David Roberts (1796–1864), según dibujo original\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eThe Tower of the Giralda, Seville\u003c\/em\u003e \/ \u003cem\u003eLa Giralda de Sevilla\u003c\/em\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eLitógrafo:\u003c\/strong\u003e William Gauci\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Litografía coloreada\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas:\u003c\/strong\u003e 30 × 21 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉpoca:\u003c\/strong\u003e Siglo XIX\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003ePublicación original de la composición:\u003c\/strong\u003e Londres, 1837\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstilo:\u003c\/strong\u003e Romanticismo \/ Paisajismo arquitectónico\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTema:\u003c\/strong\u003e Sevilla \/ La Giralda\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003ePresentación:\u003c\/strong\u003e Estampa recortada y montada sobre soporte\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado:\u003c\/strong\u003e Buen estado general acorde con su antigüedad, con señales del paso del tiempo visibles en las fotografías\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eUna atractiva imagen de la \u003cstrong\u003eSevilla romántica del siglo XIX\u003c\/strong\u003e, donde la monumentalidad de la Giralda queda realzada por la estrecha perspectiva urbana y las pequeñas figuras del primer término. El coloreado aporta especial viveza sin restar protagonismo al detallado trabajo litográfico.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54785913618765,"sku":null,"price":350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0366_9b2562d6-6cbb-43f5-b680-86f9d41e4c34.jpg?v=1789830952"},{"product_id":"antonio-santos-plaza-pueblo-linograbado-original-13-16","title":"Antonio Santos — Plaza de pueblo — Linograbado original 13\/16","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLinograbado original de Antonio Santos, firmado y numerado a lápiz, perteneciente a una reducida edición de tan solo 16 ejemplares.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición representa una plaza o espacio urbano de carácter popular, presidido por una arquitectura religiosa y varias figuras humanas. La escena está construida mediante un marcado contraste entre las masas negras y las zonas reservadas del papel, creando una imagen de gran fuerza gráfica.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eLa obra\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSantos sintetiza edificios, árboles y figuras mediante un lenguaje deliberadamente esquemático. Los contornos angulosos, las amplias superficies negras y la eliminación de detalles secundarios convierten la escena cotidiana en una composición de fuerte personalidad visual.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa plaza se abre en primer término alrededor de varias figuras, mientras la iglesia y el caserío cierran la composición al fondo. El resultado combina un componente narrativo con una concepción directa y expresiva del grabado en relieve.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eAntonio Santos\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAntonio Santos Lloro, nacido en Lupiñén, Huesca, en 1955, es artista plástico, grabador, escultor, escritor e ilustrador. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, ha desarrollado una amplia trayectoria artística caracterizada por la combinación de diferentes disciplinas y por un lenguaje figurativo de fuerte capacidad sintética.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu producción gráfica ocupa un lugar relevante dentro de su trayectoria, especialmente el grabado y la ilustración, ámbitos en los que ha desarrollado un estilo reconocible basado en la simplificación formal, el contraste y la expresividad de la línea.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Antonio Santos Lloro\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Plaza de pueblo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Linograbado sobre papel\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMedidas:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 40 × 31 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEdición:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 13\/16\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmado a lápiz en el margen inferior derecho\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eNumeración:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 13\/16 a lápiz en el margen inferior izquierdo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTema:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Escena urbana \/ paisaje de pueblo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general, con ligeras señales de conservación propias del papel y de su antigüedad\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eProcedencia:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Colección particular\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUna obra especialmente atractiva por su reducida tirada de solo 16 ejemplares. La composición reúne varios de los rasgos característicos del lenguaje gráfico de Antonio Santos: síntesis formal, fuerte contraste entre blanco y negro y una figuración de apariencia sencilla pero cuidadosamente estructurada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa arquitectura y las figuras humanas aportan además un componente narrativo que hace de este ejemplar una pieza especialmente representativa de su producción gráfica.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54833449894221,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0065_bea37f74-8070-41c2-b7de-b8b9cc0f1512.jpg?v=1792677480"},{"product_id":"pascual-bueno-ferrero-marina-mediterranea-grabado-papel-guarro","title":"Pascual Bueno Ferrer — Marina mediterránea, probablemente Cadaqués — Grabado sobre papel Guarro","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eObra gráfica de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePascual Bueno Ferrer\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, dedicada a uno de los grandes temas del paisajismo mediterráneo: la relación entre el mar, las embarcaciones y la arquitectura costera.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición muestra varias barcas distribuidas sobre una bahía luminosa, con un núcleo de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ecasas blancas y una iglesia elevada\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e al fondo, protegido por el perfil oscuro de las montañas. Por su configuración urbana y paisajística, la escena podría corresponder a \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCadaqués\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, aunque preferimos mantener esta identificación como probable al no constar un título escrito en la pieza.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eUna marina mediterránea\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003e\u003cspan\u003eBueno Ferrer construye el paisaje mediante planos muy claros. Las embarcaciones oscuras del primer término conducen la mirada hacia el agua, tratada mediante pequeños reflejos luminosos, mientras que el caserío blanco del fondo concentra la luz de la composición.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa gama de azules, verdes, ocres y tierras aporta una atmósfera serena y muy mediterránea. A pesar de tratarse de obra gráfica, conserva una evidente sensibilidad pictórica en el tratamiento del color y de la superficie.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003e\u003cspan\u003ePapel Guarro\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa estampa está realizada sobre \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003epapel Guarro\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, soporte español tradicionalmente vinculado al dibujo y a la obra gráfica. Su textura y calidad permiten una buena definición de la línea y, al mismo tiempo, conservan la riqueza de las diferentes tonalidades empleadas en la impresión.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Pascual Bueno Ferrer\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMarina mediterránea, probablemente Cadaqués\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Grabado en color\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSoporte:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Papel Guarro\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMedidas:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 49,5 × 64 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTema:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Marina y paisaje costero\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉpoca:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Segunda mitad del siglo XX\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstilo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Paisajismo mediterráneo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general, con señales normales de antigüedad acordes con una obra gráfica de época.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa franja clara del agua separa las embarcaciones de la línea de casas blancas, que se extiende a lo largo de la costa. Los mástiles y el campanario introducen acentos verticales frente al desarrollo horizontal del pueblo y las laderas. Las montañas oscuras hacen resaltar la arquitectura, mientras las rocas de la derecha acercan un primer plano al borde de la imagen. La textura del color permanece visible tanto en el cielo como en las pendientes.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54924167938381,"sku":null,"price":110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0283_10f56282-f2f1-461e-800d-9cec45276659.jpg?v=1790794918"},{"product_id":"dos-vistas-el-escorial-pareja-grabados-calcograficos-color","title":"Dos vistas de El Escorial — pareja de grabados calcográficos a color sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDos imágenes del mismo monumento, construidas desde puntos de vista completamente distintos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn la primera estampa, el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial aparece como una gran arquitectura longitudinal. La mirada sigue la fachada hasta alcanzar la poderosa torre que domina el extremo del edificio, coronada por una aguja que se recorta sobre un cielo apenas teñido de azul.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa segunda composición se acerca al conjunto. La gran cúpula de la basílica emerge entre cubiertas, torres y cuerpos arquitectónicos superpuestos, mientras un muro de piedra y una pequeña zona de vegetación introducen profundidad en el primer término.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eVistas juntas, las dos estampas ofrecen una lectura especialmente completa del monumento: \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003euna presenta su escala y severidad exterior; la otra, la complejidad de sus volúmenes y perfiles\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eArquitectura convertida en línea\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl protagonismo recae casi por completo en el dibujo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eTorres, cornisas, ventanas, cubiertas y sillares están descritos mediante una trama fina y precisa, pero sin llegar a la frialdad de una reproducción arquitectónica. La línea mantiene pequeñas variaciones y una cierta vibración manual que recuerdan continuamente que estamos ante una estampa realizada mediante procedimientos gráficos tradicionales.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl color se utiliza de forma extremadamente contenida.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUn azul verdoso muy pálido ocupa los cielos de ambas composiciones y, en una de ellas, algunos verdes marcan discretamente la vegetación situada delante del monasterio. El resto queda confiado a los tonos cálidos de la tinta y al blanco natural del papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsa economía cromática permite que la arquitectura conserve toda su presencia.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eDos maneras de mirar El Escorial\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLas dos obras parecen concebidas como parte de una misma serie.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eComparten dimensiones, tratamiento gráfico, título manuscrito, tipo de papel, sello seco y una edición limitada de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e100 ejemplares\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUna estampa está numerada \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e75\/100\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e y la otra \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e91\/100\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, por lo que no forman una pareja con número coincidente, pero sí pertenecen claramente a la misma edición o conjunto gráfico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eBajo ambas imágenes aparece escrito a lápiz \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«El Escorial»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, acompañado de una rúbrica igualmente manuscrita en el margen inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa identidad del grabador no ha podido establecerse documentalmente con suficiente seguridad, por lo que hemos preferido conservar la obra tal como se presenta: \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003edos estampas firmadas y numeradas cuya calidad gráfica puede valorarse independientemente de una atribución todavía abierta\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eEl monasterio como motivo gráfico\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDesde su construcción en el siglo XVI, el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial ha sido uno de los grandes temas de la imagen arquitectónica española.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu geometría, las largas fachadas, las torres angulares y la gran cúpula de la basílica ofrecen un repertorio visual especialmente adecuado para el grabado.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEstas dos estampas continúan esa tradición desde una sensibilidad contemporánea. No buscan una reconstrucción panorámica espectacular, sino dos encuadres contenidos y casi silenciosos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl amplio margen que rodea las imágenes refuerza esa sensación: los edificios quedan aislados sobre el papel, como si la piedra hubiera sido separada de su entorno para poder observarla con mayor atención.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eDos vistas de El Escorial\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eNúmero de obras:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 2\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Grabado calcográfico a color sobre papel\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEdición:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Tirada limitada de 100 ejemplares\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eNumeración:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 75\/100 y 91\/100\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMedidas:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 24 × 20 cm cada hoja\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Ambas estampas firmadas a lápiz con rúbrica no identificada documentalmente\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscripciones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «El Escorial», manuscrito a lápiz bajo ambas imágenes\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMarca:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Sello seco en relieve presente en las dos hojas\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTema:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Segunda mitad del siglo XX\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general según las imágenes disponibles\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNos interesa especialmente que las dos estampas no repitan una misma visión del monumento.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa primera deja que la arquitectura se extienda horizontalmente hasta culminar en la torre; la segunda se aproxima a la basílica y hace de la gran cúpula el centro de la composición.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl color aparece apenas como una sugerencia. Azul para el aire, verde para la vegetación y el resto confiado a la línea.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eJuntas funcionan mejor que por separado: dos miradas distintas sobre un mismo lugar, dentro de una edición cuidada, firmada, numerada y marcada con sello seco.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54941919019341,"sku":null,"price":100.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0353_dc26e3b8-14ec-4bf1-9bc7-22003fe015c4.jpg?v=1791041189"},{"product_id":"federico-marioni-milano-duomo-c-1920-1930-aguafuerte-y-aguatinta-a-color-sobre-papel","title":"Federico Marioni — Milano - Duomo, c. 1920–1930 — aguafuerte y aguatinta a color sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl Duomo de Milán emerge sobre la plaza como una arquitectura casi imposible.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eFederico Marioni escoge una vista oblicua que permite contemplar simultáneamente la fachada, el interminable desarrollo lateral del edificio y el bosque de agujas que recorta su perfil contra el cielo. A sus pies, pequeñas figuras y carruajes atraviesan la plaza reducidos a unos pocos trazos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa diferencia de escala es deliberada: frente a la enormidad de la catedral, la vida cotidiana continúa casi diminuta.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSobre el dibujo minucioso de la arquitectura, Marioni introduce un cielo azul intenso y pequeños acentos de color en ventanas y figuras. La combinación transforma una vista topográfica de Milán en una imagen mucho más atmosférica.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eMilán desde el taller de un grabador\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eMarioni conocía la ciudad no como un visitante, sino como su lugar de trabajo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eInstalado en Milán desde finales del siglo XIX, desarrolló allí buena parte de su carrera y fundó su propia \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCalcografia di Milano\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, un taller que alcanzó considerable prestigio durante las primeras décadas del siglo XX.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa ciudad y sus monumentos se convirtieron en motivos naturales para su obra.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMilano - Duomo\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, el interés documental convive con una sensibilidad muy distinta de la fotografía. Cada aguja, contrafuerte y ventana ha sido construida mediante una enorme acumulación de líneas, pero el cielo y el color introducen una dimensión mucho más libre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNo se trata únicamente de registrar cómo es el edificio. Marioni intenta conservar también \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ecómo aparece ante quien entra en la plaza\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eUna manera particular de trabajar el color\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUno de los aspectos más interesantes de la producción de Federico Marioni fue precisamente su tratamiento de las estampas a color.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl artista desarrolló un procedimiento personal de estampación con el que podía obtener variaciones cromáticas entre distintos ejemplares de una misma matriz. El resultado podía adquirir un aspecto próximo a la acuarela o al monotipo, alejándose de la uniformidad habitual de una tirada mecánica.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn esta hoja resulta especialmente visible en el cielo: el azul no funciona como un simple relleno plano, sino como una superficie irregular y atmosférica, con zonas más densas y otras deliberadamente abiertas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLos pequeños toques rojizos y azulados distribuidos por las ventanas añaden después profundidad a una arquitectura dominada por tierras, negros y blancos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eFederico Marioni\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFederico Marioni (Claro, 1866 – Milán, 1938)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e fue grabador, litógrafo y estampador.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eTras iniciar su formación en Suiza, trabajó durante varios años en París y posteriormente pasó por Turín antes de instalarse definitivamente en Milán hacia 1893.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAllí abrió la \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCalcografia di Milano\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, desde donde desarrolló una actividad tanto como grabador independiente como estampador para otros artistas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa arquitectura y las ciudades ocuparon un lugar destacado dentro de su producción. Milán, Venecia, Roma, Florencia y distintas localidades italianas aparecen repetidamente en sus aguafuertes y aguatintas, generalmente tratadas con una combinación de precisión dibujística y efectos atmosféricos de color.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu obra está representada actualmente en colecciones públicas italianas, entre ellas las Civiche Raccolte Grafiche e Fotografiche del Castello Sforzesco de Milán.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Federico Marioni\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMilano - Duomo\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e hacia 1920–1930\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Aguafuerte y aguatinta a color sobre papel\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMedidas:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 24 × 20 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada a lápiz en el margen inferior derecho\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscripción:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «Milano - Duomo» a lápiz en el margen inferior izquierdo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTema:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Catedral de Milán y Piazza del Duomo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEscuela:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Italiana\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePeriodo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Primera mitad del siglo XX\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Estado de conservación desigual. Presenta envejecimiento general del soporte, manchas y una importante marca de humedad en el sector superior derecho, además de una rotura o fisura en el margen superior que alcanza esa zona. La imagen mantiene, no obstante, una buena lectura general y una coloración intensa.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eHay algo particularmente atractivo en estas antiguas estampas de ciudades: muestran monumentos que seguimos reconociendo inmediatamente, pero los devuelven a un mundo completamente diferente.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAnte el Duomo de Marioni todavía circulan carruajes. Las figuras atraviesan lentamente una plaza abierta y la enorme arquitectura gótica parece ocupar casi todo el horizonte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePero quizá lo más interesante esté en el color.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eMarioni convirtió el grabado en algo menos repetible de lo habitual. Sus variaciones de tinta y color hacían que ejemplares procedentes de una misma matriz pudieran adquirir personalidad propia. En esta hoja, el gran cielo azul transforma una vista arquitectónica extremadamente precisa en una imagen sorprendentemente luminosa.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54941921739085,"sku":null,"price":140.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0418_346e472b-7fe1-4905-968d-e183e7159c86.jpg?v=1791041891"},{"product_id":"rhys-paris-rue-saint-julien-le-pauvre-aguafuerte-aguatinta","title":"Rhys — Paris, Rue Saint-Julien-le-Pauvre, ca. 1930 — aguafuerte y aguatinta en color sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eVista de la \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003erue Saint-Julien-le-Pauvre de París\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, realizada durante la primera mitad del siglo XX y firmada a lápiz \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Rhys»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e en el margen inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición representa uno de los rincones históricos del Barrio Latino, con las torres de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eNotre-Dame de Paris\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e dominando el fondo de la escena. La perspectiva de la calle conduce la mirada hacia la catedral mientras, en primer término, se suceden antiguas construcciones, muros, vegetación y elementos arquitectónicos tratados mediante un minucioso trabajo de línea.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa imagen ha sido realizada mediante \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eprocedimientos calcográficos, principalmente aguafuerte y aguatinta en color\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, técnica que permite combinar la precisión lineal del dibujo con superficies tonales de distinta intensidad. La huella de la plancha permanece claramente visible alrededor de la imagen.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa gama cromática se mantiene deliberadamente contenida, dominada por pardos, ocres, verdes y un suave azul verdoso empleado en el cielo. Sobre estos tonos destacan dos pequeñas figuras vestidas de rojo. Particularmente singular es el personaje situado a la derecha, representado \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003esentado ante un caballete\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, introduciendo la figura del propio artista dentro de la vista urbana.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa arquitectura está trabajada con especial atención mediante líneas paralelas, tramas cruzadas y diferentes densidades de aguafuerte, mientras que la aguatinta proporciona las masas de sombra de las fachadas, el pavimento y la vegetación. El conjunto responde a la tradición de las \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003evistas del viejo París realizadas por grabadores durante las primeras décadas del siglo XX\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, cuando las calles históricas de la ciudad constituyeron un motivo recurrente tanto para artistas franceses como para numerosos autores extranjeros establecidos o activos temporalmente en París.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn la parte inferior de la propia plancha aparece la inscripción:\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Paris. – Rue Saint Julien le Pauvre»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa firma \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Rhys»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, realizada a lápiz fuera de la plancha, corresponde a la mano del autor y no forma parte del proceso de impresión.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa firma «Rhys» y su posible relación con Rhys Jenkins\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn el mercado europeo y británico aparecen diversas estampas de ciudades firmadas simplemente \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Rhys»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e que presentan importantes semejanzas con esta obra: vistas arquitectónicas minuciosamente dibujadas, utilización de aguafuerte y aguatinta, gamas pardas y verdosas, pequeños puntos de color vivo y una firma manuscrita abreviada de características muy similares.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUna parte de estas obras ha sido comercializada históricamente bajo el nombre del artista británico \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRhys Jenkins\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, y algunas casas de subastas han utilizado fórmulas como \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Rhys, probablemente Rhys Jenkins»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSin embargo, actualmente no existe suficiente documentación publicada que permita demostrar de forma inequívoca que todas estas estampas firmadas únicamente «Rhys» pertenecezcan a Jenkins. Existen además diferencias entre algunas firmas documentadas bajo su nombre completo y la firma abreviada utilizada en este grupo de vistas europeas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePor este motivo, y con el objetivo de mantener una catalogación rigurosa, la obra se presenta bajo el nombre que aparece efectivamente sobre la pieza:\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRhys\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa posible identificación con \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRhys Jenkins\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e se mantiene como una hipótesis razonable de investigación, pero no como una atribución definitiva.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Rhys\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePosible atribución:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Tradicionalmente relacionado con Rhys Jenkins, sin confirmación documental definitiva\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eParis – Rue Saint-Julien-le-Pauvre\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFecha:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e ca. 1930\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePeriodo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Primera mitad del siglo XX\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Aguafuerte y aguatinta en color sobre papel\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSoporte:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Papel\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMedidas:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 25 × 31 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada a lápiz «Rhys» en el margen inferior derecho\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscripción:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «Paris. – Rue Saint Julien le Pauvre», dentro de la plancha\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eLugar representado:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Rue Saint-Julien-le-Pauvre, París\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eElementos representados:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Notre-Dame de Paris, arquitectura del Barrio Latino y figura de pintor ante su caballete\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación acorde con su antigüedad.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl papel presenta \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eoxidación general, pequeñas manchas de foxing y señales de antiguo montaje\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, especialmente visibles en los márgenes. Se observan también algunas zonas aclaradas relacionadas probablemente con un montaje o fijación anterior.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn el reverso permanece una antigua tira de papel adherida.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa superficie impresa mantiene una buena legibilidad, conservándose correctamente tanto el dibujo como las diferentes tonalidades empleadas en la estampa. La firma manuscrita permanece igualmente visible.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUno de los elementos más atractivos de esta estampa es la forma en que combina una representación arquitectónica minuciosa con una composición muy estudiada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNotre-Dame queda deliberadamente desplazada hacia el fondo, evitando convertir la catedral en el único protagonista. El recorrido de la calle, los árboles y las construcciones del primer término crean sucesivos planos de profundidad que conducen visualmente hacia ella.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pequeña figura del \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003epintor trabajando ante su caballete\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, marcada mediante un intenso rojo, constituye además un detalle especialmente interesante. Su presencia transforma la escena en algo más que una simple vista urbana y recuerda la importancia que estos rincones del viejo París tuvieron para generaciones de pintores y grabadores.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa firma «Rhys» permite relacionar la pieza con un grupo conocido de estampas europeas tradicionalmente asociadas a \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRhys Jenkins\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, aunque la ausencia de documentación definitiva aconseja mantener abierta esta identificación.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54973385539917,"sku":null,"price":90.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0055_1d920be6-f8a8-4479-9588-e2ba9e97bb94.jpg?v=1791373409"},{"product_id":"n-del-moral-monasterio-sant-cugat-tinta-cartulina","title":"N. del Moral. Monasterio de Sant Cugat del Vallès, mediados del siglo XX. Tinta sobre cartulina","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eVista arquitectónica del \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMonasterio de Sant Cugat del Vallès\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, centrada en la monumental fachada de su iglesia y en el gran rosetón gótico que domina el conjunto. La composición incorpora también los edificios y muros circundantes, árboles y vegetación en primer término, construyendo una visión especialmente detallada del recinto monumental.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eN. del Moral trabaja mediante una tupida combinación de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eplumilla, rayado paralelo y tramas cruzadas\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, reservando el blanco del soporte para definir la luz y acumulando tinta en las zonas de mayor profundidad. El procedimiento resulta especialmente eficaz en la representación de la piedra: cada muro, vano y elemento arquitectónico adquiere volumen mediante cambios en la densidad y dirección del trazo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl gran rosetón constituye el punto focal de la composición. A su alrededor, la irregularidad de los árboles y el entramado de construcciones rompe la estricta geometría de la arquitectura y aporta a la escena un carácter más vivo que el de una simple representación documental.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eN. del Moral y una firma identificada\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra aparece firmada \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«N. del Moral»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e en el ángulo inferior derecho. El cotejo con otros dibujos conocidos bajo esta misma firma permite considerar la lectura prácticamente segura.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSe conservan en el mercado varias plumillas atribuidas a N. del Moral, entre ellas obras fechadas en \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e1949\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, de dimensiones y procedimiento técnico similares. En ellas se repite tanto la grafía de la firma como una manera muy característica de representar edificios mediante una acumulación minuciosa de líneas, sombras cruzadas y pequeños trazos verticales.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePor el momento no ha sido posible establecer documentalmente la identidad completa del artista, por lo que resulta más riguroso mantener la autoría en la forma \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eN. del Moral\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e con la que firmó sus trabajos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e N. del Moral\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMonasterio de Sant Cugat del Vallès\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Mediados del siglo XX, probablemente hacia las décadas de 1940–1950\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Tinta a plumilla sobre cartulina\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMedidas:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 23,5 × 34 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada «N. del Moral» en el ángulo inferior derecho\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTema:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Arquitectura \/ paisaje urbano \/ Monasterio de Sant Cugat del Vallès\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Estado acorde con su antigüedad. Se observan oxidación y pequeñas manchas en el soporte, irregularidades y desgaste en los bordes y alguna pequeña pérdida periférica, sin afectar de manera significativa al motivo principal.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa identificación de la firma resulta especialmente interesante porque existen otros trabajos de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eN. del Moral fechados en 1949\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e que presentan una grafía y una técnica muy próximas a las de esta pieza. La obra puede situarse razonablemente en ese entorno cronológico, aunque no presenta fecha visible.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa identificación del monumento como el \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMonasterio de Sant Cugat del Vallès\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e añade además un componente histórico y local a una plumilla especialmente trabajada, en la que arquitectura y vegetación se integran mediante una ejecución minuciosa y muy gráfica.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54973715939661,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0082_6b45d2b1-bb44-44b2-8a86-a1c9600ee516.jpg?v=1791376186"},{"product_id":"bauca-agudes-camino-arbolado-iglesia-1980-aguafuerte","title":"Baurà Agulles — Camino arbolado hacia una iglesia, 1980 — aguafuerte sobre papel Guarro","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAguafuerte original fechado en 1980 que representa un camino rural flanqueado por árboles y muros de piedra, al fondo del cual aparece una construcción de carácter religioso con una pequeña torre campanario.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición destaca por su perspectiva, que conduce la mirada desde el amplio camino del primer término hacia el edificio situado en la distancia. La vegetación ocupa buena parte de la imagen y está representada mediante un elaborado entramado de líneas y pequeños trazos que definen las copas, los troncos y las sombras proyectadas sobre el terreno.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl grabador combina zonas de intensa concentración lineal con superficies mucho más claras, logrando un contraste equilibrado entre la vegetación, el cielo y la arquitectura. El tratamiento de las texturas vegetales demuestra un conocimiento competente de las posibilidades gráficas del aguafuerte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa estampa aparece firmada a lápiz en el margen inferior derecho, con una grafía de lectura probable «Baurà Agulles». En el margen inferior izquierdo figura la indicación «P\/A», correspondiente a una prueba de artista, mientras que en el centro se conserva la inscripción «Aguafuerte 1980».\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa identidad completa del grabador no ha podido establecerse documentalmente.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Baurà Agulles (firma de lectura probable).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Camino arbolado hacia una iglesia.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFecha:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 1980.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Aguafuerte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSoporte:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Papel Guarro.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMedidas:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 25 × 26 cm, según información facilitada; pendiente distinguir entre hoja y huella.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEdición:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e P\/A — prueba de artista.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada a lápiz en el margen inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscripciones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «Aguafuerte 1980».\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general aparente, con leves señales de envejecimiento y pequeñas alteraciones superficiales visibles en los márgenes. La imagen conserva buena definición.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa particularidad de esta estampa reside en el tratamiento de la vegetación mediante una trama muy minuciosa, que contrasta con la sencillez de la arquitectura situada al fondo del camino.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu condición de prueba de artista y la inscripción manuscrita de 1980 aportan interés documental a una obra gráfica representativa del paisaje figurativo de finales del siglo XX.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54985350349133,"sku":null,"price":55.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0252_d4d1a389-ffd3-47be-8918-a7645b5088c7.jpg?v=1791470878"},{"product_id":"bauca-agudes-iglesia-entre-arboles-y-muro-de-piedra-1979-aguafuerte-sobre-papel-guarro","title":"Baurà Agulles — Iglesia entre árboles y muro de piedra, 1979 — aguafuerte sobre papel Guarro","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eGrabado original al aguafuerte fechado en 1979 que representa una construcción religiosa parcialmente oculta por una arboleda, situada tras un muro de piedra en un paisaje de carácter mediterráneo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición está organizada alrededor de la arquitectura del fondo, cuya torre emerge entre las copas de los árboles. En primer término, un amplio muro construido con piedras irregulares establece una separación entre el camino y el recinto arbolado, mientras que la vegetación introduce diferentes niveles de profundidad.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl artista concede especial importancia al tratamiento de las texturas. Los árboles aparecen resueltos mediante una compleja combinación de trazos finos, punteados y sombreados que contrastan con la superficie más geométrica del muro. Las reservas de blanco y la intensidad variable de la tinta permiten diferenciar los planos arquitectónicos y naturales.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa escena mantiene un carácter descriptivo y documental, cercano a la tradición del grabado paisajístico y de vistas arquitectónicas de finales del siglo XX.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa estampa conserva la firma manuscrita de lectura probable «Baurà Agulles», la anotación «Aguafuerte 1979» y la indicación «P\/A», que identifica el ejemplar como prueba de artista.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Baur\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003eà Agulles (firma de lectura probable).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Iglesia entre árboles y muro de piedra.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFecha:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 1979.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Aguafuerte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSoporte:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Papel Guarro.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMedidas:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 25 × 26 cm, según información facilitada; pendiente comprobar la medida individual.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEdición:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e P\/A — prueba de artista.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada a lápiz en el margen inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscripciones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «Aguafuerte 1979».\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado aparente, con leves señales superficiales de envejecimiento. La estampa mantiene una impresión nítida y una adecuada legibilidad de los detalles.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEste grabado destaca por la atención dedicada a la construcción de la vegetación y su relación con la arquitectura. El contraste entre las copas densamente dibujadas, el muro de piedra y la torre que emerge en segundo plano confiere a la escena una notable profundidad.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra forma parte de un conjunto de tres aguafuertes relacionados por su técnica, firma y cronología, fechados entre 1979 y 1980.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54985359229261,"sku":null,"price":55.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0255_32921060-b979-4fdf-ae39-d4d9889146d2.jpg?v=1791471003"},{"product_id":"radip-tandukar-nepal-tibet-panorama-himalaya-acrilico","title":"Radip Tandukar — Nepal y el Tíbet: panorama cultural del Himalaya — Acrílico sobre tabla","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePintura original del artista nepalí \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRadip Tandukar\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, realizada en acrílico sobre tabla. La obra presenta una extensa composición panorámica que reúne arquitectura religiosa, paisajes de alta montaña, poblaciones tradicionales, escenas de la vida cotidiana y una rica representación de la fauna del Himalaya y de las tierras bajas de Nepal.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDe extraordinaria minuciosidad y vivo colorido, la pintura organiza innumerables escenas dentro de una misma superficie, construyendo un recorrido visual por el patrimonio cultural y natural de la región.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eDel Tíbet al valle de Katmandú\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn la parte superior aparecen conjuntos monumentales inspirados en la arquitectura tibetana, entre ellos una construcción que recuerda al Palacio del Potala de Lhasa. Los edificios, de muros blancos y cubiertas ornamentadas, se disponen ante montañas rojizas y un cielo de suaves tonalidades cálidas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eA continuación, una imponente cordillera de cumbres nevadas da paso a paisajes de colinas verdes, bosques y cursos de agua. Pequeñas figuras recorren los senderos, mientras otras navegan por los ríos o desarrollan distintas actividades cotidianas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa zona central presenta una extensa sucesión de viviendas, pagodas y estupas budistas, inspiradas en la arquitectura tradicional del valle de Katmandú. Destaca una gran estupa adornada con banderas de oración multicolores, rodeada de construcciones y escenas populares.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn el tercio inferior, las poblaciones y monumentos ceden protagonismo a una naturaleza exuberante, habitada por tigres, ciervos, monos, elefantes y otros animales. Este último ámbito evoca la riqueza natural de las regiones subtropicales nepalíes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eUna pintura de tradición narrativa\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra combina elementos de la pintura popular nepalí con una representación minuciosa de paisajes, arquitecturas y figuras humanas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu organización espacial no responde a una perspectiva geográfica convencional. Los diferentes lugares aparecen superpuestos en franjas sucesivas, permitiendo reunir monumentos, regiones y actividades que en la realidad se encuentran separados por grandes distancias.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLos contornos oscuros, la precisión de los pequeños motivos ornamentales y la aplicación de colores intensos crean una composición de gran riqueza visual. Cada sección funciona como una pequeña escena autónoma, integrada dentro de un conjunto cuidadosamente organizado.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eRadip Tandukar\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eRadip Tandukar es un artista nepalí cuya producción documentada comprende paisajes del Himalaya y composiciones vinculadas a la iconografía budista.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEntre sus trabajos conocidos figuran representaciones del macizo de Ama Dablam y pinturas de mandalas de inspiración tibetana, realizadas mediante técnicas como el óleo, el gouache y el acrílico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa presente obra refleja su interés por el paisaje, la arquitectura religiosa y las tradiciones culturales del Himalaya, reuniéndolos en una composición panorámica de carácter narrativo y decorativo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Radip Tandukar.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo descriptivo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Nepal y el Tíbet: panorama cultural del Himalaya.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉpoca:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Contemporánea.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Acrílico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSoporte:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Tabla.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMedidas:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 40,5 × 28 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «R. TANDUKAR», en el ángulo inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTemática:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Paisaje del Himalaya, arquitectura religiosa, patrimonio cultural, escenas populares y fauna.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado visual general, con ligeras irregularidades superficiales y pequeñas señales de uso, sin pérdidas significativas de materia pictórica apreciables en las fotografías.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDestacamos especialmente la extraordinaria riqueza de detalles y la particular organización narrativa de esta pintura. Desde la arquitectura monumental del Tíbet hasta los templos del valle de Katmandú y los bosques poblados de animales, Radip Tandukar consigue reunir diferentes paisajes y tradiciones en una única composición.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa minuciosidad de las figuras, la viveza de los colores y la multiplicación de pequeñas escenas convierten la obra en una atractiva interpretación visual del patrimonio cultural y natural del Himalaya.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":55005471768909,"sku":null,"price":150.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0220_7a385b35-c729-420e-8efa-40590475a5df.jpg?v=1791556772"}],"url":"https:\/\/eltallerdelcoleccionista.com\/collections\/arte-sacro-y-religioso.oembed?page=3","provider":"El taller del coleccionista","version":"1.0","type":"link"}