{"title":"Werke auf Papier","description":"\u003cp\u003eDiese Sammlung vereint Arbeiten auf Bildträgern, die besonders unmittelbare Spuren des schöpferischen Prozesses bewahren. Zeichnungen, Aquarelle, Tuschearbeiten, Gouachen, Pastelle, Druckgrafiken und Mischtechniken verbinden Figur, Landschaft und Abstraktion. Jede Werkbeschreibung nennt Technik, Bildträger, Maße, Signatur, Datum, Provenienz und Erhaltungszustand, soweit diese Angaben überprüft werden können.\u003c\/p\u003e\u003cp data-taller-artists=\"collection\"\u003e\u003cstrong\u003eKünstler mit Werken in dieser Sammlung:\u003c\/strong\u003e \u003ca href=\"\/de\/pages\/antonio-santos\"\u003eAntonio Santos\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/de\/pages\/josep-m-draper\"\u003eJosep M.ª Draper\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/de\/pages\/j-carbonell\"\u003eJ. Carbonell\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/de\/pages\/jordi-pagans-montsalvatge\"\u003eJordi Pagans Montsalvatge\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/de\/pages\/ricard-opisso-i-sala\"\u003eRicard Opisso i Sala\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/de\/pages\/david-mercade-recasens\"\u003eDavid Mercadé Recasens\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/de\/pages\/francesc-todo\"\u003eFrancesc Todó\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/de\/pages\/joan-soler-jove\"\u003eJoan Soler-Jové\u003c\/a\u003e.\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"patrick-loste-composicion-abstracta-jinete-telurico","title":"Patrick Loste — Reiter zwischen Bergen — Mischtechnik auf Karton","description":"\u003cp\u003ePferd, Reiter und Berge sind untrennbar mit der Bildwelt von Patrick Loste (Perpignan, 1955) verbunden. In dieser Komposition vereint der französische Künstler drei seiner charakteristischen Motive in einer betont materiellen Malerei. Die Figuren treten aus einer Landschaft in Ocker, Schwarz und Blau hervor.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDer Pferdekopf ist nach links gewandt, während der dahinter sitzende Reiter in eine breite dunkle Masse übergeht. Beide entstehen aus Pigmentflächen, Ritzungen und hellen Strichen, die die Farboberfläche unterbrechen. Dahinter erstreckt sich eine Berglandschaft in Gold- und Erdtönen. Ein schmaler blauer Streifen am oberen Rand deutet den Himmel an.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDas Werk verbindet Figuration und Abstraktion. Pferd und Reiter bleiben erkennbar, ihre Konturen verschmelzen jedoch mit den Strukturen des Geländes. Die Berge nehmen an derselben malerischen Energie teil wie die Figuren und bilden mehr als einen bloßen Hintergrund.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEin Leben zwischen Pferden und Bergen\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLostes Beziehung zu Pferden eröffnet einen Zugang zu seiner Malerei. Seit seiner Kindheit von ihnen fasziniert, zeichnete er sie schon früh. Mit sechzehn verkaufte er eine Reihe von Pferdezeichnungen bei einer Ausstellung in Céret – eine Erfahrung, die seine spätere künstlerische Laufbahn vorwegnahm.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eWährend seines späteren Aufenthalts in Barcelona erlernte er den Beruf des Hufschmieds. Dieser hielt ihn in unmittelbarem Kontakt mit Pferden, bevor er sich als Maler etablierte.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eHeute lebt und arbeitet er in den Albères in Südfrankreich, umgeben von Natur und Pferden in halb freier Haltung. Diese Umgebung ist eine beständige Inspirationsquelle seiner Arbeit.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSeine Malerei untersucht die Beziehung zwischen Mensch, Tier und Landschaft. Pigmentschichten, energische Striche und ausgeprägte Oberflächenstrukturen lassen die Figuren gleichsam aus der Erde hervortreten.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eAusstellungen und wiederkehrende Motive\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLostes umfangreiche Ausstellungstätigkeit reicht in die 1980er Jahre zurück. Seine Arbeiten wurden unter anderem im Musée d'Art Moderne de Céret, im Musée Hyacinthe Rigaud in Perpignan und im Musée des Beaux-Arts in Carcassonne sowie auf internationalen Ausstellungen und Messen gezeigt.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSeine Bildsprache verbindet gegenständliche Darstellung mit Experimenten an Material und Oberfläche. Pferde und Reiter gehören zu den wiederkehrenden Motiven seines Werkes.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eIn dieser Komposition verschmelzen Mensch und Tier mit der Berglandschaft. Material, Bewegung und die bildnerische Erinnerung an den Ort bestimmen die Malerei.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Patrick Loste (Perpignan, Frankreich, 1955).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Reiter zwischen Bergen (beschreibender Titel).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik auf Karton.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 52 × 35 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e Zeitgenössisches Werk, undatiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Im oberen linken Bereich mit „Loste“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMotiv:\u003c\/strong\u003e Reiter zu Pferd, Berglandschaft, zeitgenössische Figuration.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Insgesamt guter Zustand. Ausgeprägte Oberflächenstruktur und unregelmäßige Ränder entsprechend den Eigenschaften des Bildträgers und der Ausführung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRahmung:\u003c\/strong\u003e Ungerahmt.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Ockertöne der Berge kontrastieren mit der dunklen Masse von Pferd und Reiter. Ritzungen und helle Striche durchziehen beide Bereiche, sodass Figuren und Landschaft eine gemeinsame Textur erhalten. Der blaue Streifen am oberen Rand setzt eine Pause zwischen Gelände und Himmel.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52377829245261,"sku":null,"price":725.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0096_1e9ad4ad-661e-4393-b437-07ba3d973dc3.jpg?v=1791805300"},{"product_id":"ricardo-opisso-enterrament-poeta-iglesias-1928","title":"Ricard Opisso zugeschrieben — Begräbnis des Dichters Ignasi Iglésies (1928) — Historische Zeichnung","description":"\u003cp\u003eEin bildlicher Bericht und eine Würdigung Barcelonas im Jahr 1928: Gesellschaftsbeobachtung wird zur persönlichen Elegie und erinnert an die Welt des katalanischen Modernisme.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDie Geschichte hinter der Zeichnung\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Szene gehört zum kulturellen Leben Kataloniens im frühen 20. Jahrhundert. Ricard Opisso (1880–1966) war ein zeichnerischer Chronist der Generation von Els Quatre Gats; Ignasi Iglésies zählte zu ihren bedeutenden sozial engagierten Dramatikern und Dichtern. Die Ricard Opisso zugeschriebene Komposition gestaltet die gemeinsame Trauer als persönlichen Abschied.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDie handschriftliche Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEine handschriftliche Notiz auf der Rückseite verbindet die Szene mit Iglésies' Begräbnis im Jahr 1928 und enthält folgende Hinweise.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Worte „Ho va dibuixar plorant“ („Er zeichnete es weinend“) schreiben dem Zeichner eine emotionale Reaktion zu. Der Satz gehört zum handschriftlichen Text auf der Rückseite.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Menschenmenge zeigt die trauernde Gesellschaft Barcelonas. In ihrer Mitte steht statt eines Sarges das gerahmte Gesicht des Dichters als Mittelpunkt des Gedenkens.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Notiz enthält außerdem: „L'unic retrat que existeix de l'enterrament“ („Das einzige Bildnis, das vom Begräbnis existiert“). Der Satz wird als Teil der rückseitigen Inschrift wiedergegeben.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Ricard Opisso i Sala (1880–1966) zugeschrieben.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Begräbnis des Dichters Ignasi Iglésies.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1928, Datum des dargestellten Begräbnisses laut rückseitiger Notiz.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Zeitgenössische Tuschezeichnung auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e Werk: 31,5 × 57 cm. Rahmen: 54,5 × 79,5 × 2,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur und Inschriften:\u003c\/strong\u003e Unten rechts die Inschrift „Opisso“. Historische handschriftliche Notiz auf der Rückseite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut. Leichte altersbedingte Stockflecken beeinträchtigen die Integrität der Zeichnung nicht. Auf Wunsch mit Rahmen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Menge ordnet sich um das gerahmte Gesicht des Dichters als visuelles Zentrum der Szene. Die dicht gedrängten Figuren bündeln die Bewegung der Zeichnung und stehen der ruhigen Präsenz des Porträts gegenüber. Die rückseitige Notiz ergänzt den Bezug zum Begräbnis und die in der Beschreibung wiedergegebenen Sätze.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52783994306893,"sku":null,"price":2200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0196_8753b6a4-a3cd-4b81-baf0-0ddd8393f433.jpg?v=1790820020"},{"product_id":"j-fin-jose-vilato-composicion-abstracta-oleo-acrilico-escuela-paris","title":"J. Fin (José Vilató) zugeschrieben — Abstrakte Komposition — Öl und Acryl","description":"\u003cp\u003eGleichgewicht und Material in der École de Paris. Ein Werk aus der Epoche, das eine strukturelle, zurückhaltende Abstraktion aus dem Umfeld José Vilatós und die Suche nach künstlerischer Eigenständigkeit gegenüber Picassos Erbe zeigt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eJ. Fins eigene Bildsprache\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eJosé Vilató Ruiz, bekannt als J. Fin (1916–1969), entwickelte eine eigene künstlerische Stimme, während ihn Verwandtschaft und ein gemeinsames Atelier mit seinem Onkel Pablo Picasso verbanden. Diese abstrakte Komposition wird ihm aufgrund technischer und formaler Ähnlichkeiten zugeschrieben. Sie zeigt eine künstlerische Reife, die mit der École de Paris der Nachkriegszeit verbunden ist. Anstelle der Nachahmung sichtbarer Wirklichkeit entsteht ein eigenständiger Bildraum aus kraftvoller Geste und fester kompositorischer Struktur.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eStruktur und Farbpalette\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDas Werk besitzt einen klaren inneren Aufbau. Schwarze Striche ordnen die Bildfläche und lassen kräftiges Blau und gebrochenes Weiß auf einer texturreichen Oberfläche miteinander wirken. Öl- und Acrylfarbe verleihen dem Pinselstrich spürbare Dichte und körperliches Gewicht. Die zurückhaltende Palette entspricht der französischen Nachkriegsästhetik und stellt das visuelle Gleichgewicht in den Vordergrund.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e J. Fin (José Vilató Ruiz, 1916–1969) zugeschrieben.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Ohne Titel (abstrakte Komposition).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZeitraum:\u003c\/strong\u003e Mitte des 20. Jahrhunderts (École de Paris).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Öl und Acryl aus der Entstehungszeit auf Papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e Werk: 28 × 38 cm; mit Rahmen: 49 × 56 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur und Inschriften:\u003c\/strong\u003e Inschrift „J. Fin“ unten rechts.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Sekundärer Kunstmarkt, Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut. Natürliche, dem Alter entsprechende Patina. Gerahmt mit hochwertigem Passepartout und goldfarbener Leiste.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Komposition entsteht mit sparsamen Mitteln aus Farbe, Material und Gleichgewicht. Die malerischen Gesten bilden eine feste Struktur ohne überladene Elemente.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52785939611981,"sku":null,"price":750.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0039-removebg-preview.png?v=1790858846"},{"product_id":"patrick-loste-dos-figuras-tecnica-mixta-original","title":"Patrick Loste — Zwei Figuren (1983) — Mischtechnik auf Papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eZwei liegende Figuren zwischen orangefarbenen Flächen und blauen Strichen.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDer Künstler und das Werk\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003ePatrick Loste (Perpignan, 1955) lebt und arbeitet in den Albères im Département Pyrénées-Orientales. In seinen frühen Jahren in Barcelona verband er die Malerei mit einer Ausbildung zum Hufschmied, einem Beruf, der an sein Interesse an Pferden anknüpfte.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eKomposition\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eZwei liegende Figuren nehmen fast das gesamte Blatt ein. Ihre Profile und Körper sind mit schwarzen und blauen Linien gezeichnet; breite orangefarbene Flächen verbinden ihre Formen vor einem hellen Grund.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFarbe und Linie\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eBlau tritt in Linien und Flecken hervor, die die Körper durchziehen und sich über den unteren Bereich erstrecken. Hinzu kommen violette, grüne und graue Nuancen. Der Wechsel zwischen feinen Konturen und breiteren Strichen verleiht der Komposition Bewegung.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Patrick Loste (geb. 1955)\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Ohne Titel (Paar \/ Zwei Figuren)\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eJahr:\u003c\/strong\u003e 1983\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik auf Papier\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 32 × 44 cm\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Unten rechts signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Die Rückseite weist ockerfarbene Flecken auf, die auf den Fotografien sichtbar sind.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Nähe der beiden Figuren lenkt den Blick auf die Beziehung zwischen ihren Profilen und der Zeichnung der Körper. Orange bildet eine zusammenhängende Fläche, die blaue Striche in verschiedene Richtungen durchziehen. Im unteren Bereich überlagern sich Linien mit violetten und grünen Flecken; oben lässt der helle Grund mehr Raum um die Köpfe. Signatur und Datierung „Loste 83“ befinden sich unten rechts.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52792963432781,"sku":null,"price":295.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0245_01_61df6587-82ac-4c55-938b-23db9d015ad0.jpg?v=1792249118"},{"product_id":"francois-boucher-etude-champetre-grabado-frances-siglo-xix","title":"Nach François Boucher — „Étude Champêtre“ — Kolorierte Radierung — Französische Schule, 19. Jahrhundert","description":"\u003cp\u003eEin französischer Druck aus der pastoralen Bildwelt von François Boucher (1703–1770), einem Hauptvertreter des französischen Rokoko. Hirten, junge Paare, Herden und fantasievolle Architektur bevölkern eine idealisierte Landschaft im Charakter des 18. Jahrhunderts.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eFeine Linien und Schraffuren bauen die Komposition auf. Später ergänzte Akzente in Blau, Grün, Rosa und Weiß heben einzelne Figuren und Landschaftselemente hervor.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDie Rokoko-Pastorale\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eIm 18. Jahrhundert machte Boucher die galante Pastorale zu einem seiner charakteristischen Themen. Seine Landschaften entwerfen eine ideale Welt eleganter Hirten, junger Liebender, Tiere und fantasievoller Bauten statt einer dokumentarischen Darstellung des Landlebens.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Komposition folgt dieser Bildwelt. Im Vordergrund spielen sich kleine menschliche Szenen ab: Ein junger Mann trägt eine junge Frau, ein weiteres Paar lagert in der Vegetation, und mehrere Tiere besetzen die Mitte. Bäume, Gebäude und architektonische Höhenunterschiede erweitern den Raum in die Tiefe.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDruckgrafik nach Boucher\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie weite Verbreitung von Bouchers Werk führte dazu, dass zahlreiche Künstler seine Kompositionen im 18. Jahrhundert und später in Druckgrafik übertrugen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eHier bilden detaillierte parallele, gekreuzte und geschwungene Linien Architektur, Vegetation, Kleidung und Wasserflächen. Kleine Farbakzente unterbrechen den vorwiegend monochromen Druck und heben Teile der Szene hervor.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eAm unteren rechten Rand steht die gedruckte Inschrift „Étude Champêtre à l’Eau-forte de BOUCHER“.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFrançois Boucher\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eFrançois Boucher (Paris, 1703–1770) gehörte zu den zentralen Künstlern des französischen Rokoko. Als Maler, Zeichner und Grafiker schuf er mythologische Szenen, Allegorien, Pastoralen und galante Darstellungen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSeine Bilder wurden durch Druckgrafik weit verbreitet. Neben seinen eigenen Radierungen trugen zahlreiche französische Stecher mit Reproduktionen seiner Gemälde und Zeichnungen zur internationalen Verbreitung seiner Bildsprache bei.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKomposition:\u003c\/strong\u003e Nach François Boucher (Paris, 1703–1770).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGrafiker:\u003c\/strong\u003e Nicht identifiziert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Étude Champêtre \/ Ländliche Studie.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInschrift:\u003c\/strong\u003e „Étude Champêtre à l’Eau-forte de BOUCHER“.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e Wahrscheinlich 19. Jahrhundert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Radierung \/ Tiefdruck mit Farbakzenten auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 35,5 × 57 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSchule:\u003c\/strong\u003e Französische Schule.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eStil:\u003c\/strong\u003e Rokoko \/ historistische Interpretation.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMotiv:\u003c\/strong\u003e Hirtenszene \/ galante Landschaft.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerischer Bezug:\u003c\/strong\u003e François Boucher.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Dem Alter entsprechend. Das Papier zeigt eine Tönung und kleine Zeitspuren. Die Darstellung bleibt insgesamt gut lesbar, die Farbakzente sind sichtbar.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eFigurengruppen besetzen den unteren Teil der Komposition. Links trägt ein junger Mann eine junge Frau; zur Mitte hin bringen Tiere und ein sitzendes Paar verschiedene Bewegungsrichtungen ein. Der Brückenbogen öffnet den Raum rechts, während Bäume und das Gebäude im Hintergrund den Blick nach oben führen. Kleine Akzente in Blau, Rosa und Grün verteilen sich über das Liniengeflecht und machen die Figuren zwischen der Vegetation erkennbar.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52793258541389,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0319_0397c329-208d-441a-9da6-a232b5c6052a.jpg?v=1789741620"},{"product_id":"josep-barrenechea-retrato-masculino-carboncillo-original","title":"Josep Barrenechea — Männerporträt (1972) — Kohle auf Papier","description":"\u003cp\u003e\u003ci\u003eEine psychologische Studie in Licht und Schatten.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkangaben\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Josep Barrenechea Tubilla (Barcelona, 1908–1991).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Männerporträt.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eJahr:\u003c\/strong\u003e 1972.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Kohle auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 48 × 32 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Unten rechts mit „Barrenechea“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Gut.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003chr\u003e\u003ch2\u003ePorträt und Strich\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eJosep Barrenechea Tubilla war kein Amateur: Der figurative Maler stellte in den 1930er-Jahren (1933–1937) in den bekannten \u003cstrong\u003eSalons de Primavera in Barcelona\u003c\/strong\u003e sowie im \u003cstrong\u003eSaló d’Independents\u003c\/strong\u003e von 1936 aus. Er gehörte einer Generation handwerklich versierter Künstler an, die die klassische Figuration durch die bewegten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts hindurch lebendig hielt.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDas Modell ist als Brustbild in Dreiviertelansicht dargestellt, mit zurückgekämmtem Haar, Schnurrbart, Jackett und Krawatte. Die Kohleschatten formen Augen, Nase und Wangen, während parallele Striche Revers und Schultern beschreiben. Vor dem hellen Hintergrund zeichnen sich die Kontur des Kopfes und die Silhouette des Anzugs ab.\u003c\/p\u003e\u003chr\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie geschwungenen Haarlinien stehen im Gegensatz zu den schrägen Strichen des Jacketts. Im Gesicht sind die Schatten um die Augen sowie unter Nase und Kinn dichter; die hellen Partien von Stirn und Wangen verleihen dem Kopf Volumen. An den Rändern der Schultern wird die Zeichnung offener: Die Striche stehen einzeln und lassen das Papier sichtbar.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52793523601741,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0376_01_20aaa58e-e6c2-4183-af70-a1ab282e0ccf.jpg?v=1792250064"},{"product_id":"magda-folch-doble-retrato-pareja-1973-tinta-sobre-papel","title":"Magda Folch — Doppelporträt eines Paares, 1973 — Tusche auf Papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eZwei Figuren rücken in diesem Doppelporträt in Tusche eng zusammen. Die Zeichnung ist „Magda Folch“ signiert und auf 1973 datiert. Mit zurückhaltenden Linien auf dem Weiß des Papiers gestaltet die Künstlerin Gesichter, Haare und eine Geste der Nähe.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eMagda Folch und die Porträtkunst\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eMagda Folch Solé (Reus, 1903 – Tarragona, 1981) war eine katalanische Malerin, Zeichnerin und Lehrerin. Sie wurde an der Escola Municipal d’Arts i Oficis in Reus ausgebildet und entwickelte eine Ausstellungstätigkeit mit Verbindungen zu Reus, Barcelona und Tarragona. Das Porträt nahm in ihrem Schaffen einen bedeutenden Platz ein und gab den Anstoß zur Ausstellung \u003cem\u003eMagda Folch. La mestria del retrat\u003c\/em\u003e, die 2016 im Museu de Reus gezeigt wurde.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEine durch Linien bestimmte Komposition\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDas bärtige Gesicht links und das Gesicht rechts sind sehr nah beieinander angeordnet; beide Blicke richten sich auf den Betrachter. Die unregelmäßige, bewusst sparsame Linie beschreibt Augen, Lippen und Haare, ohne größere Flächen zu schattieren. Eine Hand auf der Schulter verbindet die beiden Figuren und verdichtet den Eindruck von Nähe. Die große freigelassene Papierfläche hebt den Strich und den Dialog der beiden Gesichter hervor.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerin:\u003c\/strong\u003e Magda Folch Solé (1903–1981); das Werk trägt die Signatur „Magda Folch“.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBeschreibender Titel:\u003c\/strong\u003e Doppelporträt eines Paares.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1973, als „73“ neben der Signatur vermerkt.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Tusche auf Papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 49,5 × 34,5 cm (Höhe × Breite).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e „Magda Folch“, im unteren linken Bereich.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Papier mit einigen Flecken und Alterungsspuren, insbesondere an den Rändern; die eigentliche Zeichnung bleibt gut lesbar.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30 Tage Rückgabefrist, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Notiz des Ateliers\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDer Reiz dieser Zeichnung liegt in der sparsamen Verwendung der Mittel: Mit wenigen Elementen gewinnen die Gesichter Präsenz, während die auf die Schulter gelegte Hand die Figuren verbindet, ohne dass ein räumliches Umfeld ausgearbeitet werden muss.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803348037965,"sku":null,"price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0150_43043e9c-6f0b-47c3-ab10-3fe9f4d2fb26.jpg?v=1792677700"},{"product_id":"josep-rigol-fornaguera-apunte-de-avila-plaza-e-iglesia-de-las-vacas-dibujo-preparatorio-con-anotaciones-lapiz","title":"Josep Rigol i Fornaguera — Skizze von Ávila, Plaza de las Vacas — Bleistift auf Papier, 20. Jahrhundert","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eOriginale Bleistiftzeichnung auf Papier von Josep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e, die einen Winkel von Ávila zeigt, der in den Anmerkungen auf dem Blatt selbst als Umgebung der Plaza de las Vacas bezeichnet wird. Die Komposition vereint eine Kirche, umliegende Gebäude und ein Steinkreuz im Vordergrund. Es handelt sich weniger um eine abgeschlossene Ansicht als um eine Arbeitsskizze, in der der Künstler die Beziehungen zwischen den Elementen untersucht und ihre räumliche Anordnung erprobt.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Zeichnung ist mit unterschiedlich kräftigen Graphitstrichen ausgeführt. Die Hauptlinien umreißen Architekturformen und Volumen, während kurze Schraffuren und freigelassene Papierflächen die Bildebenen unterscheiden und Licht andeuten. Das Kreuz im Vordergrund dient als visueller Bezugspunkt und tritt in einen Dialog mit der religiösen Architektur im Hintergrund.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eVon besonderem Interesse sind die \u003cstrong\u003ehandschriftlichen Anmerkungen auf Katalanisch\u003c\/strong\u003e, die das Bild begleiten. Darunter wurde eine Anweisung gelesen, das Kreuz weiter nach rechts zu versetzen. Diese Notizen zeigen, dass Rigol das Motiv nicht nur festhielt, sondern auch den Bildausschnitt und die Komposition überdachte. Es ist jedoch nicht dokumentiert, dass die Skizze tatsächlich als Vorbereitung für ein späteres Ölgemälde oder eine Druckgrafik diente.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDas Werk veranschaulicht die Zeichnung als Instrument des Beobachtens und Studierens. Angesichts seiner akademischen Ausbildung, seiner Beschäftigung mit der Druckgrafik und seiner langjährigen Lehrtätigkeit ist dies eine besonders wichtige Facette von Rigols Schaffen. Die Ortsbezeichnung folgt den zum Werk gehörenden Inschriften; sie wurde nicht durch einen abschließenden topografischen Vergleich bestätigt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eÜber den Künstler\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eJosep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e war Zeichner, Grafiker und Maler sowie eine bedeutende Persönlichkeit der Kunstausbildung und Denkmalpflege in Terrassa. Zunächst lernte er bei Tomàs und Pere Viver. Mit einem Stipendium der Stadt Terrassa trat er 1922 in die Real Academia de Bellas Artes de San Fernando in Madrid ein. Nach seiner Ausbildung und künstlerischen Aufenthalten in Europa kehrte er nach Terrassa zurück, wo er einen großen Teil seiner beruflichen Laufbahn als Zeichenlehrer verbrachte.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEr war Präsident von Amics de les Arts und von 1961 bis 1979 Direktor der Kunst- und Handwerksschule von Terrassa. Über Jahrzehnte dem örtlichen Kulturerbe verbunden, beteiligte er sich während der Ereignisse von 1936 am Schutz der Kirchen von Sant Pere und förderte den Aufbau der Sammlungen des Museu de Terrassa. Sein Leben und Werk waren Gegenstand der Monografie \u003cem\u003eJosep Rigol i Fornaguera: l'home, l'artista i el mestre\u003c\/em\u003e, die das Museu de Terrassa 2011 herausgab.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eTechnische Angaben\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Josep Rigol i Fornaguera (1897–1986).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eBeschreibender Titel:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eSkizze von Ávila: Platz und Kirche Las Vacas\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 20. Jahrhundert; in der Katalogbeschreibung ist kein belegtes Datum verzeichnet.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Graphitstift auf Papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 29 × 24,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSignatur und Inschriften:\u003c\/strong\u003e Unten rechts mit „J. Rigol F.“ signiert, mit handschriftlichen Arbeitsnotizen.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Gealterter Papierton mit drei dunklen rechteckigen Flecken, die vermutlich mit früheren Befestigungsmaterialien zusammenhängen, und unregelmäßigen Rändern. Die Flecken sind sichtbar und gehören zum heutigen Zustand des Werks; eine konservatorische Untersuchung am Original wurde nicht durchgeführt.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Notiz des Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDas Interesse dieser Zeichnung liegt sowohl in ihrer Architekturdarstellung als auch in ihrem Charakter als Arbeitsskizze. Die schriftlichen Anweisungen neben dem Bild zeigen eine Phase des Kompositionsprozesses, die in fertigen Werken gewöhnlich verschwindet. Kreuz, Kirche und handschriftliche Korrekturen machen aus einer Stadtansicht ein besonders unmittelbares Zeugnis von Josep Rigols zeichnerischer Praxis.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803640066381,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-18_021509892.png?v=1792282513"},{"product_id":"michel-henricot-la-dame-dans-le-bain-realismo-fantastico-serigrafia","title":"Michel Henricot — La dame dans le bain — Siebdruck","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eEine zeitlose Vision des menschlichen Körpers: Die Figur scheint eher zu schweben als zu baden.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDer Körper als Architektur\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eMichel Henricot (Frankreich, 1936–2022) arbeitete im Bereich des Fantastischen Realismus. Seine Bildwelt entfernt sich von Dalís traumhaftem Surrealismus und behandelt den menschlichen Körper auf feierliche, geheimnisvolle Weise als versteinerte, mumifizierte oder ätherische Struktur. La dame dans le bain („Die Dame im Bad“) zeigt eines seiner wiederkehrenden Motive: die eingeschlossene menschliche Figur.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDie Puppe\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Aufsicht stellt den Betrachter über die weibliche Figur. Leuchtendes Türkis und Smaragdgrün lassen eher an eine amniotische oder energetische Flüssigkeit als an gewöhnliches Badewasser denken. Bänder und Schleier um die Anatomie erinnern an Mumienbinden oder einen biologischen Panzer. Die ovale Komposition und die Bewegungslosigkeit wecken Assoziationen an einen Mutterleib, einen Sarkophag oder eine Science-Fiction-Schlafkapsel, zwischen archaischem Ritual und Zukunftsbild.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eTechnik\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer Siebdruck gibt die Transparenzen und feinen Farbverläufe wieder, die Henricots Malerei prägen. Ein Leuchten um den Körper unterstützt die übernatürliche Atmosphäre.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Michel Henricot (1936–2022).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e La dame dans le bain (Die Dame im Bad).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e Um 1970–1980.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Farbsiebdruck auf schwerem Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e Papier: 65 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur und Auflage:\u003c\/strong\u003e Unten rechts mit Bleistift „Henricot“ signiert; unten links 78\/100 nummeriert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Gut. Das zentrale Bild ist gut erhalten und bewahrt seine kräftigen Farben. Die weißen Ränder weisen Stockflecken auf.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30-tägige Rückgabefrist zur persönlichen Prüfung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Figur liegt im Zentrum einer ovalen Form und wird von oben gesehen. Türkis- und Smaragdtöne umgeben den Körper; Bänder und Schleier der Anatomie bilden einen Rhythmus geschwungener Linien. Das Leuchten um die Silhouette kontrastiert mit der Ruhe der Haltung.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803974463821,"sku":null,"price":110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0070_cacfb206-6122-459c-91d0-4988f73abdbb.jpg?v=1790437922"},{"product_id":"rofer-roberto-fernandez-tras-el-telon-cronica-sovietica-ilustracion-original-de-prensa-tecnica-mixta","title":"Rofer (Roberto Fernández) — Tras el telón — Originalillustration — Mischtechnik auf Zeichenkarton","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eEine Presseillustration, deren rasche, ironische Linienführung die Atmosphäre der Geheimhaltung hinter dem Eisernen Vorhang aufgreift.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDer Illustrator\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRoberto Fernández „Rofer“ (Segovia, 1931 – Madrid, 2019) war ein spanischer Maler, Aquarellist und Illustrator. Zu seinem Werk gehörten Verlags- und Presseillustrationen. Diese Originalillustration war zur Reproduktion bestimmt, möglicherweise als Rubrikkopf, Auftakt einer Reportage oder Buchillustration. Der handschriftliche Titel „TRAS EL TELÓN..“ und die Moskauer Architektur legen eine Deutung im Zusammenhang mit dem Eisernen Vorhang und dem sowjetischen Kalten Krieg nahe.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEin wachsamer Blick\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Komposition ist theatralisch und erzählerisch. Ein Mann, möglicherweise ein Alter Ego eines Journalisten oder des Künstlers, trägt Brille und Pelzmütze beziehungsweise Uschanka. Er schiebt schwere blaue Vorhänge beiseite und macht Notizen. Sein Blick zum Betrachter bezieht uns in seine Beobachtung ein.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Zwiebeltürme der Basilius-Kathedrale im Hintergrund verorten die Szene in Moskau. Rasche Tuschestriche und Farbflächen deuten die Architektur ohne akademische Detailzeichnung an. Die großen Flächen von Vorhang und Kleidung scheinen in Aquarell oder Lavierung ausgeführt; Tusche oder Filzstift zeichnen die Konturen mit lebhaftem Strich.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Rofer (Roberto Fernández, 1931–2019).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Tras el telón (Hinter dem Vorhang \/ Journalist in Moskau).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e Um 1970–1980.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik auf Zeichenkarton.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 69,5 × 49,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Im mittleren linken Bereich senkrecht mit „Rofer“ signiert. Handschriftlicher Titel oben rechts.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Akzeptabel. Das zentrale Bild und die Farben sind ausgezeichnet erhalten, kräftig und frisch. Am rechten Rand außerhalb der Hauptdarstellung sind Stockflecken und Verschmutzungen sichtbar, wie auf den Fotografien zu erkennen.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30-tägige Rückgabefrist zur persönlichen Prüfung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Illustration erinnert an die filmische Atmosphäre der Spionagefilme der 1970er Jahre. Rofer charakterisiert die Figur mit wenigen Linien; der Ausdruck des Journalisten verbindet Neugier und Vorsicht.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804294869325,"sku":null,"price":195.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0080_490999dd-05d2-4c83-ad88-3826bd139acf.jpg?v=1790438102"},{"product_id":"sabrina-sampere-escena-portuaria-y-urbana-apunte-del-natural-1998-carboncillo","title":"Sabrina Sampere — Hafen- und Stadtszene (Studie vor Ort, 1998) — Kohle","description":"\u003cp\u003eDas Leben eines Hafens und seiner städtischen Umgebung, in Kohlestrichen erfasst, die präzise Linien mit verwischten Flächen verbinden.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eSabrina Sampere und die Zeichnung\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eSabrina Sampere (Sabadell, 1975) schloss 1998 ihr Studium der bildenden Kunst in Barcelona ab. Ihre Bildsprache geht von der Gegenständlichkeit aus. In dieser Zeichnung aus demselben Jahr verbindet sie das Boot und die städtische Bewegung durch den Kontrast zwischen dichten Strichen und leichteren Linien.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDer Rhythmus der Stadt\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Komposition gliedert sich in zwei Erzählebenen. Im Vordergrund halten dichte, dunkle Kohlestriche den Blick auf dem Bootsdeck mit seinen Tauen, Behältern und Konstruktionselementen fest. Hinter einer Mauer oder Kaikante folgt das städtische Leben: Autos, Passanten und Geschäftsschilder, darunter das teilweise lesbare „NAUTIC...“, in leichteren, atmosphärischen Linien.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSampere nutzt scharfe Kohlelinien für die Struktur des Bootes und verwischte Schattierungen, mit Wischer oder Finger ausgeführt, für Schatten, Bewegung und Rauch auf der Straße. Graue und silbrige Töne lassen das feuchte Hafenlicht entstehen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerin:\u003c\/strong\u003e Sabrina Sampere.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Blick auf den Hafen und den Stadtverkehr.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1998, neben der Signatur datiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Kohle auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 56 × 40 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Unten links mit „Sabrina Sampere“ signiert und „98“ datiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Gut. Das Papier zeigt eine leichte natürliche Alterstönung, ohne deutliche Feuchtigkeitsflecken im Bild.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30-tägige Rückgabefrist zur persönlichen Prüfung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Zeichnung hat eine Film-noir-Atmosphäre und lässt an einen geschäftigen, lauten Hafen denken. Die ruhende Festigkeit des Bootes im Vordergrund kontrastiert mit der Bewegung der Autos dahinter.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804341203277,"sku":null,"price":145.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0129_01_449115cb-79f1-4902-b984-244f2c2bb8a4.jpg?v=1792678124"},{"product_id":"gines-serran-pagan-composicion-habana-1987","title":"Ginés Serrán Pagán — Komposition aus Havanna (1987) — Mischtechnik","description":"\u003cp\u003eEin 1987 in Havanna geschaffenes Werk, im Jahr von Ginés Serrán Pagáns Ausstellung in der Casa de las Américas. Signiert und 6\/12 nummeriert, gehört es zu einer Auflage von zwölf Exemplaren.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eHavanna, 1987\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer Werdegang von Ginés Serrán Pagán (Ceuta, 1949) ist eng mit dem Reisen verbunden. Als Künstler und Anthropologe entwickelte er einen großen Teil seiner Arbeit zwischen New York, Europa, Lateinamerika und Asien und nahm Spuren der Orte, Kulturen und Erfahrungen in seine Bildsprache auf.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Inschrift „Havana“ und die Jahreszahl 1987 verbinden das Werk mit einer bestimmten Phase seiner Laufbahn. In diesem Jahr hielt sich Serrán Pagán in Kuba auf und war zu einer Ausstellung in der Casa de las Américas in Havanna eingeladen. Auch die kubanische Presse vom März 1987 dokumentiert seine Anwesenheit.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDas Werk lässt sich als materielles Zeugnis dieser Zeit lesen: eine Abstraktion in einem identifizierbaren biografischen Zusammenhang.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eOberfläche und Zeichen\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Oberfläche erinnert an eine Karte, eine verwitterte Wand und eine alte Seite. Der Grund in Ocker- und Erdtönen bewahrt Flecken, Transparenzen und kleine Pigmentwechsel unter einer kräftigen Struktur schwarzer Linien.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eZeichen, Striche und fragmentarische Formen erscheinen zwischen Schrift und Bild. Vereinzelte Akzente in Rot, Gelb und Blau erzeugen Spannung auf dem warmen Grund der unregelmäßigen Komposition.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDruck, Textur und spätere malerische Eingriffe scheinen auf demselben Blatt zusammenzukommen, entsprechend den technischen Experimenten Serrán Pagáns seit den frühen 1980er Jahren.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDas Werk ist 6\/12 nummeriert, das sechste Exemplar einer Auflage von zwölf.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Ginés Serrán Pagán (Ceuta, 1949).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Havana. Abstrakte Komposition.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eOrt und Datum:\u003c\/strong\u003e Havanna, 1987.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAuflage:\u003c\/strong\u003e Exemplar 6\/12.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Originaldruckgrafik in Mischtechnik auf Papier mit Druck und malerischer Überarbeitung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 73,5 × 49,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Am unteren rechten Rand mit Bleistift „Ginés Serrán Pagán“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInschriften:\u003c\/strong\u003e Ort und Datum handschriftlich; 6\/12 nummeriert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKontext:\u003c\/strong\u003e Im Jahr von Serrán Pagáns Aufenthalt in Kuba und seiner Ausstellung in der Casa de las Américas in Havanna entstanden.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30-tägige Rückgabefrist zur persönlichen Prüfung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eSchwarze Linien ordnen den ocker- und erdfarbenen Grund zwischen transparenten Partien und dichterem Pigment. Vereinzelte rote, gelbe und blaue Akzente markieren Wege zwischen den Zeichen. Die Inschrift „Havana“, die Jahreszahl 1987 und die Nummerierung 6\/12 ergänzen die Betrachtung des Blattes.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804497113421,"sku":null,"price":1350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0215_01_8405e48b-710c-496d-8d20-256437fb6436.jpg?v=1790779119"},{"product_id":"escuela-espanola-s-xix-xx-la-lectora-segun-fragonard-academicismo-carboncillo","title":"Spanische Schule (19.–20. Jahrhundert) — Die Lesende — Kohle","description":"\u003cp\u003eEine akademische Zeichnung, die Intimität und Stille einer Leseszene in Schwarz-Weiß überträgt.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFigur und Licht\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDas Werk zeigt eine in die Lektüre vertiefte junge Frau, die akademisch in Grauabstufungen modelliert ist. Im Mittelpunkt stehen Gesicht, Buchseiten und die Falten ihrer Kleidung.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eDie Beleuchtung der Szene\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDas Licht fällt auf Gesicht und Buchseiten; der Hintergrund bleibt in weichem Halbdunkel und verstärkt die intime Atmosphäre. Die Kohle ist sorgfältig eingesetzt: Die Haut zeigt weiches Sfumato, während Kleiderfalten und Kissen deutliches Volumen erhalten und sich von der dunklen Stuhllehne abheben.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eDie Widmung\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie handschriftliche Widmung unten rechts — „Recuerdo a mi cariñosa hermana en el día de su Santo...“ — verleiht dem Werk den persönlichen Charakter eines Geschenks an eine Schwester zu ihrem Namenstag.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Spanische \/ Katalanische Schule (nicht identifizierte Signatur).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e La lectora (Die Lesende).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung \/ Zeitraum:\u003c\/strong\u003e Um 1900–1930.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Kohle und Wischstift auf Papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 62 × 46,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInschriften:\u003c\/strong\u003e Handschriftliche Widmung am unteren rechten Rand.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Gut. Die zentrale Figur bleibt klar lesbar und kontrastreich. Das Papier weist eine natürliche altersbedingte Bräunung auf.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantierte Rückgabe innerhalb von 30 Tagen, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Versunkenheit der Figur in ihre Lektüre wird durch eine ruhige, weiche Grauskala vermittelt. Die handschriftliche Widmung ergänzt die akademische Studie um eine persönliche Ebene und bewahrt eine Geste familiärer Zuneigung.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815284928845,"sku":null,"price":325.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0225_01_8f77c292-ee05-42e9-bede-8e5ecfe10c64.jpg?v=1790792379"},{"product_id":"domenec-malfeito-tanella-retrato-de-yorkshire-terrier-realismo-expresivo-tecnica-mixta-1981","title":"Domènec Malfeito Tanella — Porträt eines Yorkshire Terriers (1981) — Mischtechnik","description":"\u003cp\u003eEin ausdrucksstarkes Porträt, in dem rasche Striche Lebendigkeit und Charakter eines Yorkshire Terriers vermitteln.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eCharakter in der Zeichnung\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDomènec Malfeito Tanella (Barcelona, 1936) hat Landschaften, Figuren und Studien nach der Natur geschaffen. Diese Arbeit von 1981 gibt dem Tier eine wache, individuelle Präsenz statt einer starren formalen Pose.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFell und Hintergrund\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eStatt jedes Haar einzeln zu zeichnen, setzt Malfeito rasche, energische schwarze Striche in Kohle oder Fettstift ein und deutet das zerzauste Fell an. Senkrechte Wischspuren in Rötel oder lachsfarbener Pastellkreide erwärmen den Hintergrund und rücken die Figur nach vorn. Der helle, aufmerksame Blick bildet den Schwerpunkt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Domènec Malfeito Tanella (1936).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Porträt eines Yorkshire Terriers.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1981, unter der Signatur.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik: Kohle\/Fettstift und Rötel\/Pastell auf Papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 46,5 × 30 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Am unteren rechten Rand mit „D. Malfeito Tanella“ signiert und mit „1981“ datiert.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Gut. Die zentrale Zeichnung ist unversehrt. Alte Klebebandspuren am oberen, rechten und linken Rand entsprechen einer früheren Befestigung des Blattes.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantierte Rückgabe innerhalb von 30 Tagen, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRasche, sich kreuzende schwarze Striche deuten das zerzauste Fell des Yorkshire Terriers an. Die Augen bündeln die Aufmerksamkeit; senkrechte lachsfarbene Bänder erwärmen den Hintergrund und lösen die Tiersilhouette vom Papier.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815408890189,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0024_52e9bc59-6875-480d-80f3-12324cf70f42.jpg?v=1792280095"},{"product_id":"julio-quesada-guilabert-retrato-de-caballero-escuela-espanola-1961-acuarela","title":"Julio Quesada Guilabert — Porträt eines Herrn — Aquarell auf Papier (1961)","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMännerporträt in Aquarell auf Papier von Julio Quesada Guilabert (Madrid, 1918–2009), signiert und auf 1961 datiert.\u003c\/strong\u003e Das Werk zeigt einen Herrn mit Hemd und Krawatte, dessen Gesicht im Mittelpunkt der Komposition steht. Der Ausdruck und die Nuancen seines Blicks treten vor dem freier gestalteten Hintergrund hervor.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTransparente Lasuren, übereinandergelegte Farben und ausgesparte Papierflächen formen die Gesichtszüge mit Ocker-, Rosa-, Blau- und Violetttönen. Die lockerere Darstellung der Kleidung steht im Kontrast zur aufmerksamen Beobachtung des Gesichts. Dieser Unterschied in der Ausführung verleiht dem Bild Frische, ohne die Präsenz des Porträtierten zu mindern.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eJulio Quesada Guilabert: Aquarell und Porträt\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eJulio Quesada Guilabert wurde 1918 in Madrid geboren und studierte an der dortigen Kunstgewerbeschule und Keramikschule. Er entwickelte eine lange künstlerische Laufbahn mit besonderem Schwerpunkt auf dem Aquarell; Porträts und Landschaften nehmen in seinem Werk einen wichtigen Platz ein. Er stellte in zahlreichen spanischen Städten sowie im Ausland aus. Seine Verbindung zu Crevillent, dem Herkunftsort seiner Familie, spiegelt sich im Museo Pintor Julio Quesada wider, das sein Werk bewahrt und vermittelt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Julio Quesada Guilabert (Madrid, 1918–2009).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eBeschreibender Titel:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eBildnis eines Herrn\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1961.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Aquarell auf Papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMaße des Werks:\u003c\/strong\u003e 43,5 × 31 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSignatur und Inschriften:\u003c\/strong\u003e unten rechts mit „Quesada“ signiert und mit „61“ datiert, gemäß den erfassten Angaben zum Werk.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e auf den verfügbaren Fotografien insgesamt guter Eindruck; weitere Einzelheiten auf Anfrage.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Notiz des Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin Porträt, das einen charakteristischen Aspekt von Quesadas Schaffen erkennen lässt: die Darstellung des Charakters durch Farbe, Licht und die für das Aquarell typischen Transparenzen. Die Datierung 1961 ordnet das Werk einer aktiven Phase seiner Laufbahn zu. Sein Interesse liegt sowohl in der Ausführung des Gesichts als auch in der Spontaneität der nur angedeuteten Bereiche.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815514665293,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0009_03_59fe958a-f397-4ba7-bd70-0a283e7cb8e6.jpg?v=1792279990"},{"product_id":"paco-duran-vila-acuarela-original-barcelona-panoramica-bodegon-1985","title":"Paco Duran Vila — Barcelona-Panorama mit Stillleben (1985) — Aquarell auf Papier","description":"\u003cp\u003eDie Stadt aus einem intimen Blickwinkel: Ein Panorama-Aquarell verbindet Stadtlandschaft und Stillleben durch atmosphärische Perspektive.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eZwei Motive und räumliche Tiefe\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Komposition dieses Aquarells von 1985 verbindet Stillleben und Landschaft. Im Vordergrund bilden klar gezeichnete Schachteln und Etuis feste geometrische Formen. Sie verankern den Blick in einem Raum oder auf einer Dachterrasse, von wo das vorolympische Barcelona wie aus einem Atelier gesehen erscheint.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDie Stadt löst sich im Dunst auf\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eJenseits dieses angedeuteten Balkons erstreckt sich Barcelona zum Horizont. Duran Vila stellt Atmosphäre über genaue Architekturdetails. Flüssiges Nass-in-Nass-Aquarell löst die Gebäude in Ocker, Grau und braune Erdtöne auf.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSo verschwimmen die Grenzen zwischen Stadt, Meer und Bergen. Diffuses Licht und dichte Luft lassen an einen späten Nachmittag oder einen bewölkten Tag denken.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Paco Duran Vila (Francesc Duran i Vila).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Panoramablick auf Barcelona mit Stillleben (Stadtlandschaft).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1985, signiert und datiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Originalaquarell auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e Werk: 22 × 47,5 cm. Mit Rahmen: 39 × 65 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur und Inschriften:\u003c\/strong\u003e Unten links mit „P. Duran Vila“ signiert und „85“ datiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Sekundärer Kunstmarkt; Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut. Die Aquarellpigmente sind stabil, ohne größere Veränderungen. Der zeitgenössische Holzrahmen ist gut erhalten.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30-tägige Rückgabefrist zur persönlichen Prüfung des Werkes und seiner räumlichen Tiefe.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eSchachteln und Etuis im Vordergrund legen den Blickpunkt fest, bevor sich der Blick zur Stadt öffnet. Ihre geometrischen Kanten kontrastieren mit den in Ocker und Grau aufgelösten Gebäuden. Der Übergang vom nahen Innenraum zum dunstigen Horizont trägt die Tiefe des Panoramaformats.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52816412606797,"sku":null,"price":235.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0304_15a1e0d5-85d5-4dbd-a201-7a6be7fd7a15.jpg?v=1790856315"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-roma-piazza-del-popolo-con-ciclista-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Rom: Piazza del Popolo mit Radfahrer — Mischtechnik auf Papier","description":"\u003cp\u003eEine ungewöhnliche Ansicht der Ewigen Stadt, in der barocke Monumentalität einem einzelnen Radfahrer Raum gibt.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDer Mensch im Maßstab der Geschichte\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eIn diesem Werk von 1989 führt Ricard Calvo Duran zum Eingang der Piazza del Popolo in Rom. Statt eines belebten Platzes zeigt er einen fast metaphysisch leeren Raum, bestimmt von den ausgewogenen Formen der Zwillingskirchen Santa Maria in Montesanto und Santa Maria dei Miracoli.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLinie und Atmosphäre\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Zeichnung erinnert an Architekturillustration und die europäische Ligne-claire-Tradition. Tusche definiert Säulen, Kuppeln und Gebälk mit Präzision.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDer atmosphärische Aquarellhimmel verwendet bräunliche und graue Töne statt des üblichen Mittelmeerblaus und vermittelt Feuchtigkeit und Melancholie.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEin Radfahrer in einem leuchtend rosa Hemd unterbricht die Feierlichkeit der Steinarchitektur. Die einzelne Figur im Vordergrund bringt Bewegung und einen menschlichen Gegenpol in den monumentalen Raum.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Ricard Calvo Duran, mit „Calvoduran“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Rom: Piazza del Popolo.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1989, neben der Signatur datiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e Werk: 42,5 × 52,5 cm. Rahmen: 54,5 × 62 × 5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Handschriftlich in Tusche im unteren mittleren Bereich, mit Ortsangabe „Roma“.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Ausgezeichnet. Das Papier bewahrt an den Rändern sein ursprüngliches Weiß, die Farben bleiben frisch.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30-tägige Rückgabefrist zur persönlichen Prüfung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRom ist laut und geschäftig, doch Calvo Duran scheint den Ton zurückzunehmen. Verkehr und Menschenmengen fehlen, sodass Architektur und ein einzelner Radfahrer bleiben. Die Szene wird zu einer visuellen Pause – ein Rom des frühen Morgens oder der Vorstellung des Künstlers.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817072521549,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0365.jpg?v=1790857359"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-costumbrismo-italiano-en-asis-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Alltagsszene in Assisi — Mischtechnik auf Papier","description":"\u003cp\u003eEin Kontrast zwischen sakraler Architektur und lebhaftem Alltag auf zwei Rädern.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDas Sakrale und der Alltag\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDas 1990 entstandene Werk führt vor die Basilika San Francesco in Assisi, einen bedeutenden Wallfahrtsort. Calvo Duran bringt mit einer Nonne auf einer klassischen Vespa im Vordergrund Humor in die Szene. Alte Tradition und praktische Moderne teilen denselben Raum.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003ePräzision und Atmosphäre\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer klare Linienstil steht der Verlagsillustration nahe. Die detaillierte Tuschezeichnung beschreibt die gotische und romanische Architektur des Komplexes vom Glockenturm bis zu den unteren Arkaden.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEin blauer Himmel hebt die cremefarbene Steinsilhouette der Basilika hervor und erzeugt einen bühnenhaften Kontrast.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Komposition führt vom monumentalen Hintergrund zur kleinen Alltagsszene im Vordergrund. Geparkte Autos der späten 1980er Jahre und Gruppen gehender Ordensbrüder ergänzen den zeitlichen und sozialen Zusammenhang.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Ricard Calvo Duran, mit „Calvoduran“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Szene an der Basilika San Francesco in Assisi.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1990, neben der Signatur datiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e Werk: 32 × 39 cm. Rahmen: 53,5 × 60,5 × 5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Handschriftlich in Tusche unten rechts, mit Ortsangabe „Assisi“.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Ausgezeichnet. Kräftige Farben und Papier in ausgezeichnetem Zustand.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30-tägige Rückgabefrist zur persönlichen Prüfung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Nonne auf der Vespa bringt alltägliche Bewegung vor die Masse der Basilika. Autos und Gruppen von Ordensbrüdern verteilen kleine Szenen über den Platz. Die präzise Zeichnung der Arkaden und des Glockenturms steht der leichten Erzählung des Vordergrunds gegenüber.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817239212365,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0405_dfef902f-4ffe-4911-bf55-a0e5742fb5c3.jpg?v=1790858014"},{"product_id":"edmond-vales-veilleur-de-nuit-el-vigilante-nocturno-orientalismo-grabado-al-aguafuerte","title":"Edmond Valès — Veilleur de nuit (Der Nachtwächter) — Radierung","description":"\u003cp\u003eEine Atmosphäre der Stille und des Wartens, in der das Lampenlicht einen intimen nächtlichen Moment im Maghreb sichtbar macht.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDas Ritual des Wartens\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eIn diesem Blatt lässt Edmond Valès (1918–2001) an der Einsamkeit eines Nachtwächters teilhaben. Statt Spannung oder Gefahr vermittelt die Szene eine nachdenkliche Pause. Gegen die Wüstenkälte in eine schwere Dschellaba gehüllt, hält die Figur während der langen Nachtwache ein Glas Tee.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLicht und Schatten\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Radierung entwickelt die Szene aus Hell und Dunkel. Dichte Schraffuren im Hintergrund umgeben die Figur und lenken den Blick auf das wettergegerbte Gesicht und die Hände.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEin Kohlebecken unter einer dampfenden Teekanne, eine von unten leuchtende Öllampe und ein an die Wand gelehnter Stab bestimmen den Raum. Ein einzelner Pantoffel im Vordergrund vermittelt Ruhe.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie gravierte Linie beschreibt Stofffalten und Hautstruktur und lässt Gewicht und Wärme der Kleidung gegenüber der Nachtkälte spüren.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Edmond Valès (1918–2001), unten rechts mit Bleistift „E. Valès“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Veilleur de nuit (Der Nachtwächter).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 20. Jahrhundert, wahrscheinlich mittlere Jahrzehnte, um 1950–1970.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Radierung auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e Werk: 32,5 × 50 cm. Rahmen: 48,5 × 66,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAuflage:\u003c\/strong\u003e 30\/150, unten links mit Bleistift nummeriert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Ausgezeichnet.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30-tägige Rückgabefrist zur persönlichen Prüfung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie dichte Schraffur des Hintergrunds konzentriert das Licht auf Gesicht und Hände des Nachtwächters. Die Lampe leuchtet von unten; Teeglas, Kanne und Kohlebecken bilden kleine Blickpunkte um die Figur. Die Falten der Dschellaba und der Pantoffel im Vordergrund bringen Texturen und Ruhepunkte in die Nachtszene.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52825809682765,"sku":"ETC-52825809682765","price":125.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0392_a2205425-0d77-4818-998a-58bf6e4a1930.jpg?v=1790857744"},{"product_id":"edmond-vales-lithams-mujeres-veladas-orientalismo-etnografico-grabado-a-punta-seca","title":"Edmond Valès — Lithams (Verschleierte Frauen) — Kaltnadelradierung","description":"\u003cp\u003eEine Studie von Blicken und Stoffen, die sich mit feinen Linien der weiblichen Identität im Maghreb nähert.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDie Sprache des Schleiers\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eIn Lithams untersucht Edmond Valès (1918–2001) verschiedene Arten, den traditionellen Litham-Schleier zu tragen. Die beobachtende Darstellung unterscheidet sich vom sinnlichen Exotismus des Orientalismus des 19. Jahrhunderts und zeigt die unterschiedlichen Erscheinungsformen desselben Kleidungsstücks.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLinie und Ausdruck\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Komposition nutzt die Kaltnadelradierung als direkte, lineare Drucktechnik. Fünf Frauenporträts verteilen sich auf dem Blatt als Studiengruppe statt als erzählerische Szene.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie reiche, samtige Linie unterscheidet Texturen: die Festigkeit gestreifter Stoffe, die Weichheit fallender Falten und die Intensität der Augen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDa Mund und Nase bedeckt sind, liegt der Ausdruck in den Augen. Manche Blicke wirken direkt und herausfordernd, andere schüchtern oder ausweichend und verleihen jeder Frau individuelle Präsenz.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Edmond Valès (1918–2001), unten rechts mit Bleistift „E. Valès“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Lithams (Studie verschleierter Frauen).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 20. Jahrhundert, um 1950–1970.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Kaltnadelradierung auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e Plattenrand \/ Bild: 32,5 × 51,5 cm. Rahmen: 48,5 × 66,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAuflage:\u003c\/strong\u003e 42\/150, unten links mit Bleistift nummeriert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut. Das Papier zeigt den Plattenrand und leichte Stockflecken in den Rändern außerhalb der Darstellung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30-tägige Rückgabefrist zur persönlichen Prüfung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie fünf Figuren verteilen die Aufmerksamkeit zwischen Blicken und Stoffen. Im gestreiften mittleren Kopftuch erzeugt die Richtung der Linien Volumen ohne große Schattenflächen. Unterschiedliche Falten und die Intensität der Augen lassen die einzelnen Gesichter innerhalb der Gruppe hervortreten.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52825907265869,"sku":"ETC-52825907265869","price":125.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0398_02_56102884-d6f8-4a34-94db-57f4310caf33.jpg?v=1790857704"},{"product_id":"rainer-hercks-zappel-philipp-el-hampelmann-surrealismo-ludico-grabado-al-aguafuerte-y-aguatinta","title":"Rainer Hercks — Zappel-Philipp (Der Hampelmann) — Radierung und Aquatinta","description":"\u003cp\u003eEine nostalgische und leicht unheimliche Darstellung eines Gliederspielzeugs, mit kleinen Details in einem strukturierten Bildraum.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDas Spielzeug als Metapher\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer Titel Zappel-Philipp verweist auf eine Figur aus dem Kinderbuch Struwwelpeter. Der Künstler zeigt hier einen Clown als Hampelmann, der in einem traumartigen Raum schwebt. Das Bild spielt mit der Doppeldeutigkeit des alten Spielzeugs: spielerisch in seiner Funktion, zugleich unheimlich durch den starren Blick und die mechanische Bewegung.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eTextur und Symbolik\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eAquatintastrukturen lassen den grauen Hintergrund wie eine alte Wand oder abgenutzte Oberfläche wirken. Darin schweben kleine Elemente: gotisch wirkende Buchstaben, vielleicht „SM“, ein kleiner goldener Schlüssel, ein Wimpel und eine winzige Figur oben rechts als Echo der Hauptfigur.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDer Clown ist präzise gezeichnet. Die orangefarbene und die violette Kugel in seinen Händen setzen leuchtende Blickpunkte und balancieren die symmetrisch geöffneten Gliedmaßen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eGeätzte Linien bestimmen die Konturen, während farbige Aquatintaflächen der sternengemusterten Kleidung und der braunen Hose Volumen und eine tastbare Reliefwirkung geben.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Rainer Hercks, unten rechts signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Zappel-Philipp (Gliederclown \/ Hampelmann).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1997, neben der Signatur datiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Farbradierung und Aquatinta auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e Plattenrand: 19,5 × 15 cm. Rahmen: 54 × 44 × 4,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAuflage:\u003c\/strong\u003e 62\/200.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Ausgezeichnet. Das Papier ist sauber, die Farben bewahren ihre ursprüngliche Intensität.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30-tägige Rückgabefrist zur persönlichen Prüfung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eBesonders der Hintergrund lenkt den Blick auf sich: Er scheint nicht nur das Spielzeug festzuhalten, sondern auch eine verschwommene Erinnerung an die Kindheit.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52826315293005,"sku":"ETC-52826315293005","price":85.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0009_b4b0ad84-c90f-4286-8d55-402bc40256e2.jpg?v=1790858104"},{"product_id":"subirana-verdaguer-bailarina-clasica-impresionismo-estilo-degas-pastel-sobre-papel","title":"Subirana Verdaguer — Klassische Ballerina — Pastell auf Papier","description":"\u003cp\u003eEine Hommage an die Eleganz und die schwebende Bewegung von Degas' Tänzerinnen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDer Bezug zu Degas\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Ballerina und der Umgang mit Pastell erinnern an Edgar Degas' Ballettszenen. Subirana Verdaguer konzentriert die Komposition auf eine einzelne Figur in einer Pose vor unbestimmtem Raum, der die Körperlinie und die Leichtigkeit des Tutus hervorhebt.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLicht und Farbe\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDas weiße Tutu entsteht aus raschen, weichen Strichen, die bewegten Tüll andeuten und mit dem hellblauen Oberteil kontrastieren. Bühnenhaftes Licht fällt von links auf die Figur, während der Hintergrund in warmem Grau und Ocker im Halbdunkel bleibt.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFigur und Hintergrund\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie verlängerten Gliedmaßen betonen die Anmut des Balletts. Weiche Übergänge zwischen Hauttönen und rosigen Schatten modellieren Arme und Beine und lassen einen akademischen Zugang zur Zeichnung erkennen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDer atmosphärische Hintergrund bildet einen Farbdunst um die Tänzerin, hebt sie von der Fläche ab und verleiht ihr Volumen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Subirana Verdaguer, unten links mit „Subirana“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Klassische Ballerina in einer Pose.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 20. Jahrhundert, wahrscheinlich 1970er–1980er Jahre.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Pastell auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e Werk: 37 × 27 cm. Rahmen: 53 × 44 × 4,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Handschriftlich in rötlichem Pastell unten links. Identifikationsplakette am Rahmen.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZustand:\u003c\/strong\u003e Ausgezeichnet. Das Pastell bleibt kräftig und stabil, ohne sichtbare Pigmentverluste.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30-tägige Rückgabefrist zur persönlichen Prüfung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDas weiße Tutu entsteht aus Pastellflecken und weichen Rändern, die die Leichtigkeit des Stoffes andeuten. Das blaue Oberteil setzt einen kühlen Kontrast; Arme und Beine verbinden rosige Übergänge mit Hauttönen. Der graue und ockerfarbene Hintergrund umgibt die Figur, ohne einen bestimmten Ort festzulegen.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52826523435341,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0146_191dfe51-5dad-44f1-9af1-a0112a190f93.jpg?v=1790864440"},{"product_id":"gerald-moreno-diptico-litografias-akhnaton-metamorfosis","title":"Gerald Moreno — Akhnaton und La métamorphose artificielle — Lithografien E.A. \/ H.C.","description":"\u003cp\u003eZwei Porträts verbinden präzise modellierte Gesichter mit Formen, die in organische und geometrische Strukturen übergehen. Gerald Morenos Lithografien teilen eine zurückhaltende Palette und große helle Papierflächen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eZwei Bilder im Wandel\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eIn Akhnaton mon maitre ist die männliche Figur um eine senkrechte Achse angeordnet. Ein Teil von Gesicht und Oberkörper behält eine erkennbare Modellierung; der andere öffnet sich in Linien und Formen, die an fantastische Architektur erinnern. Das geometrische Muster auf der Brust setzt diesen Übergang zwischen Körper und Struktur fort.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa métamorphose artificielle zeigt ein weibliches Gesicht, das von geschwungenen Volumen, Fragmenten und Mustern umgeben ist. Augen und Lippen sind am deutlichsten modelliert, während der Umriss in imaginäre Formen übergeht. Die Verbindung von Anatomie, Geometrie und Verwandlung verleiht beiden Kompositionen eine surrealistische Bildsprache.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDetail und Papierfläche\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eGrautöne, weiche Schattierungen und feine Linien führen vom erkennbaren Porträt zur erfundenen Form. Die weiten hellen Hintergründe isolieren die Figuren und verstärken den Dialog zwischen den beiden gemeinsam gerahmten Drucken.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Gerald Moreno.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Akhnaton mon maitre und La métamorphose artificielle.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eStil:\u003c\/strong\u003e Surrealismus \/ Magischer Realismus.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Lithografie auf schwerem Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEdition:\u003c\/strong\u003e Bleistiftvermerke E.A. (Épreuve d'artiste) und H.C. (Hors commerce).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 50 × 36 cm (ungefähres Bildmaß) | 68 × 89 cm (gesamter Rahmen).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Im unteren Rand mit Bleistift „Gerald Moreno“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantiertes 30-tägiges Rückgaberecht zur persönlichen Begutachtung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eBeide Drucke stellen einer modellierten Gesichtspartie andere, mit offenen Linien gestaltete Bereiche gegenüber. Bei der männlichen Figur dominiert die senkrechte Achse, beim weiblichen Porträt verteilt sich die Bewegung um den Kopf. Der helle Raum um jede Darstellung lässt die Übergänge zwischen Körper und imaginären Formen hervortreten.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52841720938829,"sku":null,"price":590.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0310_367bb350-c80e-4317-b62a-fb53f4a662cd.jpg?v=1790872240"},{"product_id":"antoni-esplugues-isaac-albeniz-y-su-circulo-intelectual-modernismo-catalan-fotografia-de-epoca","title":"Antoni Esplugas — Isaac Albéniz und Begleitpersonen — Fotografie","description":"\u003cp\u003eEin Gruppenporträt der als Isaac Albéniz identifizierten Person mit fünf Begleitpersonen.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eGruppenfotografie aus dem Atelier von Antoni Esplugas, erkennbar an der sichtbaren Marke „Esplugas“. Der Sammlungskatalog identifiziert den Mann neben der Frau als Isaac Albéniz, begleitet von fünf weiteren Personen.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Ränder der Gruppe gehen allmählich in Weiß über und lenken die Aufmerksamkeit auf die Porträtierten. Weiches, diffuses Licht modelliert die Gesichter ohne harte Schatten und lässt die Texturen der Kleidung erkennen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eFotograf:\u003c\/strong\u003e Antoni Esplugas i Puig (Marke „Esplugas“ im fotografischen Bild).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZentrale Person:\u003c\/strong\u003e Isaac Albéniz (1860–1909).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Gruppenporträt, identifiziert als Isaac Albéniz und Begleitpersonen.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZeitraum:\u003c\/strong\u003e Anfang des 20. Jahrhunderts, um 1900–1905.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Fotografie auf Papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e Sichtbares Bild: 45 × 23 cm; Rahmen: 64 × 43 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantierte Rückgabe innerhalb von 30 Tagen, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Anordnung der sechs Personen gibt dem Gruppenporträt Gleichgewicht. Weiches Licht betont Gesichter und Kleidungstexturen. Die auslaufenden Ränder reduzieren die Präsenz des Hintergrunds und halten den Blick auf den Porträtierten.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52848599400781,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0040_01.jpg?v=1764263819"},{"product_id":"segun-benjamin-vautier-el-arresto-del-comerciante-estampa","title":"J. López (Inschrift), nach B. Vautier — Die Verhaftung des Kaufmanns — Druckgrafik auf Papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eEine Straße mit traditioneller Architektur wird zum Schauplatz einer öffentlichen Verhaftung. Diese Druckgrafik auf Papier gibt eine Komposition von Benjamin Vautier dem Älteren wieder, einem bedeutenden Genremaler der Düsseldorfer Schule.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eDas Werk und sein Kontext\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDie Szene steht mit \u003cem\u003eDie Verhaftung des Kaufmanns\u003c\/em\u003e in Verbindung, einer dokumentierten Komposition von Benjamin Vautier (1829–1898). Der Aufruhr in einer schmalen Straße bildet einen Gegensatz zur Trauer einer Frau, die neben einem Eingang sitzt. Das Thema gehört zum erzählerischen Repertoire der mitteleuropäischen Genremalerei des 19. Jahrhunderts. Die Komposition war auch in zeitgenössischen grafischen Reproduktionen verbreitet.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eKomposition und grafische Gestaltung\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eFachwerkfassaden, Dachvorsprünge, Laternen und unregelmäßiges Pflaster gliedern die Straßenperspektive. Links versammeln sich Nachbarn um eine Figur, die in den Hintergrund weist; rechts drücken zwei Frauen neben einem Hauseingang ihre Niedergeschlagenheit aus. Dichte Linien und Schraffuren unterscheiden Holz, Stein und Stoffe, während unbedruckte Papierflächen die Übersichtlichkeit der figurenreichen Komposition bewahren.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eUrheber der Komposition:\u003c\/strong\u003e Benjamin Vautier der Ältere (1829–1898).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eUrheber der Druckgrafik:\u003c\/strong\u003e Inschrift „J. López“ im unteren Bereich; die Identität des Stechers bedarf noch der dokumentarischen Bestätigung.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Die Verhaftung des Kaufmanns.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZeitliche Einordnung:\u003c\/strong\u003e Komposition des 19. Jahrhunderts; das genaue Druckdatum dieses Exemplars ist nicht bestimmt.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Druck mit Druckfarbe auf Papier; das genaue grafische Verfahren ist noch zu bestätigen.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 42 × 55 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Cremefarbenes Papier mit dezenten Alterungsspuren; klar lesbares Bild.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrüffrist:\u003c\/strong\u003e 30 Tage Rückgabefrist, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Notiz des Ateliers\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDie Spannung der Szene beruht nicht auf einer einzigen Hauptfigur: Sie verteilt sich auf die anklagende Geste, die erwartungsvolle Menge und die zurückgezogenen Figuren am Hauseingang. Die Architektur bildet den erzählerischen Rahmen und führt den Blick zu einem Ausgang, der eher angedeutet als erklärt wird.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52855871439181,"sku":null,"price":195.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-22_160055535.png?v=1792677661"},{"product_id":"jose-miguel-serrano-caballo-en-corveta-estudio-de-movimiento-escuela-de-paris-carboncillo-sobre-papel","title":"Josep Miquel Serrano — Sich aufbäumendes Pferd — Tusche und Lavierung auf Papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eEin Pferd richtet sich in dieser „Serrano“ signierten Bewegungsstudie auf die Hinterbeine auf. Die Figur gewinnt durch dunkle Striche, verdünnte Lavuren und ausgesparte Papierflächen an Wirkung.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eEine Studie der Bewegung des Pferdes\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDer erhobene Kopf, der gebogene Hals und ein angewinkeltes Vorderbein bestimmen eine Haltung voller Schwung und Spannung. Der helle Körper hebt sich vor einem Hintergrund aus braunen und grauen Flächen ab, die mit breiten Pinselzügen angelegt sind. Dunkle Partien betonen Mähne und Beine, während die Umrisslinie des Tieres stellenweise offenbleibt, um die Lebendigkeit der Bewegung zu bewahren.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Bewegung lässt sich als Aufbäumen des Pferdes beschreiben; eine bestimmte Figur der Hohen Schule oder eine nach der Reitterminologie ausgeführte Courbette ist jedoch nicht dokumentiert.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eJosep Miquel Serrano\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eJosep Miquel Serrano i Serra (1912–1982), auch als José Miguel Serrano bezeichnet, war ein katalanischer Künstler, der bei Francesc Labarta und Xavier Nogués ausgebildet wurde. Der expressive Einsatz von Linie und Lavierung ordnet die Zeichnung in den Bereich seines figurativen Schaffens ein, wobei eine genaue Datierung dokumentarische Belege erfordert.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Josep Miquel Serrano i Serra (1912–1982); Zuschreibung gestützt auf die Signatur „Serrano“.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBeschreibender Titel:\u003c\/strong\u003e Sich aufbäumendes Pferd, Bewegungsstudie.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEpoche:\u003c\/strong\u003e 20. Jahrhundert; genaues Datum nicht bestimmt.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Mit dem Pinsel aufgetragene Tusche und Lavierung auf Papier; visuelle Bestimmung noch zu bestätigen.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 47 × 46,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e „Serrano“, in der unteren rechten Ecke.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Warm getöntes Papier mit einigen Alterungsspuren; die Komposition bleibt gut lesbar.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Notiz des Ateliers\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDie Zeichnung bündelt ihre Energie in der Halskrümmung und dem aufgerichteten Körper. Die Hintergrundlavierung rahmt die Bewegung, ohne den ausgesparten Papierflächen ihre Leichtigkeit zu nehmen.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52856041046349,"sku":null,"price":170.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0405_01_2bf5d277-641e-458b-bf9c-bb4486b2d686.jpg?v=1792678796"},{"product_id":"maite-gonzalez-naturaleza-muerta-con-ciclamenes-realismo-intimista-linografia-ejemplar-unico-1-1","title":"Maite González — Stillleben mit Alpenveilchen — Linolschnitt (einziges Exemplar, 1\/1)","description":"\u003cp\u003eEin Blumentopf steht im Vordergrund dieses kleinen Stilllebens von Maite González. Grün und Ocker verbinden die Pflanzen, den Obstkorb und den Hintergrund aus waagerechten Linien.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEin Innenraum aus Linien\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer verzierte Topf zieht die Aufmerksamkeit nach rechts, während der Obstkorb die linke Seite einnimmt. Lange Blätter im Hintergrund erweitern die Komposition. Feine Striche und Schraffuren unterscheiden Blütenblätter, Laub, Korbgeflecht und die Fläche, auf der die Gegenstände stehen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eVon Grün zu Ocker\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eIm unteren Bereich und an einzelnen Konturen ist das Grün am kräftigsten; Ockertöne erscheinen in den Früchten, am Topf und im Hintergrund. Helle Papierflächen halten die Formen offen. Der Druck ist auf 2005 datiert und trägt die Nummerierung „1\/1“.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerin:\u003c\/strong\u003e Maite González.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Stillleben mit Alpenveilchen im Topf und Obst.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eJahr:\u003c\/strong\u003e 2005.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Linolschnitt auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEdition:\u003c\/strong\u003e 1\/1 (einziges Exemplar).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 16 × 15 cm (Bildmaß). Papier mit breiten Rändern.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Unten rechts mit Bleistift „Maite González '05“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantiertes 30-tägiges Rückgaberecht zur persönlichen Begutachtung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Rundungen von Korb und Topf stehen den waagerechten Linien des Hintergrunds gegenüber. Im oberen Teil unterbrechen Blüten und Blätter diese Regelmäßigkeit. Der allmähliche Wechsel von Grün zu Ocker verbindet die Gegenstände; die hellen ausgesparten Papierflächen trennen ihre Umrisse.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52856888394061,"sku":"ETC-52856888394061","price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0006_2204b3f2-14f1-4ce9-b702-abffd8a4409c.jpg?v=1790437113"},{"product_id":"lourdes-mojica-antiga-casa-figueres-barcelona-expresionismo-urbano-oleo-sobre-carton-1997","title":"Lourdes Mojica — Antiga Casa Figueres (Barcelona, 1997) — Öl auf Karton","description":"\u003cp\u003eEine leuchtende, farbenreiche Interpretation des Modernisme-Gebäudes an der Rambla, begleitet von Unterlagen des Cercle Artístic de Sant Lluc.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIn dieser Arbeit von 1997 zeigt Lourdes Mojica ihre persönliche Ansicht der Antiga Casa Figueres in Barcelona, heute die Konditorei Escribà an der Rambla. Statt fotografischen Realismus verwendet sie eine dem Expressionismus nahestehende Bildsprache.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eKräftige schwarze Konturen begrenzen die Architektur wie Bleiruten eines Glasfensters und fassen gesättigte Farben ein. Trencadís-Mosaiken, Bogenformen und die Eckskulptur werden mit Kadmiumgelb, Türkisblau und Violett angedeutet.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Beleuchtung lässt an Abend oder Nacht denken: Künstliches Licht aus dem Ladeninneren bringt die Schaufenster zum Leuchten. Der Karton als häufiger Bildträger für Freilichtmalerei und rasche Studien verleiht der Ölfarbe eine matte, weich wirkende Textur.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerin:\u003c\/strong\u003e Lourdes Mojica Ferrer.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Antiga Casa Figueres.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1997.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Öl auf Karton.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 35 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Unten rechts mit „L. Mojica 97“ signiert.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eZertifikat:\u003c\/strong\u003e Mit einem rückseitig angebrachten Echtheitszertifikat des Cercle Artístic de Sant Lluc (Ausstellung Petit Format al Cercle).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Tadellos. Das Werk wurde nie aus seiner ursprünglichen Kunststoffverpackung ausgepackt.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantierte Rückgabe innerhalb von 30 Tagen, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eSchwarze Konturen trennen die Farbflächen und betonen die ornamentale Zeichnung der Fassade. Gelb, Türkis und Violett beschreiben Bögen, Mosaiken und Schaufenster durch gesättigte Farbflecken. Das Innenlicht kontrastiert mit den Außentönen und lenkt den Blick auf den Eingang.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-taller-author=\"lourdes-mojica\"\u003e\u003ca href=\"\/de\/pages\/lourdes-mojica-ferrer\"\u003eWerke von Lourdes Mojica Ferrer entdecken\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52858201571661,"sku":null,"price":320.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0127_01_0dae5c7a-42fc-4821-8874-55aaaf088b62.jpg?v=1792282316"},{"product_id":"lourdes-mojica-fachada-urbana-apunte-del-natural-expresionismo-oleo-sobre-carton","title":"Lourdes Mojica — Urbane Fassade (Skizze nach der Natur) — Öl auf Karton","description":"\u003cp\u003e\u003ci\u003eEine lebendige, gestische Darstellung urbaner Architektur, in der die Farbe Volumen und Straßenatmosphäre entstehen lässt.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIn diesem Werk nähert sich Lourdes Mojica der Stadtlandschaft aus einer expressionistischen Perspektive. Statt die Architektur streng nachzuzeichnen, fängt sie mit Ölfarbe den Eindruck einer Fassade ein. Die zügig vor Ort ausgeführte Studie vermittelt die psychologische Wirkung der Fassade in einem bestimmten Augenblick.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie vertikale Komposition konzentriert sich auf einen Architekturausschnitt. Mojica baut das Gebäude aus Blöcken gesättigter Farbe auf: Gelb- und Ockertöne deuten künstliche Beleuchtung an, während tiefes Blau und Violett die zurückliegenden Eingänge und Schlagschatten markieren.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Künstlerin trägt die Ölfarbe großzügig auf, vermutlich mit einem Malmesser oder breiten Pinsel, und schafft eine reich strukturierte Oberfläche. Farbflächen haben Vorrang vor der Linie: Das Bild vermittelt die Lebendigkeit der Stadt, statt ihre Ziegel im Einzelnen zu beschreiben.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerin:\u003c\/strong\u003e Lourdes Mojica Ferrer.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Urbane Fassade \/ Architekturstudie.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Öl auf Karton.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 42 × 27 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Unten rechts mit „L. Mojica“ signiert.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Gut. Die Farbe wirkt frisch und haftet gut auf dem Bildträger.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantierte Rückgabe innerhalb von 30 Tagen, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eWenige gezielt gesetzte Farbflächen bauen die Fassade auf. Mojica vermittelt die Präsenz des Gebäudes, ohne jedes Detail zu zeichnen; die vereinfachten Formen strukturieren die Architektur.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-taller-author=\"lourdes-mojica\"\u003e\u003ca href=\"\/de\/pages\/lourdes-mojica-ferrer\"\u003eWerke von Lourdes Mojica Ferrer entdecken\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52858312098125,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0115_01_f4830129-bde2-4721-b2a9-a602cb1d45ad.jpg?v=1792282239"},{"product_id":"francois-antoine-aveline-vista-optica-de-paris-desde-el-pont-royal-grabado-original-s-xviii-coloreado-de-epoca","title":"Pierre Aveline — Paris vom Pont Royal aus — Handkolorierter Druck auf Papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eEin Panorama der Seine und des Pont Royal, in dem Brücken, Gebäude und Boote durch eine weit in die Tiefe führende Perspektive verbunden sind.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003ePierre Aveline und die topografische Ansicht\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003ePierre Aveline (um 1656–1722) war ein auf topografische Ansichten spezialisierter Druckgrafiker, Verleger und Druckgrafikhändler. Dieses Werk gehört zu einer Gruppe von drei Aveline-Drucken in der Sammlung.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eDie Komposition\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDie Ansicht entspricht der Komposition „Veuë et Perspective de la Ville de Paris du côté du Pont Roial“, die von den Beaux-Arts de Paris als Werk Pierre Avelines aus dem 17. Jahrhundert katalogisiert wird. Der Pont Royal nimmt den Vordergrund ein; dahinter führen beide Ufer und die aufeinanderfolgenden Brücken den Blick ins Innere von Paris. Die monumentale Architektur steht im Kontrast zu den kleinen Booten, die den Fluss beleben.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie gravierten Linien definieren die Architektur und die Einzelheiten der Szene. Die Kolorierung schafft Kontraste zwischen Wasser, Gebäuden und Himmel und macht die unterschiedlichen Entfernungen und Schwerpunkte der Komposition erkennbar.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkangaben\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Pierre Aveline (um 1656–1722).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Veuë et Perspective de la Ville de Paris du côté du Pont Roial.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung der Komposition:\u003c\/strong\u003e 17. Jahrhundert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Handkolorierter Druck auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErfasste Maße:\u003c\/strong\u003e 32,5 × 50 cm (Höhe × Breite; Plattenabdruck \/ sichtbares Papier).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerinschrift:\u003c\/strong\u003e “Aveline fecit et excudit C.P.R.”\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung; aus derselben Gruppe wie die beiden anderen Aveline-Drucke.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Guter Gesamtzustand. Lebendige Farben.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantierte Rückgabefrist von 30 Tagen, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie räumliche Tiefe trägt diese Komposition. Gebäude an beiden Ufern rahmen den Fluss, und die aufeinanderfolgenden Brücken markieren die Entfernung. Die Kolorierung erleichtert das Lesen einer Szene, die besonders reich an Architektur und Flussleben ist.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52867321495885,"sku":"ETC-52867321495885","price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0114_0171ed5c-070d-4932-82a1-0c344fbd9f0f.jpg?v=1792246660"},{"product_id":"francois-antoine-aveline-cartagena-vista-fantastica-colonial-grabado-original-s-xviii-curiosidad-cartografica","title":"Pierre Aveline — Cartagena de Indias — Handkolorierter Druck auf Papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eEin Hafenpanorama von Cartagena mit Schiffen, Befestigungen und einer Stadt, die sich im Hintergrund ausbreitet.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003ePierre Aveline und die topografische Ansicht\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003ePierre Aveline (um 1656–1722) war ein auf topografische Ansichten spezialisierter Druckgrafiker, Verleger und Druckgrafikhändler. Dieses Werk gehört zu einer Gruppe von drei Aveline-Drucken in der Sammlung.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eDie Komposition\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDie Inschrift verortet Cartagene in „l’Amérique Australe“ und bezeichnet es als „Ville d’Espagne“, eine Formulierung aus dem kolonialen Kontext. Die Szene vereint einen befestigten Turm im Vordergrund, Segelschiffe und eine ausgedehnte städtische Uferfront. Das Meer und die Bewegung der Schiffe gliedern die Komposition, während die Farbe zwischen Stein, Wasser und den verschiedenen Ebenen des Hafens unterscheidet.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Bildunterschrift nennt den „Fleuve Cavé“. Der historische Text bleibt als Bestandteil des Drucks erhalten.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie gravierten Linien definieren die Architektur und die Einzelheiten der Szene. Die Kolorierung schafft Kontraste zwischen Wasser, Gebäuden und Himmel und macht die unterschiedlichen Entfernungen und Schwerpunkte der Komposition erkennbar.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkangaben\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Pierre Aveline (um 1656–1722).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Cartagene, Ville d’Espagne.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Handkolorierter Druck auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErfasste Maße:\u003c\/strong\u003e 32,5 × 50 cm (Höhe × Breite; Plattenabdruck \/ sichtbares Papier).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerinschrift:\u003c\/strong\u003e “Fait par Aveline C.P.R.”\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung; aus derselben Gruppe wie die beiden anderen Aveline-Drucke.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Guter Gesamtzustand. Lebendige Farben.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantierte Rückgabefrist von 30 Tagen, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer Turm im Vordergrund und die Weite der Bucht verleihen diesem Blatt eine bühnenhafte Präsenz. Segel, Flaggen und der Rhythmus des Wassers laden dazu ein, den Blick durch das Bild wandern zu lassen. Sein Reiz liegt in dieser historischen Sicht auf eine Hafenstadt und im Reichtum der Einzelheiten.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52867341386061,"sku":"ETC-52867341386061","price":130.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0120_8aa3d552-dd2c-41ae-9e4e-167a5811f838.jpg?v=1792246718"},{"product_id":"francois-antoine-aveline-notre-dame-y-la-isla-de-saint-louis-grabado-s-xviii-documento-historico-de-paris","title":"Pierre Aveline — Notre-Dame und die Île Saint-Louis — Handkolorierter Druck auf Papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eEine Ansicht der Seine, in der die Architektur der Insel und das Treiben an den Ufern ein Panorama mit großer räumlicher Tiefe bilden.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003ePierre Aveline und die topografische Ansicht\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003ePierre Aveline (um 1656–1722) war ein auf topografische Ansichten spezialisierter Druckgrafiker, Verleger und Druckgrafikhändler. Dieses Werk gehört zu einer Gruppe von drei Aveline-Drucken in der Sammlung.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eDie Komposition\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDie Bildunterschrift bezeichnet die ehemalige „Isle Nostre Dame“, heute Île Saint-Louis, von der Seite des Hauses von Bretonvilliers aus gesehen. Die Gebäude der Insel nehmen die rechte Bildhälfte ein, während die Türme von Notre-Dame im Hintergrund erscheinen. Boote, Figuren und die Arbeit am Ufer verleihen der Szene einen menschlichen Maßstab.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie gravierten Linien definieren die Architektur und die Einzelheiten der Szene. Die Kolorierung schafft Kontraste zwischen Wasser, Gebäuden und Himmel und macht die unterschiedlichen Entfernungen und Schwerpunkte der Komposition erkennbar.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkangaben\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Pierre Aveline (um 1656–1722).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Veüe et Perspective de l’Isle Nostre Dame du costé de la Maison de Monsr. de Bretonvilliers.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Handkolorierter Druck auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErfasste Maße:\u003c\/strong\u003e 32,5 × 50 cm (Höhe × Breite; Plattenabdruck \/ sichtbares Papier).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerinschrift:\u003c\/strong\u003e „fait par Aveline à Paris avec Privil. du Roy“.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung; aus derselben Gruppe wie die beiden anderen Aveline-Drucke.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Guter Gesamtzustand. Lebendige Farben.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantierte Rückgabefrist von 30 Tagen, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer Reiz dieser Ansicht liegt im Gleichgewicht zwischen Architektur und Fluss. Die Abfolge der Bildebenen führt den Blick von den Figuren im Vordergrund bis zur Silhouette der Stadt. Die Farbe unterscheidet die Flächen, ohne die gravierte Zeichnung zu verdecken.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52867376644429,"sku":"ETC-52867376644429","price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0127_d2fcb0ab-3159-4805-9304-b4d1ac38934a.jpg?v=1792246770"},{"product_id":"miguel-ros-blasco-paul-cezanne-y-vasijas-negras-neoexpresionismo-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Miguel Ros Blasco — „Paul Cézanne“ und schwarze Gefäße — Mischtechnik auf Papier","description":"\u003cp\u003eZwei schwarze Formen mit geschwungenen Umrissen heben sich von roten Farbflecken ab. Der grüne Schriftzug „Paul Cézanne“ durchzieht den oberen Teil dieses auf 1990 datierten Werkes von Miguel Ros Blasco.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDer Name und das Bild\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer geschriebene Verweis auf Cézanne ist in den Bildraum eingebunden, neben Formen, die dem Ganzen den Charakter eines Stilllebens geben. Schwarze Konturen verbinden kompakte Partien mit offenen Strichen; kleine grüne Akzente wiederholen sich im Inneren der Figuren.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eRot, Schwarz und Grün\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRote Farbflecken bleiben zwischen den Umrissen und um sie herum sichtbar. Schwarz besitzt das größte optische Gewicht; Grün tritt sowohl im oberen Schriftzug als auch in feinen Linien an den Rändern hervor. Unbemalte Papierflächen trennen diese Elemente.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Miguel Ros Blasco.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Stillleben mit dem Schriftzug „Paul Cézanne“.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eJahr:\u003c\/strong\u003e 1990.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 60 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur und Inschriften:\u003c\/strong\u003e Handschriftlich „M. Ros 90“ unten links signiert. Oben der Schriftzug „Paul Cézanne“.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut. Lebendige Farben und Papier ohne Verformungen.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantiertes 30-tägiges Rückgaberecht zur persönlichen Begutachtung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer große geschwungene Umriss rechts führt den Blick zum oberen Schriftzug. Links schafft das senkrechtere Profil einen anderen Rhythmus. Das wiederkehrende Grün verbindet die Buchstaben mit kleinen Details der schwarzen Formen, während Rot als gemeinsame Fläche sichtbar bleibt.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953244041549,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0141_a62b960e-70b8-48dc-acbb-c91c9f0284ce.jpg?v=1793468223"},{"product_id":"miguel-ros-blasco-brau-toro-en-rojo-y-negro-neoexpresionismo-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Miguel Ros Blasco — Brau (1990) — Mischtechnik auf Papier","description":"\u003cp\u003eEine aus schwarzen Strichen aufgebaute Stierfigur durchzieht ein Feld roter Farbflecken. Miguel Ros Blasco verbindet in diesem Werk von 1990 breite Gesten, feine Linien und einen kleinen grünen Kreis.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDie Figur in Bewegung\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eGebogene Hörner ragen über dem Kopf auf, während Rücken, Beine und Schwanz in unterschiedlich breiten Pinselstrichen auslaufen. Die Silhouette bleibt ohne kleinteilige anatomische Modellierung erkennbar. Richtungswechsel der Striche vermitteln Bewegung.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDie Kontraste des Papiers\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRote Farbflecken breiten sich hinter der Figur aus und bleiben zwischen den dunklen Partien sichtbar. Der grüne Kreis oben und Linien derselben Farbe setzen einen zusätzlichen Kontrast. Helle Papierflächen trennen die Gesten und halten die Umrisse lesbar.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Miguel Ros Blasco.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Brau (Stier).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eJahr:\u003c\/strong\u003e 1990.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 60 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur und Inschriften:\u003c\/strong\u003e Handschriftlich „M. Ros 90“ unten rechts signiert. Unten links „BRAU“ betitelt.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Ausgezeichnet. Gesättigte Farben und sauberes Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantiertes 30-tägiges Rückgaberecht zur persönlichen Begutachtung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eSchwarze Striche bündeln das Gewicht der Stierfigur und beschreiben lange gebogene Hörner. Beine und Schwanz laufen in offenen Linien aus; rote Farbflecken bleiben zwischen den dunklen Pinselstrichen sichtbar. Der kleine grüne Kreis oben und die feinen Linien derselben Farbe stehen im Kontrast zum Rot. Unbemalte Papierflächen trennen die Gesten und machen die Silhouette lesbar.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953282871629,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0155_01_e52ddb17-2f9f-4237-8fed-43b5fcf0a94f.jpg?v=1792678217"},{"product_id":"yves-brayer-caballos-en-la-camarga-figuracion-francesa-litografia-a-color","title":"Yves Brayer — Pferde in der Camargue — Farblithografie","description":"\u003cp\u003ePferde und Fohlen stehen am Wasser zwischen Blau-, Ocker- und Orangetönen. Yves Brayer baut die Szene aus schwarzen Umrissen, großen hellen Flächen und waagerechten Landschaftsbändern auf.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003ePferde in einer offenen Landschaft\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eYves Brayer (1907–1990) war ein französischer figurativer Maler, der mit den Landschaften der Provence und der Camargue verbunden ist. In dieser Lithografie stehen ein helles Pferd und ein Fohlen im Vordergrund. Weitere Pferde gruppieren sich am Wasser und führen den Blick zum niedrigen Horizont.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDer Gegensatz zwischen Wasser und Vegetation\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Blautöne des Wassers und des Himmels stehen den warmen Farben des Bodens und des Strauchs rechts gegenüber. Dunkle Striche bestimmen die Tierkörper und Zweige, während die hellen Pferde zwischen den Farbflächen hervortreten. Vögel und ein kleines Gebäude erweitern den Raum jenseits der Hauptgruppe.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Yves Brayer.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Pferde und Fohlen in der Camargue.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEntstehungszeit:\u003c\/strong\u003e Zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Farblithografie auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 56,5 × 67,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Signatur „Yves Brayer“ unten rechts, als Bestandteil der Darstellung mitgedruckt.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut. Leicht gebräuntes Papier und klare Darstellung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantiertes 30-tägiges Rückgaberecht zur persönlichen Begutachtung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Pferde bilden eine Folge vom Paar im Vordergrund bis zu den Tieren im Hintergrund. Der orangefarbene Strauch rechts gleicht den hellen Körper des Pferdes aus. Blaue Wasserbänder verbinden beide Seiten und halten die Landschaft zwischen den Figuren offen.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953351487821,"sku":null,"price":165.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0368_bf241def-f2ac-4b20-a525-fdf3fa36443c.jpg?v=1792678439"},{"product_id":"josep-canyada-tecnica-mixta-original-horizonte-materico-tierras-1988","title":"Josep Canyada — Strukturierter Horizont in Erdtönen (1988) — Mischtechnik","description":"\u003cp\u003eErdtöne, helle Striche und ein blaues Band gliedern diese auf 1988 datierte Komposition von Josep Canyada. Spuren auf der Oberfläche deuten eine Landschaft an, ohne einen bestimmten Ort darzustellen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEin Horizont aus Flecken und Strichen\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eBraun-, Ocker- und Grautöne breiten sich in Bändern und verschieden gerichteten Wischspuren aus. Eine gelbliche Zone durchzieht die Mitte, während sich Blau nahe dem oberen Rand konzentriert. Diese Verteilung lässt innerhalb der abstrakten Komposition eine Trennung zwischen Erde und Himmel erkennen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDie Oberfläche als Teil der Landschaft\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eHelle Linien, gezogene Farbspuren und unterschiedliche Farbdichte machen die Textur sichtbar. Manche Spuren durchqueren größere Farbflächen, andere bilden kleine Unterbrechungen. Das Verhältnis zwischen dem Grundton und den darüberliegenden Spuren verbindet das Ganze.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Josep Canyada.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Abstrakte Landschaft. Strukturierter Horizont in Erdtönen.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eJahr:\u003c\/strong\u003e 1988.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik mit gezogenen Pigmentspuren auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 37 × 52,5 cm (Werk) | 53,5 × 68,5 × 3 cm (mit Rahmen).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur und Inschriften:\u003c\/strong\u003e Handschriftlich „Canyada 88“ unten rechts signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Sekundärer Kunstmarkt, Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantiertes 30-tägiges Rückgaberecht zur persönlichen Begutachtung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDas obere blaue Band steht der ausgedehnten Fläche aus Erdtönen gegenüber. In der Mitte schafft Gelb eine Pause zwischen dunkleren Spuren. Weiße Striche durchziehen diese Bereiche und eröffnen neben der waagerechten Landschaftslesung einen Weg über die Oberfläche.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953374589261,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0016_30464fc6-9d13-47d5-b159-448ff799b7c8.jpg?v=1790817963"},{"product_id":"isabel-dartiguelongue-acrilico-original-abstraccion-expresionista-rojo-oliva","title":"Isabel Dartiguelongue — Farbspannung in Rot und Oliv — Acryl auf Karton","description":"\u003cp\u003eRote Bänder, grüne Wischspuren und dunkle Bereiche gliedern diese abstrakte Komposition von Isabel Dartiguelongue. Der geschwungene Strich rechts steht den senkrechteren Flächen in der Mitte und an den Rändern gegenüber.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFarbflächen und Bewegung\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eOlivgrün und Erdtöne bilden ein Feld weicher Abstufungen, das rote und dunkelbraune Partien durchziehen. Einige Bereiche zeigen die Richtung der Pinselborsten, andere sind stärker bedeckt. Die Kontraste lassen Schichten und Bewegungsverläufe erkennen, ohne auf erkennbare Figuren zurückzugreifen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eRot und helle Zwischenräume\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRot erscheint in den seitlichen Bändern sowie in kleinen Laufspuren und Spritzern in der Mitte. Helle Bereiche unterbrechen die grünen Wischspuren und öffnen die Komposition. Die große geschwungene Geste rechts setzt eine andere Bewegung als die senkrechten Bänder.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerin:\u003c\/strong\u003e Isabel Dartiguelongue (Argentinien).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Abstrakte Komposition in Rot und Oliv.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEntstehungszeit:\u003c\/strong\u003e Zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts (ca. 1980–1990).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Acryl auf Karton.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 52 × 79 cm (Werk) | 67 × 94 × 3 cm (mit Rahmen).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur und Inschriften:\u003c\/strong\u003e Unten rechts signiert „Dartiguelongue“.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Sekundärer Kunstmarkt, Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantiertes 30-tägiges Rückgaberecht zur persönlichen Begutachtung des Werkes.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eSenkrechte Flächen bündeln das Gewicht von Rot und Dunkelbraun. Daneben lassen grüne Wischspuren Pinsellinien und helle Bereiche des Bildträgers sichtbar. Kleine Spritzer in der Mitte verbinden zwei Arten des Farbauftrags: die ausgedehnte Fläche und die punktuelle Geste.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52959472025933,"sku":null,"price":480.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0285_0b2452ec-b823-45ce-a554-82e07945f173.jpg?v=1790871881"},{"product_id":"atribuido-opisso-mir-nonell-catalogo","title":"Ricard Opisso zugeschrieben — Joaquim Mir e Isidre Nonell. Evocació — Katalogeintrag","description":"\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eWERK IN UNTERSUCHUNG UND AUTHENTIFIZIERUNG\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDieses Werk wird derzeit untersucht und auf seine Echtheit geprüft.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAus diesem Grund steht das Werk derzeit nicht zum Verkauf und kann nicht direkt über die Website erworben werden.\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAnfragen zu diesem Katalogeintrag werden ausschließlich zu dokumentarischen Zwecken bearbeitet. Solange die Untersuchung läuft, werden keine Käufe, Reservierungen oder Angebote für dieses Werk angenommen.\u003c\/p\u003e\n\u003chr\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eZwei männliche Figuren stehen in einer erinnernden Komposition, die durch eine kraftvolle Zeichnung und große Aquarellflächen in Ocker-, Erd- und Orangetönen gestaltet ist.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDas Werk selbst liefert einen wesentlichen Schlüssel zur Deutung der Szene. Neben den Figuren steht eine handschriftliche Inschrift, die \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJoaquim Mir e Isidre Nonell\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e benennt, begleitet von dem Wort \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Evocació»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e. Die Komposition scheint daher nicht als herkömmliches Porträt konzipiert zu sein, das notwendigerweise vor den Modellen entstand, sondern als Erinnerung an zwei bedeutende Vertreter der katalanischen Malerei des frühen 20. Jahrhunderts.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDas Werk trägt außerdem eine Signatur \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Opisso»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, die zusammen mit seinen zeichnerischen und stilistischen Merkmalen die Grundlage der derzeitigen Untersuchung der Urheberschaft bildet.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDie vorgeschlagene Zuschreibung verweist auf \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRicard Opisso i Sala (Tarragona, 1880 – Barcelona, 1966)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, einen Zeichner, der eng mit dem künstlerischen Umfeld des modernistischen Barcelona verbunden war und besonders für seine außergewöhnliche Fähigkeit bekannt ist, Personen, Zusammenkünfte, Straßen und Szenen der Gesellschaft seiner Zeit festzuhalten.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eOpisso kannte das kulturelle Umfeld, in dem Joaquim Mir und Isidre Nonell ihre Laufbahnen entwickelten, aus eigener Anschauung. Dies bietet einen historisch schlüssigen Kontext für eine als „Evokation“ gedachte Komposition.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eEine Erinnerung an Mir und Nonell\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDie handschriftliche Benennung der Figuren ist besonders aufschlussreich.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJoaquim Mir\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e und \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eIsidre Nonell\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e gehörten einer Generation an, die entscheidend zur Veränderung der katalanischen Malerei um 1900 beitrug, obwohl sie jeweils eine sehr persönliche und voneinander unterschiedliche Bildsprache entwickelten.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eIn diesem Werk sind sie nicht mit der Feierlichkeit eines offiziellen Porträts dargestellt. Die Figuren entstehen durch eine rasche Zeichnung mit ausgeprägt grafischem Charakter, in der die Silhouette, die Körperhaltung und wenige individualisierende Merkmale im Vordergrund stehen.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDas Wort \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Evocació»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e eröffnet außerdem eine Dimension des Erinnerns. Es scheint nicht nur benennen zu wollen, wer die Figuren sind: Es verwandelt das Bild in eine Erinnerung oder Rekonstruktion von Personen eines bestimmten künstlerischen Umfelds.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eTechnik und Komposition\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDas Werk verbindet breite Aquarelllasuren mit einem deutlich kräftigeren dunklen Strich.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDer Hintergrund ist in warmen, verdünnten Farbtönen angelegt, die eine wenig festgelegte Atmosphäre schaffen, während die Figuren durch dichtere und unmittelbarere Linien hervortreten. Dieser Gegensatz zwischen einem diffusen farblichen Umfeld und der dunklen Zeichnung der Figuren verleiht der Komposition eine bemerkenswerte visuelle Kraft.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDer Bildträger mit seinen für eine Kabinettgrafik beträchtlichen Abmessungen ermöglicht den Figuren eine größere Präsenz als kleine Studien oder redaktionelle Illustrationen.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDas Werk misst \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e40,5 × 29,5 cm\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eWerkdaten\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDerzeit untersuchte Zuschreibung:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Ricard Opisso i Sala (1880–1966)\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitel \/ Inschrift:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eJoaquim Mir e Isidre Nonell. Evocació\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eVorgeschlagene Datierung:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e erste Hälfte des 20. Jahrhunderts\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnik:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Mischtechnik mit Aquarell und dunklem, fetthaltigem Zeichenmaterial auf dickem Papier\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMaße:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 40,5 × 29,5 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSignatur:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e trägt die Signatur «Opisso» am rechten Rand\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInschriften:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «Joaquim Mir i l'Isidre Nonell \/ Evocació»\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eProvenienz:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Privatsammlung\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eErhaltungszustand:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e sichtbar sehr guter Gesamtzustand mit Patina und Alterungsspuren, die mit dem Bildträger vereinbar sind\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAktueller Status:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e in Untersuchung und Authentifizierung; nicht zum Verkauf verfügbar\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eZur Zuschreibung\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDie Zuschreibung an \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRicard Opisso\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e wird derzeit untersucht.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eBei der Untersuchung werden die Signatur auf dem Werk, die handschriftlichen Inschriften, die verwendete Technik, die Merkmale der Zeichnung, der historische Kontext der dargestellten Personen sowie der Vergleich mit dokumentierten Arbeiten des Künstlers gemeinsam berücksichtigt.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eBis dieser Prozess abgeschlossen ist, \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003epräsentiert El Taller del Coleccionista dieses Werk nicht als authentische oder zertifizierte Arbeit von Ricard Opisso\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDie in diesem Eintrag enthaltenen Verweise auf den Künstler beschreiben ausschließlich die \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ederzeit untersuchte Zuschreibung\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e und den historischen und künstlerischen Kontext, der ihr zugrunde liegt.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eKünftige Änderungen der Zuschreibung werden mit dem Fortschreiten der Untersuchung in diesen Eintrag aufgenommen.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eDie Notiz des Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eBei manchen Werken ist die Untersuchung Teil ihrer eigenen Geschichte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDieses Werk kam mit mehreren Merkmalen in den Taller, die eine nähere Betrachtung rechtfertigten: einer Signatur «Opisso», zwei Figuren, die mit einer der bedeutendsten Epochen der katalanischen Kunst verbunden sind, und vor allem einer besonders anregenden Anmerkung: \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Joaquim Mir i l'Isidre Nonell \/ Evocació»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eGerade angesichts der Bedeutung, die eine Urheberschaft von Ricard Opisso hätte, haben wir uns entschieden, das Werk während der laufenden Untersuchung nicht auf dem Markt anzubieten.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDas Werk bleibt \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003evom Verkauf ausgeschlossen, bis uns ausreichende Anhaltspunkte für eine sicherere Katalogisierung vorliegen\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDieser Eintrag wird mit dem Fortschreiten der Zuschreibungsuntersuchung aktualisiert.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53456164946253,"sku":null,"price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0041_13b252de-cc32-4f38-ad99-800c1733564a.jpg?v=1791473861"},{"product_id":"humberto-jaimes-sanchez-rostro-cubista-1954","title":"Humberto Jaimes Sánchez — Kubistisches Gesicht, Rom 1954 — Öl auf Papier","description":"\u003cp\u003eEin Gesicht aus kantigen Flächen in Rot, Rosa, Erd- und Ockertönen. Humberto Jaimes Sánchez konzentriert die Komposition auf die länglichen Augen, die zentrale Nase und den waagerechten Mund, die durch dunkle Konturen und helle Striche bestimmt werden.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eRom, 1954\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDas Werk trägt die Inschrift „H. Jaimes Sanchez 54 Roma“. Die von der Fundación Humberto Jaimes Sánchez veröffentlichte Chronologie datiert seine Reise nach Europa auf Dezember 1954 und seinen Aufenthalt in Rom bis März 1955. Dieser Zusammenhang gehört zu einer frühen Phase im Schaffen des venezolanischen Malers.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDer Aufbau des Gesichts\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDreieckige Wangen- und Brauenformen gliedern das Gesicht in Farbflächen. Eine senkrechte schwarze Linie mit begleitendem weißem Strich bestimmt die Nase; Augen und Mund setzen waagerechte Rhythmen. Die Papierstruktur und Unterschiede in der Dichte des Farbauftrags bleiben auf der Oberfläche sichtbar.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Humberto Jaimes Sánchez (1930–2003).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Kubistische anthropomorphe Komposition (Studie aus Rom).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1954.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Öl auf Papier, auf Karton aufgezogen (maroufliert).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 11 × 20 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur und Inschriften:\u003c\/strong\u003e Unten rechts signiert, datiert und mit Ortsangabe: „H. Jaimes Sanchez 54 Roma“.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Archiv einer Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut. Die Farbschicht ist stabil und ohne Abplatzungen; die ursprüngliche Textur und matte Oberfläche sind erhalten.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRückgabe:\u003c\/strong\u003e 30 Tage Rückgabefrist, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie länglichen Augen und der waagerechte Mund stehen im Kontrast zur senkrechten Nasenlinie. Schwarze Konturen trennen rote, rosa und ockerfarbene Flächen; einzelne weiße Striche heben deren Ränder hervor. Die Asymmetrie der beiden Gesichtshälften und die sichtbare Oberflächenstruktur bringen Bewegung in die frontale Komposition.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53456245031245,"sku":null,"price":2000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0372_15f77c5a-ba14-4731-9670-5d213fb17dfe.jpg?v=1791040634"},{"product_id":"ricard-opisso-escena-costumbrista-encuentro-tinta-acuarela","title":"Ricard Opisso zugeschrieben — Genrestück „Das Treffen“ — Tinte und Aquarell","description":"\u003cp\u003eEin Zusammenprall zweier Welten, mit satirischer Brillanz und meisterhafter Linienführung festgehalten. Ein graphisches Zeitdokument, in dem die scharfe Sezierung der damaligen Gesellschaft in einem Kabinettformat mit außergewöhnlicher Montage präsentiert wird.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDie Prüfung der Moderne\u003c\/b\u003e Ricard Opisso (1880-1966) war eine Schlüsselfigur zum Verständnis der grafischen Entwicklung Kataloniens. Ausgebildet in Gaudís Werkstatt und gereift in den Zusammenkünften von Els Quatre Gats, wusste er die Essenz einer Zeit tiefgreifender gesellschaftlicher Veränderungen zu destillieren. Dieses Werk, das ihm aufgrund starker stilistischer, technischer und thematischer Ähnlichkeiten zugeschrieben wird, fungiert als soziologisches Dokument erster Güte. Es präsentiert jenen scharfen Blick, der in der Lage ist, mit Tinte und Wasser die Psychologie eines ganzen Landes zu synthetisieren, typisch für die besten historischen Titel der Illustration.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDer Zusammenprall zweier Katalonien\u003c\/b\u003e Die Szene stellt einen perfekten narrativen Kontrast dar, gelöst mit der unverkennbaren schwarzen, durchgehenden und dynamischen Linie, die dem Umfeld des Autors zugeschrieben wird. Auf der einen Seite die Figur des Stadtbürgers: mit runden Formen, sauberen Kleidern und einer statischen Haltung, der seine Jacke zart hält. Ihm gegenüber der Bauer: mager, drahtig, mit der traditionellen roten Barretina bedeckt und geflickte Hosen tragend.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDer visuelle Dialog ist faszinierend, aufgebaut auf einem zutiefst humanistischen Humor statt auf Dramatik. Der Schweißtropfen auf der Stirn des Bauern kontrastiert mit dem Hochmut im Gesicht des Stadtmannes. Die subtilen Aquarelllasuren konkurrieren nicht mit der Zeichnung, sondern umarmen sie, verleihen der Szene Tiefe und Atmosphäre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEine außergewöhnliche Montage\u003c\/b\u003e Was dieses Werk zu einem überaus besonderen Sammlerobjekt macht, ist seine Unterlage. Es ist nicht auf losem Papier konzipiert, sondern organisch auf einer Basis aus dunklem Leder montiert. Diese materielle Entscheidung verleiht ihm einen fast handwerklichen, taktilen und definitiven Charakter. Das Papier weist eine natürliche und unvollkommene Wellung auf, die das Ergebnis der Zeit und der manuellen Montage ist und eine „Lebenspatina“ verleiht, die uns direkt von einer sorgfältigen Werkstattarbeit erzählt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eKünstler:\u003c\/b\u003e Ricard Opisso i Sala (1880 - 1966) zugeschrieben.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTitel \/ Thema:\u003c\/b\u003e Alltagsszene (Die Begegnung).\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eEpoche:\u003c\/b\u003e Erste Hälfte des 20. Jahrhunderts.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTechnik und Unterlage:\u003c\/b\u003e Schwarze Tinte und Aquarell auf Papier, auf Leder montiert.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAbmessungen:\u003c\/b\u003e 13,5 x 13,5 cm (Maß des Werkes).\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eSignatur und Inschriften:\u003c\/b\u003e Zeigt die Inschrift \"Opisso\" in der unteren rechten Ecke.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eProvenienz:\u003c\/b\u003e Privatsammlung (mit Auktionshistorie).\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eErhaltungszustand:\u003c\/b\u003e Gut. Zeigt eine sehr ansprechende Alterspatina und eine organische Wellung des Papiers, die das Ergebnis der manuellen Montage auf dem Leder ist. Lebendige und stabile Farben.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eDie Notiz des Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer Gegensatz der beiden Figuren entsteht durch ihre Haltung, ihren Ausdruck und ihre Kleidung. Die rundlichen Formen des Stadtmannes stehen der schlankeren Gestalt des Bauern mit roter Barretina und geflickter Hose gegenüber. Schwarze Konturen ordnen die Szene, während leichte Aquarelllasuren Tiefe schaffen. Das Papier ist auf dunklem Leder montiert.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-taller-blog-reference=\"20261019\"\u003eDie Szene wird in unserem historischen Überblick über \u003ca href=\"\/de\/blogs\/cronicas\/ricard-opisso-cronista-modernismo\"\u003eRicard Opisso, die katalanische Illustration und seine Alltagsszenen\u003c\/a\u003e besprochen.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53456896393549,"sku":null,"price":550.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0359_70527948-0ac7-40dd-94bb-997e770d3f0a.jpg?v=1791038261"},{"product_id":"anita-sola-dimbert-composicion-estructural-en-rojo-y-negro-abstraccion-geometrica-tecnica-mixta","title":"Anita Solà d’Imbert — Strukturelle Komposition in Rot und Schwarz — Mischtechnik auf Papier","description":"\u003cp\u003eAbstrakte Komposition von Anita Solà d’Imbert, in der rote Dreiecksflächen mit schwarzen Linien und grauen Schattierungen auf hellem Papier zusammentreffen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLinien und Farbflächen\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLange Diagonalen und spitze Formen erweitern die Struktur zu den Seiten. Die schwarzen Striche wechseln in ihrer Stärke und verbinden Geraden mit Kurven, während Rot einige der zeichnerisch begrenzten Flächen füllt.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDas Papier als Raum\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eFreie helle Bereiche trennen die Formen und halten die Komposition offen. Graue Schattierungen schaffen Dichteunterschiede neben den roten Flächen. So verbindet sich geometrische Präzision mit der sichtbaren Struktur des Strichs.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerin:\u003c\/strong\u003e Anita Solà d’Imbert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Strukturelle Komposition in Rot und Schwarz.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e Zeitgenössische Kunst.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik (Kohle, Tusche und Wachs\/rotes Pigment) auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 23,5 × 16 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Unten rechts von Hand „Anita Solà d'Imbert“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Archiv einer Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Ausgezeichnet. Der Bildträger ist sauber; die Pigmente bewahren Kontrast, Sättigung und Leuchtkraft ohne Anzeichen von Abbau oder Verlust der Fixierung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRückgabe:\u003c\/strong\u003e 30 Tage Rückgabefrist, um das Werk und seinen Zustand persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRote Dreiecksflächen stehen im Kontrast zu schwarzen Linien und grauen Schattierungen. Die Striche wechseln in ihrer Stärke und verbinden Geraden, Kurven und Kreuzungen, sodass die geometrische Struktur mit einer freieren Zeichnung zusammenwirkt. Der helle Hintergrund und kleine freie Bereiche zwischen den Formen lassen den Verlauf der Linie erkennen, ohne die Komposition zu einer geschlossenen Fläche zu verdichten.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53457106895181,"sku":null,"price":190.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0086_63056040-dd59-4075-83d2-5767b90371f8.jpg?v=1791634100"},{"product_id":"anita-sola-dimbert-forma-abstracta-en-verde-y-negro-informalismo-materico-acrilico-sobre-papel","title":"Anita Solà d’Imbert — Abstrakte Form in Grün und Schwarz, um 1965 — Mischtechnik auf Papier","description":"\u003cp\u003eAnita Solà d’Imbert, der Künstlername von Anna Solà Galí (Barcelona, 1906–1995), nimmt eine besondere Stellung in der katalanischen Nachkriegskunst ein. Nach einer ersten Phase mit figurativer Malerei, Landschaften und Stillleben entwickelte sie in den 1960er-Jahren eine informelle Bildsprache mit organischen Formen, Materialexperimenten und zunehmend freier Gestik.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDiese Komposition gehört stilistisch zu diesem informellen Ansatz. Auf der weiten hellen Papierfläche konzentriert sich eine unregelmäßige Struktur aus grünen, schwarzen, weißen und grauen Pigmenten. Im dunklen, kompakten Kern liegen die stärksten Materialansammlungen, während zahlreiche Ausläufer nach außen weisen und einen ausgeprägten Eindruck von Wachstum und Bewegung vermitteln.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Künstlerin verbindet flüssige Farbpartien mit pastosem Auftrag, gezogenen Spuren und Überlagerungen, die kleine Reliefs bilden. Weiß und Grau vermischen sich teilweise mit Schwarz und Grün und erzeugen Adern und innere Übergänge. Das freigelassene Papier übernimmt eine aktive Rolle: Es isoliert die zentrale Form und betont deren Ausdehnung.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eAufgrund technischer und stilistischer Gemeinsamkeiten lässt sich das Werk etwa in die Mitte der 1960er-Jahre einordnen, als Solà d’Imbert einige ihrer entschiedensten informellen Arbeiten vorstellte. Sein Interesse liegt sowohl in der gestischen Kraft der Komposition als auch in der Verbindung zu einer weniger bekannten Seite der Künstlerin, die heute von der Kunstgeschichtsschreibung und katalanischen Museen wiederentdeckt wird.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerin:\u003c\/strong\u003e Anita Solà d’Imbert — Anna Solà Galí (Barcelona, 1906–1995).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Abstrakte Form in Grün und Schwarz. Beschreibender Titel.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e Um 1965. Stilistische Datierung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik auf Acrylbasis auf schwerem Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 23,5 × 16 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Unten rechts „Anita Solà d’Imbert“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Guter Allgemeinzustand. Der Bildträger ist stabil, die Farbschicht bewahrt Relief und Haftung; das Papier zeigt leichte Altersspuren.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDas Werk ist besonders repräsentativ für die informelle Phase von Anita Solà d’Imbert. Im Gegensatz zu den später entwickelten geometrischen Kompositionen überwiegen hier Farbflecken, Relief und die organische Ausbreitung des Pigments. Das kleine Format bündelt eine beachtliche visuelle Energie und erlaubt es, die Mischungen, Adern und Ansammlungen der Oberfläche aus der Nähe zu betrachten.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53457112400205,"sku":null,"price":180.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0073_6dd87319-4f40-4fb1-bd76-c8cc8888dd80.jpg?v=1791634263"},{"product_id":"xavier-ubach-paisaje-atmosferico-con-arbol-sintesis-tonal-acuarela-original-sobre-papel","title":"Xavier Ubach — Atmosphärische Landschaft mit Baum — Aquarell auf Papier","description":"\u003cp\u003eAquarell von Xavier Ubach mit einem dunklen Baum links, einem niedrigen Zaun und waagerechten Landschaftsstreifen in Braun, Ocker und Schwarz.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDer Baum und die räumliche Tiefe\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eIn der Baumkrone konzentrieren sich die dichtesten Striche. Dahinter führen Zaun und Geländestreifen den Blick nach rechts. Weiche Lasuren bestimmen die fernen Hügel, getrennt durch helle Papierbereiche.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLasuren und trockene Striche\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie aufgebrochene Struktur von Vordergrund und Laub steht im Kontrast zu den stärker verdünnten Übergängen des Himmels. Kleine weiße Aussparungen unterbrechen die Farbstreifen und bringen Licht in die Landschaft.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Xavier Ubach.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Atmosphärische Landschaft (Schichten der Erinnerung).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e Zeitgenössische Kunst.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Original-Aquarell auf Papier mit Trockenpinseltechnik und Lasuren.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 16 × 23 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Unten rechts von Hand „XAVIER UBACH“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Archiv einer Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Ausgezeichnet. Das Papier ist fleckenfrei; die Pigmente bewahren ihre Kontraste von tiefem Schwarz bis zu den feinen Ockerlasuren des Himmels.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRückgabe:\u003c\/strong\u003e 30 Tage Rückgabefrist, um das Werk persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer dunkle Baum links bündelt die dichtesten Striche der Komposition. Gras und Erde im Vordergrund zeigen aufgebrochene Spuren, die mit den weicheren waagerechten Hügelstreifen kontrastieren. Der helle Himmel in Braun- und Ockertönen lässt der Landschaft Raum. Kleine weiße Papierreserven unterbrechen die Oberfläche und betonen den Gegensatz zwischen trockenen Partien und Lasuren.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53457161814349,"sku":null,"price":90.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0019_04.jpg?v=1772464282"},{"product_id":"henry-dresser-marsh-titmouse-carbonero-palustre-ilustracion-cientifica-del-s-xix-litografia-original","title":"Henry Dresser — Marsh Titmouse (Meisen) — Lithografie des 19. Jahrhunderts","description":"\u003cp\u003eOrnithologische Tafel aus A History of the Birds of Europe von Henry Eeles Dresser (1838–1915). Drei Vögel mit grauem und braunem Gefieder sowie dunklen Kopfplatten sitzen zwischen Zweigen und Blättern.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eOrnithologische Illustration\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDressers Veröffentlichung erschien in London zwischen 1871 und 1881, mit einem Ergänzungsband 1895–1896, und enthielt Arbeiten von Illustratoren wie J. G. Keulemans. Die Vögel sind in unterschiedlichen Haltungen dargestellt, um Profile, Flügel und Schwänze zu zeigen. Die unteren Beschriftungen bezeichnen zwei Exemplare als „Marsh Titmouse“ (Parus palustris) und das dritte als „Northern Marsh Titmouse“ (Parus borealis), entsprechend der aufgedruckten Nomenklatur.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eZeichnung und Präsentation\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eFeine Linien beschreiben Gefieder, Füße und Blattadern. Der helle Hintergrund trennt die Umrisse der Vögel und lässt Raum für die wissenschaftlichen Beschriftungen. Ein blaues Passepartout und ein Rahmen mit goldfarbenen Details umgeben die Komposition.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAutor der Veröffentlichung:\u003c\/strong\u003e Henry Eeles Dresser (1838–1915).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eHerkunftspublikation:\u003c\/strong\u003e A History of the Birds of Europe, London.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTafeltitel:\u003c\/strong\u003e 1. 2. Marsh Titmouse (Parus palustris). 3. Northern Marsh Titmouse (Parus borealis).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 19. Jahrhundert; Veröffentlichung 1871–1881, mit einem Ergänzungsband 1895–1896.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Original-Lithografie auf zeitgenössischem Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 24 × 31 cm (sichtbare Bildfläche). Rahmen inbegriffen.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInschriften:\u003c\/strong\u003e Gedruckte wissenschaftliche Beschriftungen am unteren Rand. Monogramm des Lithografen innerhalb der Darstellung, im unteren rechten Bereich.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Archiv einer Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut. Stabiles Papier mit leichter, gleichmäßiger Alterstönung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePräsentation:\u003c\/strong\u003e Professionelle Holzrahmung in Blau und Gold mit strukturiertem blauem Passepartout.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRückgabe:\u003c\/strong\u003e 30 Tage Rückgabefrist, um die Grafik persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie drei Vögel verteilen sich zwischen Zweigen und Blättern; ihre dunklen Köpfe und hellen Brustpartien setzen Kontraste. Die unterschiedlichen Haltungen zeigen Profile und Gefieder innerhalb einer einzigen Komposition. Der helle Hintergrund lässt Raum um jede Figur. Das blaue Passepartout trennt die Tafel vom Rahmen mit goldfarbenen Details.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53461230584141,"sku":null,"price":75.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0219_a8a23576-f4e0-4a8d-8a84-8896a1425535.jpg?v=1791853203"},{"product_id":"henry-dresser-azure-titmouse-herrerizo-cianeo-ilustracion-cientifica-del-s-xix-litografia-original","title":"Henry Dresser — Azure Titmouse (Lasurmeise) — Lithografie des 19. Jahrhunderts","description":"\u003cp\u003eOrnithologische Tafel aus A History of the Birds of Europe von Henry Eeles Dresser (1838–1915), mit zwei auf Zweigen sitzenden Lasurmeisen. Blaue Flügel und Schwänze stehen im Kontrast zum weißen und grauen übrigen Gefieder.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eIllustration und Inschriften\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDressers Veröffentlichung erschien in London zwischen 1871 und 1881, mit einem Ergänzungsband 1895–1896, und enthielt Arbeiten von Illustratoren wie J. G. Keulemans. Die Tafel bewahrt die Beschriftung „Azure Titmouse \/ Parus cyaneus“ und die Nummer 86 sowie ein Monogramm neben dem Zweig.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFarbe und Komposition\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eBeide Vögel sind nach rechts gewandt und sitzen auf unterschiedlicher Höhe. Feine Linien beschreiben Federn und Zweigdetails, während die blauen Partien vor dem hellen Hintergrund hervortreten. Grünes Laub umgibt besonders den unteren Vogel. Die Präsentation umfasst ein blaues Passepartout und einen vergoldeten Rahmen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAutor und Illustrator:\u003c\/strong\u003e Henry Eeles Dresser (1838–1915), Autor der Veröffentlichung. Lithografischer Illustrator: J. G. Keulemans, nach dem Monogramm in der Tafel zugeschrieben.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eHerkunftspublikation:\u003c\/strong\u003e A History of the Birds of Europe, London.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTafeltitel:\u003c\/strong\u003e Azure Titmouse (Parus cyaneus). Tafel 86.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 19. Jahrhundert; Veröffentlichung 1871–1881, mit einem Ergänzungsband 1895–1896.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik und Bildträger:\u003c\/strong\u003e Original-Lithografie auf hochwertigem zeitgenössischem Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 24 × 31 cm (sichtbare Bildfläche). Rahmen inbegriffen.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInschriften:\u003c\/strong\u003e Gedruckte Beschriftung am unteren Rand: „AZURE TITMOUSE. \/ PARUS CYANEUS. \/ 86“. Künstlermonogramm innerhalb der Zeichnung neben dem Zweig.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Archiv einer Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut. Stabiles Papier mit leichter, gleichmäßiger Alterstönung. Gut haftende Pigmente.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePräsentation:\u003c\/strong\u003e Professionelle Rahmung mit klassischem vergoldetem Holzrahmen und strukturiertem blauem Passepartout.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRückgabe:\u003c\/strong\u003e 30 Tage Rückgabefrist, um die Grafik persönlich zu prüfen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie beiden Vögel sitzen auf Zweigen und zeigen ihre Profile nach rechts. Blaue Flügel und lange Schwänze kontrastieren mit hellen Köpfen und Brustpartien. Grüne Blätter begleiten den unteren Vogel; der offene Hintergrund lässt Konturen und Gefiederzeichnung deutlich erkennen. Das blaue Passepartout nimmt die Farben der Vögel auf und trennt die Illustration vom vergoldeten Rahmen.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53461241004365,"sku":null,"price":75.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0201_0c833ca7-a0b1-4dd7-bbeb-aff8bdf686f6.jpg?v=1791852919"},{"product_id":"hernan-ardila-composicion-abstracta-2003-grabado-contemporaneo-aguafuerte-y-punta-seca","title":"Hernán Ardila — Abstrakte Komposition (2003) — Radierung und Kaltnadel","description":"\u003cp\u003eEin Raster ordnet schwarze organische Formen auf einem hellen Feld. In dieser Grafik von Hernán Ardila aus dem Jahr 2003 unterbricht ein einzelner rötlicher Akzent die Einheit des Ganzen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDas Raster und die Formen\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLinien teilen die Komposition in unterschiedlich große rechteckige Felder. Jedes enthält eine oder mehrere unregelmäßig umrissene Formen: Manche sind geschlossen, andere haben eine Öffnung in der Mitte. Die Wiederholung schafft eine Ordnung, die sich von Feld zu Feld verändert.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDruckfarbe und Papier\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Verbindung von Ätzradierung und Kaltnadel vereint dunkle Flächen, Texturen und Linien. Der rötliche Akzent oben rechts hebt sich von den schwarzen Formen ab. Breite Ränder trennen das bedruckte Feld vom hellen Holzrahmen und lassen das umgebende Papier sichtbar.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Hernán Ardila.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel \/ Motiv:\u003c\/strong\u003e Abstrakte Komposition. Organisches Raster.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eJahr:\u003c\/strong\u003e 2003.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Ätzradierung und Kaltnadelradierung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBildträger:\u003c\/strong\u003e Handgeschöpftes Molí-Cubé-Papier, 250 g, mit natürlichen Büttenrändern.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 55 × 45 cm (Blatt) | 25 × 25 cm (Plattenmaß). Rahmen enthalten.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEdition und Inschriften:\u003c\/strong\u003e Unten links „1\/84“ nummeriert. Unten rechts mit Bleistift signiert und datiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenienz:\u003c\/strong\u003e Archiv einer Privatsammlung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Sehr gut. Sauberes Papier ohne Stockflecken, mit guter Dichte der Druckfarben.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePräsentation:\u003c\/strong\u003e Zeitgenössischer Rahmen aus hellem Holz.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBesichtigungsgarantie:\u003c\/strong\u003e Garantiertes 30-tägiges Rückgaberecht zur persönlichen Begutachtung der Grafik.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eGerade Linien teilen das bedruckte Feld in unterschiedlich große rechteckige Bereiche. Darin wechseln dunkle organische Formen zwischen kompakten Flächen und offenen Konturen; oben rechts steht ein rötlicher Akzent. Die unregelmäßigen Umrisse stehen dem Raster gegenüber, während die Zwischenräume einen ruhigen Rhythmus schaffen. Die breiten Papierränder trennen die Komposition vom schlichten Holzrahmen.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462417604941,"sku":"ETC-53462417604941","price":135.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0105_5f474fac-23eb-4f93-80e2-a9f90d862264.jpg?v=1791850613"},{"product_id":"carme-navarra-pruna-la-dulzura-de-la-mirada-retrato-de-joven-con-flores-retrato-contemporaneo-tecnica-mixta","title":"Carme Navarra Pruna — Die Sanftheit des Blicks — Frauenporträt, Mischtechnik auf Papier","description":"\u003cp\u003eEine junge Frau mit rötlichem Haar blickt zum Betrachter. Zarte Gesichtszüge, Rosatöne in den Locken und ein kleines Blumenornament am Kleid ergeben ein Bild stiller Intimität.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDieses Porträt von Carme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023) vereint charakteristische Züge der katalanischen Malerin und Illustratorin: Aufmerksamkeit für die menschliche Figur, sparsame Zeichnung und eine Farbgebung, die den Ausdruck über akademische Details stellt.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDas Gesicht ist leicht geneigt; Augen, Nase und Mund werden durch einfache braune Striche bestimmt. Rosa- und Erdtöne verleihen dem Haar Volumen, während bläuliche Linien und kleine grüne Akzente Schultern und Ausschnitt beschreiben.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEin Blumenmotiv im unteren Bereich ergänzt die Darstellung um ein ornamentales Detail.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEin Leben für Zeichnung und Malerei\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eCarme Navarra Pruna wurde 1933 in Can Pruna, einem modernistischen Haus in Sant Just Desvern, geboren. Mit dem Ort blieb sie ihr Leben lang eng verbunden.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eIhr künstlerisches Interesse zeigte sich früh. Mit elf Jahren erhielt sie einen nationalen Preis für die Illustration von Geschichten; als Jugendliche begann sie im Verlagswesen zu arbeiten.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eMehrere Jahrzehnte arbeitete sie für den Verlag Luis Talleda und schuf Illustrationen, Weihnachtskarten und religiöse Bilder. Dabei entwickelte sie Sicherheit im Zeichnen und ein besonderes Gespür für kleinformatige Kompositionen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eAnfang der 1970er-Jahre begann eine neue, der Ölmalerei gewidmete Phase. Ihre erste Einzelausstellung fand 1975 in der Galeria 4 Cantons in Olot statt. Später stellte sie in Barcelona, Madrid und weiteren Städten aus und entwickelte eine persönliche figurative Bildsprache.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDas Porträt, insbesondere das Frauenporträt, nahm in ihrem Werk eine wichtige Rolle ein. Frauen, Mädchen und Menschen des Alltags erscheinen in intimen Szenen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eIm Februar 2022 würdigte die Gemeinde Sant Just Desvern ihr langjähriges Schaffen mit der Retrospektive Mirades im Celler de Can Ginestar.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eAusdruck durch Einfachheit\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eIn Die Sanftheit des Blicks verzichtet die Künstlerin auf erzählerische Nebenelemente und konzentriert sich auf den Gesichtsausdruck.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Zeichnung entfaltet sich auf einer körnigen Oberfläche mit kleinen Pigmentspuren, die den Aufbau der Komposition erkennen lassen. Die Farbe scheint allmählich aus dem Papier hervorzutreten, ohne starre Konturen oder sorgfältig modellierte Übergänge.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDer ruhige, leicht melancholische Blick der jungen Frau bildet den emotionalen Mittelpunkt und stellt einen direkten Bezug zum Betrachter her.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Komposition zeigt Navarra Prunas intime Herangehensweise, verbunden mit ihrer langen zeichnerischen Erfahrung und ihrem Interesse an der menschlichen Figur.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerin:\u003c\/strong\u003e Carme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Die Sanftheit des Blicks. Beschreibender Titel.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik auf Papier mit Strichen und Pigmentaufträgen von wachs- oder pastellartiger Erscheinung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eWerkmaße:\u003c\/strong\u003e 32 × 23 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße mit Rahmen:\u003c\/strong\u003e 52 × 43 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e Zweite Hälfte des 20. oder Anfang des 21. Jahrhunderts; ohne dokumentiertes Datum.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e „C. Navarra Pruna“, unten rechts.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMotiv:\u003c\/strong\u003e Frauenporträt, junge Figur und figurative Illustration.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Guter Allgemeinzustand. Kleine Altersspuren an Papier und Montierung; Farbtöne und Lesbarkeit des Porträts sind erhalten.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRahmung:\u003c\/strong\u003e Holzrahmen mit Passepartout und doppelter dekorativer Einfassung inbegriffen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eIm leicht geneigten Gesicht konzentrieren sich die braunen Linien von Augen, Nase und Mund. Die Locken verbinden Rosa- und Erdtöne, die mit den bläulichen Schulterlinien kontrastieren. Unten führt der gewellte Ausschnitt zu einer braun und grün umrissenen Blume. Die körnige Textur lässt den hellen Grund zwischen den kleinen Farbaufträgen sichtbar.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462726476109,"sku":null,"price":165.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0065_d80ddad9-9e4b-4cfe-a7f8-44174f0198c4.jpg?v=1791849922"},{"product_id":"carme-navarra-pruna-la-dama-del-sombrero-retrato-contemporaneo-tecnica-mixta","title":"Carme Navarra Pruna — Die Dame mit dem Hut — Frauenporträt, Mischtechnik auf Papier","description":"\u003cp\u003eEine junge Frau erscheint im Profil unter einem breiten, mit kleinen Blumen geschmückten Hut. Wenige Linien bestimmen ihr ruhiges, nachdenkliches Gesicht. Der zarte Umgang mit Farbe verleiht der Komposition eine Atmosphäre von Eleganz und Nostalgie.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDieses Werk von Carme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023) bringt ihr besonderes Gespür für das Frauenporträt zum Ausdruck, eines der wiederkehrenden Themen ihres Schaffens.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Figur ist nach rechts gewandt, das Haar unter einem breitkrempigen Hut zusammengefasst. Brauntöne bestimmen das Profil, kleine rosa und grüne Details schmücken den Hut.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eBläuliche Farbaufträge und zarte rosa Akzente beschreiben das Kleid. Sie ergänzen eine Komposition, die von leichter Zeichnung und ausgewogener Farbgebung geprägt ist.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eCarme Navarra Pruna: von der Illustration zum Porträt\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eCarme Navarra Pruna wurde 1933 in Sant Just Desvern geboren und entwickelte schon früh ein ausgeprägtes Interesse am Zeichnen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eMit elf Jahren erhielt sie eine erste Auszeichnung für Kinderillustrationen. Als Jugendliche begann sie eine berufliche Zusammenarbeit mit dem Verlag Luis Talleda, für den sie Weihnachtskarten, religiöse Bilder und Illustrationen schuf.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDiese frühen Arbeiten prägten ihre Bildsprache. Präzise Zeichnung, Interesse an zarten Figuren und die Fähigkeit, mit einfachen Mitteln erzählerische Bilder aufzubauen, blieben in weiten Teilen ihres späteren Werks erhalten.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eIn den 1970er-Jahren erweiterte sie ihr Schaffen um die Ölmalerei und begann, in verschiedenen spanischen Galerien auszustellen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eZu ihren frühen Einzelausstellungen gehören die Galeria 4 Cantons in Olot 1975, die Sala Ramon Casas in Barcelona 1977 und die Sala Nonell in Madrid 1978.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eIhr Werk widmete sich besonders der menschlichen Figur, weiblichen Charakteren und intimen Umgebungen. Frauen, Mädchen, Innenräume und Gärten erscheinen in einer Bildsprache, die figurative Tradition mit dem Gespür der Illustration verbindet.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eIhre lange Laufbahn wurde 2022 mit der von der Gemeinde Sant Just Desvern organisierten Retrospektive Mirades institutionell gewürdigt.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEin Porträt jenseits einer einzelnen Epoche\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDie Dame mit dem Hut erinnert an die Tradition eleganter Frauenporträts, insbesondere an Darstellungen mit verzierten Hüten, die im 19. und 20. Jahrhundert große Bedeutung erlangten.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDer breite Blumenschmuck verbindet das Bild mit historischer Mode und zeitgenössischer Illustration früherer Epochen, doch die Künstlerin gestaltet das Motiv mit einer freieren, vereinfachten Zeichnung.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDer Ausdruck konzentriert sich in der Linie von Nase, Lippen und Kinn. Der Blick richtet sich über die Komposition hinaus und vermittelt Zurückgezogenheit.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie körnige Textur der Farbaufträge bezieht den hellen Hintergrund in das Bild ein. Braun- und Blautöne stehen im Gleichgewicht mit kleinen rosa und grünen Details, die besonders in den Hutblumen sichtbar sind.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSparsame Mittel und zarte Ornamentik zählen zu den charakteristischen Merkmalen des Werks.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstlerin:\u003c\/strong\u003e Carme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Die Dame mit dem Hut. Beschreibender Titel.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik auf Papier mit Pigmentaufträgen von wachs- oder pastellartiger Erscheinung.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eWerkmaße:\u003c\/strong\u003e 32 × 23 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße mit Rahmen:\u003c\/strong\u003e 52 × 43 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e Zweite Hälfte des 20. oder Anfang des 21. Jahrhunderts; ohne dokumentiertes Datum.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e „C. Navarra Pruna“, unten links.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMotiv:\u003c\/strong\u003e Frauenporträt im Profil, Blumenhut und figurative Illustration.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Guter Allgemeinzustand mit kleinen Altersspuren an Bildträger und Montierung. Striche und Farben sind weiterhin gut erkennbar.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRahmung:\u003c\/strong\u003e Holzrahmen mit Passepartout und doppelter dekorativer Einfassung inbegriffen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDas Profil ist unter der geschwungenen Hutkrempe nach rechts gewandt. Braune Konturen bestimmen Gesicht und Haar; kleine rosa und grüne Akzente kennzeichnen die Blumen am Hut. Bläuliche Spuren konzentrieren sich im Kleid neben einem rosa Detail am Hals. Der helle Hintergrund und die körnige Textur trennen die verschiedenen Farbbereiche.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462828253517,"sku":null,"price":165.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0050_b47187b2-743d-4f59-b919-715b14036eba.jpg?v=1791849428"},{"product_id":"esteban-escartin-pueblo-de-alta-montana-arquitectura-de-luz-y-piedra-pintura-de-paisaje-oleo-a-espatula","title":"Esteban Escartín Lacoma — Bergdorf — Spachtelmalerei auf Papier","description":"\u003cp\u003eHäuser gruppieren sich um eine Kirche, die das Landschaftsbild bestimmt. Dunkle Dächer, rosafarbene Fassaden und Berge im Hintergrund bilden eine scheinbar einfache Szene, die Esteban Escartín Lacoma (1938) in eine farb- und materialreiche Komposition verwandelt.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDer aragonesische Maler, der besonders mit Dörfern und Landschaften Oberaragoniens verbunden ist, entwickelt hier eine persönliche Deutung ländlicher Architektur. Der Spachtel ersetzt einen großen Teil der linearen Zeichnung durch kleine Pigmentflächen, die Dächer, Mauern und Fassaden unmittelbar aufbauen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eMauve, Rosa, Ocker und Grün kontrastieren mit den dunklen Dächern, während der blaugrüne Hintergrund eine Bergumgebung andeutet. Der Kirchturm bildet die senkrechte Achse einer Komposition aus überlagerten geometrischen Formen.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEsteban Escartín und die Erinnerung an aragonesische Dörfer\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDörfer und traditionelle Architektur nehmen im Schaffen des 1938 geborenen aragonesischen Künstlers Esteban Escartín Lacoma eine wichtige Rolle ein.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSeine Arbeit verwandelt ländliche Landschaften in malerische Konstruktionen, in denen Geometrie, Farbe und die Anordnung der Volumen im Vordergrund stehen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e2015 war sein Werk in der von Fundación Ibercaja organisierten Ausstellung Miradas. Huesca y su paisaje en el arte vertreten, gemeinsam mit weiteren Künstlern mit Bezug zur Provinz Huesca.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEin Jahr später zeigte Fundación Caja Inmaculada in der Sala CAI Huesca die Retrospektive Tiempo de recuerdos. Sie vereinte 31 Gemälde, die vor allem aragonesischen Dörfern, insbesondere in Oberaragonien, gewidmet waren.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Ausstellung machte unterschiedliche Phasen seines Schaffens sichtbar: von stärker figurativen Arbeiten bis zu Kompositionen mit konstruktiven Ansätzen, in denen Architektur und Geometrie eine wesentliche Rolle spielten.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEscartíns Malerei zeigt vielfältige künstlerische Interessen. Sein Schaffen wurde mit der europäischen figurativen Tradition, kompositorischem Experiment und bestimmten Bauhaus-Einflüssen in Verbindung gebracht, vor allem bei der Anordnung von Volumen und dem Umgang mit Farbe.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eArchitektur als Malerei\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eIn dieser Komposition verbindet Escartín mehrere erkennbare Merkmale seiner Landschaftsmalerei.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Häuser stehen auf verschiedenen Ebenen. Aufeinanderfolgende Dächer und Fassaden führen den Blick zum Kirchturm. Die traditionelle Perspektive tritt teilweise hinter kompakten Formen zurück, als wären die Häuser zusammengefügte Bauteile.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDer Spachtel schafft eine materielle Dimension. Die Pigmentaufträge haben gebrochene Ränder, kleine Ansammlungen und unterschiedliche Stärken, die an unregelmäßige Steinflächen und alte Gebäude erinnern.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eUnbemalte Papierbereiche bringen Helligkeit und lassen der Komposition in ihrem großzügigen Format Raum.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Landschaft ist eine Deutung traditioneller Bergarchitektur und keine genaue topografische Wiedergabe. Die Erinnerung an den Ort findet Ausdruck in Farbe und Material.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eWerkdaten\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Esteban Escartín Lacoma (1938).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e Bergdorf. Beschreibender Titel.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Spachtelmalerei auf Papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eBildträger:\u003c\/strong\u003e Dickes Papier mit ausgeprägter Struktur.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 60 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e Zweite Hälfte des 20. oder Anfang des 21. Jahrhunderts; ohne dokumentiertes Datum.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e Unten rechts „Escartín“ signiert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMotiv:\u003c\/strong\u003e Ländliche Landschaft, traditionelle Architektur und Bergdorf.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Guter Allgemeinzustand der malerischen Komposition mit sichtbaren pastosen Partien und gut erhaltenen Farben. Am rechten Papierrand ist eine Tonwertveränderung sichtbar; außerdem leichte Altersspuren.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRahmung:\u003c\/strong\u003e Vergoldeter Rahmen inbegriffen.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eDie Taller-Notiz\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDer Kirchturm bildet die senkrechte Achse des Ensembles. Dunkle Dächer überlagern rosa und mauvefarbene Fassaden mit grünen Akzenten in Fenstern und Vegetation. Blaue und grüne Flächen im Hintergrund deuten Berge an. Die gebrochenen Ränder der Farbaufträge stehen im Kontrast zu den großen hellen Papierbereichen um das Dorf.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462980788557,"sku":null,"price":180.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0031_095d9950-1594-4284-9202-86758c32c0ff.jpg?v=1791848672"},{"product_id":"julio-linares-el-primer-dia-1973-arte-visionario-y-psicodelia-tecnica-mixta","title":"Julio Liñares — Der erste Tag (1973), Mischtechnik auf Papier","description":"\u003cp\u003eIn \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e („Der erste Tag“), einer auf 1973 datierten Komposition von Julio Liñares, entfaltet sich eine Welt aus organischen Formen, Farbströmen und winzigen menschlichen Figuren.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDas Werk zeigt eine imaginäre Landschaft, in der das Mikroskopische und das Monumentale nebeneinander zu bestehen scheinen. Zwischen zellartigen Strukturen, gewundenen Wegen und Gruppen biomorpher Formen sind kleine menschliche Silhouetten in eine komplexe Bildarchitektur eingebunden.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDer rückseitig vermerkte Titel \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e legt eine Deutung als Vorstellung vom Ursprung des Lebens, von der Geburt einer Welt oder von einem noch andauernden Schöpfungsprozess nahe.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eEine Welt zwischen Abstraktion und Vorstellungskraft\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Komposition wird von einem dichten Geflecht aus Linien, Punkten, Kurven und organischen Formen bestimmt. Farben scheinen durch imaginäre Kanäle zu fließen, während sich die einzelnen Bereiche zu einer vielschichtigen Struktur verbinden.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Palette vereint Orange, Gelb, Grün, Rosa und Blau. Sanfte Übergänge lassen die Textur des Papiers sichtbar bleiben.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBesonders bemerkenswert ist die Einbindung kleiner menschlicher Figuren in die abstrakten Strukturen. Sie eröffnen eine erzählerische Ebene: Man entdeckt eine bewohnte Welt, in der der menschliche Maßstab gegenüber den umgebenden Formen zurücktritt.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBei genauer Betrachtung werden weitere Beziehungen zwischen den Elementen erkennbar. Manche Strukturen erinnern an zellartige Organismen, andere an Wasserströmungen, imaginäre Vegetation oder fantastische Architekturen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDer künstlerische Kontext von 1973\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas 1973 datierte Werk gehört zu einer Phase ausgeprägter formaler Experimente in der Kunst des 20. Jahrhunderts.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIn den 1960er- und 1970er-Jahren erprobten zahlreiche Künstler Darstellungsweisen jenseits der traditionellen Figuration. Organische Abstraktion, psychedelische Ästhetik und bestimmte Strömungen der fantastischen Kunst ermöglichten Kompositionen, die von freier Vorstellungskraft, intensiver Farbigkeit und eigenständigen Bildwelten geprägt waren.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e weist formale Verwandtschaften mit diesen Tendenzen auf. Seine Bildsprache ist jedoch keine rein spontane Abstraktion: Die detaillierten Strukturen, die Wiederholung kleiner Motive und die geordneten Farbverläufe lassen eine sorgfältig ausgearbeitete Ausführung erkennen.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSo entsteht ein Dialog zwischen Abstraktion und Figuration, zwischen dem Erkennbaren und dem Imaginären.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eSignatur und Inschriften\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Komposition trägt unten rechts eine auf 1973 datierte Signatur. Auf der Rückseite befinden sich der Titel \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e, dieselbe Jahreszahl und eine ausführlichere Signatur.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eWerkangaben\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eKünstler:\u003c\/strong\u003e Julio Liñares.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTitel:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e („Der erste Tag“), nach der rückseitigen Inschrift.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDatierung:\u003c\/strong\u003e 1973, nach den Inschriften.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTechnik:\u003c\/strong\u003e Mischtechnik mit Tinten und Farbpigmenten auf Papier.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMaße:\u003c\/strong\u003e 63 × 50 cm.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eStil:\u003c\/strong\u003e Biomorphe Abstraktion mit figurativen Elementen und Bezügen zur visionären Kunst sowie zur psychedelischen Ästhetik.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSignatur:\u003c\/strong\u003e „Liñares 73“ unten rechts.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eRückseitige Inschriften:\u003c\/strong\u003e Titel \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e, Jahreszahl 1973 und handschriftliche Signatur.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eErhaltungszustand:\u003c\/strong\u003e Insgesamt guter Zustand mit warmem Papierton, leichten Alterungsspuren und erhaltener Farbwirkung.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eRahmung:\u003c\/strong\u003e In einem dunklen Holzrahmen präsentiert.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eEine Anmerkung des Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDie Komposition fällt durch die Dichte ihrer Details und die Eigenständigkeit ihrer Bildwelt auf.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBesonders hervorzuheben ist das Nebeneinander großer organischer Strukturen und kleiner menschlicher Figuren, die über die Bildfläche verteilt sind. Dieses Verhältnis der Größenmaßstäbe verwandelt das Werk in eine imaginäre Landschaft, die zu längerer Betrachtung einlädt.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie vielfältige Farbigkeit und die präzisen Linien tragen zu seinem besonderen Charakter bei. Zugleich eröffnet der Titel \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e eine erzählerische Ebene mit unterschiedlichen Deutungsmöglichkeiten.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53467896643917,"sku":null,"price":350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/Arteabstractoorganicoenmarcado.png?v=1791848083"}],"url":"https:\/\/eltallerdelcoleccionista.com\/de\/collections\/historias-sobre-papel.oembed?page=17","provider":"El taller del coleccionista","version":"1.0","type":"link"}