{"title":"Obras sobre papel","description":"\u003cp\u003eEsta colección reúne obras realizadas sobre soportes que conservan de forma especialmente directa la huella del proceso creativo. Dibujos, acuarelas, tintas, gouaches, pasteles, estampas y técnicas mixtas dialogan a través de figura, paisaje y abstracción. Cada ficha recoge técnica, soporte, medidas, firma, fecha, procedencia y conservación cuando pueden verificarse.\u003c\/p\u003e\u003cp data-taller-artists=\"collection\"\u003e\u003cstrong\u003eArtistas con obra en esta colección:\u003c\/strong\u003e \u003ca href=\"\/pages\/antonio-santos\"\u003eAntonio Santos\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/josep-m-draper\"\u003eJosep M.ª Draper\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/j-carbonell\"\u003eJ. Carbonell\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/jordi-pagans-montsalvatge\"\u003eJordi Pagans Montsalvatge\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/ricard-opisso-i-sala\"\u003eRicard Opisso i Sala\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/david-mercade-recasens\"\u003eDavid Mercadé Recasens\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/francesc-todo\"\u003eFrancesc Todó\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/pages\/joan-soler-jove\"\u003eJoan Soler-Jové\u003c\/a\u003e.\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"patrick-loste-composicion-abstracta-jinete-telurico","title":"Patrick Loste — Jinete entre montañas, técnica mixta sobre cartón","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl caballo, el jinete y las montañas forman parte inseparable del universo de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePatrick Loste (Perpiñán, 1955)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e. En esta composición, el artista francés reúne tres de sus motivos más característicos en una pintura de intensa materialidad, donde las figuras emergen de un paisaje de ocres, negros y azules.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa cabeza del caballo se orienta hacia la izquierda, mientras el jinete, situado a su espalda, queda integrado en una amplia masa oscura. Ambos personajes se construyen mediante superficies de pigmento, incisiones y trazos claros que interrumpen la materia. Tras ellos se extiende un paisaje montañoso de tonos dorados y terrosos, coronado por una estrecha franja azul que sugiere el cielo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra establece un diálogo entre figuración y abstracción. El caballo y su jinete son perfectamente reconocibles, pero sus contornos se confunden con las texturas del terreno. Las montañas, lejos de actuar como un simple fondo, participan de la misma energía pictórica que anima a las figuras.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eUn pintor cuya vida transcurre entre caballos y montañas\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePara comprender la pintura de Patrick Loste hay que conocer su relación con el mundo ecuestre. Desde niño sintió fascinación por los caballos y comenzó a dibujarlos a una edad muy temprana. A los dieciséis años llegó a vender una serie de dibujos de estos animales durante una exposición en Céret, una experiencia que anticipaba su futura dedicación artística.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAños después, durante su estancia en Barcelona, aprendió el oficio de herrador, una profesión que lo mantuvo en contacto directo con los caballos y que precedió a su consolidación como pintor.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eActualmente vive y trabaja en las montañas de las Albères, en el sur de Francia, rodeado de naturaleza y de caballos que se mueven en semilibertad. Este entorno se ha convertido en una fuente constante de inspiración para su obra.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu pintura explora la relación entre el ser humano, el animal y el paisaje. Trabaja mediante superposiciones de pigmentos, trazos enérgicos y superficies de notable riqueza matérica, creando composiciones en las que las figuras parecen surgir de la propia tierra.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eUna trayectoria consolidada en el arte contemporáneo francés\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra de Loste cuenta con una extensa trayectoria expositiva, desarrollada desde la década de 1980. Ha presentado su trabajo en instituciones como el Musée d'Art Moderne de Céret, el Musée Hyacinthe Rigaud de Perpiñán y el Musée des Beaux-Arts de Carcassonne, además de participar en exposiciones y ferias internacionales.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu lenguaje artístico, situado entre la representación figurativa y la experimentación matérica, ha convertido al caballo y al jinete en algunas de las imágenes más reconocibles de su producción.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta composición constituye una expresión especialmente significativa de ese universo: la presencia humana y animal se funde con la montaña mediante una pintura que privilegia la materia, el movimiento y la evocación del territorio.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Patrick Loste (Perpiñán, Francia, 1955).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eJinete entre montañas\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e (título descriptivo).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Técnica mixta sobre cartón.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 52 × 35 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Obra contemporánea, sin fecha determinada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada «Loste» en la zona superior izquierda.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTemática:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Jinete a caballo, paisaje montañoso, figuración contemporánea.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general. Superficie de marcada textura y bordes irregulares, propios de las características materiales del soporte y de la ejecución.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEnmarcación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Sin enmarcar.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos ocres de las montañas contrastan con la masa oscura del caballo y el jinete. Las incisiones y los trazos claros recorren ambas zonas, de manera que figura y paisaje comparten una misma textura. La franja azul del borde superior introduce una pausa entre el relieve terrestre y el cielo.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52377829245261,"sku":null,"price":725.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0096_1e9ad4ad-661e-4393-b437-07ba3d973dc3.jpg?v=1791805300"},{"product_id":"ricardo-opisso-enterrament-poeta-iglesias-1928","title":"Atribuido a Ricard Opisso — Entierro del poeta Ignasi Iglésies (1928) — Dibujo Histórico","description":"\u003cp\u003eUn testimonio visual y un tributo a la Barcelona de 1928. Un documento gráfico de época donde la crónica social se transforma en una elegía personal, capturando la esencia del Modernismo catalán.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa historia tras el trazo\u003c\/b\u003e Para entender la magnitud de esta pieza, debemos situarla en el corazón de la efervescencia cultural de la Cataluña de principios de siglo. No estamos ante una simple representación de un artista y un poeta; estamos ante el cruce histórico de dos figuras fundamentales. Ricard Opisso (1880-1966) fue el gran cronista gráfico de la generación de Els Quatre Gats, e Ignasi Iglésies se erigió como uno de sus dramaturgos y poetas sociales más célebres. La composición, atribuida a Ricard Opisso, presenta el duelo colectivo como una despedida íntima.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eEl documento detrás de la obra\u003c\/b\u003e Una nota manuscrita al reverso relaciona la escena con el funeral de Iglésies en 1928 y recoge estas referencias:\u003c\/p\u003e\u003col start=\"1\"\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Emoción:\u003c\/b\u003e La inscripción \u003ci\u003e\"Ho va dibuixar plorant\"\u003c\/i\u003e (Lo dibujó llorando) atribuye al dibujante una reacción emocional. La frase forma parte del texto manuscrito del reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Composición:\u003c\/b\u003e La marea humana plasmada en el papel no es una masa anónima; es la sociedad barcelonesa rindiendo tributo. Como rasgo de genialidad compositiva, en el centro no se dibuja un féretro, sino el rostro enmarcado del poeta, erigiéndose como el epicentro espiritual del duelo.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Unicidad:\u003c\/b\u003e La nota afirma: \u003ci\u003e\"L'unic retrat que existeix de l'enterrament\"\u003c\/i\u003e (El único retrato que existe del entierro). La frase se recoge como parte de la inscripción del reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ol\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Atribuido a Ricard Opisso i Sala (1880-1966).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e Entierro del poeta Ignasi Iglésies.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eAño:\u003c\/b\u003e 1928, fecha del funeral representado según la nota del reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Tinta de época sobre papel.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 31,5 x 57 cm (Obra) | 54,5 x 79,5 x 2,5 cm (Marco).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Presenta la inscripción \"Opisso\" en el ángulo inferior derecho. Incluye nota histórica manuscrita al reverso.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. Presenta leves puntos de foxing (manchas pardas) acordes a su antigüedad, que no afectan a la integridad del dibujo. Se entrega con marco si se desea.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa multitud se organiza alrededor del rostro enmarcado del poeta, que actúa como centro visual de la escena. La acumulación de figuras concentra el movimiento del dibujo y contrasta con la presencia estable del retrato. En el reverso, la nota manuscrita añade la referencia al funeral y las frases transcritas en la descripción.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52783994306893,"sku":null,"price":2200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0196_8753b6a4-a3cd-4b81-baf0-0ddd8393f433.jpg?v=1790820020"},{"product_id":"j-fin-jose-vilato-composicion-abstracta-oleo-acrilico-escuela-paris","title":"Atribuido a J. Fin (José Vilató) — Composición Abstracta — Óleo y acrílico","description":"\u003cp\u003eEquilibrio y materia en la Escuela de París. Una pieza de época que testimonia la abstracción estructural y sobria vinculada al círculo de José Vilató, logrando la emancipación artística frente a la herencia picassiana.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa identidad propia de J. Fin\u003c\/b\u003e José Vilató Ruiz, conocido artísticamente como J. Fin (1916-1969), enfrentó el reto de desarrollar una voz propia compartiendo linaje y estudio con su tío, Pablo Picasso. Esta composición abstracta, atribuida a su mano por sólidas similitudes técnicas y formales, es un testimonio de la madurez creativa asociada a la Escuela de París de posguerra. La obra no busca la mímesis, sino la construcción de un espacio autónomo basado en la fuerza del gesto y la solidez compositiva.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstructura y paleta cromática\u003c\/b\u003e Técnicamente, la pieza destaca por una arquitectura interna muy definida. La composición se ancla mediante trazos negros que ordenan el plano, permitiendo que las manchas de azul vibrante y blanco roto interactúen con libertad sobre una superficie rica en texturas. El uso del óleo y el acrílico le otorga a la pincelada un cuerpo y un peso físico evidentes, huyendo de la planitud. La paleta, sobria y elegante, refleja la estética de la posguerra francesa, priorizando el equilibrio visual sobre la estridencia.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Atribuido a J. Fin (José Vilató Ruiz, 1916-1969).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Sin título (Composición abstracta).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Mediados del siglo XX (Escuela de París).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo y acrílico de época sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 28 x 38 cm (obra) | 49 x 56 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Presenta la inscripción \"J. Fin\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. Presenta una pátina natural acorde a su antigüedad. Enmarcado con paspartú de calidad y moldura dorada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLo que hace rotunda a esta obra es su absoluta falta de artificios. Se percibe el trabajo de un pintor que domina el oficio y logra una estructura sólida con una economía de medios envidiable. Es pintura pura: color, materia y equilibrio.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52785939611981,"sku":null,"price":750.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0039-removebg-preview.png?v=1790858846"},{"product_id":"patrick-loste-dos-figuras-tecnica-mixta-original","title":"Patrick Loste — Dos figuras (1983) — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cdiv class=\"bot-name gds-title-s ng-tns-c142734555-84 ng-star-inserted\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv class=\"response-content ng-tns-c142734555-84\"\u003e\n\u003cdiv class=\"markdown markdown-main-panel stronger enable-updated-hr-color\" id=\"model-response-message-contentr_b584c5d0fd35c473\" dir=\"ltr\"\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cem\u003eDos figuras reclinadas entre manchas anaranjadas y trazos azules.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"5\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003ePatrick Loste (n. 1955)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eSin Título (Pareja \/ Dos figuras)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e 1983\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eTécnica mixta sobre papel\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e32 x 44 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eFirmado en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eColección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado:\u003c\/b\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eEl reverso presenta manchas ocres visibles en las fotografías.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003chr data-path-to-node=\"6\"\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl artista y la obra\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePatrick Loste (Perpiñán, 1955) vive y trabaja en las Albères, en los Pirineos Orientales. Durante sus primeros años en Barcelona compaginó la pintura con su formación como herrador, un oficio vinculado a su interés por los caballos.\u003c\/p\u003e\n\u003col start=\"1\" data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb\u003eComposición:\u003c\/b\u003e Dos figuras reclinadas ocupan casi todo el papel. Sus perfiles y cuerpos están dibujados con líneas negras y azules, mientras amplias manchas anaranjadas unen ambas presencias sobre un fondo claro.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb\u003eColor y trazo:\u003c\/b\u003e El azul destaca en líneas y manchas que atraviesan los cuerpos y recorren la zona inferior. Aparecen también matices violetas, verdes y grises. La alternancia entre contornos finos y trazos más anchos da movimiento a la composición.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ol\u003e\n\u003chr data-path-to-node=\"10\"\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15\"\u003eLa proximidad de las dos figuras concentra la lectura en la relación entre sus perfiles y el dibujo de los cuerpos. El anaranjado forma una superficie continua, mientras los trazos azules la recorren en varias direcciones. En la zona inferior, las líneas se superponen con manchas violetas y verdes; hacia la parte alta, el fondo claro deja más espacio alrededor de las cabezas. La firma y la fecha «Loste 83» aparecen en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52792963432781,"sku":null,"price":295.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0245_01_61df6587-82ac-4c55-938b-23db9d015ad0.jpg?v=1792249118"},{"product_id":"francois-boucher-etude-champetre-grabado-frances-siglo-xix","title":"Según François Boucher — “Étude Champêtre” — Aguafuerte coloreado — Escuela Francesa, s. XIX","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eElegante estampa francesa inspirada en el universo pastoril de \u003cstrong\u003eFrançois Boucher (1703–1770)\u003c\/strong\u003e, uno de los grandes representantes del Rococó francés. La escena reúne pastores, jóvenes parejas, rebaños y arquitectura fantástica en un paisaje idealizado de marcado carácter dieciochesco.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa composición está realizada mediante un minucioso trabajo de línea y trama, enriquecido posteriormente con delicados realces de color en azules, verdes, rosas y blancos que acentúan determinadas figuras y elementos del paisaje.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLa pastoral rococó\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eDurante el siglo XVIII, François Boucher convirtió la pastoral galante en uno de los motivos más reconocibles de su producción. Sus paisajes no pretendían representar la vida rural de forma documental, sino construir un mundo idealizado poblado por pastores elegantes, jóvenes enamorados, animales y arquitecturas caprichosas.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEsta composición responde plenamente a ese imaginario.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEn primer término se desarrolla una sucesión de pequeñas escenas humanas: un joven transporta a una muchacha, otra pareja aparece reclinada entre la vegetación y varios animales ocupan el espacio central. Al fondo, árboles, construcciones y desniveles arquitectónicos amplían el paisaje y producen una considerable sensación de profundidad.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLa obra gráfica según Boucher\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa extraordinaria difusión de la obra de Boucher hizo que sus composiciones fueran trasladadas al grabado por numerosos artistas tanto durante el siglo XVIII como posteriormente.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEn esta estampa, el dibujo se construye mediante una trama extremadamente detallada de líneas paralelas, cruzadas y curvas, especialmente visible en las arquitecturas, vegetación, ropajes y superficies del agua.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLos pequeños realces cromáticos rompen deliberadamente el predominio monocromo de la impresión y aportan a la escena una apariencia decorativa especialmente atractiva.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eEn el margen inferior derecho figura impresa la leyenda \u003cstrong\u003e“Étude Champêtre à l’Eau-forte de BOUCHER”\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eFrançois Boucher\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003e\u003cstrong\u003eFrançois Boucher (París, 1703–1770)\u003c\/strong\u003e fue una de las figuras fundamentales del Rococó francés. Pintor, dibujante y grabador, desarrolló una extensa producción dedicada a escenas mitológicas, alegorías, pastorales y composiciones galantes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eSu éxito produjo una enorme difusión gráfica de sus imágenes: además de sus propios aguafuertes, numerosos grabadores franceses reprodujeron sus pinturas y dibujos, contribuyendo decisivamente a la expansión internacional de su lenguaje artístico.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eFicha técnica\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor de la composición:\u003c\/strong\u003e Según François Boucher (París, 1703–1770).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGrabador:\u003c\/strong\u003e No identificado.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eÉtude Champêtre\u003c\/em\u003e \/ \u003cem\u003eEstudio campestre\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInscripción:\u003c\/strong\u003e “Étude Champêtre à l’Eau-forte de BOUCHER”.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eCronología:\u003c\/strong\u003e Probablemente siglo XIX.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Aguafuerte \/ estampa calcográfica con realces de color sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas:\u003c\/strong\u003e 35,5 × 57 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEscuela:\u003c\/strong\u003e Escuela Francesa.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstilo:\u003c\/strong\u003e Rococó \/ interpretación historicista.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTema:\u003c\/strong\u003e Escena pastoril \/ paisaje galante.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eReferencia artística:\u003c\/strong\u003e François Boucher.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Estado acorde con su antigüedad. El papel presenta tonalidad y pequeñas señales propias del paso del tiempo. La hoja conserva una buena lectura general y los realces cromáticos permanecen visibles.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h3\u003e\u003cp dir=\"auto\"\u003eLos grupos de figuras ocupan la parte baja de la composición: a la izquierda, un joven lleva a una muchacha; hacia el centro, los animales y la pareja sentada reúnen varias direcciones de movimiento. El arco del puente abre el espacio a la derecha, mientras los árboles y la construcción del fondo elevan la mirada. Los pequeños toques de azul, rosa y verde se distribuyen sobre la trama de líneas y permiten seguir las figuras entre la vegetación.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52793258541389,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0319_0397c329-208d-441a-9da6-a232b5c6052a.jpg?v=1789741620"},{"product_id":"josep-barrenechea-retrato-masculino-carboncillo-original","title":"Josep Barrenechea — Retrato masculino (1972) — Carboncillo sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003ci\u003eUn estudio psicológico de luces y sombras.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Josep Barrenechea Tubilla (Barcelona, 1908 – 1991).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e Retrato Masculino.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño:\u003c\/b\u003e 1972\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Carboncillo sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 48 x 32 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmado \"Barrenechea\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado:\u003c\/b\u003e Bueno.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003chr data-path-to-node=\"8\"\u003e\n\n\u003ch2\u003eEl retrato y el trazo\u003c\/h2\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003eJosep Barrenechea Tubilla no fue un aficionado; fue un pintor figurista que expuso en los míticos \u003cb\u003eSalones de Primavera de Barcelona\u003c\/b\u003e de los años 30 (1933-1937) y en el \u003cb\u003eSaló d'Independents\u003c\/b\u003e de 1936. Pertenece a esa generación de oficio sólido que mantuvo viva la figuración clásica a través de las décadas convulsas del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl modelo aparece de busto y en tres cuartos, con el cabello peinado hacia atrás, bigote, chaqueta y corbata. Las sombras del carboncillo definen los ojos, la nariz y las mejillas, mientras los trazos paralelos describen las solapas y los hombros. El fondo claro permite distinguir el perfil de la cabeza y la silueta del traje.\u003c\/p\u003e\n\u003chr data-path-to-node=\"13\"\u003e\n\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas líneas curvas del cabello contrastan con los trazos oblicuos de la chaqueta. En el rostro, el sombreado es más compacto alrededor de los ojos y bajo la nariz y el mentón; las zonas claras de la frente y las mejillas dan volumen a la cabeza. El dibujo se abre hacia los bordes de los hombros, donde los trazos quedan separados y dejan visible el papel.\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52793523601741,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0376_01_20aaa58e-e6c2-4183-af70-a1ab282e0ccf.jpg?v=1792250064"},{"product_id":"magda-folch-doble-retrato-pareja-1973-tinta-sobre-papel","title":"Magda Folch — Doble retrato de pareja, 1973 — Tinta sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eDos figuras se aproximan en un doble retrato a tinta, firmado «Magda Folch» y fechado en 1973. La artista construye rostros, cabellos y un gesto de cercanía a partir de un dibujo de línea contenida sobre el blanco del papel.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eMagda Folch y el arte del retrato\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eMagda Folch Solé (Reus, 1903 – Tarragona, 1981) fue una pintora, dibujante y docente catalana. Se formó en la Escola Municipal d’Arts i Oficis de Reus y desarrolló una trayectoria expositiva vinculada a Reus, Barcelona y Tarragona. El retrato ocupó un lugar destacado en su producción, hasta el punto de motivar la exposición \u003cem\u003eMagda Folch. La mestria del retrat\u003c\/em\u003e, presentada en el Museu de Reus en 2016.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eUna composición resuelta con la línea\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl rostro barbado de la izquierda y el rostro de la derecha se disponen muy próximos, con las miradas dirigidas hacia el espectador. La línea, irregular y deliberadamente económica, perfila los ojos, los labios y el cabello sin recurrir a extensas zonas sombreadas. Una mano sobre el hombro enlaza las dos figuras y concentra el sentido de proximidad. La amplia superficie sin cubrir concede protagonismo al trazo y al diálogo entre ambos rostros.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutora:\u003c\/strong\u003e Magda Folch Solé (1903–1981); obra con firma «Magda Folch».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo descriptivo:\u003c\/strong\u003e Doble retrato de pareja.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFecha:\u003c\/strong\u003e 1973, inscrita como «73» junto a la firma.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Tinta sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 49,5 × 34,5 cm (alto × ancho).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e «Magda Folch», en la zona inferior izquierda.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Papel con algunas manchas y señales de envejecimiento, especialmente en zonas marginales; el dibujo principal conserva buena legibilidad.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución para examinar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl interés de este dibujo reside en la economía de medios: los rostros adquieren presencia con muy pocos elementos, y la mano apoyada sobre el hombro introduce un vínculo entre las figuras sin necesidad de construir un escenario.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803348037965,"sku":null,"price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0150_43043e9c-6f0b-47c3-ab10-3fe9f4d2fb26.jpg?v=1792677700"},{"product_id":"josep-rigol-fornaguera-apunte-de-avila-plaza-e-iglesia-de-las-vacas-dibujo-preparatorio-con-anotaciones-lapiz","title":"Josep Rigol i Fornaguera — Apunte de Ávila, plaza de las Vacas — Lápiz sobre papel, siglo XX","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDibujo original a lápiz sobre papel de Josep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e, dedicado a un rincón de Ávila identificado en las anotaciones de la propia hoja con el entorno de la plaza de las Vacas. La composición reúne la arquitectura de una iglesia, construcciones del entorno y una cruz de piedra en primer plano. Más que una vista terminada, es un apunte de trabajo en el que el artista observa la relación entre los elementos y ensaya su disposición en el espacio.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl dibujo está resuelto mediante trazos de grafito de distinta intensidad. Las líneas principales delimitan las formas arquitectónicas y los volúmenes, mientras los sombreados breves y las zonas del papel que permanecen en blanco permiten diferenciar planos y sugerir la luz. La cruz del primer término actúa como referencia visual y establece un diálogo con la arquitectura religiosa del fondo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUn rasgo especialmente interesante son las \u003cstrong\u003enotas manuscritas en catalán\u003c\/strong\u003e que acompañan la imagen. Entre ellas se ha leído una indicación relativa al desplazamiento de la cruz hacia la derecha. Estas anotaciones muestran que Rigol no se limitaba a registrar el motivo: también reconsideraba su encuadre y organización compositiva. No se ha documentado, sin embargo, que el apunte sirviese efectivamente como preparación para un óleo o grabado posterior.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa obra resulta representativa del dibujo como instrumento de observación y estudio, una faceta especialmente relevante en la trayectoria de Rigol por su formación académica, su dedicación al grabado y su prolongada actividad docente. La identificación del lugar se mantiene de acuerdo con las inscripciones asociadas a la pieza; no se ha contrastado mediante una comparación topográfica concluyente.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eSobre el artista\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eJosep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e fue dibujante, grabador, pintor y una figura destacada de la enseñanza artística y la conservación patrimonial de Terrassa. Se formó inicialmente con Tomàs y Pere Viver y, becado por el Ayuntamiento de Terrassa, ingresó en 1922 en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. Tras su formación y estancias artísticas europeas, regresó a Terrassa, donde desarrolló buena parte de su carrera como profesor de dibujo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eFue presidente de Amics de les Arts y director de la Escuela de Artes y Oficios de Terrassa entre 1961 y 1979. Vinculado durante décadas al patrimonio local, participó en la protección de las iglesias de Sant Pere durante los acontecimientos de 1936 y en el impulso de las colecciones del Museu de Terrassa. Su trayectoria fue objeto de la monografía \u003cem\u003eJosep Rigol i Fornaguera: l'home, l'artista i el mestre\u003c\/em\u003e, editada por el Museu de Terrassa en 2011.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Josep Rigol i Fornaguera (1897–1986).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo descriptivo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eApunte de Ávila: plaza e iglesia de las Vacas\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eCronología:\u003c\/strong\u003e Siglo XX, sin fecha documentada en la ficha.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Lápiz grafito sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas:\u003c\/strong\u003e 29 × 24,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Firmado «J. Rigol F.» en el ángulo inferior derecho, con anotaciones de trabajo manuscritas.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Papel de tonalidad envejecida, con tres manchas rectangulares oscuras, probablemente relacionadas con antiguos elementos de fijación, y bordes irregulares. Las manchas son visibles y forman parte del estado actual de la obra; no se ha realizado un examen de conservación presencial.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl interés de este dibujo reside tanto en su representación arquitectónica como en su condición de apunte de trabajo. Las indicaciones escritas junto a la imagen permiten observar una fase del proceso compositivo que normalmente desaparece de las obras acabadas. La cruz, la iglesia y las correcciones manuscritas convierten una vista de paisaje urbano en un testimonio particularmente cercano de la práctica del dibujo de Josep Rigol.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803640066381,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-18_021509892.png?v=1792282513"},{"product_id":"michel-henricot-la-dame-dans-le-bain-realismo-fantastico-serigrafia","title":"Michel Henricot — La dame dans le bain — Serigrafía","description":"\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci class=\"\"\u003eUna visión hipnótica y atemporal del cuerpo humano, donde la figura no se baña, sino que parece levitar en un estado de suspensión eterna.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eEl Cuerpo como Arquitectura\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Michel Henricot (Francia,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 1936–2022) fue un maestro del \"Realismo Fantástico\".\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Su obra se aleja del surrealismo onírico de Dalí para adentrarse en algo más solemne y misterioso.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Henricot estaba obsesionado con el cuerpo humano,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e pero no como carne viva,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e sino como estructura fosilizada,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e momificada o etérea.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Esta obra,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003ci class=\"\"\u003eLa Dame dans le bain\u003c\/i\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e (La dama en el baño),\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e es un ejemplo clásico de su imaginario:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e la figura humana encapsulada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAnálisis Visual: La Crisálida\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La perspectiva es cenital (vista desde arriba),\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e lo que nos coloca en una posición de observadores privilegiados.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La figura femenina no parece estar sumergida en agua común,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e sino en un fluido amniótico o energético de tonos turquesas y esmeraldas luminiscentes.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Lo fascinante es el tratamiento de la anatomía:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Henricot envuelve el cuerpo en bandas o veladuras que recuerdan a las vendas de una momia o a una armadura biológica.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e No hay movimiento; hay un silencio absoluto.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La composición ovalada refuerza la idea de útero,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e sarcófago o cápsula de hibernación de ciencia ficción.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Es una imagen que oscila entre lo ancestral (la muerte\/el rito) y lo futurista.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTécnica\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La serigrafía captura perfectamente las transparencias y los degradados sutiles que caracterizan la pintura de Henricot.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e El efecto de \"resplandor\" alrededor del cuerpo está muy bien conseguido,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e creando esa atmósfera sobrenatural típica del autor.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Michel Henricot (1936–2022).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003ci class=\"\"\u003eLa Dame dans le bain\u003c\/i\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e (La dama en el baño).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Circa 1970–1980.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Serigrafía a color sobre papel de alto gramaje.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 65 x 50 cm (Papel).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Firmada a lápiz \"Henricot\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Numerada 78\/100 en el izquierdo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Bueno.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La imagen central está en buen estado y mantiene sus colores vibrantes.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e L\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003eos márgenes blancos presentan \u003c\/span\u003e\u003ci class=\"\"\u003efoxing\u003c\/i\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e (puntos de óxido). \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa figura ocupa el centro de una forma ovalada y se presenta desde un punto de vista elevado. Los tonos turquesas y esmeraldas envuelven el cuerpo, mientras las bandas y veladuras de la anatomía introducen un ritmo de líneas curvas. El resplandor alrededor de la silueta contrasta con la quietud de la postura.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803974463821,"sku":null,"price":110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0070_cacfb206-6122-459c-91d0-4988f73abdbb.jpg?v=1790437922"},{"product_id":"rofer-roberto-fernandez-tras-el-telon-cronica-sovietica-ilustracion-original-de-prensa-tecnica-mixta","title":"Rofer (Roberto Fernández) — Tras el telón — Ilustración original — Técnica mixta sobre cartulina","description":"\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUna pieza de periodismo gráfico que captura, con la ironía y la rapidez del ilustrador de raza, la atmósfera de secretismo tras el Telón de Acero.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eEl Reportero Gráfico\u003c\/b\u003e Roberto Fernández «Rofer» (Segovia, 1931 – Madrid, 2019) fue un pintor, acuarelista e ilustrador español. Su producción abarcó la ilustración editorial y el dibujo de prensa. Esta obra no es un cuadro de gabinete; es una \u003cb\u003eilustración original\u003c\/b\u003e concebida para ser reproducida (posiblemente como cabecera de sección, portada de reportaje o libro). El título manuscrito \"TRAS EL TELÓN..\" y la arquitectura de Moscú permiten leer la escena en relación con el Telón de Acero y el contexto soviético de la Guerra Fría.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: La Mirada del Espía\u003c\/b\u003e La composición es teatral y narrativa. Un personaje masculino —probablemente un \u003ci\u003ealter ego\u003c\/i\u003e del periodista o del propio artista—, ataviado con el característico gorro de piel (\u003ci\u003eushanka\u003c\/i\u003e) y gafas, aparta unas pesadas cortinas azules para tomar notas. Su mirada, directa al espectador, nos hace cómplices de lo que está observando\/investigando.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eAl fondo, Rofer sitúa el icono por excelencia de Moscú: las cúpulas bulbosas de la Catedral de San Basilio, resueltas con trazos rápidos de tinta y manchas de color que sugieren la arquitectura sin detenerse en el detalle académico. La técnica es mixta: acuarela o aguada para las grandes masas de color (el cortinaje, la ropa) y tinta china o rotulador para perfilar los contornos con un grafismo nervioso y eficaz, propio de quien trabaja contra el reloj de la imprenta.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Rofer (Roberto Fernández, 1931–2019).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Tras el telón (Periodista en Moscú).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e Circa 1970-1980.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta sobre cartulina.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 69,5 x 49,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmada \"Rofer\" en vertical, en la zona central izquierda. Título manuscrito en la zona superior derecha.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Aceptable. La imagen central y los colores están en excelente estado, vibrantes y frescos. Se aprecian manchas de oxidación (\u003ci\u003efoxing\u003c\/i\u003e) y suciedad en el margen derecho, fuera de la ilustración principal, visibles en las fotografías.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEsta obra me divierte y me fascina a partes iguales. Tiene esa cualidad cinematográfica de las películas de espías de los 70. Rofer tenía una capacidad única para caracterizar personajes con cuatro líneas; fíjese en la expresión del periodista, mezcla de curiosidad y cautela.\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804294869325,"sku":null,"price":195.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0080_490999dd-05d2-4c83-ad88-3826bd139acf.jpg?v=1790438102"},{"product_id":"sabrina-sampere-escena-portuaria-y-urbana-apunte-del-natural-1998-carboncillo","title":"Sabrina Sampere — Escena portuaria y urbana (apunte del natural, 1998) — Carboncillo","description":"\u003chr data-path-to-node=\"1\" class=\"\"\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"2\"\u003e \u003c\/p\u003e\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eLa actividad de un puerto y su entorno urbano, captada con trazos de carboncillo que alternan líneas precisas y zonas difuminadas.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eSabrina Sampere y el dibujo\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eSabrina Sampere (Sabadell, 1975) se licenció en Bellas Artes en Barcelona en 1998. Su lenguaje plástico parte de la figuración. En este dibujo, fechado ese mismo año, reúne la embarcación y el movimiento urbano mediante el contraste entre trazos densos y líneas más ligeras.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAnálisis Visual: El Ritmo de la Ciudad\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La composición se divide en dos planos narrativos.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e En primer término,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e la cubierta de una embarcación,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e con sus elementos técnicos (cabos,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e bombonas,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e estructuras) resueltos con un trazo de carboncillo denso,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e negro y graso,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e que ancla la mirada.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e En segundo plano,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e tras un muro o muelle,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e la vida urbana:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e coches,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e viandantes y rótulos comerciales (se lee parcialmente \"NAUTIC...\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e\") esbozados con un trazo mucho más ligero y atmosférico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cspan class=\"\"\u003eSampere utiliza el carboncillo en todas sus vertientes:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e la línea afilada para definir la arquitectura del barco y el difumino (o el dedo) para crear las sombras y la sensación de movimiento y humo en la calle.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Es una obra de atmósfera,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e gris y plateada,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e que captura la luz húmeda del puerto.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Sabrina Sampere.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Vista del puerto y tráfico urbano.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 1998 (Fechado junto a la firma).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Carboncillo sobre papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 56 x 40 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Firmada \"Sabrina Sampere\" y fechada \"98\" en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Bueno.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e El papel presenta un ligero tono natural por el paso del tiempo,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e pero sin manchas de humedad evidentes en la imagen.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eMe gusta esta obra porque es \"cine negro\". Tiene una atmósfera de novela policíaca, de puerto activo y ruidoso. El contraste entre la solidez estática del barco en primer plano y el caos de los coches al fondo está muy bien resuelto.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804341203277,"sku":null,"price":145.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0129_01_449115cb-79f1-4902-b984-244f2c2bb8a4.jpg?v=1792678124"},{"product_id":"gines-serran-pagan-composicion-habana-1987","title":"Ginés Serrán Pagán — Composición de La Habana (1987) — Técnica mixta","description":"\u003cp\u003eUna obra creada en \u003cstrong\u003eLa Habana en 1987\u003c\/strong\u003e, el mismo año en que Ginés Serrán Pagán expuso en Casa de las Américas. Firmada y numerada \u003cstrong\u003e6\/12\u003c\/strong\u003e, pertenece a una edición de doce ejemplares.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eGinés Serrán Pagán (Ceuta, 1949)\u003c\/strong\u003e ha construido una trayectoria difícil de separar del viaje. Artista y antropólogo, desarrolló buena parte de su carrera entre Nueva York, Europa, Latinoamérica y Asia, incorporando a su lenguaje plástico las huellas de los lugares, culturas y experiencias que encontraba en el camino.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEsta obra conserva una inscripción especialmente reveladora: \u003cstrong\u003e“Havana” y la fecha 1987\u003c\/strong\u003e. No se trata de una referencia geográfica arbitraria. Ese mismo año Serrán Pagán se encontraba en Cuba, donde fue invitado a presentar su trabajo en \u003cstrong\u003eCasa de las Américas, La Habana\u003c\/strong\u003e. Su presencia en la ciudad aparece además documentada en la prensa cubana de marzo de 1987.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa pieza adquiere así el carácter de un \u003cstrong\u003etestimonio material de aquel momento de su trayectoria\u003c\/strong\u003e: una abstracción nacida dentro de un contexto biográfico perfectamente identificable.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eVisualmente, Serrán Pagán construye una superficie que recuerda simultáneamente a un \u003cstrong\u003emapa, un muro erosionado y una página antigua\u003c\/strong\u003e. El fondo de tonos ocres y tierras conserva manchas, transparencias y pequeñas variaciones de pigmento sobre las que emerge una poderosa estructura de líneas negras.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDentro de ella aparecen signos, trazos y formas fragmentarias que parecen estar a medio camino entre la escritura y la imagen. Los rojos, amarillos y azules surgen de manera puntual sobre el fondo cálido, aportando tensión a una composición deliberadamente irregular.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa riqueza de la superficie es una de las características más interesantes de la obra. \u003cstrong\u003eEstampación, textura y posteriores intervenciones pictóricas parecen convivir sobre el mismo papel\u003c\/strong\u003e, un procedimiento coherente con la investigación técnica que Serrán Pagán desarrolló desde comienzos de los años ochenta.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa pieza está numerada \u003cstrong\u003e6\/12\u003c\/strong\u003e, correspondiente al sexto ejemplar de una edición de doce.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Ginés Serrán Pagán (Ceuta, 1949).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eHavana\u003c\/em\u003e. Composición abstracta.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eLugar y Fecha:\u003c\/strong\u003e La Habana, 1987.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEdición:\u003c\/strong\u003e Ejemplar \u003cstrong\u003e6\/12\u003c\/strong\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Obra gráfica original en técnica mixta sobre papel, con estampación e intervención pictórica.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e \u003cstrong\u003e73,5 × 49,5 cm\u003c\/strong\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmada a lápiz \u003cstrong\u003e“Ginés Serrán Pagán”\u003c\/strong\u003e en el margen inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInscripciones:\u003c\/strong\u003e Localizada y fechada manuscritamente. Numerada 6\/12.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de Conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eContexto:\u003c\/strong\u003e Realizada en el año de la estancia de Ginés Serrán Pagán en Cuba y de su exposición en Casa de las Américas, La Habana.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa estructura de líneas negras organiza el fondo ocre y terroso, entre transparencias y zonas de pigmento más denso. Los acentos rojos, amarillos y azules aparecen de forma puntual y marcan recorridos entre los signos. La inscripción «Havana», la fecha 1987 y la numeración 6\/12 completan la lectura del papel.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804497113421,"sku":null,"price":1350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0215_01_8405e48b-710c-496d-8d20-256437fb6436.jpg?v=1790779119"},{"product_id":"escuela-espanola-s-xix-xx-la-lectora-segun-fragonard-academicismo-carboncillo","title":"Escuela española (siglos XIX–XX) — La lectora — Carboncillo","description":"\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUn ejercicio de virtuosismo académico que traduce al blanco y negro la intimidad y el silencio de una escena de lectura.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEl estudio de la figura y la luz\u003c\/b\u003e La obra representa a una joven absorta en la lectura, resuelta mediante una escala de grises y un modelado académico. El artista concentra la atención en el rostro, las páginas del libro y los pliegues de la vestimenta.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: La Luz del Conocimiento\u003c\/b\u003e La obra destaca por su exquisito tratamiento de la luz, que incide sobre el rostro de la joven y las páginas del libro, dejando el fondo en una penumbra aterciopelada que realza la intimidad de la escena. El uso del carboncillo es académico y pulcro: hay un modelado suave (\u003ci\u003esfumato\u003c\/i\u003e) en la piel de la chica y un trabajo volumétrico notable en los pliegues del vestido y el cojín, que contrastan con la oscuridad del respaldo de la silla.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eLa dedicatoria manuscrita en la esquina inferior derecha (\"Recuerdo a mi cariñosa hermana en el día de su Santo...\") nos revela la naturaleza íntima de la obra: no fue un encargo comercial anónimo, sino un regalo personal, realizado probablemente por un artista culto formado en la copia de museos.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Escuela Española \/ Catalana (Firma no identificada).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e La Lectora.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e Circa 1900-1930.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Carboncillo y difumino sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 62 x 46,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eInscripciones:\u003c\/b\u003e Dedicatoria manuscrita en el margen inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb style=\"font-size: 0.875rem;\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e\u003cspan style=\"font-size: 0.875rem;\"\u003e Buen estado. El dibujo central (la figura) se mantiene en perfecto estado de legibilidad y contraste. El papel presenta\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-size: 0.875rem;\"\u003e el tostado natural del soporte por el paso del tiempo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLo que me fascina de esta pieza es cómo logra capturar la absorción total de la lectura. El artista ha conseguido construir una escala de grises silenciosa y aterciopelada, creando una atmósfera de intimidad absoluta. Pero sobre todo, es la dedicatoria manuscrita lo que le da alma: transforma un estudio técnico en un testimonio personal de afecto familiar.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815284928845,"sku":null,"price":325.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0225_01_8f77c292-ee05-42e9-bede-8e5ecfe10c64.jpg?v=1790792379"},{"product_id":"domenec-malfeito-tanella-retrato-de-yorkshire-terrier-realismo-expresivo-tecnica-mixta-1981","title":"Domènec Malfeito Tanella — Retrato de Yorkshire terrier (1981) — Técnica mixta","description":"\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUna captura llena de ternura y carácter donde la rapidez del trazo logra transmitir la vivacidad eléctrica de la mascota.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eEl Retratista de Caracteres\u003c\/b\u003e Domènec Malfeito Tanella (Barcelona, 1936) es un artista que se ha movido con soltura entre el paisaje y la figura, pero es en el apunte del natural donde su mano demuestra mayor destreza. Realizada en 1981, esta obra se aleja del retrato de mascota estático y relamido para ofrecernos algo más moderno: la psicología del animal.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: La Textura del Nervio\u003c\/b\u003e Lo más destacado de esta pieza es cómo el artista resuelve la dificultad técnica del pelaje. En lugar de dibujar pelo a pelo, Malfeito utiliza un trazo negro (carbón o lápiz graso) muy gestual, rápido y enérgico. Esos rayones controlados crean la ilusión perfecta de la textura hirsuta y desordenada típica de los Yorkshire Terriers.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eEl fondo, resuelto con barridos verticales de sanguina o pastel en tono salmón, no solo aporta calidez, sino que empuja la figura hacia adelante, dándole volumen. La mirada del animal, centrada y brillante, actúa como el punto focal que humaniza la composición, conectando inmediatamente con el espectador.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Domènec Malfeito Tanella (1936 - ).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Retrato de Yorkshire Terrier.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e 1981 (Fechado bajo la firma).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta (Carboncillo\/Lápiz graso y sanguina\/pastel) sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 46,5 x 30 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmada \"D. Malfeito Tanella\" y fechada \"1981\" en el margen inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Bueno. El dibujo central está en perfecto estado. El papel presenta restos de cinta adhesiva antigua (\u003ci\u003etape marks\u003c\/i\u003e) en los márgenes superior, derecho e izquierdo, compatibles con una fijación anterior del papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003eLos trazos negros rápidos y entrecruzados sugieren el pelaje desordenado del Yorkshire terrier. La mirada concentra la atención, mientras las franjas verticales de tono salmón dan calidez al fondo y separan la silueta del animal del papel.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815408890189,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0024_52e9bc59-6875-480d-80f3-12324cf70f42.jpg?v=1792280095"},{"product_id":"julio-quesada-guilabert-retrato-de-caballero-escuela-espanola-1961-acuarela","title":"Julio Quesada Guilabert — Retrato de caballero — Acuarela sobre papel (1961)","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eRetrato masculino realizado en acuarela sobre papel por Julio Quesada Guilabert (Madrid, 1918–2009), firmado y fechado en 1961.\u003c\/strong\u003e La obra presenta a un caballero con camisa y corbata, cuyo rostro concentra la atención de la composición. La expresión y los matices de la mirada adquieren protagonismo frente a un fondo resuelto con mayor libertad.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLas aguadas transparentes, las superposiciones de color y las reservas de papel articulan las facciones mediante una paleta de ocres, rosados, azules y tonos violáceos. El tratamiento más suelto de la indumentaria contrasta con la observación detenida del rostro. Esta diferencia de ejecución aporta frescura al conjunto sin restar presencia al retratado.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eJulio Quesada Guilabert: la acuarela y el retrato\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eNacido en Madrid en 1918, Julio Quesada Guilabert se formó en la Escuela de Artes y Oficios y en la Escuela de Cerámica de Madrid. Desarrolló una extensa trayectoria dedicada especialmente a la acuarela, con una producción en la que sobresalen los retratos y los paisajes. Expuso en numerosas ciudades españolas y también en el extranjero. Su vinculación con Crevillent, localidad de origen de su familia, se refleja en el Museo Pintor Julio Quesada, dedicado a conservar y difundir su obra.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Julio Quesada Guilabert (Madrid, 1918–2009).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo descriptivo:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eRetrato de caballero\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFecha:\u003c\/strong\u003e 1961.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e acuarela sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMedidas de la obra:\u003c\/strong\u003e 43,5 × 31 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e firmada «Quesada» y fechada «61» en el ángulo inferior derecho, según los datos registrados de la obra.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e buen aspecto general en las fotografías disponibles; consultar para ampliar detalles.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eUn retrato que permite apreciar la vertiente más característica de Quesada: la construcción del carácter mediante el color, la luz y las transparencias propias de la acuarela. La fecha de 1961 sitúa la obra en una etapa de plena actividad del artista. Su interés reside tanto en la ejecución del rostro como en la espontaneidad de las zonas apenas sugeridas.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815514665293,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0009_03_59fe958a-f397-4ba7-bd70-0a283e7cb8e6.jpg?v=1792279990"},{"product_id":"paco-duran-vila-acuarela-original-barcelona-panoramica-bodegon-1985","title":"Paco Duran Vila — Panorámica de Barcelona con bodegón (1985) — Acuarela sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003e\u003ci data-path-to-node=\"1\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa ciudad observada desde la intimidad. Una acuarela original que fusiona el paisaje urbano y el bodegón mediante un dominio excepcional de la perspectiva atmosférica y el formato panorámico.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"3\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa doble narrativa y la profundidad de campo\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003ePaco Duran Vila huye de la clásica vista panorámica plana para presentarnos un ejercicio de profundidad visual casi cinematográfico. La composición de esta acuarela de 1985 se basa en la confrontación de dos géneros: el bodegón y el paisaje. En primer término, el artista sitúa un conjunto de cajas y estuches definidos con nitidez y solidez geométrica. Estos objetos actúan como un ancla táctil; nos sitúan en el interior de una estancia o azotea, convirtiendo al espectador en un observador silencioso que contempla la urbe preolímpica desde la intimidad de un estudio.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"5\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa ciudad disuelta en la bruma\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eMás allá de ese balcón improvisado, Barcelona se extiende hacia el horizonte. Técnicamente, Duran Vila renuncia al detalle arquitectónico estricto para priorizar la atmósfera. Utilizando la técnica de la acuarela muy fluida (\u003ci data-path-to-node=\"6\" data-index-in-node=\"225\"\u003ewet-on-wet\u003c\/i\u003e o húmedo sobre húmedo), el artista disuelve los edificios en una bruma de ocres, grises y tierras pardas. Esta decisión técnica difumina los límites entre la ciudad, el mar y la montaña, capturando magistralmente la luz difusa y la densidad del aire en lo que parece un atardecer o un día nublado.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"10\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Paco Duran Vila (Francesc Duran i Vila).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Vista panorámica de Barcelona con bodegón (Paisaje urbano).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e 1985 (Firmado y fechado).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Acuarela original sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 22 x 47,5 cm (obra) | 39 x 65 cm (con marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado \"P. Duran Vila\" y fechado \"85\" en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. La pigmentación de la acuarela se mantiene estable y sin alteraciones severas. El marco de madera de época presenta una excelente integridad.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y apreciar su profundidad espacial.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas cajas y los estuches del primer plano fijan la posición de la mirada antes de que esta se abra hacia la ciudad. Sus bordes geométricos contrastan con los edificios diluidos en ocres y grises. La transición entre el interior cercano y el horizonte brumoso sostiene la profundidad del formato panorámico.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52816412606797,"sku":null,"price":235.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0304_15a1e0d5-85d5-4dbd-a201-7a6be7fd7a15.jpg?v=1790856315"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-roma-piazza-del-popolo-con-ciclista-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Roma: Piazza del Popolo con ciclista — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUna visión insólita de la Ciudad Eterna donde la monumentalidad barroca cede el paso a la soledad del ciclista urbano.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eLa Escala Humana frente a la Historia\u003c\/b\u003e En esta obra de 1989, Ricard Calvo Duran nos transporta a uno de los escenarios más teatrales de Roma: la entrada a la \u003cb\u003ePiazza del Popolo\u003c\/b\u003e. Sin embargo, el artista huye de la postal turística convencional. En lugar de una plaza abarrotada, nos presenta un espacio casi metafísico, vacío, dominado por la simetría perfecta de las iglesias gemelas de Santa Maria in Montesanto y Santa Maria dei Miracoli.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: Ligne Claire y Atmósfera\u003c\/b\u003e La ejecución técnica es impecable, heredera de la mejor tradición de la ilustración arquitectónica y la \"línea clara\" europea.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Dibujo:\u003c\/b\u003e Calvo Duran utiliza la tinta para definir con precisión quirúrgica las columnas, cúpulas y entablamentos del Barroco romano.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Color:\u003c\/b\u003e La aplicación de la acuarela es atmosférica. El cielo no es el azul típico del Mediterráneo, sino una mancha parda y grisácea, cargada de humedad, que otorga a la escena un aire melancólico y sofisticado.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Contrapunto:\u003c\/b\u003e Toda la solemnidad de la piedra se rompe con la figura del ciclista en primer plano, vestido con una llamativa camisa rosa. Es el elemento discordante que da vida a la obra: un ser humano solitario pedaleando hacia la inmensidad de la historia.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Ricard Calvo Duran (Firmado \"Calvoduran\").\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Roma: La Piazza del Popolo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e 1989 (Fechado junto a la firma).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Obra: 42,5 x 52,5 cm | Marco: 54,5 x 62 x 5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Manuscrita en tinta en la zona inferior central, con localización \"Roma\".\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. El papel conserva su blancura original en los márgenes y los colores se mantienen frescos.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003eRoma es una ciudad ruidosa y caótica, pero Calvo Duran ha conseguido \"apagar\" el sonido. Al eliminar el tráfico y las multitudes, nos deja solos con la arquitectura y ese único ciclista. Es una obra que transmite calma y elegancia. Me gusta pensar en ella como una pausa visual; una ventana a una Roma que solo existe temprano en la mañana o en la imaginación del artista.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817072521549,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0365.jpg?v=1790857359"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-costumbrismo-italiano-en-asis-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Costumbrismo italiano en Asís — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUn delicioso contraste entre la espiritualidad de la arquitectura sacra y la vibrante vida cotidiana sobre dos ruedas.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eLo Sagrado y lo Mundano\u003c\/b\u003e Realizada en 1990, esta obra de Ricard Calvo Duran captura el alma de Italia mejor que cualquier fotografía turística. El artista nos sitúa frente a la imponente \u003cb\u003eBasílica de San Francisco de Asís\u003c\/b\u003e, uno de los centros de peregrinación más importantes del mundo. Sin embargo, lejos de solemnizar la escena, Calvo Duran introduce un elemento de humor y humanidad irresistible: una monja conduciendo una Vespa clásica en primer plano. Es una imagen que resume la \"dolce vita\" eclesiástica, donde la tradición milenaria convive con la modernidad práctica.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: Precisión y Atmósfera\u003c\/b\u003e La pieza destaca por su estilo de \"línea clara\", muy cercano a la ilustración editorial de alta calidad.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Arquitectura:\u003c\/b\u003e El dibujo a tinta es riguroso, capturando con detalle la estructura gótica y románica del complejo, desde el campanario hasta los arcos inferiores.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Color:\u003c\/b\u003e El artista utiliza una paleta audaz. El cielo no es celeste, sino un azul que recorta la silueta de piedra color crema de la basílica, creando un dramatismo casi teatral.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Narrativa:\u003c\/b\u003e La composición guía el ojo desde la monumentalidad del fondo hasta la anécdota del primer plano. Los coches de época (finales de los 80) aparcados y los grupos de frailes caminando aportan un contexto temporal y sociológico fascinante.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Ricard Calvo Duran (Firmado \"Calvoduran\").\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Escena en la Basílica de San Francisco de Asís.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e 1990 (Fechado junto a la firma).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Obra: 32 x 39 cm | Marco: 53,5 x 60,5 x 5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Manuscrita en tinta en el ángulo inferior derecho, con localización \"Assisi\".\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. Colores vibrantes y papel en perfecto estado.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa figura de la monja en la Vespa introduce un movimiento cotidiano frente a la masa de la basílica. Los coches y los grupos de frailes distribuyen pequeñas escenas por la plaza. El dibujo preciso de los arcos y el campanario contrasta con la ligereza narrativa del primer plano.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817239212365,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0405_dfef902f-4ffe-4911-bf55-a0e5742fb5c3.jpg?v=1790858014"},{"product_id":"edmond-vales-veilleur-de-nuit-el-vigilante-nocturno-orientalismo-grabado-al-aguafuerte","title":"Edmond Valès — Veilleur de nuit (el vigilante nocturno) — Aguafuerte","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUna atmósfera de silencio y espera donde la luz de la lámpara revela la intimidad de una noche en el Magreb.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eEl Ritual de la Espera\u003c\/b\u003e En este grabado, Edmond Valès (1918-2001) nos invita a compartir la soledad de un personaje arquetípico de la cultura norteafricana: el vigilante nocturno. Lejos de una representación de tensión o peligro, Valès captura un momento de pausa introspectiva. El protagonista, envuelto en su chilaba pesada para protegerse del frío del desierto, sostiene un vaso de té, compañero indispensable de las largas horas de vigilia.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: Maestría en el Claroscuro\u003c\/b\u003e La técnica del aguafuerte permite al artista construir la escena a través de la luz y la sombra.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Atmósfera:\u003c\/b\u003e El fondo oscuro y denso, logrado mediante un tramado tupido de líneas, envuelve al personaje y centra toda la atención en su rostro curtido y sus manos.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eLos Detalles:\u003c\/b\u003e Valès es un cronista minucioso. Cada objeto narra la historia de la noche: el brasero bajo la tetera humeante, la lámpara de aceite que ilumina la escena desde abajo (creando sombras teatrales en el rostro) y la vara de apoyo descansando contra la pared. Incluso la babucha solitaria en primer plano aporta una nota de humanidad y descanso.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Textura:\u003c\/b\u003e El trazo del grabador se vuelve especialmente sensible al describir los pliegues de la tela y la textura de la piel, transmitiendo el peso y la calidez de la vestimenta frente al frío nocturno.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Edmond Valès (Firmado \"E. Valès\" a lápiz en el ángulo inferior derecho).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e \u003ci\u003eVeilleur de Nuit\u003c\/i\u003e (Vigilante de Noche).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e Siglo XX (Probablemente décadas centrales, c. 1950-70).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Grabado al aguafuerte sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Obra: 32,5 x 50 cm | Marco: 48,5 x 66,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eEdición:\u003c\/b\u003e 30\/150 (Numerada a lápiz en el ángulo inferior izquierdo).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl tramado denso del fondo concentra la luz en el rostro y las manos del vigilante. La lámpara ilumina desde abajo, mientras el vaso de té, la tetera y el brasero sitúan pequeños focos de atención alrededor de la figura. Los pliegues de la chilaba y la babucha del primer plano introducen texturas y pausas dentro de la escena nocturna.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52825809682765,"sku":"ETC-52825809682765","price":125.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0392_a2205425-0d77-4818-998a-58bf6e4a1930.jpg?v=1790857744"},{"product_id":"edmond-vales-lithams-mujeres-veladas-orientalismo-etnografico-grabado-a-punta-seca","title":"Edmond Valès — Lithams (mujeres veladas) — Punta seca","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci\u003eUn estudio de miradas y textiles que explora la identidad femenina en el Magreb a través de la delicadeza de la línea.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cb\u003eEl Lenguaje del Velo\u003c\/b\u003e En esta obra titulada \u003ci\u003eLithams\u003c\/i\u003e, Edmond Valès (1918-2001) realiza un ejercicio de documentación cultural fascinante. Lejos de la mirada exótica o sensualizada típica del orientalismo decimonónico, Valès se aproxima a la figura femenina con la curiosidad de un antropólogo y la sensibilidad de un artista. La obra es un compendio visual de los diferentes modos de portar el \u003ci\u003elitham\u003c\/i\u003e o velo tradicional, mostrando cómo una misma prenda puede adquirir personalidades distintas según quien la lleve.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: La Línea como Protagonista\u003c\/b\u003e En esta composición, Valès emplea la \u003cb\u003epunta seca\u003c\/b\u003e, una técnica más directa y lineal.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Composición:\u003c\/b\u003e No es una escena narrativa, sino una lámina de estudios. El artista distribuye cinco retratos femeninos en el espacio, creando un collage visual donde cada rostro dialoga con los demás sin competir.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Trazo:\u003c\/b\u003e La punta seca permite una línea aterciopelada y rica. Valès demuestra un dominio técnico excepcional al diferenciar las texturas: la rigidez de las telas rayadas, la suavidad de los pliegues que caen y, sobre todo, la intensidad de los ojos.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Mirada:\u003c\/b\u003e Al ocultar la boca y la nariz, toda la expresividad recae en los ojos. Valès logra que cada mirada sea única: algunas son directas y desafiantes, otras tímidas o esquivas, dotando de individualidad a cada mujer a pesar del velo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Edmond Valès (Firmado \"E. Valès\" a lápiz en el ángulo inferior derecho).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e \u003ci\u003eLithams\u003c\/i\u003e (Estudio de mujeres con velo).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e Siglo XX (c. 1950-70).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Grabado a punta seca sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Huella\/Imagen: 32,5 x 51,5 cm | Marco: 48,5 x 66,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb\u003eEdición:\u003c\/b\u003e 42\/150 (Numerada a lápiz en el ángulo inferior izquierdo).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. El papel presenta las marcas naturales de la plancha (huella) y se observa alguna leve oxidación en los márgenes (fuera de la imagen) que forma parte de su estado de conservación.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLas cinco figuras distribuyen la atención entre miradas y tejidos. En el tocado central a rayas, la dirección de las líneas construye el volumen sin recurrir a grandes sombras. Los distintos pliegues y la intensidad de los ojos permiten distinguir cada rostro dentro del conjunto.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52825907265869,"sku":"ETC-52825907265869","price":125.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0398_02_56102884-d6f8-4a34-94db-57f4310caf33.jpg?v=1790857704"},{"product_id":"rainer-hercks-zappel-philipp-el-hampelmann-surrealismo-ludico-grabado-al-aguafuerte-y-aguatinta","title":"Rainer Hercks — Zappel-Philipp (el Hampelmann) — Aguafuerte y aguatinta","description":"\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003ci\u003eUna representación nostálgica y ligeramente inquietante del clásico juguete articulado, ejecutada con una maestría técnica que invita a buscar los detalles ocultos.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb\u003eEl Juguete como Metáfora\u003c\/b\u003e Bajo el título \u003ci\u003e\"Zappel-Philipp\"\u003c\/i\u003e (que remite al personaje del libro infantil alemán \u003ci\u003eStruwwelpeter\u003c\/i\u003e), el artista nos presenta un payaso marioneta suspendido en un espacio onírico. La obra juega con la dualidad del juguete antiguo: es inocente por su función lúdica, pero inquietante por su mirada fija y su movimiento mecánico.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cb\u003eAnálisis Visual: Textura y Simbolismo\u003c\/b\u003e La técnica del grabado es exquisita y compleja.\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"8\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,0,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Fondo:\u003c\/b\u003e Lejos de ser un espacio vacío, el fondo grisáceo está trabajado con texturas de aguatinta que crean una atmósfera de \"muro antiguo\" o superficie desgastada. Si nos fijamos bien, aparecen elementos flotantes casi mágicos: letras góticas (\"SM\"?), una pequeña llave dorada, un banderín y una figura diminuta en la esquina superior derecha que parece un eco del personaje principal.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,1,0\"\u003e\u003cb\u003eEl Personaje:\u003c\/b\u003e El payaso está delineado con un dibujo preciso. El uso del color es selectivo y vibrante: las bolas naranja y violeta que sostiene en las manos actúan como puntos de anclaje visual, equilibrando la composición simétrica de las extremidades abiertas.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,2,0\"\u003e\u003cb\u003eLa Técnica:\u003c\/b\u003e El artista combina la línea mordida del aguafuerte para los contornos con manchas de aguatinta para dar volumen y color a la ropa (el estampado de estrellas, los pantalones marrones), logrando una sensación de relieve táctil.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"11\"\u003e\u003cb\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Rainer Hercks (Firmado en el ángulo inferior derecho).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e \u003ci\u003eZappel-Philipp\u003c\/i\u003e (Payaso articulado \/ Jumping Jack).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,2,0\"\u003e\u003cb\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e 1997 (Fechado junto a la firma).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Grabado al aguafuerte y aguatinta a color sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e Huella: 19,5 x 15 cm | Marco: 54 x 44 x 4,5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,5,0\"\u003e\u003cb\u003eEdición:\u003c\/b\u003e 62\/200.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. El papel se mantiene limpio y los colores conservan su intensidad original.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"13\"\u003e\u003cb\u003eLa Nota del Taller\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eMe detuve ante este grabado por su fondo. Es como si el artista hubiera capturado no solo el juguete, sino el recuerdo borroso de la infancia.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52826315293005,"sku":"ETC-52826315293005","price":85.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0009_b4b0ad84-c90f-4286-8d55-402bc40256e2.jpg?v=1790858104"},{"product_id":"subirana-verdaguer-bailarina-clasica-impresionismo-estilo-degas-pastel-sobre-papel","title":"Subirana Verdaguer — Bailarina clásica — Pastel sobre papel","description":"\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e\u003ci class=\"\"\u003eUn homenaje directo a la elegancia y el movimiento suspendido de las bailarinas de Degas.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa referencia a Degas\u003c\/b\u003e La bailarina y el tratamiento del pastel recuerdan las escenas de ballet de Edgar Degas. Subirana Verdaguer concentra la composición en una figura solitaria en pose, sobre un escenario indefinido que permite destacar la línea del cuerpo y la ligereza del tutú.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAnálisis Visual: La Suavidad del Pastel\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La técnica del pastel es la elección perfecta para este tema,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e y Subirana la maneja con destreza.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"7\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,0,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eLa Luz y el Color:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e El foco de atención es el tutú blanco,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e construido con trazos rápidos y difusos que sugieren el tul en movimiento,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e contrastando con el corpiño azul celeste que aporta una nota fría y elegante.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La iluminación es teatral,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e incidiendo sobre la figura desde la izquierda y dejando el fondo en una penumbra cálida de tonos grises y ocres.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,1,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eLa Anatomía:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e La figura está estilizada,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e con extremidades alargadas que enfatizan la gracia del ballet.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e El tratamiento de las piernas y los brazos,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e con transiciones suaves de color carne y sombras rosadas,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e demuestra un buen conocimiento del dibujo académico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7,2,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eEl Fondo:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e A diferencia del realismo fotográfico,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e el fondo es una abstracción atmosférica,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e una \"niebla\" de color que envuelve a la bailarina y la despega del plano,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e dándole volumen.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eFicha técnica\u003c\/b\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Subirana Verdaguer (Firmado \"Subirana\" en el ángulo inferior izquierdo).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Bailarina clásica en pose.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eAño\/Época:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Siglo XX (Probablemente década 1970-80).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Pastel sobre papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Obra:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 37 x 27 cm | Marco:\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 53 x 44 x 4,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e5 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Manuscrita en pastel rojizo en la esquina inferior izquierda.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Placa identificativa en el marco.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Colección privada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,7,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Excelente.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e El pastel se mantiene vibrante y bien fijado,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e sin pérdidas de pigmento visibles.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,8,0\"\u003e\u003cb class=\"\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl tutú blanco se construye con manchas de pastel y bordes difusos que sugieren la ligereza del tejido. El corpiño azul introduce un contraste frío, mientras las piernas y los brazos enlazan transiciones rosadas y tonos de piel. El fondo gris y ocre envuelve la figura sin fijar un lugar concreto.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52826523435341,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0146_191dfe51-5dad-44f1-9af1-a0112a190f93.jpg?v=1790864440"},{"product_id":"gerald-moreno-diptico-litografias-akhnaton-metamorfosis","title":"Gerald Moreno — Díptico Akhnaton y Metamorfosis Artificial — Litografías E.A. \/ H.C.","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eDos retratos combinan rostros modelados con precisión y formas que se transforman en estructuras orgánicas y geométricas. Las litografías de Gerald Moreno comparten una paleta contenida y amplias zonas de papel claro.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eDos imágenes en transformación\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEn \u003cem\u003eAkhnaton mon maitre\u003c\/em\u003e, la figura masculina se organiza alrededor de un eje vertical. Una parte del rostro y del torso mantiene un modelado reconocible; la otra se abre en líneas y formas que evocan una arquitectura fantástica. La trama geométrica del pecho prolonga ese paso entre cuerpo y estructura.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eLa métamorphose artificielle\u003c\/em\u003e presenta un rostro femenino rodeado de volúmenes curvos, fragmentos y tramas. La mirada y los labios concentran el modelado más definido, mientras que el contorno se prolonga en formas imaginarias. La relación entre anatomía, geometría y transformación sitúa ambas composiciones en un lenguaje surrealista.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl detalle y el espacio del papel\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLos tonos grises, los sombreados suaves y las líneas finas permiten pasar del retrato reconocible a la forma inventada. Los amplios fondos claros aíslan las figuras y refuerzan el diálogo entre las dos estampas, presentadas juntas en un mismo marco.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Gerald Moreno.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulos:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eAkhnaton mon maitre\u003c\/em\u003e y \u003cem\u003eLa métamorphose artificielle\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstilo:\u003c\/strong\u003e Surrealismo \/ realismo mágico.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Litografía sobre papel de alto gramaje.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEdición:\u003c\/strong\u003e Anotaciones E.A. (Épreuve d'artiste) y H.C. (Hors commerce) a lápiz.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 50 × 36 cm (huella aproximada) | 68 × 89 cm (marco total).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmadas a lápiz «Gerald Moreno» en el margen inferior.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas dos estampas contrastan una zona de rostro modelada con otras partes resueltas mediante líneas abiertas. En la figura masculina domina el eje vertical; en el retrato femenino, el movimiento se distribuye alrededor de la cabeza. El espacio claro que rodea cada imagen permite seguir las transiciones entre el cuerpo y las formas imaginarias.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52841720938829,"sku":null,"price":590.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0310_367bb350-c80e-4317-b62a-fb53f4a662cd.jpg?v=1790872240"},{"product_id":"antoni-esplugues-isaac-albeniz-y-su-circulo-intelectual-modernismo-catalan-fotografia-de-epoca","title":"Antoni Esplugas — Isaac Albéniz y acompañantes — Fotografía","description":"\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003ci\u003eUn retrato de grupo que reúne al personaje identificado como Isaac Albéniz con cinco acompañantes.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eFotografía de grupo del gabinete de Antoni Esplugas, identificado por la marca «Esplugas» visible en la imagen. La ficha de la colección identifica al hombre situado junto a la mujer como Isaac Albéniz, acompañado por otras cinco personas.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003eLos bordes del grupo se desvanecen progresivamente hacia el blanco, concentrando la atención en los personajes. La iluminación suave y difusa modela los rostros sin sombras duras y permite distinguir las texturas de la indumentaria.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Antoni Esplugas i Puig (Sello \"Esplugas\" en la emulsión).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb\u003ePersonaje Central:\u003c\/b\u003e Isaac Albéniz (1860-1909).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,2,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Retrato de grupo identificado como Isaac Albéniz y acompañantes.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,3,0\"\u003e\u003cb\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Principios del siglo XX (Circa 1900-1905).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,4,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Fotografía sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,5,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 45 x 23 cm (Imagen visible) | 64 x 43 cm (Marco).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,6,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14\"\u003eLa disposición de las seis personas equilibra el retrato de grupo. La iluminación suave destaca los rostros y las texturas de la ropa, mientras el desvanecimiento de los bordes reduce la presencia del fondo y mantiene la atención en los retratados.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52848599400781,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0040_01.jpg?v=1764263819"},{"product_id":"segun-benjamin-vautier-el-arresto-del-comerciante-estampa","title":"J. López (inscripción), según B. Vautier — El arresto del comerciante — Estampa sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna calle de arquitectura tradicional se convierte en escenario de una detención pública. Esta estampa sobre papel reproduce una composición de Benjamin Vautier el Viejo, destacado pintor de género vinculado a la escuela de Düsseldorf.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa obra y su contexto\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa escena se relaciona con \u003cem\u003eDie Verhaftung des Kaufmanns\u003c\/em\u003e (El arresto del comerciante), composición documentada de Benjamin Vautier (1829–1898). En ella, el tumulto de una calle estrecha contrasta con la aflicción de una mujer sentada junto a una entrada. El tema pertenece al repertorio de escenas narrativas de la pintura de género centroeuropea del siglo XIX. La composición también circuló en reproducciones gráficas de época.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eComposición y lenguaje gráfico\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa perspectiva de la calle se articula mediante fachadas entramadas, aleros, faroles y pavimento irregular. A la izquierda, los vecinos se agrupan en torno a una figura que señala hacia el fondo; a la derecha, dos mujeres expresan abatimiento junto a un portal. La acumulación de líneas y tramas diferencia madera, piedra y tejidos, mientras los espacios de papel sin entintar mantienen la claridad de una composición muy poblada.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor de la composición:\u003c\/strong\u003e Benjamin Vautier el Viejo (1829–1898).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor de la estampa:\u003c\/strong\u003e Inscripción «J. López» en la zona inferior; identificación del grabador pendiente de corroboración documental.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e El arresto del comerciante (\u003cem\u003eDie Verhaftung des Kaufmanns\u003c\/em\u003e).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eCronología:\u003c\/strong\u003e Composición del siglo XIX; fecha concreta de impresión de este ejemplar sin determinar.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Estampa impresa en tinta sobre papel; procedimiento gráfico pendiente de confirmación.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 42 × 55 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Papel de tonalidad crema con señales discretas de envejecimiento; imagen de lectura nítida.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución para examinar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa tensión de la escena no depende de un único protagonista: se reparte entre el gesto acusador, la multitud expectante y las figuras recogidas junto al portal. La arquitectura actúa como marco narrativo y conduce la mirada hacia el desenlace, sugerido más que explicado.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52855871439181,"sku":null,"price":195.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-22_160055535.png?v=1792677661"},{"product_id":"jose-miguel-serrano-caballo-en-corveta-estudio-de-movimiento-escuela-de-paris-carboncillo-sobre-papel","title":"Josep Miquel Serrano — Caballo encabritado — Tinta y aguada sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUn caballo se alza sobre las patas traseras en un estudio de movimiento firmado «Serrano». La figura destaca por la combinación de trazos oscuros, aguadas diluidas y zonas reservadas del papel.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eUn estudio del movimiento equino\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa cabeza elevada, el cuello arqueado y una extremidad anterior flexionada definen una actitud de impulso y tensión. El cuerpo claro se recorta sobre un fondo de manchas pardas y grises, dispuesto mediante amplias pasadas de pincel. Las zonas oscuras refuerzan la crin y las patas, mientras el contorno del animal permanece abierto en algunos tramos para conservar la vivacidad del gesto.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEl movimiento puede describirse como un caballo encabritado, pero no se documenta una figura específica de alta escuela ni una corveta ejecutada conforme a la terminología ecuestre.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eJosep Miquel Serrano\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eJosep Miquel Serrano i Serra (1912–1982), también citado como José Miguel Serrano, fue un artista catalán formado con Francesc Labarta y Xavier Nogués. La utilización expresiva de la línea y la aguada sitúa este dibujo en el ámbito de su producción figurativa, aunque la datación concreta necesita apoyo documental.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Josep Miquel Serrano i Serra (1912–1982); atribución apoyada por firma «Serrano».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo descriptivo:\u003c\/strong\u003e Caballo encabritado, estudio de movimiento.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉpoca:\u003c\/strong\u003e Siglo XX; fecha exacta sin determinar.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Tinta aplicada con pincel y aguada sobre papel, identificación visual pendiente de confirmación.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 47 × 46,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e «Serrano», en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Papel con tono cálido y algunas marcas de envejecimiento; composición legible.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl dibujo concentra la energía en la curva del cuello y la elevación del cuerpo. La mancha del fondo enmarca el movimiento sin anular la ligereza de las reservas de papel.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52856041046349,"sku":null,"price":170.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0405_01_2bf5d277-641e-458b-bf9c-bb4486b2d686.jpg?v=1792678796"},{"product_id":"maite-gonzalez-naturaleza-muerta-con-ciclamenes-realismo-intimista-linografia-ejemplar-unico-1-1","title":"Maite González — Naturaleza muerta con ciclámenes — Linografía (ejemplar único 1\/1)","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna maceta con flores ocupa el primer plano de este pequeño bodegón de Maite González. El verde y el ocre enlazan las plantas, la cesta de fruta y el fondo de líneas horizontales.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eUn interior construido con líneas\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa maceta decorada concentra la atención en la zona derecha, mientras la cesta con frutas ocupa la izquierda. Las hojas alargadas del fondo amplían el recorrido de la composición. Los trazos finos y las tramas distinguen los pétalos, las hojas, el mimbre y la superficie sobre la que descansan los objetos.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl paso del verde al ocre\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEl verde es más intenso en la parte inferior y en algunos contornos; los ocres aparecen en las frutas, la maceta y el fondo. Las zonas claras del papel mantienen abiertos los volúmenes. La estampa está fechada en 2005 y lleva la numeración «1\/1».\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutora:\u003c\/strong\u003e Maite González.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Bodegón con maceta de ciclámenes y fruta.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAño:\u003c\/strong\u003e 2005.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Linografía sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEdición:\u003c\/strong\u003e 1\/1 (ejemplar único).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 16 × 15 cm (huella de la imagen). Papel con márgenes amplios.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmada a lápiz «Maite González '05» en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas curvas de la cesta y de la maceta se contraponen a las líneas horizontales del fondo. En la parte superior, las flores y las hojas interrumpen esa regularidad. El cambio gradual del verde al ocre conecta los objetos, mientras las reservas claras del papel separan sus contornos.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52856888394061,"sku":"ETC-52856888394061","price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0006_2204b3f2-14f1-4ce9-b702-abffd8a4409c.jpg?v=1790437113"},{"product_id":"lourdes-mojica-antiga-casa-figueres-barcelona-expresionismo-urbano-oleo-sobre-carton-1997","title":"Lourdes Mojica — Antiga Casa Figueres (Barcelona, 1997) — Óleo sobre cartón","description":"\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e\u003ci\u003eUna interpretación vibrante y luminosa de la joya modernista más emblemática de las Ramblas, avalada por el prestigioso Cercle Artístic de Sant Lluc.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eLourdes Mojica nos presenta en esta obra de 1997 una visión personalísima de uno de los iconos arquitectónicos de Barcelona: la \u003cb\u003eAntiga Casa Figueres\u003c\/b\u003e (actual Pastelería Escribà), situada en la Rambla. La artista se aleja del realismo fotográfico para abrazar un lenguaje cercano al expresionismo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eVisualmente, la obra destaca por el uso audaz del contorno negro, que delimita las formas arquitectónicas como si fueran los plomos de una vidriera, conteniendo un estallido de color en su interior. Mojica capta la esencia ornamental del edificio modernista: los mosaicos de \u003ci\u003etrencadís\u003c\/i\u003e, las curvas de los arcos y la escultura de la esquina están resueltos con manchas de color saturado (amarillos cadmio, azules turquesa y violetas).\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003eLa iluminación sugiere una escena nocturna o de atardecer, donde la luz artificial del interior de la tienda se proyecta hacia fuera, haciendo brillar los escaparates. El soporte de cartón, habitual en la pintura \u003ci\u003eplein air\u003c\/i\u003e o de apunte rápido, permite una absorción del óleo que deja una textura mate y aterciopelada, muy atractiva a la vista.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"13\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Lourdes Mojica Ferrer.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo:\u003c\/b\u003e Antiga Casa Figueres.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,2,0\"\u003e\u003cb\u003eFecha:\u003c\/b\u003e 1997.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,3,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica:\u003c\/b\u003e Óleo sobre cartón.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,4,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 35 x 50 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,5,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmado \"L. Mojica 97\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,6,0\"\u003e\u003cb\u003eCertificado:\u003c\/b\u003e Incluye certificado de autenticidad adherido al dorso del \"Cercle Artístic de Sant Lluc\" (Exposición Petit Format al Cercle).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,7,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Impecable (Mint). La obra nunca ha sido desembalada de su protección plástica original.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,8,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos contornos negros separan las zonas de color y acentúan el dibujo ornamental de la fachada. Los amarillos, turquesas y violetas describen los arcos, los mosaicos y los escaparates mediante manchas saturadas. La luz del interior contrasta con los tonos del exterior y concentra la atención en la entrada del establecimiento.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-taller-author=\"lourdes-mojica\"\u003e\u003ca href=\"\/pages\/lourdes-mojica-ferrer\"\u003eVer las obras de Lourdes Mojica Ferrer\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52858201571661,"sku":null,"price":320.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0127_01_0dae5c7a-42fc-4821-8874-55aaaf088b62.jpg?v=1792282316"},{"product_id":"lourdes-mojica-fachada-urbana-apunte-del-natural-expresionismo-oleo-sobre-carton","title":"Lourdes Mojica — Fachada urbana (apunte del natural) — Óleo sobre cartón","description":"\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003ci\u003eUna captación vibrante y gestual de la arquitectura urbana, donde el color construye los volúmenes y la atmósfera de la calle.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eEn esta obra, Lourdes Mojica aborda el paisaje urbano desde una óptica puramente expresionista. Lejos de la delineación arquitectónica estricta, la artista utiliza el óleo para capturar la \"impresión\" de una fachada. Se trata de un apunte del natural, realizado con rapidez para atrapar una perspectiva psicológica de una fachada en un momento concreto.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eLa composición es vertical y se centra en un fragmento arquitectónico. Mojica construye la estructura del edificio mediante bloques de color saturado: los amarillos y ocres sugieren una iluminación artificial, mientras que los azules profundos y violáceos marcan las profundidades de los portales o las sombras arrojadas.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eLa artista no escatima en materia; aplica el óleo con generosidad, probablemente con espátula o pincel ancho, creando una superficie rica en texturas. Es una pintura que prioriza la mancha sobre la línea, buscando transmitir la vitalidad de la ciudad más que la descripción literal de sus ladrillos.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Lourdes Mojica Ferrer.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Fachada urbana \/ Apunte arquitectónico.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,2,0\"\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo sobre cartón.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,3,0\"\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 42 x 27 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,4,0\"\u003e\u003cb\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmado \"L. Mojica\" en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,5,0\"\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección particular.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,6,0\"\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Bueno. La pintura se mantiene fresca y con buena adherencia al soporte.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,7,0\"\u003e\u003cb\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eSeleccionamos esta obra por su capacidad de síntesis. Mojica demuestra aquí que no hace falta dibujar cada detalle de un edificio para que sintamos su presencia. Con cuatro planos de color bien puestos, ha levantado una fachada.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-taller-author=\"lourdes-mojica\"\u003e\u003ca href=\"\/pages\/lourdes-mojica-ferrer\"\u003eVer las obras de Lourdes Mojica Ferrer\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52858312098125,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0115_01_f4830129-bde2-4721-b2a9-a602cb1d45ad.jpg?v=1792282239"},{"product_id":"francois-antoine-aveline-vista-optica-de-paris-desde-el-pont-royal-grabado-original-s-xviii-coloreado-de-epoca","title":"Pierre Aveline — París desde el Pont Royal — Grabado coloreado sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna panorámica del Sena y del Pont Royal donde puentes, edificios y embarcaciones se enlazan mediante una perspectiva profunda.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003ePierre Aveline y la vista topográfica\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003ePierre Aveline (hacia 1656–1722) fue un grabador, editor y comerciante de estampas especializado en vistas topográficas. Esta pieza forma parte del conjunto de tres estampas de Aveline conservadas en la colección.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eLa composición\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eLa vista corresponde a la composición «Veuë et Perspective de la Ville de Paris du côté du Pont Roial», catalogada por los Beaux-Arts de Paris como obra de Pierre Aveline del siglo XVII. El Pont Royal ocupa el primer término; tras él, las dos orillas y los puentes sucesivos conducen la mirada hacia el interior de París. La arquitectura monumental contrasta con las pequeñas embarcaciones que animan el río.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEl trazado grabado define la arquitectura y los detalles de la escena. El coloreado introduce contrastes entre el agua, los edificios y el cielo, haciendo visibles las distintas distancias y los puntos de interés de la composición.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Pierre Aveline (hacia 1656–1722).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e Veuë et Perspective de la Ville de Paris du côté du Pont Roial.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDatación de la composición:\u003c\/strong\u003e Siglo XVII.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Grabado coloreado a mano sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones registradas:\u003c\/strong\u003e 32,5 × 50 cm (alto × ancho; huella\/papel visible).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInscripción de autor:\u003c\/strong\u003e «Aveline fecit et excudit C.P.R.».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular; mismo conjunto que las otras dos estampas de Aveline.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Buen estado general. Colores vivos.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa profundidad es el elemento que sostiene esta composición. Los edificios de ambas orillas enmarcan el cauce y los sucesivos puentes marcan la distancia. El coloreado aporta claridad a la lectura de una escena especialmente rica en arquitectura y vida fluvial.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52867321495885,"sku":"ETC-52867321495885","price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0114_0171ed5c-070d-4932-82a1-0c344fbd9f0f.jpg?v=1792246660"},{"product_id":"francois-antoine-aveline-cartagena-vista-fantastica-colonial-grabado-original-s-xviii-curiosidad-cartografica","title":"Pierre Aveline — Cartagena de Indias — Grabado coloreado sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna panorámica portuaria de Cartagena con barcos, fortificaciones y una ciudad que se despliega al fondo.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003ePierre Aveline y la vista topográfica\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003ePierre Aveline (hacia 1656–1722) fue un grabador, editor y comerciante de estampas especializado en vistas topográficas. Esta pieza forma parte del conjunto de tres estampas de Aveline conservadas en la colección.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eLa composición\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eLa inscripción sitúa Cartagene en «l’Amérique Australe» y la describe como «Ville d’Espagne», expresión correspondiente a su contexto colonial. La escena reúne una torre fortificada en primer término, barcos de vela y una extensa fachada urbana. El mar y el movimiento de las embarcaciones articulan la composición, mientras el color distingue la piedra, el agua y los distintos planos del puerto.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa leyenda menciona «Fleuve Cavé». El texto histórico se conserva como parte de la estampa.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEl trazado grabado define la arquitectura y los detalles de la escena. El coloreado introduce contrastes entre el agua, los edificios y el cielo, haciendo visibles las distintas distancias y los puntos de interés de la composición.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Pierre Aveline (hacia 1656–1722).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e Cartagene, Ville d’Espagne.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Grabado coloreado a mano sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones registradas:\u003c\/strong\u003e 32,5 × 50 cm (alto × ancho; huella\/papel visible).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInscripción de autor:\u003c\/strong\u003e «Fait par Aveline C.P.R.».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular; mismo conjunto que las otras dos estampas de Aveline.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Buen estado general. Colores vivos.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa torre del primer plano y la amplitud de la bahía dan a esta estampa una presencia escenográfica. Las velas, las banderas y el ritmo del agua invitan a recorrer la imagen; su atractivo reside en esa visión histórica de una ciudad portuaria y en la riqueza de sus detalles.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52867341386061,"sku":"ETC-52867341386061","price":130.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0120_8aa3d552-dd2c-41ae-9e4e-167a5811f838.jpg?v=1792246718"},{"product_id":"francois-antoine-aveline-notre-dame-y-la-isla-de-saint-louis-grabado-s-xviii-documento-historico-de-paris","title":"Pierre Aveline — Notre Dame y la Île Saint-Louis — Grabado coloreado sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna vista del Sena donde la arquitectura de la isla y la actividad de las orillas construyen una panorámica de gran profundidad.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003ePierre Aveline y la vista topográfica\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003ePierre Aveline (hacia 1656–1722) fue un grabador, editor y comerciante de estampas especializado en vistas topográficas. Esta pieza forma parte del conjunto de tres estampas de Aveline conservadas en la colección.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eLa composición\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eLa leyenda identifica la antigua «Isle Nostre Dame», hoy Île Saint-Louis, desde el lado de la casa de Bretonvilliers. Los edificios de la isla ocupan la derecha, mientras las torres de Notre Dame aparecen al fondo. Las embarcaciones, las figuras y el trabajo junto a la orilla introducen una escala humana en el conjunto.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEl trazado grabado define la arquitectura y los detalles de la escena. El coloreado introduce contrastes entre el agua, los edificios y el cielo, haciendo visibles las distintas distancias y los puntos de interés de la composición.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Pierre Aveline (hacia 1656–1722).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo:\u003c\/strong\u003e Veüe et Perspective de l’Isle Nostre Dame du costé de la Maison de Monsr. de Bretonvilliers.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Grabado coloreado a mano sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones registradas:\u003c\/strong\u003e 32,5 × 50 cm (alto × ancho; huella\/papel visible).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInscripción de autor:\u003c\/strong\u003e «fait par Aveline à Paris avec Privil. du Roy».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular; mismo conjunto que las otras dos estampas de Aveline.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservación:\u003c\/strong\u003e Buen estado general. Colores vivos.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl interés de esta vista está en el equilibrio entre la arquitectura y el río. La sucesión de planos conduce la mirada desde las figuras del primer término hasta la silueta de la ciudad, y el color diferencia las superficies sin ocultar el dibujo grabado.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52867376644429,"sku":"ETC-52867376644429","price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0127_d2fcb0ab-3159-4805-9304-b4d1ac38934a.jpg?v=1792246770"},{"product_id":"miguel-ros-blasco-paul-cezanne-y-vasijas-negras-neoexpresionismo-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Miguel Ros Blasco — «Paul Cézanne» y vasijas negras — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eDos formas negras de perfiles curvos se recortan sobre manchas rojas. La inscripción verde «Paul Cézanne» atraviesa la parte superior de esta obra de Miguel Ros Blasco, fechada en 1990.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEl nombre y la imagen\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa referencia escrita a Cézanne aparece integrada en el espacio pictórico, junto a las formas que dan al conjunto un carácter de bodegón. Los contornos negros reúnen zonas compactas y trazos abiertos, mientras pequeños toques verdes se repiten en el interior de las figuras.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eRojo, negro y verde\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas manchas rojas quedan visibles entre los perfiles y alrededor de ellos. El negro aporta el mayor peso visual, y el verde destaca tanto en la caligrafía superior como en las líneas finas que recorren los márgenes. Las zonas sin pintar del papel separan estos elementos.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Miguel Ros Blasco.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Bodegón con inscripción «Paul Cézanne».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAño:\u003c\/strong\u003e 1990.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Técnica mixta sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 60 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Firma manuscrita «M. Ros 90» en el ángulo inferior izquierdo. Inscripción superior «Paul Cézanne».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno. Colores vivos y papel sin deformaciones.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl gran contorno curvo de la derecha dirige la mirada hacia la inscripción superior. A la izquierda, el perfil más vertical introduce otro ritmo. La repetición del verde conecta las letras con los pequeños detalles de las formas negras, mientras el rojo permanece visible como un campo común.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953244041549,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0141_a62b960e-70b8-48dc-acbb-c91c9f0284ce.jpg?v=1793468223"},{"product_id":"miguel-ros-blasco-brau-toro-en-rojo-y-negro-neoexpresionismo-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Miguel Ros Blasco — Brau (1990) — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna figura de toro, construida con trazos negros, atraviesa un campo de manchas rojas. Miguel Ros Blasco combina gestos amplios, líneas finas y un pequeño círculo verde en esta obra de 1990.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa figura en movimiento\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas astas curvas se elevan desde la cabeza, mientras el lomo, las patas y la cola se prolongan en pinceladas de distinto grosor. La silueta se reconoce sin un modelado anatómico minucioso. Los cambios de dirección de los trazos transmiten movimiento.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLos contrastes del papel\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas manchas rojas se extienden por detrás de la figura y quedan visibles entre las zonas oscuras. El círculo verde de la parte superior y las líneas del mismo color introducen un contraste adicional. Los espacios claros del papel separan los gestos y mantienen legibles los contornos.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Miguel Ros Blasco.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Brau (Toro).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAño:\u003c\/strong\u003e 1990.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Técnica mixta sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 60 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Firma manuscrita «M. Ros 90» en el ángulo inferior derecho. Título «BRAU» en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Excelente. Colores saturados y papel limpio.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos trazos negros concentran el peso de la figura del toro y describen unas astas largas y curvas. Las patas y la cola se prolongan en líneas abiertas, mientras las manchas rojas quedan visibles entre las pinceladas oscuras. El pequeño círculo verde de la zona superior y las líneas finas del mismo color contrastan con el rojo. Los espacios sin pintar del papel separan los gestos y hacen legible la silueta.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953282871629,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0155_01_e52ddb17-2f9f-4237-8fed-43b5fcf0a94f.jpg?v=1792678217"},{"product_id":"yves-brayer-caballos-en-la-camarga-figuracion-francesa-litografia-a-color","title":"Yves Brayer — Caballos en la Camarga — Litografía en color","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eCaballos y potros se distribuyen junto al agua entre tonos azules, ocres y anaranjados. Yves Brayer construye la escena con contornos negros, amplias zonas claras y franjas horizontales de paisaje.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eCaballos en un paisaje abierto\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eYves Brayer (1907–1990) fue un pintor figurativo francés vinculado a los paisajes de la Provenza y la Camarga. En esta litografía, un caballo claro y un potro ocupan el primer término. Otros caballos se agrupan junto al agua y conducen la mirada hacia la línea baja del horizonte.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEl contraste entre el agua y la vegetación\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos azules del agua y del cielo se contraponen a los tonos cálidos de la tierra y del arbusto de la derecha. Los trazos oscuros definen los cuerpos de los animales y las ramas, mientras las zonas claras de los caballos destacan entre los planos de color. Las aves y una pequeña construcción prolongan el espacio más allá del grupo principal.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Yves Brayer.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Caballos y potros en la Camarga.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉpoca:\u003c\/strong\u003e Segunda mitad del siglo XX.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Litografía en color sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 56,5 × 67,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma:\u003c\/strong\u003e Firmada en plancha, como parte de la impresión, «Yves Brayer» en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno. Papel ligeramente tostado e imagen nítida.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos caballos forman una secuencia que va desde la pareja del primer plano hasta los animales del fondo. El arbusto anaranjado de la derecha equilibra el volumen claro del caballo. Las franjas azules del agua enlazan ambos lados y mantienen abierto el paisaje entre las figuras.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953351487821,"sku":null,"price":165.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0368_bf241def-f2ac-4b20-a525-fdf3fa36443c.jpg?v=1792678439"},{"product_id":"josep-canyada-tecnica-mixta-original-horizonte-materico-tierras-1988","title":"Josep Canyada — Horizonte Matérico en Tierras (1988) — Técnica mixta original","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eTonos tierra, trazos claros y una franja azul organizan esta composición de Josep Canyada, fechada en 1988. Las marcas que recorren la superficie sugieren un paisaje sin describir un lugar concreto.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eUn horizonte de manchas y trazos\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos marrones, ocres y grises se extienden en bandas y barridos de direcciones distintas. Una zona amarillenta cruza el centro, mientras el azul se concentra cerca del borde superior. Esta distribución permite leer una separación entre tierra y cielo dentro de una composición abstracta.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa superficie como parte del paisaje\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas líneas claras, los arrastres y las diferencias de densidad hacen visible la textura. Algunas marcas atraviesan grandes zonas de color y otras forman pequeñas interrupciones. La relación entre el tono del fondo y las huellas superpuestas da continuidad al conjunto.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Josep Canyada.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Abstracción de paisaje. Horizonte matérico en tierras.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAño:\u003c\/strong\u003e 1988.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Técnica mixta con arrastre de pigmento sobre papel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 37 × 52,5 cm (obra) | 53,5 × 68,5 × 3 cm (con marco).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Firma manuscrita «Canyada 88» en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa franja azul superior contrasta con la extensión de los tonos tierra. En el centro, el amarillo introduce una pausa entre las marcas más oscuras. Los trazos blancos atraviesan estas zonas y permiten seguir un recorrido por la superficie, además de la lectura horizontal del paisaje.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953374589261,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0016_30464fc6-9d13-47d5-b159-448ff799b7c8.jpg?v=1790817963"},{"product_id":"isabel-dartiguelongue-acrilico-original-abstraccion-expresionista-rojo-oliva","title":"Isabel Dartiguelongue — Tensión Cromática en Rojo y Oliva — Acrílico original","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eFranjas rojas, barridos verdes y zonas oscuras estructuran esta composición abstracta de Isabel Dartiguelongue. El trazo curvo de la derecha contrasta con los planos más verticales del centro y los extremos.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003ePlanos de color y movimiento\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos verdes oliva y los tonos tierra forman un campo de variaciones suaves, atravesado por zonas de rojo y marrón oscuro. Algunas áreas conservan la dirección de las cerdas del pincel; otras presentan superficies más cubiertas. Los contrastes permiten distinguir capas y recorridos sin recurrir a figuras reconocibles.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEl rojo y los espacios claros\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos rojos aparecen en las franjas laterales y en pequeños regueros y salpicaduras del centro. Las zonas claras interrumpen los barridos verdes y abren la composición. El gran gesto curvo de la derecha introduce un movimiento distinto al de las bandas verticales.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutora:\u003c\/strong\u003e Isabel Dartiguelongue (Argentina).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Composición abstracta en rojo y oliva.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉpoca:\u003c\/strong\u003e Segunda mitad del siglo XX (c. 1980–1990).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica y soporte:\u003c\/strong\u003e Acrílico sobre cartón.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 52 × 79 cm (obra) | 67 × 94 × 3 cm (con marco).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirma e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Firmada «Dartiguelongue» en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Mercado secundario de arte, colección particular.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos planos verticales concentran el peso del rojo y del marrón oscuro. A su lado, los barridos verdes dejan visibles líneas del pincel y zonas claras del soporte. Las pequeñas salpicaduras del centro conectan ambas formas de aplicar el color: la superficie extendida y el gesto más puntual.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52959472025933,"sku":null,"price":480.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0285_0b2452ec-b823-45ce-a554-82e07945f173.jpg?v=1790871881"},{"product_id":"atribuido-opisso-mir-nonell-catalogo","title":"Atribuido a Ricard Opisso — Joaquim Mir e Isidre Nonell. Evocació — ficha de catálogo","description":"\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eOBRA EN PROCESO DE ESTUDIO Y AUTENTIFICACIÓN\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEsta obra se encuentra actualmente en proceso de estudio y autentificación.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePor este motivo, la pieza no se encuentra actualmente a la venta ni puede adquirirse directamente a través de la web.\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLas consultas sobre esta ficha se atienden únicamente con fines documentales. Mientras el estudio esté abierto no se aceptan compras, reservas ni ofertas por esta obra.\u003c\/p\u003e\n\u003chr\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDos figuras masculinas aparecen de pie en una composición de carácter evocador, construida mediante un dibujo enérgico y grandes zonas de acuarela en tonos ocres, tierras y anaranjados.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa propia obra proporciona una clave fundamental para interpretar la escena. Junto a las figuras aparece una inscripción manuscrita que identifica a \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJoaquim Mir e Isidre Nonell\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, acompañada de la palabra \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Evocació»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e. La composición parece plantearse, por tanto, no como un retrato convencional realizado necesariamente ante los modelos, sino como una evocación de dos protagonistas esenciales de la pintura catalana de comienzos del siglo XX.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pieza presenta asimismo una firma \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Opisso»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, elemento sobre el que se fundamenta, junto con sus características gráficas y estilísticas, la actual investigación de autoría.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa atribución propuesta remite a \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRicard Opisso i Sala (Tarragona, 1880 – Barcelona, 1966)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, dibujante estrechamente vinculado al ambiente artístico de la Barcelona modernista y especialmente conocido por su extraordinaria capacidad para registrar personajes, reuniones, calles y escenas de la sociedad de su tiempo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eOpisso conoció de primera mano el ambiente cultural en el que desarrollaron sus carreras Joaquim Mir e Isidre Nonell. Esa circunstancia proporciona un contexto históricamente coherente para una composición concebida como «evocación».\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eUna evocación de Mir y Nonell\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa identificación manuscrita de los personajes resulta especialmente significativa.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJoaquim Mir\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e e \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eIsidre Nonell\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e pertenecieron a una generación decisiva para la transformación de la pintura catalana alrededor de 1900, aunque desarrollaron lenguajes profundamente personales y diferentes entre sí.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn esta pieza no aparecen representados con la solemnidad de un retrato oficial. Las figuras están construidas mediante un dibujo rápido, de fuerte carácter gráfico, en el que predominan la silueta, la actitud corporal y unos pocos rasgos capaces de individualizar a los personajes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa palabra \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Evocació»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e introduce además una dimensión memorialística. No parece pretender únicamente indicar quiénes son las figuras: transforma la imagen en un recuerdo o reconstrucción de personajes pertenecientes a un determinado ambiente artístico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eTécnica y composición\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra combina amplias aguadas de acuarela con un trazo oscuro considerablemente más contundente.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl fondo aparece resuelto mediante tonos cálidos y diluidos que crean una atmósfera poco definida, mientras las figuras emergen mediante líneas más densas y directas. Ese contraste entre un entorno cromático difuso y el dibujo oscuro de los personajes proporciona a la composición una notable fuerza visual.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl soporte, de dimensiones considerables para una obra gráfica de gabinete, permite que las figuras tengan una presencia mayor de la que ofrecen los pequeños apuntes o ilustraciones editoriales.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pieza mide \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e40,5 × 29,5 cm\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAtribución actualmente en estudio:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Ricard Opisso i Sala (1880–1966)\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo \/ inscripción:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eJoaquim Mir e Isidre Nonell. Evocació\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología propuesta:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e primera mitad del siglo XX\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e técnica mixta, con acuarela y trazo graso oscuro sobre papel grueso\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMedidas:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 40,5 × 29,5 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e presenta firma «Opisso» en el lateral derecho\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscripciones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «Joaquim Mir i l'Isidre Nonell \/ Evocació»\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eProcedencia:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e colección privada\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e muy buen estado general visible, con pátina y señales de envejecimiento compatibles con el soporte\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSituación actual:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e en proceso de estudio y autentificación; no disponible para venta\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eSobre la atribución\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa atribución a \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRicard Opisso\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e se encuentra actualmente en proceso de investigación.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePara su estudio se están considerando conjuntamente la firma presente en la obra, las inscripciones manuscritas, la técnica empleada, las características del dibujo, el contexto histórico de los personajes representados y la comparación con producción documentada del artista.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eHasta que dicho proceso haya concluido, \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEl Taller del Coleccionista no presenta esta pieza como obra auténtica o certificada de Ricard Opisso\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLas referencias al artista contenidas en esta ficha describen exclusivamente la \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eatribución actualmente objeto de estudio\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e y el contexto histórico y artístico que la motiva.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCualquier modificación futura de la atribución será incorporada a esta ficha conforme avance la investigación.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eNota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eHay obras cuya investigación forma parte de su propia historia.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta pieza llegó al Taller acompañada de varios elementos que justificaban detenerse ante ella: una firma «Opisso», dos figuras vinculadas a uno de los periodos más importantes del arte catalán y, sobre todo, una anotación especialmente sugerente: \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Joaquim Mir i l'Isidre Nonell \/ Evocació»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePrecisamente por la relevancia que tendría una autoría de Ricard Opisso, hemos preferido no ofrecer la obra al mercado mientras continúa su estudio.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pieza permanecerá \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003efuera de venta hasta que dispongamos de elementos suficientes para establecer su catalogación con mayor seguridad\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEsta ficha se actualizará conforme avance el estudio de atribución.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53456164946253,"sku":null,"price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0041_13b252de-cc32-4f38-ad99-800c1733564a.jpg?v=1791473861"},{"product_id":"humberto-jaimes-sanchez-rostro-cubista-1954","title":"Humberto Jaimes Sánchez — Rostro Cubista, Roma 1954 — Óleo sobre papel","description":"\u003cp\u003eUn rostro construido con planos angulares y una paleta de rojos, rosas, tierras y ocres. Humberto Jaimes Sánchez concentra la composición en los ojos alargados, la nariz central y la boca horizontal, definidos mediante contornos oscuros y trazos claros.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eRoma, 1954\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa obra lleva la inscripción «H. Jaimes Sanchez 54 Roma». La cronología de la Fundación Humberto Jaimes Sánchez sitúa su viaje a Europa en diciembre de 1954 y su estancia en Roma hasta marzo de 1955. Este contexto corresponde a una etapa temprana de la trayectoria del pintor venezolano.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa construcción del rostro\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas formas triangulares de las mejillas y las cejas organizan el rostro en planos de color. Una línea negra vertical, acompañada por un trazo blanco, articula la nariz; los ojos y la boca introducen ritmos horizontales. La textura del papel y las variaciones de densidad de la pintura permanecen visibles en la superficie.\u003c\/p\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"12\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"13\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Humberto Jaimes Sánchez (1930 - 2003).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Composición Antropomorfa Cubista (Estudio de Roma).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDatación:\u003c\/b\u003e 1954.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Óleo sobre papel (marouflé sobre cartón).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 11 x 20 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Firmado, fechado y localizado en la esquina inferior derecha: \u003ci data-path-to-node=\"13,5,0\" data-index-in-node=\"85\"\u003e\"H. Jaimes Sanchez 54 Roma\"\u003c\/i\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Archivo de colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. La capa pictórica se mantiene estable, vibrante y sin desprendimientos, conservando la textura original y mate característica de esta técnica sobre papel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos ojos alargados y la boca horizontal contrastan con la línea vertical de la nariz. Los contornos negros separan planos rojos, rosas y ocres; algunos trazos blancos iluminan sus bordes. La asimetría entre las dos mitades del rostro y la textura visible de la superficie aportan movimiento a una composición frontal.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53456245031245,"sku":null,"price":2000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0372_15f77c5a-ba14-4731-9670-5d213fb17dfe.jpg?v=1791040634"},{"product_id":"ricard-opisso-escena-costumbrista-encuentro-tinta-acuarela","title":"Atribuido a Ricard Opisso — Escena Costumbrista \"El Encuentro\" — Tinta y acuarela","description":"\u003cp\u003eUn choque de dos mundos capturado con brillantez satírica y trazo magistral. Un documento gráfico de época donde la aguda disección de la sociedad de su tiempo se presenta en un formato de gabinete con un montaje excepcional.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEl escrutinio de la modernidad\u003c\/b\u003e Ricard Opisso (1880-1966) fue una figura fundamental para entender la evolución gráfica de Cataluña. Formado en el obrador de Gaudí y curtido en las tertulias de Els Quatre Gats, supo destilar la esencia de una época de profundas transformaciones sociales. Esta pieza, atribuida a su mano por sólidas similitudes estilísticas, técnicas y temáticas, funciona como un documento sociológico de primer orden. Presenta esa mirada afilada, capaz de sintetizar con tinta y agua la psicología de todo un país, propia de las mejores cabeceras históricas de la ilustración.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa colisión de dos Cataluñas\u003c\/b\u003e La escena plantea un contraste narrativo perfecto, resuelto con la inconfundible línea negra, continua y dinámica asociada a la órbita del autor. Por un lado, la figura del burgués urbano: de volúmenes redondeados, ropas pulcras y una actitud estática, sosteniendo con delicadeza su chaqueta. Frente a él, el campesino: enjuto, fibroso, tocado con la tradicional barretina roja y vistiendo pantalones remendados.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl diálogo visual es fascinante, construido sobre un humor profundamente humanista en lugar del dramatismo. La gota de sudor en la frente del payés contrasta con la altivez en el rostro del hombre de ciudad. Las sutiles aguadas de acuarela no compiten con el dibujo, sino que lo abrazan, dotando a la escena de profundidad y atmósfera.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eUn montaje excepcional\u003c\/b\u003e Lo que eleva esta pieza a un objeto de coleccionismo sumamente particular es su soporte. No está concebida sobre un papel suelto, sino que se encuentra orgánicamente montada sobre una base de cuero oscuro. Esta decisión material le otorga un carácter casi artesanal, táctil y definitivo. El papel presenta una ondulación natural e imperfecta, fruto del tiempo y del montaje manual, aportando una \"pátina de vida\" que nos habla directamente de un minucioso trabajo de taller.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Atribuido a Ricard Opisso i Sala (1880 - 1966).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Escena de Costumbres (El encuentro).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Primera mitad del siglo XX.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Tinta negra y acuarela de época sobre papel, montado sobre soporte de cuero.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 13,5 x 13,5 cm (medida de la obra).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFirma e Inscripciones:\u003c\/b\u003e Presenta la inscripción \"Opisso\" en la esquina inferior derecha.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Colección particular (con historial de remate en subasta).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Bueno. Presenta una pátina de época muy atractiva y una ondulación orgánica del papel fruto del montaje manual sobre el cuero. Colores vivos y estables.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLo que más destaca de esta pieza al tenerla en las manos es cómo logra contar tanto con tan poco. Al acercarse a ver los detalles —los parches en el pantalón del campesino o la pesadez con la que pisan los zapatos del burgués—, se hace evidente que no hay una sola línea trazada al azar. El soporte de cuero le da un peso físico y visual sorprendente; transforma un apunte humorístico en un objeto solemne.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-taller-blog-reference=\"20261019\"\u003eLa escena se comenta dentro del recorrido histórico sobre \u003ca href=\"\/blogs\/cronicas\/ricard-opisso-cronista-modernismo\"\u003eRicard Opisso, la ilustración catalana y sus dibujos costumbristas\u003c\/a\u003e.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53456896393549,"sku":null,"price":550.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0359_70527948-0ac7-40dd-94bb-997e770d3f0a.jpg?v=1791038261"},{"product_id":"anita-sola-dimbert-composicion-estructural-en-rojo-y-negro-abstraccion-geometrica-tecnica-mixta","title":"Anita Solà d'Imbert — Composición estructural en rojo y negro — Técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp\u003eComposición abstracta de Anita Solà d’Imbert en la que planos rojos de perfiles triangulares se entrecruzan con líneas negras y zonas de sombreado gris sobre el papel claro.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLíneas y planos de color\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas diagonales largas y las formas puntiagudas extienden la estructura hacia los laterales. Los trazos negros varían de grosor y alternan rectas con curvas, mientras el rojo ocupa algunos de los espacios delimitados por el dibujo.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEl papel como espacio\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas reservas claras separan las formas y mantienen abierta la composición. Los sombreados grises introducen variaciones de densidad junto a los planos rojos, de modo que la precisión geométrica convive con la textura visible del trazo.\u003c\/p\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"11\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e Anita Solà d'Imbert.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e Composición Estructural en Rojo y Negro.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Arte Contemporáneo.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Técnica mixta (carboncillo, tinta y ceras\/pigmento rojo) sobre papel original.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 23,5 x 16 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e Firmado de puño y letra \u003ci data-path-to-node=\"12,5,0\" data-index-in-node=\"31\"\u003e\"Anita Solà d'Imbert\"\u003c\/i\u003e en el ángulo inferior derecho.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Archivo de colección privada.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Excelente. El soporte se mantiene limpio, y los pigmentos conservan todo su contraste, saturación y viveza sin signos de degradación o pérdida de fijación.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona y comprobar su estado.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"13\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14\"\u003eLos planos rojos de perfiles triangulares contrastan con las líneas negras y las zonas de sombreado gris. Los trazos varían de grosor y alternan rectas, curvas y cruces, de modo que la estructura geométrica convive con un dibujo más libre. El fondo claro y las pequeñas reservas entre las formas permiten seguir el recorrido de la línea sin cerrar la composición en una superficie compacta.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53457106895181,"sku":null,"price":190.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0086_63056040-dd59-4075-83d2-5767b90371f8.jpg?v=1791634100"},{"product_id":"anita-sola-dimbert-forma-abstracta-en-verde-y-negro-informalismo-materico-acrilico-sobre-papel","title":"Anita Solà d’Imbert — Forma abstracta en verde y negro, c. 1965 — técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAnita Solà d’Imbert, nombre con el que desarrolló su trayectoria artística Anna Solà Galí (Barcelona, 1906–1995), ocupa una posición singular dentro del arte catalán de posguerra. Tras una primera etapa vinculada a la figuración, el paisaje y la naturaleza muerta, durante la década de 1960 evolucionó hacia un lenguaje informalista caracterizado por las formas orgánicas, la experimentación con la materia y una progresiva liberación del gesto.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta composición pertenece estilísticamente a esa vertiente informalista. Sobre la amplia superficie clara del papel se concentra una estructura irregular formada por pigmentos verdes, negros, blancos y grises. El núcleo, oscuro y compacto, reúne las mayores acumulaciones de materia, mientras que numerosas prolongaciones se proyectan hacia el exterior y transmiten una intensa sensación de crecimiento y movimiento.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa artista combina zonas de pintura fluida con empastes, arrastres y superposiciones que forman pequeños relieves. Los blancos y grises se mezclan parcialmente con el negro y el verde, generando vetas y transiciones internas, mientras que la reserva del papel adquiere un papel activo: aísla la forma central y acentúa su carácter expansivo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra puede situarse, por afinidad técnica y estilística, en torno a mediados de la década de 1960, etapa en la que Solà d’Imbert presentó algunas de sus propuestas más decididamente informalistas. Su interés reside tanto en la fuerza gestual de la composición como en pertenecer a una faceta menos conocida de una artista actualmente recuperada por la historiografía y las instituciones museísticas catalanas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutora:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Anita Solà d’Imbert —Anna Solà Galí— (Barcelona, 1906–1995).\u003c\/span\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eForma abstracta en verde y negro\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e —título descriptivo—.\u003c\/span\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Hacia 1965. Datación estilística.\u003c\/span\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica y soporte:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Técnica mixta de base acrílica sobre papel de alto gramaje.\u003c\/span\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 23,5 × 16 cm.\u003c\/span\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada «Anita Solà d’Imbert» en el ángulo inferior derecho.\u003c\/span\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eProcedencia:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Colección privada.\u003c\/span\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eConservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general. El soporte permanece estable y la capa pictórica conserva sus relieves y adherencia, con leves señales de antigüedad propias del papel.\u003c\/span\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pieza resulta especialmente representativa de la etapa informalista de Anita Solà d’Imbert. Frente a las composiciones geométricas que desarrollaría posteriormente, aquí predominan la mancha, el relieve y la expansión orgánica del pigmento. El pequeño formato concentra una notable energía visual y permite apreciar de cerca las mezclas, vetas y acumulaciones que construyen la superficie.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53457112400205,"sku":null,"price":180.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0073_6dd87319-4f40-4fb1-bd76-c8cc8888dd80.jpg?v=1791634263"},{"product_id":"xavier-ubach-paisaje-atmosferico-con-arbol-sintesis-tonal-acuarela-original-sobre-papel","title":"Xavier Ubach — Paisaje atmosférico con árbol — Acuarela sobre papel","description":"\u003cp\u003eAcuarela de Xavier Ubach con un árbol oscuro a la izquierda, una cerca baja y un paisaje de franjas horizontales en tonos pardos, ocres y negros.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEl árbol y la profundidad\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa copa del árbol concentra los trazos más densos. Detrás, la cerca y las bandas de terreno conducen la mirada hacia la derecha. Las colinas del fondo se distinguen mediante aguadas suaves, separadas por zonas claras del papel.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eAguadas y trazos secos\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa textura fragmentada del primer plano y del follaje contrasta con las transiciones más diluidas del cielo. Las pequeñas reservas blancas interrumpen las franjas de color y aportan luz al paisaje.\u003c\/p\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"11\" class=\"\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,0,0\" data-index-in-node=\"0\" class=\"\"\u003eAutor:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Xavier Ubach.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,1,0\" data-index-in-node=\"0\" class=\"\"\u003eTítulo \/ Tema:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Paisaje Atmosférico (Estratos de la memoria).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,2,0\" data-index-in-node=\"0\" class=\"\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Arte Contemporáneo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,3,0\" data-index-in-node=\"0\" class=\"\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Acuarela original (con técnica de pincel seco y aguadas) sobre papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,4,0\" data-index-in-node=\"0\" class=\"\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 16 x 23 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,5,0\" data-index-in-node=\"0\" class=\"\"\u003eFirma:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Firmado de puño y letra \u003c\/span\u003e\u003ci data-path-to-node=\"12,5,0\" data-index-in-node=\"31\" class=\"\"\u003e\"XAVIER UBACH\"\u003c\/i\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e en el ángulo inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,6,0\" data-index-in-node=\"0\" class=\"\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Archivo de colección privada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,7,0\" data-index-in-node=\"0\" class=\"\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e Excelente.\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e El papel no presenta manchas y los pigmentos conservan todo su contraste,\u003c\/span\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e desde los negros más profundos hasta las sutiles veladuras ocres del cielo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,8,0\" data-index-in-node=\"0\" class=\"\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la obra en persona.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"13\" class=\"\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl árbol oscuro situado a la izquierda concentra los trazos más densos de la composición. La hierba y la tierra del primer plano presentan marcas fragmentadas que contrastan con las franjas horizontales y más suaves de las colinas. El cielo claro, de tonos pardos y ocres, deja respirar el paisaje. Las pequeñas reservas blancas del papel interrumpen la superficie y acentúan el contraste entre las zonas secas y las aguadas.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53457161814349,"sku":null,"price":90.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0019_04.jpg?v=1772464282"},{"product_id":"henry-dresser-marsh-titmouse-carbonero-palustre-ilustracion-cientifica-del-s-xix-litografia-original","title":"Henry Dresser — Marsh Titmouse (carbonero palustre) — Litografía del siglo XIX","description":"\u003cp\u003eLámina ornitológica de «A History of the Birds of Europe», de Henry Eeles Dresser (1838–1915). La composición reúne tres aves entre ramas y hojas, con plumajes de tonos grises y pardos y capirotes oscuros.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa ilustración ornitológica\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa publicación de Dresser apareció en Londres entre 1871 y 1881, con un suplemento de 1895–1896, y contó con ilustradores como J. G. Keulemans. En la lámina, las aves se presentan en distintas posiciones para mostrar sus perfiles, alas y colas. Los textos del margen inferior identifican dos ejemplares como «Marsh Titmouse» (Parus palustris) y el tercero como «Northern Marsh Titmouse» (Parus borealis), según la nomenclatura impresa.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDibujo y presentación\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos trazos finos describen el plumaje, las patas y las nervaduras de las hojas. El fondo claro mantiene separados los contornos de las aves y deja espacio para los textos científicos. El paspartú azul y el marco con detalles dorados rodean la composición.\u003c\/p\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"11\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor de la publicación:\u003c\/b\u003e Henry Eeles Dresser (1838-1915).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eObra de Origen:\u003c\/b\u003e \u003ci data-path-to-node=\"12,1,0\" data-index-in-node=\"16\"\u003eA History of the Birds of Europe\u003c\/i\u003e (Londres).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo de la Lámina:\u003c\/b\u003e 1. 2. Marsh Titmouse (Parus palustris). 3. Northern Marsh Titmouse (Parus borealis).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Entre 1871 y 1896 (Siglo XIX).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Litografía original sobre papel de época.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 24 x 31 cm (Obra visual). Marco incluido.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eInscripciones:\u003c\/b\u003e Textos tipográficos de catalogación científica en el margen inferior. Monograma del litógrafo en la plancha (centro inferior derecho).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Archivo de colección privada.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. Papel estable con una leve pátina de antigüedad homogénea.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,9,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,9,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003ePresentación:\u003c\/b\u003e Enmarcado profesional y definitivo. Marco de madera acabado en azul y oro, y paspartú azul texturizado.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,10,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,10,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la estampa en persona.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"13\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLos tres pájaros se distribuyen entre ramas y hojas, con sus cabezas oscuras y pechos claros como puntos de contraste. Las distintas orientaciones de las aves permiten observar sus perfiles y plumajes dentro de una misma composición. El fondo claro deja espacio alrededor de cada figura, y el paspartú azul separa la lámina del marco con detalles dorados.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53461230584141,"sku":null,"price":75.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0219_a8a23576-f4e0-4a8d-8a84-8896a1425535.jpg?v=1791853203"},{"product_id":"henry-dresser-azure-titmouse-herrerizo-cianeo-ilustracion-cientifica-del-s-xix-litografia-original","title":"Henry Dresser — Azure Titmouse (herrerillo ciáneo) — Litografía del siglo XIX","description":"\u003cp\u003eLámina ornitológica de «A History of the Birds of Europe», de Henry Eeles Dresser (1838–1915), con dos herrerillos ciáneos posados sobre ramas. Los tonos azules de alas y colas contrastan con el blanco y el gris del resto del plumaje.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa ilustración y sus inscripciones\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa publicación de Dresser apareció en Londres entre 1871 y 1881, con un suplemento de 1895–1896, y contó con ilustradores como J. G. Keulemans. La lámina conserva la leyenda «Azure Titmouse \/ Parus cyaneus» y el número 86, además del monograma integrado junto a la rama.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eColor y composición\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas dos aves se orientan hacia la derecha, a distintas alturas. Los trazos finos describen las plumas y los detalles de las ramas, mientras las zonas azules destacan sobre el fondo claro. El follaje verde acompaña especialmente al ave inferior. La presentación incorpora un paspartú azul y un marco dorado.\u003c\/p\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"11\"\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul data-path-to-node=\"12\"\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAutor de la publicación:\u003c\/b\u003e Henry Eeles Dresser (1838-1915) \/ Ilustrador litográfico: J.G. Keulemans (atribuido por monograma en plancha).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eObra de Origen:\u003c\/b\u003e \u003ci data-path-to-node=\"12,1,0\" data-index-in-node=\"16\"\u003eA History of the Birds of Europe\u003c\/i\u003e (Londres).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTítulo de la Lámina:\u003c\/b\u003e Azure Titmouse (Parus cyaneus). Plancha 86.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoca:\u003c\/b\u003e Entre 1871 y 1896 (Siglo XIX).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTécnica y Soporte:\u003c\/b\u003e Litografía original sobre papel de época de alta calidad.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensiones:\u003c\/b\u003e 24 x 31 cm (Obra visual). Marco incluido.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eInscripciones:\u003c\/b\u003e Textos tipográficos de catalogación científica en el margen inferior: \u003ci data-path-to-node=\"12,6,0\" data-index-in-node=\"85\"\u003e\"AZURE TITMOUSE. \/ PARUS CYANEUS. \/ 86\"\u003c\/i\u003e. Monograma del artista integrado en el dibujo de la rama.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProcedencia:\u003c\/b\u003e Archivo de colección privada.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEstado de Conservación:\u003c\/b\u003e Muy bueno. Papel estable con una leve pátina de antigüedad homogénea. Pigmentos firmes.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,9,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,9,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003ePresentación:\u003c\/b\u003e Enmarcado profesional de alta calidad. Marco de madera clásico dorado y paspartú azul texturizado.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp data-path-to-node=\"12,10,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12,10,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eGarantía de Inspección:\u003c\/b\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar la estampa en persona.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2 data-path-to-node=\"13\"\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas dos aves se posan en ramas y orientan sus perfiles hacia la derecha. Las alas azules y las largas colas contrastan con las cabezas y los pechos claros. Las hojas verdes acompañan la figura inferior, mientras el fondo abierto permite distinguir con claridad los contornos y el dibujo del plumaje. El paspartú azul enlaza con los tonos de las aves y separa la ilustración del marco dorado.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53461241004365,"sku":null,"price":75.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0201_0c833ca7-a0b1-4dd7-bbeb-aff8bdf686f6.jpg?v=1791852919"},{"product_id":"hernan-ardila-composicion-abstracta-2003-grabado-contemporaneo-aguafuerte-y-punta-seca","title":"Hernán Ardila — Composición abstracta (2003) — Aguafuerte y punta seca","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUna retícula ordena formas orgánicas negras sobre un campo claro. En este grabado de Hernán Ardila, fechado en 2003, un único acento rojizo rompe la continuidad del conjunto.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa retícula y las formas\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas líneas dividen la composición en compartimentos rectangulares de tamaños desiguales. Cada espacio contiene una o varias formas de contorno irregular: algunas son compactas y otras dejan una abertura central. La repetición establece un orden que cambia de una celda a otra.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eTinta y papel\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa combinación de aguafuerte y punta seca reúne superficies oscuras, texturas y líneas. El acento rojizo de la zona superior derecha destaca entre las formas negras. Los amplios márgenes separan el campo impreso del marco de madera clara y dejan visible el papel que lo rodea.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFicha técnica\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAutor:\u003c\/strong\u003e Hernán Ardila.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTítulo \/ tema:\u003c\/strong\u003e Composición abstracta. Retícula orgánica.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAño:\u003c\/strong\u003e 2003.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTécnica:\u003c\/strong\u003e Aguafuerte y punta seca.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSoporte:\u003c\/strong\u003e Papel artesanal Molí Cubé de 250 g con barbas naturales.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensiones:\u003c\/strong\u003e 55 × 45 cm (soporte) | 25 × 25 cm (huella de la plancha). Marco incluido.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEdición e inscripciones:\u003c\/strong\u003e Ejemplar numerado «1\/84» en el ángulo inferior izquierdo. Firmado y fechado a lápiz en el ángulo inferior derecho.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProcedencia:\u003c\/strong\u003e Archivo de colección privada.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEstado de conservación:\u003c\/strong\u003e Muy bueno. Papel limpio, libre de oxidación, con buena densidad de las tintas.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003ePresentación:\u003c\/strong\u003e Enmarcado en madera clara contemporánea.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGarantía de inspección:\u003c\/strong\u003e 30 días de devolución garantizada para inspeccionar el grabado en persona.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLas líneas rectas dividen el campo impreso en compartimentos rectangulares de tamaños desiguales. En su interior, las formas orgánicas oscuras alternan superficies compactas y contornos abiertos, con un acento rojizo en la parte superior derecha. La irregularidad de sus perfiles contrasta con la retícula, mientras los espacios libres entre las formas establecen un ritmo pausado. Los amplios márgenes del papel separan la composición del marco sencillo de madera.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462417604941,"sku":"ETC-53462417604941","price":135.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0105_5f474fac-23eb-4f93-80e2-a9f90d862264.jpg?v=1791850613"},{"product_id":"carme-navarra-pruna-la-dulzura-de-la-mirada-retrato-de-joven-con-flores-retrato-contemporaneo-tecnica-mixta","title":"Carme Navarra Pruna — La dulzura de la mirada, retrato femenino, técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUna joven de cabello rojizo dirige su mirada hacia el espectador. La delicadeza de sus facciones, los tonos rosados de los rizos y el pequeño adorno floral que acompaña su vestido construyen una imagen de serena intimidad.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEste retrato de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCarme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e reúne algunos de los rasgos más característicos de la pintora e ilustradora catalana: la sensibilidad hacia la figura humana, la economía del dibujo y una utilización del color que privilegia la expresión por encima del detalle académico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición presenta el rostro ligeramente inclinado, con los ojos, la nariz y la boca definidos mediante trazos pardos de gran sencillez. El cabello adquiere volumen a través de una combinación de tonos rosados y terrosos, mientras los hombros y el escote se resuelven con líneas azuladas y pequeñas intervenciones verdes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn la parte inferior, un motivo floral introduce un detalle ornamental que refuerza el carácter delicado de la obra.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eUna vida dedicada al dibujo y la pintura\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCarme Navarra Pruna nació en 1933 en Can Pruna, una casa modernista de Sant Just Desvern, localidad a la que permaneció estrechamente vinculada durante toda su vida.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu vocación artística apareció muy pronto. Con apenas once años recibió un premio nacional de ilustración de cuentos y, durante su adolescencia, comenzó a trabajar en el ámbito editorial.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDurante varias décadas colaboró con la editorial Luis Talleda, realizando ilustraciones, tarjetas de Navidad y estampas de temática religiosa. Aquella experiencia le permitió desarrollar una notable soltura en el dibujo y una especial sensibilidad hacia las composiciones de pequeño formato.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eA comienzos de los años setenta inició una nueva etapa dedicada a la pintura al óleo. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1975, en la Galeria 4 Cantons de Olot. Posteriormente expuso en Barcelona, Madrid y otras ciudades, desarrollando un lenguaje figurativo personal.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl retrato, especialmente el femenino, ocupó un lugar destacado en su producción. Mujeres, niñas y personajes de la vida cotidiana se convirtieron en protagonistas de escenas marcadas por la intimidad, la delicadeza y una mirada profundamente humana.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn febrero de 2022, el Ayuntamiento de Sant Just Desvern le dedicó la exposición retrospectiva \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMirades\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, celebrada en el Celler de Can Ginestar, como reconocimiento a su extensa trayectoria artística.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eLa expresión a través de la sencillez\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eLa dulzura de la mirada\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, la artista prescinde de elementos narrativos secundarios para concentrar toda la atención en la expresión del rostro.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl dibujo se desarrolla sobre una superficie de textura granulada, con pequeñas marcas de pigmento que permiten apreciar la estructura de la composición. Los toques de color parecen surgir gradualmente del papel, sin necesidad de contornos rígidos ni transiciones cuidadosamente modeladas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa mirada de la joven constituye el centro emocional de la obra. Su expresión, tranquila y ligeramente melancólica, establece una relación directa con quien la contempla.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición muestra la faceta más íntima de Navarra Pruna, vinculada a su larga experiencia como dibujante y a su interés por la representación de la figura humana.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutora:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Carme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eLa dulzura de la mirada\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e (título descriptivo).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Técnica mixta sobre papel, con trazos y aplicaciones de pigmento de apariencia cerosa o pastel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones de la obra:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 32 × 23 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones con marco:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 52 × 43 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Segunda mitad del siglo XX o comienzos del XXI, sin fecha documentada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «C. Navarra Pruna», en el ángulo inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTemática:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Retrato femenino, figura juvenil e ilustración figurativa.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general. Se aprecian pequeñas señales de envejecimiento del papel y del montaje, con conservación de los tonos y de la legibilidad del retrato.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEnmarcación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Incluye marco de madera con paspartú de doble filete decorativo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl rostro ligeramente inclinado concentra las líneas pardas de los ojos, la nariz y la boca. Los rizos combinan tonos rosados y terrosos que contrastan con los trazos azulados de los hombros. En la parte inferior, el escote ondulado conduce hacia una flor delineada en pardo y verde. La textura granulada deja visible el fondo claro entre las pequeñas aplicaciones de color.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462726476109,"sku":null,"price":165.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0065_d80ddad9-9e4b-4cfe-a7f8-44174f0198c4.jpg?v=1791849922"},{"product_id":"carme-navarra-pruna-la-dama-del-sombrero-retrato-contemporaneo-tecnica-mixta","title":"Carme Navarra Pruna — La dama del sombrero, retrato femenino, técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUna joven de perfil aparece bajo un amplio sombrero adornado con pequeñas flores. Su rostro, dibujado con apenas unas líneas, conserva una expresión serena y pensativa, mientras el delicado tratamiento del color envuelve la composición en una atmósfera de elegancia y nostalgia.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta obra de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCarme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e constituye una expresión de su particular sensibilidad hacia el retrato femenino, uno de los géneros más recurrentes de su trayectoria artística.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa figura aparece orientada hacia la derecha, con el cabello recogido bajo un sombrero de ala ancha. Los tonos pardos definen el perfil, mientras los pequeños detalles rosados y verdes del tocado introducen un componente ornamental.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl vestido, resuelto mediante aplicaciones azuladas y delicados acentos rosas, completa una composición que destaca por la ligereza del trazo y la armonía cromática.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eCarme Navarra Pruna: del mundo de la ilustración al retrato\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNacida en Sant Just Desvern en 1933, Carme Navarra Pruna desarrolló desde muy joven una profunda vocación por el dibujo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eA los once años recibió un primer reconocimiento por sus ilustraciones infantiles y, durante su adolescencia, inició una colaboración profesional con la editorial Luis Talleda, para la que realizó tarjetas de Navidad, estampas religiosas e ilustraciones.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAquellos primeros trabajos marcaron profundamente su lenguaje artístico. La precisión del dibujo, el interés por las figuras delicadas y la capacidad para construir imágenes narrativas mediante recursos sencillos permanecieron presentes en buena parte de su producción posterior.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDurante la década de 1970 amplió su actividad a la pintura al óleo, iniciando una trayectoria expositiva que la llevó a presentar su trabajo en distintas galerías españolas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEntre sus primeras exposiciones individuales figuran la celebrada en la Galeria 4 Cantons de Olot en 1975, la de la Sala Ramon Casas de Barcelona en 1977 y la de la Sala Nonell de Madrid en 1978.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu producción se caracterizó por una especial atención a la figura humana, los personajes femeninos y los escenarios íntimos. Mujeres, niñas, interiores y jardines aparecen representados mediante un lenguaje en el que conviven la tradición figurativa y la sensibilidad propia de la ilustración.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu extensa trayectoria recibió un reconocimiento institucional en 2022 con la exposición retrospectiva \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMirades\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, organizada por el Ayuntamiento de Sant Just Desvern.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eLa elegancia de un retrato atemporal\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eLa dama del sombrero\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e presenta una composición que evoca la tradición del retrato femenino elegante, especialmente las representaciones de mujeres con sombreros ornamentados que adquirieron protagonismo durante los siglos XIX y XX.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl amplio tocado floral establece un vínculo visual con la moda histórica y la ilustración de época, aunque la artista resuelve el motivo mediante un lenguaje gráfico más libre y sintético.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa expresión del rostro se concentra en la línea que define la nariz, los labios y el mentón. La mirada, dirigida hacia un espacio exterior a la composición, aporta una sensación de recogimiento.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa textura granulada de las aplicaciones de color permite que el fondo claro participe activamente en la imagen. Los tonos pardos y azules se equilibran mediante pequeños detalles rosados y verdes, especialmente visibles en las flores del sombrero.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEsta economía de medios, unida a la delicadeza ornamental del conjunto, constituye uno de los principales atractivos de la obra.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutora:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Carme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eLa dama del sombrero\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e (título descriptivo).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Técnica mixta sobre papel, con aplicaciones de pigmento de apariencia cerosa o pastel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones de la obra:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 32 × 23 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones con marco:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 52 × 43 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Segunda mitad del siglo XX o comienzos del XXI, sin fecha documentada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «C. Navarra Pruna», en el ángulo inferior izquierdo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTemática:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Retrato femenino de perfil, sombrero floral e ilustración figurativa.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general, con pequeñas señales de envejecimiento del soporte y del montaje. La composición mantiene una buena legibilidad de sus trazos y colores.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEnmarcación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Incluye marco de madera con paspartú de doble filete decorativo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEl perfil se orienta hacia la derecha bajo la curva del ala del sombrero. Los contornos pardos definen el rostro y el cabello; pequeños toques rosas y verdes señalan las flores del tocado. Las marcas azuladas se concentran en el vestido, junto a un detalle rosado cerca del cuello. El fondo claro y la textura granulada separan las distintas zonas de color.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462828253517,"sku":null,"price":165.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0050_b47187b2-743d-4f59-b919-715b14036eba.jpg?v=1791849428"},{"product_id":"esteban-escartin-pueblo-de-alta-montana-arquitectura-de-luz-y-piedra-pintura-de-paisaje-oleo-a-espatula","title":"Esteban Escartín Lacoma — Pueblo de montaña, pintura a espátula sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLas casas se agrupan alrededor de una iglesia que domina el paisaje. Sus tejados oscuros, las fachadas de tonos rosados y las montañas que se elevan al fondo construyen una escena de aparente sencillez, transformada por \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEsteban Escartín Lacoma (1938)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e en una composición de intensa riqueza cromática y material.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl pintor aragonés, vinculado especialmente a la representación de pueblos y paisajes del Alto Aragón, desarrolla aquí una interpretación personal de la arquitectura rural. La espátula sustituye buena parte del dibujo lineal por pequeñas superficies de pigmento que construyen directamente los tejados, los muros y las fachadas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLos tonos malvas, rosas, ocres y verdes contrastan con la oscuridad de las cubiertas, mientras el fondo azul verdoso sugiere la presencia de un entorno montañoso. La torre del campanario constituye el eje vertical de una composición organizada mediante formas geométricas superpuestas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eEsteban Escartín y la memoria de los pueblos aragoneses\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa representación de los pueblos y de la arquitectura tradicional ocupa un lugar destacado en la trayectoria de Esteban Escartín Lacoma, artista aragonés nacido en 1938.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu obra está vinculada a la transformación del paisaje rural en una construcción pictórica donde la geometría, el color y la disposición de los volúmenes adquieren un protagonismo especial.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn 2015, su trabajo formó parte de la exposición \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMiradas. Huesca y su paisaje en el arte\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, organizada por Fundación Ibercaja, junto a otros artistas relacionados con la provincia oscense.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUn año después, Fundación Caja Inmaculada presentó en su Sala CAI Huesca la retrospectiva \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eTiempo de recuerdos\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, que reunió 31 pinturas dedicadas principalmente a los pueblos aragoneses y, especialmente, a los del Alto Aragón.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAquella exposición permitió apreciar distintas etapas de su producción, desde un lenguaje más figurativo hasta composiciones próximas a planteamientos constructivos, en las que la arquitectura y la geometría desempeñaban un papel esencial.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pintura de Escartín revela asimismo intereses artísticos diversos. Su trayectoria ha sido relacionada con la tradición figurativa europea, la experimentación compositiva y determinadas influencias de la Bauhaus, especialmente en la organización de los volúmenes y el tratamiento del color.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eLa arquitectura convertida en pintura\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn esta composición, Escartín reúne varias de las características más reconocibles de su lenguaje paisajístico.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLas viviendas se organizan en distintos planos, creando una sucesión de tejados y fachadas que conduce la mirada hacia el campanario. La perspectiva tradicional queda parcialmente subordinada a una estructura de formas compactas, casi como si las casas fueran piezas ensambladas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl empleo de la espátula introduce una dimensión material especialmente atractiva. Las aplicaciones de pigmento presentan bordes fragmentados, pequeñas acumulaciones y variaciones de espesor que evocan las superficies irregulares de la piedra y de las construcciones antiguas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn contraste con estos elementos, las zonas sin pintar del papel proporcionan luminosidad y permiten que la composición respire dentro de un formato amplio.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEl paisaje no está concebido como una reproducción topográfica precisa. Se trata, más bien, de una interpretación de la arquitectura tradicional de montaña, en la que la memoria del lugar se expresa mediante el color y la materia.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutor:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Esteban Escartín Lacoma (1938).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003ePueblo de montaña\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e (título descriptivo).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Pintura a espátula sobre papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSoporte:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Papel grueso de textura marcada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 60 × 50 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCronología:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Segunda mitad del siglo XX o comienzos del XXI, sin fecha documentada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Firmada «Escartín» en el ángulo inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTemática:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Paisaje rural, arquitectura tradicional y pueblo de montaña.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general de la composición pictórica, con empastes y pigmentos de buena presencia. El papel presenta una variación de tonalidad visible en el margen derecho, además de leves señales de envejecimiento.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEnmarcación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Incluye marco dorado.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Nota del Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa torre del campanario establece el eje vertical del conjunto. Los tejados oscuros se superponen a fachadas rosas y malvas, con acentos verdes en ventanas y vegetación. Al fondo, los planos azulados y verdosos sugieren las montañas. Los bordes fragmentados de las aplicaciones de pintura contrastan con las amplias zonas claras del papel que rodean el pueblo.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462980788557,"sku":null,"price":180.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0031_095d9950-1594-4284-9202-86758c32c0ff.jpg?v=1791848672"},{"product_id":"julio-linares-el-primer-dia-1973-arte-visionario-y-psicodelia-tecnica-mixta","title":"Julio Liñares — El primer día (1973), técnica mixta sobre papel","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUn universo de formas orgánicas, corrientes de color y diminutas figuras humanas se despliega en \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eEl primer día\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, una composición de Julio Liñares, fechada en 1973.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra propone un paisaje imaginario en el que lo microscópico y lo monumental parecen convivir dentro de una misma realidad. Entre estructuras celulares, recorridos sinuosos y agrupaciones de formas biomórficas, pequeñas siluetas humanas aparecen integradas en una compleja arquitectura visual.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSu título, \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eEl primer día\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, consignado en una inscripción posterior, invita a interpretar la escena como una evocación del origen de la vida, del nacimiento de un mundo o de un proceso de creación todavía en desarrollo.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eUn universo entre la abstracción y la imaginación\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición se articula mediante un extraordinario entramado de líneas, puntos, curvas y formas orgánicas. Los colores parecen desplazarse por conductos imaginarios, mientras los distintos compartimentos se conectan formando una estructura de gran complejidad.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa paleta combina naranjas, amarillos, verdes, rosas y azules, con transiciones suaves que permiten mantener visible la textura del papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUno de sus elementos más interesantes es la integración de pequeñas figuras humanas dentro de las estructuras abstractas. Su presencia introduce una dimensión narrativa: el espectador descubre un mundo habitado, en el que la escala humana queda reducida frente a la inmensidad de las formas que la rodean.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa observación detenida permite descubrir nuevas relaciones entre los distintos elementos. Determinadas estructuras recuerdan organismos celulares, otras evocan corrientes acuáticas, vegetaciones imaginarias o arquitecturas fantásticas.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eEl contexto artístico de 1973\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eFechada en 1973, la obra se sitúa en un periodo de especial experimentación formal dentro del arte del siglo XX.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDurante las décadas de 1960 y 1970, numerosos artistas exploraron nuevas formas de representación alejadas de la figuración tradicional. El desarrollo de la abstracción orgánica, la estética psicodélica y determinadas vertientes del arte fantástico abrió el camino a composiciones caracterizadas por la libertad imaginativa, la intensidad cromática y la creación de universos visuales autónomos.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eEl primer día\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e presenta afinidades formales con estas tendencias. Sin embargo, su lenguaje no responde a una abstracción puramente espontánea: la minuciosidad de las estructuras, la repetición de pequeños motivos y la organización de los recorridos cromáticos revelan una ejecución cuidadosamente elaborada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa obra establece así un diálogo entre abstracción y figuración, entre lo reconocible y lo imaginario.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eFirma e inscripciones\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composición presenta una firma fechada en 1973 en el ángulo inferior derecho, así como una inscripción posterior con el título \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eEl primer día\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, la misma fecha y una firma más desarrollada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFicha técnica\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAutoría:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Julio Liñares.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTítulo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eEl primer día\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e (según inscripción posterior).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFecha:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 1973, según inscripciones.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTécnica:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Técnica mixta, con tintas y pigmentos de color sobre papel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensiones:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 63 × 50 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstilo:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Abstracción biomórfica con elementos figurativos y afinidades con el arte visionario y la estética psicodélica.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFirma:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «Liñares 73» en el ángulo inferior derecho.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscripciones posteriores:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Título \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eEl primer día\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, fecha 1973 y firma manuscrita.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEstado de conservación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Buen estado general, con tonalidad cálida del papel, ligeras señales de envejecimiento y conservación de la riqueza cromática de la composición.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEnmarcación:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Presentada con marco de madera oscura.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Nota del Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNos encontramos ante una composición particularmente interesante por la extraordinaria densidad de sus detalles y la originalidad de su imaginario.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDestacamos especialmente la convivencia entre las grandes estructuras orgánicas y las pequeñas figuras humanas que aparecen distribuidas por la superficie. Esta relación de escalas transforma la obra en un paisaje imaginario que invita a una contemplación prolongada.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa variedad cromática y la minuciosidad de los trazos contribuyen a su singularidad, mientras que el título \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eEl primer día\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e aporta una dimensión narrativa abierta a diferentes interpretaciones.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53467896643917,"sku":null,"price":350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/Arteabstractoorganicoenmarcado.png?v=1791848083"}],"url":"https:\/\/eltallerdelcoleccionista.com\/collections\/historias-sobre-papel.oembed?page=19","provider":"El taller del coleccionista","version":"1.0","type":"link"}