{"title":"Art sacré et religieux","description":"\u003cp\u003eDécouvrez notre sélection d’art sacré et religieux à vendre en ligne : peintures, dessins, aquarelles et estampes. La collection réunit des scènes bibliques, des figures de saints et des vues d’églises et de chapelles de différentes époques : des œuvres à collectionner et à apprécier pour leur sujet et leur intérêt artistique. Consultez les prix, les photographies et les informations disponibles sur la technique, les dimensions, l’attribution et l’état de conservation dans chaque fiche. Si vous recherchez une scène ou un format particulier, interrogez-nous sur les œuvres du catalogue.\u003c\/p\u003e\u003cp data-taller-artists=\"collection\"\u003e\u003cstrong\u003eArtistes présents dans cette collection :\u003c\/strong\u003e \u003ca href=\"\/fr\/pages\/carbonell-rull-noies\"\u003eCarbonell — Rull (Noies)\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/david-mercade-recasens\"\u003eDavid Mercadé Recasens\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/guillem-fresquet-bardina\"\u003eGuillem Fresquet Bardina\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/heber-luis-gil\"\u003eHeber Luis Gil\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/lucas-lorenzo\"\u003eLucas Lorenzo\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/ricard-calvo-duran\"\u003eRicard Calvo Duran\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/antoni-carrera-karris\"\u003eAntoni Carrera «Karris»\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/antonio-santos\"\u003eAntonio Santos\u003c\/a\u003e.\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"angel-ocallaghan-paisaje-panoramico-oleo-espatula-textura","title":"Ángel O’Callaghan Muñoz — Paysage d’hiver avec église et bosquet — Huile sur toile panoramique","description":"\u003cp\u003eUn paysage construit presque à partir du silence. Ángel O’Callaghan organise cette vaste composition horizontale par une succession de champs, de chemins et d’arbres dénudés qui conduisent le regard vers un petit ensemble architectural dominé par une église.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe format panoramique est essentiel. Au lieu de concentrer la scène autour d’un motif unique, le peintre laisse le paysage se déployer latéralement, comme une vue contemplée à distance. À droite, la rangée d’arbres sans feuilles instaure un rythme vertical régulier ; à gauche, la végétation et les constructions se fondent progressivement dans les reliefs de l’horizon.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa gamme chromatique est délibérément retenue : terres claires, ocres, gris verdâtres, blancs cassés et petites nuances jaunâtres. La texture de la toile reste visible en de nombreux endroits. L’artiste l’utilise pour intégrer le support à la peinture et accentuer la sensation d’une lumière sèche et froide.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’architecture n’est pas non plus décrite minutieusement. O’Callaghan réduit maisons, murs et toitures à des masses lumineuses, tandis qu’il réserve un dessin plus marqué aux troncs et aux branches dénudées. Le résultat se situe entre observation naturaliste et interprétation plus atmosphérique du paysage.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eÁngel O’Callaghan Muñoz et le paysage\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eLa documentation retrouvée identifie Ángel O’Callaghan Muñoz comme un peintre espagnol actif durant la seconde moitié du XXe siècle, spécialisé principalement dans le paysage.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSa production connue montre une nette préférence pour les espaces ouverts, les champs, les rives et les paysages de saison froide. Les gammes sourdes, les blancs et les terres, la végétation réduite à des signes et une matière picturale qui laisse la toile participer visuellement sont des caractéristiques récurrentes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette œuvre correspond particulièrement bien à ce langage. La comparaison avec d’autres peintures documentées de l’artiste révèle des similitudes nettes, tant dans la signature que dans le traitement de la végétation, des terres et des grandes étendues de paysage.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eUne composition pensée à l’horizontale\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eLa manière dont le regard parcourt le tableau présente un intérêt particulier. L’église n’est ni au centre ni traitée comme un monument protagoniste. Décalée et partiellement intégrée aux maisons, elle apparaît comme un élément naturel du territoire.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDevant elle, les arbres dénudés se succèdent jusqu’à occuper près de la moitié de la toile. Ce décalage crée un équilibre entre architecture et végétation, masse et ligne, horizon et premiers plans.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’absence de figures humaines renforce la quiétude. Il ne s’agit pas d’une scène narrative, mais d’un paysage arrêté dans une saison précise, probablement durant les mois d’hiver.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Ángel O’Callaghan Muñoz.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Paysage d’hiver avec église et arbres.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Huile sur toile.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions de l’œuvre:\u003c\/strong\u003e 27 × 73 cm.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions avec cadre:\u003c\/strong\u003e 44,5 × 90 cm.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signé « O’Callaghan » dans l’angle inférieur gauche.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle, probablement vers 1970–1980.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSujet:\u003c\/strong\u003e Paysage rural avec architecture et arbres.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eFormat:\u003c\/strong\u003e Panoramique.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003ePrésentation:\u003c\/strong\u003e Cadre d’époque avec une large marie-louise textile.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Bon état général, avec des traces liées à l’ancienneté. Le revers conserve le montage et la protection d’époque. Les photographies font partie de la description de l’état de conservation.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller — L’hiver réduit à la terre et à la lumière\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eCe qui nous intéresse dans cette œuvre n’est pas seulement le paysage représenté, mais l’économie avec laquelle il est construit. O’Callaghan évite les couleurs intenses et les forts contrastes : presque tout se joue dans une même gamme de terres, de gris et de blancs. Les arbres apparaissent comme des lignes sombres dans un espace lumineux ; les maisons semblent se dissoudre dans l’air et le ciel lui-même partage les tonalités du terrain. Il en résulte un paysage ample et silencieux, où l’atmosphère compte autant que le lieu.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51979162386765,"sku":null,"price":350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0192_35088e38-f73a-47a8-ba0d-31b0459c93ca.jpg?v=1792679099"},{"product_id":"ricardo-opisso-enterrament-poeta-iglesias-1928","title":"Attribué à Ricard Opisso — Enterrement du poète Ignasi Iglésies (1928) — Dessin historique","description":"\u003cp\u003eUn témoignage visuel et un hommage à la Barcelone de 1928 : l'observation sociale prend la forme d'une élégie personnelle, évoquant l'univers du modernisme catalan.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL'histoire derrière le dessin\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa scène s'inscrit dans la vie culturelle de la Catalogne du début du XXe siècle. Ricard Opisso (1880–1966) fut un chroniqueur graphique de la génération d'Els Quatre Gats, tandis qu'Ignasi Iglésies comptait parmi les dramaturges et poètes sociaux marquants de son époque. La composition, attribuée à Ricard Opisso, présente le deuil collectif comme un adieu intime.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa note manuscrite\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eUne note manuscrite au revers rattache la scène aux funérailles d'Iglésies en 1928 et comporte les références suivantes.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLes mots « Ho va dibuixar plorant » (« Il l'a dessiné en pleurant ») prêtent une réaction émotionnelle au dessinateur. La phrase appartient au texte manuscrit du revers.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa foule représente la société barcelonaise rendant hommage au poète. Au centre, le visage encadré de celui-ci, plutôt qu'un cercueil, devient le point de convergence du deuil.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa note indique aussi : « L'unic retrat que existeix de l'enterrament » (« Le seul portrait qui existe de l'enterrement »). Cette phrase est transcrite comme partie de l'inscription du revers.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Attribué à Ricard Opisso i Sala (1880–1966).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Enterrement du poète Ignasi Iglésies.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e 1928, date des funérailles représentées selon la note au revers.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Dessin à l'encre d'époque sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Œuvre : 31,5 × 57 cm. Cadre : 54,5 × 79,5 × 2,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Inscription « Opisso » en bas à droite. Note historique manuscrite au revers.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Très bon. De légères rousseurs liées à l'âge n'affectent pas l'intégrité du dessin. Fourni avec le cadre si souhaité.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa foule s'organise autour du visage encadré du poète, qui constitue le centre visuel de la scène. L'accumulation des figures concentre le mouvement du dessin et contraste avec la présence stable du portrait. Au revers, la note manuscrite apporte la référence aux funérailles et les phrases transcrites dans la description.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52783994306893,"sku":null,"price":2200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0196_8753b6a4-a3cd-4b81-baf0-0ddd8393f433.jpg?v=1790820020"},{"product_id":"josep-rigol-fornaguera-apunte-de-avila-plaza-e-iglesia-de-las-vacas-dibujo-preparatorio-con-anotaciones-lapiz","title":"Josep Rigol i Fornaguera — Esquisse d’Ávila, plaza de las Vacas — Crayon sur papier, XXe siècle","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDessin original au crayon sur papier de Josep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e, consacré à un coin d’Ávila identifié, dans les annotations de la feuille elle-même, aux abords de la plaza de las Vacas. La composition réunit l’architecture d’une église, des bâtiments voisins et une croix de pierre au premier plan. Plus qu’une vue achevée, il s’agit d’une étude de travail dans laquelle l’artiste observe les rapports entre les éléments et expérimente leur disposition dans l’espace.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe dessin est exécuté par des traits de graphite d’intensité variable. Les lignes principales délimitent les formes architecturales et les volumes, tandis que de brèves zones d’ombre et les parties du papier laissées en réserve différencient les plans et suggèrent la lumière. La croix du premier plan sert de repère visuel et dialogue avec l’architecture religieuse à l’arrière-plan.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes \u003cstrong\u003enotes manuscrites en catalan\u003c\/strong\u003e qui accompagnent l’image présentent un intérêt particulier. On y a notamment lu une indication concernant le déplacement de la croix vers la droite. Ces annotations montrent que Rigol ne se limitait pas à relever le motif : il en reconsidérait aussi le cadrage et l’organisation. Il n’est toutefois pas établi par la documentation que cette étude ait effectivement préparé une huile ou une estampe ultérieure.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’œuvre illustre le dessin comme outil d’observation et d’étude, une facette particulièrement importante du parcours de Rigol en raison de sa formation académique, de sa pratique de la gravure et de sa longue activité d’enseignant. L’identification du lieu est conservée conformément aux inscriptions associées à la pièce ; elle n’a pas été confirmée par une comparaison topographique concluante.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eÀ propos de l’artiste\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eJosep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e fut dessinateur, graveur, peintre et une figure importante de l’enseignement artistique et de la conservation du patrimoine de Terrassa. Il se forma d’abord auprès de Tomàs et Pere Viver puis, grâce à une bourse de la municipalité de Terrassa, entra en 1922 à la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, à Madrid. Après sa formation et des séjours artistiques en Europe, il revint à Terrassa, où il consacra une grande partie de sa carrière à l’enseignement du dessin.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIl fut président d’Amics de les Arts et directeur de l’École des arts et métiers de Terrassa de 1961 à 1979. Engagé pendant des décennies dans la préservation du patrimoine local, il participa à la protection des églises de Sant Pere lors des événements de 1936 et au développement des collections du Museu de Terrassa. Son parcours fit l’objet de la monographie \u003cem\u003eJosep Rigol i Fornaguera: l'home, l'artista i el mestre\u003c\/em\u003e, publiée par le Museu de Terrassa en 2011.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Josep Rigol i Fornaguera (1897–1986).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTitre descriptif :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eEsquisse d’Ávila : place et église de Las Vacas\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDatation :\u003c\/strong\u003e XXe siècle, sans date documentée dans la fiche.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Crayon graphite sur papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 29 × 24,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions :\u003c\/strong\u003e Signé « J. Rigol F. » dans l’angle inférieur droit, avec des annotations de travail manuscrites.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Papier de teinte vieillie, présentant trois taches rectangulaires sombres, probablement liées à d’anciens éléments de fixation, et des bords irréguliers. Les taches sont visibles et font partie de l’état actuel de l’œuvre ; aucun examen de conservation en présence de la pièce n’a été réalisé.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa note du Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eL’intérêt de ce dessin réside autant dans sa représentation architecturale que dans son caractère d’étude de travail. Les indications écrites à côté de l’image permettent d’observer une phase du processus de composition qui disparaît généralement des œuvres achevées. La croix, l’église et les corrections manuscrites font d’une vue urbaine un témoignage particulièrement direct de la pratique du dessin de Josep Rigol.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803640066381,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-18_021509892.png?v=1792282513"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-roma-piazza-del-popolo-con-ciclista-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Rome : Piazza del Popolo avec un cycliste — Technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eUne vision inhabituelle de la Ville éternelle, où la monumentalité baroque laisse place à un cycliste solitaire.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL'échelle humaine face à l'histoire\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDans cette œuvre de 1989, Ricard Calvo Duran nous conduit à l'entrée de la Piazza del Popolo, à Rome. Plutôt qu'une place bondée, il présente un espace presque métaphysique et vide, dominé par les formes équilibrées des églises jumelles Santa Maria in Montesanto et Santa Maria dei Miracoli.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLigne et atmosphère\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe dessin évoque l'illustration architecturale et la tradition européenne de la ligne claire. L'encre définit précisément colonnes, coupoles et entablements.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe ciel à l'aquarelle emploie des tons brunâtres et gris plutôt que le bleu méditerranéen habituel, suggérant l'humidité et une atmosphère mélancolique.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eUn cycliste vêtu d'une chemise rose vif interrompt la solennité de la pierre. Cette figure solitaire au premier plan introduit le mouvement et un contrepoint humain à l'ensemble monumental.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Ricard Calvo Duran, signé « Calvoduran ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Rome : la Piazza del Popolo.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e 1989, date inscrite près de la signature.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Œuvre : 42,5 × 52,5 cm. Cadre : 54,5 × 62 × 5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Manuscrite à l'encre dans la partie inférieure centrale, avec la mention de lieu « Roma ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Excellent. Le papier conserve sa blancheur d'origine dans les marges et les couleurs restent fraîches.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRome est une ville bruyante et animée, mais Calvo Duran semble en atténuer le son. La circulation et la foule disparaissent, laissant l'architecture et un seul cycliste. La scène devient une pause visuelle, évoquant une Rome du petit matin ou de l'imagination de l'artiste.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817072521549,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0365.jpg?v=1790857359"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-costumbrismo-italiano-en-asis-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Vie quotidienne à Assise — Technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eUn contraste entre l'architecture sacrée et le mouvement vivant du quotidien sur deux roues.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe sacré et le quotidien\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRéalisée en 1990, cette œuvre nous place devant la basilique Saint-François d'Assise, un grand lieu de pèlerinage. Calvo Duran introduit une touche d'humour par la présence d'une religieuse conduisant une Vespa classique au premier plan. La tradition ancienne et la modernité pratique partagent le même espace.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003ePrécision et atmosphère\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe style de ligne claire est proche de l'illustration éditoriale. Le dessin à l'encre décrit avec précision l'architecture gothique et romane du complexe, du campanile aux arcades inférieures.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe ciel bleu détache la silhouette de pierre crème de la basilique et crée un contraste théâtral.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa composition conduit du fond monumental à la petite scène quotidienne du premier plan. Les voitures de la fin des années 1980 et les groupes de frères à pied ajoutent un contexte d'époque et de vie sociale.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Ricard Calvo Duran, signé « Calvoduran ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Scène à la basilique Saint-François d'Assise.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e 1990, date inscrite près de la signature.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Œuvre : 32 × 39 cm. Cadre : 53,5 × 60,5 × 5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Manuscrite à l'encre en bas à droite, avec la mention de lieu « Assisi ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Excellent. Couleurs vives et papier en excellent état.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa religieuse sur sa Vespa introduit un mouvement quotidien devant la masse de la basilique. Voitures et groupes de frères répartissent de petites scènes sur la place. Le dessin précis des arcades et du campanile contraste avec la légèreté narrative du premier plan.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817239212365,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0405_dfef902f-4ffe-4911-bf55-a0e5742fb5c3.jpg?v=1790858014"},{"product_id":"jose-luis-barcelona-oleo-original-sagrada-familia-bruma-gaudi","title":"José Luis Barcelona — Sagrada Família dans la brume — Huile sur panneau","description":"\u003cp\u003eUne vision onirique du monument barcelonais, où le poids de la pierre devient une apparition enveloppée de brume.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe monument partiellement dissimulé\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003ePlutôt que de décrire les façades de la Sagrada Família de Gaudí dans le détail, José Luis Barcelona plonge le temple dans une brume dense. Seuls les pinacles caractéristiques et la croix tridimensionnelle émergent. La vision devient intime et onirique, laissant l'architecture dissimulée solliciter l'imagination.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eAtmosphère, couleur et mouvement\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe travail texturé au couteau et la touche vive dans des tons gris bleutés suggèrent l'humidité et la densité de l'air. Dans cette palette froide, un accent corail chaud marque le centre de la croix.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDes mouettes au premier plan interrompent l'immobilité du monument. Les épais empâtements blancs leur donnent relief, profondeur et échelle, introduisant la légèreté du vol face à la pierre partiellement cachée.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e José Luis Barcelona.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Sagrada Família dans la brume (paysage urbain onirique).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Huile texturée sur panneau.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Œuvre : 26 × 21 cm. Avec cadre : 45 × 40 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Signée « José Luis Barcelona » en bas à gauche. Plaque d'identification sur le passe-partout.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Marché secondaire de l'art ; collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Excellent. La couche picturale est stable et les empâtements des mouettes conservent leur relief.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne et apprécier son atmosphère.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa brume gris bleuté laisse émerger les pinacles et la croix du temple. L'accent corail central contraste avec la gamme froide, tandis que les mouettes blanches du premier plan introduisent relief et mouvement. L'architecture est suggérée entre les couches de couleur et de texture.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52831787090253,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0389_e1e6f9a8-de7a-4e76-973d-88f46a158fed.jpg?v=1790868842"},{"product_id":"joan-fuster-gimpera-oleo-original-nocturno-urbano-figuras","title":"Joan Fuster Gimpera — Nocturne urbain avec personnages — Huile sur toile","description":"\u003cp\u003eUne chronique visuelle de la nuit. Dans cette huile sur toile, la lumière artificielle modèle l'architecture et les ombres des passants, évoquant l'atmosphère de la Catalogne urbaine du milieu du XXe siècle.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa nuit dans l'Empordà\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eJoan Fuster Gimpera (Torroella de Montgrí, 1917–2011) a représenté les paysages et les villages de la région de Gérone. Particulièrement connu pour ses aquarelles, il explore ici une scène nocturne à l'huile. Une architecture monumentale, peut-être une église avec une horloge, domine cet environnement où la lumière donne au quotidien une atmosphère singulière.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLumière et ombre\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa composition repose sur un contraste lumineux direct. Des bleus et des verts profonds construisent le ciel et les ombres. La lumière chaude des réverbères se répand dans la rue et éclaire partiellement la façade et l'horloge. Les personnages, traités en silhouettes rapides et spectrales, donnent à la scène un caractère cinématographique et narratif.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Joan Fuster Gimpera (Torroella de Montgrí, 1917–2011).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Scène nocturne urbaine avec personnages.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Huile sur toile.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 33 × 24 cm (œuvre) | 49 × 40 cm (avec cadre).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Signé « J. Fuster » dans l'angle inférieur gauche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Marché secondaire de l'art, collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Bon. Couche picturale stable et couleurs d'une grande profondeur.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d'inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne et apprécier sa force évocatrice.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eL'horloge et la tour organisent la partie supérieure de la composition, tandis que le halo lumineux attire l'attention sur la place. Les bleus et les verts de l'architecture contrastent avec les jaunes du portail et des fenêtres. Les personnages apparaissent comme des silhouettes aux traits brefs ; leurs reflets prolongent le mouvement sur le pavement. La touche laisse visible la texture de la toile et alterne plages de couleur étendues et petits accents de lumière.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52832023871821,"sku":"ETC-52832023871821","price":115.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0399_8be61760-f234-45c8-a6d7-277f28366559.jpg?v=1790868930"},{"product_id":"francois-antoine-aveline-notre-dame-y-la-isla-de-saint-louis-grabado-s-xviii-documento-historico-de-paris","title":"Pierre Aveline — Notre-Dame et l’Île Saint-Louis — Estampe coloriée sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUne vue de la Seine où l’architecture de l’île et l’activité des rives composent un panorama d’une grande profondeur.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003ePierre Aveline et la vue topographique\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003ePierre Aveline (vers 1656–1722) était un graveur, éditeur et marchand d’estampes spécialisé dans les vues topographiques. Cette pièce fait partie de l’ensemble de trois estampes d’Aveline conservées dans la collection.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eLa composition\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eLa légende identifie l’ancienne « Isle Nostre Dame », aujourd’hui l’Île Saint-Louis, du côté de la maison de Bretonvilliers. Les bâtiments de l’île occupent la droite, tandis que les tours de Notre-Dame apparaissent au fond. Les embarcations, les personnages et le travail sur la rive donnent une échelle humaine à l’ensemble.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe trait gravé définit l’architecture et les détails de la scène. La mise en couleur crée des contrastes entre l’eau, les bâtiments et le ciel, distinguant les différentes distances et les points d’intérêt de la composition.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Pierre Aveline (vers 1656–1722).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e Veüe et Perspective de l’Isle Nostre Dame du costé de la Maison de Monsr. de Bretonvilliers.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support :\u003c\/strong\u003e Estampe coloriée à la main sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions enregistrées :\u003c\/strong\u003e 32,5 × 50 cm (hauteur × largeur ; empreinte \/ papier visible).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInscription d’auteur :\u003c\/strong\u003e « fait par Aveline à Paris avec Privil. du Roy ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Collection particulière ; même ensemble que les deux autres estampes d’Aveline.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eConservation :\u003c\/strong\u003e Bon état général. Couleurs vives.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d’inspection :\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eL’intérêt de cette vue réside dans l’équilibre entre l’architecture et le fleuve. La succession des plans conduit le regard des personnages du premier plan jusqu’à la silhouette de la ville, et la couleur différencie les surfaces sans masquer le dessin gravé.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52867376644429,"sku":"ETC-52867376644429","price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0127_d2fcb0ab-3159-4805-9304-b4d1ac38934a.jpg?v=1792246770"},{"product_id":"jordi-vila-rufas-friso-calices-abstraccion-sacra","title":"Jordi Vila Rufas — Frise de calices — Technique mixte sur bois","description":"\u003cp\u003eUne croix centrale organise deux rangées de calices sur un fond sombre et rougeâtre. La surface dorée et les lignes incisées donnent du relief à cette frise de Jordi Vila Rufas.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa tradition du retable\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eJordi Vila Rufas (Barcelone, 1924–2011) était peintre et créateur de retables. Fils du dessinateur Joan Vila i Pujol, « d'Ivori », il s'est formé à l'Escola Massana, où il a également enseigné. Son travail a renouvelé la technique du retable à partir de la connaissance de ses matériaux et procédés.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa répétition des calices\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes calices se répartissent de part et d'autre de la croix sur deux registres. Leurs contours varient en taille et en forme au sein d'une structure répétitive. Les tons dorés contrastent avec les rouges et les noirs, tandis que les incisions et les zones texturées interrompent la continuité de la surface.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Jordi Vila Rufas (1924–2011).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Composition liturgique. Frise de calices.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte (huile, incision, feuille d'or\/d'argent) sur bois.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 46,5 × 100 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d'inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa croix divise la frise sans rompre la continuité des deux rangées. Les différences entre les contours des calices évitent une répétition uniforme. Les lignes claires et les zones dorées se superposent au fond sombre ; sur les bords, le rouge concentre l'encadrement chromatique de la composition.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52959161385293,"sku":null,"price":900.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0212_224982d5-ee00-418a-9699-c3fd4b3c55e2.jpg?v=1790871133"},{"product_id":"esteban-escartin-pueblo-de-alta-montana-arquitectura-de-luz-y-piedra-pintura-de-paisaje-oleo-a-espatula","title":"Esteban Escartín Lacoma — Village de montagne — Peinture au couteau sur papier","description":"\u003cp\u003eLes maisons se regroupent autour d’une église qui domine le paysage. Les toits sombres, les façades rosées et les montagnes à l’arrière-plan composent une scène apparemment simple qu’Esteban Escartín Lacoma (1938) transforme en une image riche en couleurs et en matière.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe peintre aragonais, particulièrement lié aux villages et aux paysages du Haut-Aragon, propose une interprétation personnelle de l’architecture rurale. Le couteau remplace une grande partie du dessin linéaire par de petites surfaces de pigment qui construisent directement toits, murs et façades.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLes mauves, les roses, les ocres et les verts contrastent avec les toitures sombres, tandis que le fond bleu-vert suggère un environnement montagneux. Le clocher constitue l’axe vertical d’une composition organisée par des formes géométriques superposées.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEsteban Escartín et la mémoire des villages aragonais\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa représentation des villages et de l’architecture traditionnelle occupe une place importante dans la carrière d’Esteban Escartín Lacoma, artiste aragonais né en 1938.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSon œuvre transforme le paysage rural en construction picturale où la géométrie, la couleur et la disposition des volumes jouent un rôle majeur.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEn 2015, son travail figure dans Miradas. Huesca y su paisaje en el arte, exposition organisée par Fundación Ibercaja avec d’autres artistes liés à la province de Huesca.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’année suivante, Fundación Caja Inmaculada présente dans sa Sala CAI Huesca la rétrospective Tiempo de recuerdos, réunissant 31 peintures consacrées principalement aux villages aragonais, notamment du Haut-Aragon.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCette exposition permet d’observer différentes étapes de sa production, d’un langage plus figuratif à des compositions proches d’approches constructives, où architecture et géométrie jouent un rôle essentiel.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa peinture d’Escartín révèle aussi des intérêts artistiques variés. Son parcours a été rapproché de la tradition figurative européenne, de l’expérimentation compositionnelle et de certaines influences du Bauhaus, notamment dans l’organisation des volumes et le traitement de la couleur.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL’architecture devenue peinture\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eCette composition réunit plusieurs caractéristiques reconnaissables du langage paysager d’Escartín.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLes maisons s’organisent sur différents plans. La succession des toits et des façades conduit le regard vers le clocher. La perspective traditionnelle cède en partie la place à des formes compactes, comme si les maisons étaient des pièces assemblées.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe couteau apporte une dimension matérielle. Les applications de pigment présentent des bords fragmentés, de petites accumulations et des variations d’épaisseur qui évoquent les surfaces irrégulières de la pierre et des constructions anciennes.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLes zones de papier non peint apportent de la lumière et laissent de l’espace autour de la composition dans ce format ample.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe paysage relève d’une interprétation de l’architecture traditionnelle de montagne plutôt que d’une reproduction topographique précise. La mémoire du lieu s’exprime par la couleur et la matière.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Esteban Escartín Lacoma (1938).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Village de montagne. Titre descriptif.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Peinture au couteau sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSupport:\u003c\/strong\u003e Papier épais à texture marquée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 60 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle ou début du XXIe ; sans date documentée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signé « Escartín » en bas à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSujet:\u003c\/strong\u003e Paysage rural, architecture traditionnelle et village de montagne.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Bon état général de la composition picturale, avec des empâtements et des couleurs bien préservés. Le papier présente une variation de tonalité dans la marge droite et de légères marques de vieillissement.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEncadrement:\u003c\/strong\u003e Cadre doré inclus.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe clocher établit l’axe vertical de l’ensemble. Les toits sombres se superposent aux façades roses et mauves, avec des accents verts dans les fenêtres et la végétation. Au fond, les plans bleutés et verdâtres suggèrent les montagnes. Les bords fragmentés des applications de peinture contrastent avec les larges zones claires du papier qui entourent le village.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462980788557,"sku":null,"price":180.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0031_095d9950-1594-4284-9202-86758c32c0ff.jpg?v=1791848672"},{"product_id":"jordi-pagans-montsalvatge-cadaques-blava-maestro-del-vibrantismo-mediterraneo-aguafuerte-iluminado-a-mano","title":"Jordi Pagans Montsalvatge — Cadaqués blava — Eau-forte rehaussée à la main","description":"\u003cp\u003eVue de Cadaqués dans une eau-forte de Jordi Pagans i Montsalvatge rehaussée à la main à l’aquarelle. Les maisons et le clocher s’élèvent au-dessus d’une bande d’arbres, avec la mer et la côte à l’arrière-plan.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe village et la baie\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe dessin réunit toitures, murs et végétation en plans successifs. La tour de Santa Maria se distingue parmi les bâtiments ; derrière, la mer claire sépare le noyau urbain des avancées rocheuses de la côte.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa couleur sur la gravure\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes verts se concentrent dans les arbres du premier plan et les jaunes soulignent plusieurs toitures. Les lavis légers du ciel et de la mer contrastent avec les traits plus denses de l’architecture. La marge droite conserve l’annotation « PAGANS - (cadaques blava) ».\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Jordi Pagans i Montsalvatge (Barcelone, 1932–2017).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Cadaqués blava. Vue architecturale et maritime.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Art contemporain. Figuration lyrique.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Eau-forte originale rehaussée à la main à l’aquarelle sur papier artistique à fort grammage et bords naturellement frangés.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Papier : 36 × 29 cm. Cuvette : 27 × 20 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Annotation manuscrite au crayon « PAGANS - (cadaques blava) » dans la marge droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière \/ fonds d’atelier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon. Support intact aux marges propres, cuvette nettement définie et pigments d’aquarelle conservant leur transparence et leur fraîcheur d’origine.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes arbres du premier plan forment une bande dense sous les maisons et le clocher. Les lignes sombres dessinent les toitures et les murs, avec des accents jaunes sur plusieurs toits. Derrière le village, la mer claire s’ouvre vers les pointes rocheuses et une petite formation au large. Les lavis horizontaux et doux du ciel contrastent avec les traits plus denses de la végétation et de l’architecture.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53470766661965,"sku":null,"price":110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0194_b7add8d0-754e-4262-b7e0-56bdaac010b8.jpg?v=1791820312"},{"product_id":"carbonell-rull-noies-el-caballo-alado-prueba-bon-a-tirer-b-a-t-aguafuerte-original","title":"Carbonell — Rull (Noies) : Le cheval ailé — Épreuve bon à tirer (B.A.T.) — Eau-forte","description":"\u003cp\u003eÉpreuve bon à tirer du Cheval ailé, eau-forte de Carbonell imprimée à l’atelier barcelonais de Masafumi Yamamoto.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette estampe appartient à Rull (Noies), conçu en mars 1985 comme une collaboration entre Carbonell et l’écrivain catalan Pep Albanell.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUne jeune femme en robe mouchetée rencontre un grand cheval ailé évoquant Pégase. Ses mains touchent son visage devant un fond texturé et des nuages abstraits. L’image correspond à la quatrième estampe de la série.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe tirage manuel fait ressortir les noirs denses du fond et les hachures plus fines des ailes et de la robe. L’empreinte de la plaque délimite la zone imprimée.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Carbonell (estampe de la série Rull, avec textes de Pep Albanell).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ Sujet:\u003c\/strong\u003e Rull (Noies), quatrième estampe : La rencontre avec le cheval ailé.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDate:\u003c\/strong\u003e Mars 1985 (art contemporain \/ Figuration poétique).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Eau-forte originale tirée à la main sur papier Vélin Arches 250 g, aux bords frangés intacts.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉdition:\u003c\/strong\u003e Épreuve de référence B.A.T. (bon à tirer). Exemplaire de référence de l’atelier, hors commerce.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Papier : 44 × 32 cm ; empreinte de la plaque : environ 24,5 × 30 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Mention manuscrite au crayon « Bon a Tirer » dans la marge inférieure gauche ; signature manuscrite de Carbonell dans la marge inférieure droite.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Atelier de l’imprimeur Masafumi Yamamoto, Barcelone \/ Archives techniques.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon état général. Des taches brunes et une marque sombre près de l’angle supérieur gauche sont visibles sur la photographie du verso.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe cheval ailé occupe l’essentiel de la composition ; la jeune femme pieds nus se tient à droite, les deux mains sur son visage. Les ailes claires forment de hautes pointes contre le fond sombre et texturé. Points et traits courts distinguent le cheval, la robe et les formes arrondies alentour. Les bras de la femme et la tête inclinée de l’animal réunissent les figures en haut à droite.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53470924079437,"sku":null,"price":110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0354_902a9f76-76f7-4471-8e21-120bbcc11eaf.jpg?v=1791818086"},{"product_id":"carbonell-y-pep-albanell-rull-noies-carpeta-completa-5-grabados-aguafuerte-original-39-50","title":"Carbonell et Pep Albanell — Rull (Noies) — Portfolio complet (5 eaux-fortes) — 39\/50","description":"\u003cp\u003eÉdition complète de mars 1985 réunissant littérature catalane et eaux-fortes originales imprimées à l’atelier de Masafumi Yamamoto.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eTexte et image\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003ePublié à Barcelone, Rull (Noies) associe les textes originaux de Pep Albanell à cinq eaux-fortes originales de Carbonell. La séquence passe des nus féminins en intérieur à des images poétiques et mythologiques, dont une rencontre avec un cheval ailé, puis à des scènes méditerranéennes, comme deux femmes se coiffant devant la mer.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eImpression et contrastes graphiques\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes cinq estampes ont été tirées à la main dans l’atelier barcelonais de Masafumi Yamamoto. Les zones sombres denses s’associent aux contours fins et aux textures variées. Les figures claires ressortent sur les fonds plus sombres ; les empreintes des plaques restent visibles autour des images.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAuteurs:\u003c\/strong\u003e Textes originaux de Pep Albanell \/ Eaux-fortes originales de Carbonell.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Rull (Noies). Portfolio complet.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDate:\u003c\/strong\u003e Mars 1985 (art contemporain \/ Bibliophilie).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Cinq eaux-fortes originales tirées à la main sur papier blanc Vélin Arches 250 g, aux bords frangés intacts.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉdition:\u003c\/strong\u003e Édition limitée à 50 exemplaires. Exemplaire 39\/50.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Papier : 44 × 32 cm ; empreinte de la plaque : environ 24,5 × 30 cm par estampe.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignatures et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Les cinq eaux-fortes sont signées et numérotées 39\/50 au crayon par Carbonell dans les marges inférieures.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Atelier de l’imprimeur Masafumi Yamamoto, Barcelone.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eContenu complet:\u003c\/strong\u003e Chemise d’origine, feuillets de garde, textes typographiques de Pep Albanell et cinq eaux-fortes originales.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Excellent état général.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe portfolio alterne les eaux-fortes de Carbonell et le texte de Pep Albanell. La typographie et les clairs-obscurs des images proposent deux rythmes de lecture dans l’ensemble.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53470945182029,"sku":null,"price":310.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0301_0be8221c-8db2-46d7-b07a-0541fa46bb98.jpg?v=1791817742"},{"product_id":"perico-pastor-triptico-la-biblia-2007-obra-grafica-firmada-y-certificada-edicion-notarial","title":"Perico Pastor — Triptyque La Bíblia (2007) — Estampes sur papier","description":"\u003cp\u003eEnsemble de trois estampes de Perico Pastor (La Seu d’Urgell, 1953), réalisées pour l’édition de collection de La Bíblia, publiée par Enciclopèdia Catalana en 2007. Les compositions représentent trois épisodes bibliques : El pas del Mar Roig, Lloeu Déu al seu santuari et Adoració dels savis.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLes trois feuilles appartiennent à l’exemplaire 188\/1000, sont signées au crayon par l’artiste et accompagnées de leur chemise éditoriale et de la documentation de l’édition, dont une attestation notariale.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa Bíblia : un projet important de Perico Pastor\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEn 2007, Enciclopèdia Catalana a publié une ambitieuse édition illustrée de la Bible pour laquelle Perico Pastor a réalisé 954 images, dont 433 en couleur et 521 en noir et blanc.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCe projet a permis à l’artiste de développer une interprétation personnelle des textes bibliques à travers son langage pictural caractéristique, fondé sur la spontanéité du dessin, les transparences de l’aquarelle et l’équilibre entre taches de couleur et traits d’encre.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLoin d’adopter une représentation religieuse strictement académique, Pastor a abordé les récits sacrés avec une sensibilité contemporaine, alternant monumentalité du récit, célébration collective et intimité des personnages.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’intérêt artistique de cet ensemble éditorial s’est reflété dans l’exposition Perico Pastor: La Bíblia il·luminada, présentée à La Pedrera de Barcelone en 2010–2011, puis dans d’autres lieux culturels, dont le Museu d’Art Jaume Morera de Lleida.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003e1. El pas del Mar Roig — Le passage de la mer Rouge\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa première estampe représente l’épisode de l’Exode où les eaux de la mer Rouge s’ouvrent pour permettre le passage du peuple d’Israël.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003ePastor organise la composition par de vastes surfaces bleues, vertes et turquoise, traversées de lignes noires évoquant le mouvement des eaux. Une multitude de figures, traitées avec une grande économie de moyens, se concentre dans la bande inférieure.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe contraste entre les masses colorées et la petite échelle des personnages transmet la dimension extraordinaire de l’événement. La scène se distingue par son dynamisme et par la capacité de l’artiste à construire un récit complexe à partir de quelques éléments graphiques.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003e2. Lloeu Déu al seu santuari — Louez Dieu dans son sanctuaire (Psaume 150)\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eCette composition interprète le caractère musical et festif du dernier psaume du Livre des Psaumes.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLes figures schématiques des musiciens apparaissent parmi des taches rouges, jaunes, bleues et vertes, accompagnées d’instruments évoquant la célébration décrite dans le texte biblique.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe rythme des lignes et la liberté dans la répartition des couleurs produisent une composition vivante. La musique s’exprime par les instruments, mais aussi par le mouvement visuel des figures et les rapports chromatiques.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003e3. Adoració dels savis — L’Adoration des Mages\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa troisième estampe aborde l’adoration de l’Enfant Jésus dans une composition figurative d’une grande richesse chromatique.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa Vierge et l’Enfant forment le noyau de la scène, entourés des Mages. Les bleus, ocres, jaunes et tons magenta se répartissent en surfaces fluides, partiellement délimitées par des traits noirs.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa proximité des personnages et la chaleur des couleurs donnent à la scène un caractère humain et intime, éloigné des compositions religieuses plus solennelles.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eÀ propos de l’artiste\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003ePerico Pastor, nom d’artiste de Pere Pastor i Bodmer, est né à La Seu d’Urgell en 1953. Peintre, dessinateur et illustrateur, il a développé une part importante de son parcours à New York, où il s’est installé en 1976 et a commencé à collaborer avec des publications comme The New York Times, Vogue et Harper’s.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eIl réside à Barcelone depuis 1989, où il poursuit son activité par des expositions, des collaborations avec les médias et des projets éditoriaux.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSon œuvre se caractérise par la liberté du trait, l’usage expressif de la couleur et une interprétation sensible de la figure humaine. L’encre de Chine et l’aquarelle occupent une place importante dans sa production.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eParmi ses distinctions figurent la Medalla Morera de Lleida, reçue en 1993, et le prix spécial du Comité olympique espagnol à la Biennale du sport dans les beaux-arts de 1997.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Perico Pastor (Pere Pastor i Bodmer, 1953).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre de l’ensemble:\u003c\/strong\u003e La Bíblia.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eŒuvres:\u003c\/strong\u003e El pas del Mar Roig ; Lloeu Déu al seu santuari ; Adoració dels savis.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDate:\u003c\/strong\u003e 2007.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉditeur:\u003c\/strong\u003e Enciclopèdia Catalana, Barcelone.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Estampes d’édition d’après les illustrations de l’artiste, traditionnellement commercialisées comme lithographies. Procédé d’impression précis à confirmer.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSupport:\u003c\/strong\u003e Papier d’art de fort grammage.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 50 × 37 cm par feuille.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉdition:\u003c\/strong\u003e 188\/1000, numérotées au crayon.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e « perico », manuscrite au crayon en bas à gauche des trois feuilles.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDocumentation:\u003c\/strong\u003e Chemise éditoriale de La Bíblia et documentation de l’édition avec attestation notariale.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon état général, avec compositions complètes et marges du papier conservées ; aucune incidence importante consignée.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eCet ensemble réunit trois compositions représentatives de l’interprétation des textes bibliques réalisée par Perico Pastor pour Enciclopèdia Catalana. Les estampes permettent d’apprécier trois registres de son langage : la force des masses chromatiques dans El pas del Mar Roig, le rythme festif de Lloeu Déu al seu santuari et la sensibilité figurative d’Adoració dels savis. La conservation des trois feuilles avec une même numérotation, accompagnées de leur chemise et de leur documentation éditoriale, constitue une particularité intéressante de l’ensemble, tant sur le plan artistique que pour la collection d’estampes et d’éditions illustrées.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53474968961357,"sku":null,"price":295.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0034_99095d60-e4a7-4cd9-9176-73f8e05a6e65.jpg?v=1791814409"},{"product_id":"josep-ribot-llupia-basilica-santa-maria-castello-empuries-acuarela","title":"Josep Ribot Llupià — Basilique Santa Maria de Castelló d’Empúries, aquarelle sur papier, vers 1970–1980","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’un des grands joyaux du gothique catalan, la basilique Santa Maria de Castelló d’Empúries, est le sujet de cette aquarelle de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJosep Ribot Llupià (1925–2020)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, peintre catalan spécialisé dans le paysage et les représentations architecturales.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composition nous transporte sur la place de cette localité historique de l’Alt Empordà durant les dernières décennies du XXe siècle. Plusieurs voitures d’époque sont stationnées devant la monumentale façade médiévale, tandis que les visiteurs parcourent la place. Au premier plan, une personne s’arrête pour photographier l’édifice, créant un parallèle intéressant avec le travail de l’artiste : deux façons de préserver la mémoire d’un lieu.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’artiste représente l’architecture avec une précision remarquable. On distingue les six voussures du portail gothique, les sculptures des apôtres, la grande rosace centrale et le clocher situé à gauche. La complexité de la pierre est rendue par de petites touches, des lavis transparents et des variations chromatiques allant des ocres et des gris aux tons dorés.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUn ciel bleu, peint par touches larges et spontanées, s’étend au-dessus de l’ensemble. Sa légèreté contraste avec le traitement minutieux de la façade.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eJosep Ribot Llupià : un aquarelliste entre la Catalogne et Ibiza\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eJosep Ribot Llupià (1925–2020) était un peintre et aquarelliste catalan lié à Capellades, dans la région de l’Anoia, qui s’est ensuite établi à Ibiza.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSa production se développe principalement autour des paysages, des marines et des vues architecturales. Il pratique particulièrement l’aquarelle de grand format, qui lui permet d’explorer la transparence des couleurs, les effets atmosphériques et les rapports entre la lumière et les constructions.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSon activité d’exposition est documentée depuis le milieu du XXe siècle. En juin 1960, il participe à une exposition d’artistes d’Igualada et de sa région au Palau de la Virreina, à Barcelone.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEn janvier 1982, la presse catalane annonce une exposition de ses aquarelles et dessins dans une salle de La Caixa. La Biblioteca de Catalunya conserve également la référence à une affiche d’exposition intitulée \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003ePaisatges i marines\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, présentée dans les salles de la Caja de Ahorros Provincial de Tarragona au cours des années 1980.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCes références permettent de retracer le parcours d’un artiste dont l’œuvre reste liée à la tradition catalane de l’aquarelle paysagère, mais dont la biographie a jusqu’ici été peu diffusée.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eLa cathédrale de l’Empordà : architecture et mémoire d’une époque\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa basilique Santa Maria de Castelló d’Empúries, communément appelée la cathédrale de l’Empordà, est l’un des monuments religieux les plus remarquables du gothique catalan.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSon imposant portail, réalisé au début du XVe siècle, constitue l’un de ses éléments les plus singuliers. Les voussures, les sculptures des douze apôtres et le tympan consacré à l’Épiphanie composent un ensemble sculpté médiéval exceptionnel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eRibot Llupià ne se limite pas à une représentation monumentale de l’édifice. En introduisant des véhicules, des passants et de petites scènes du quotidien, il inscrit l’architecture historique dans la vie de la localité.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’aquarelle présente ainsi un double intérêt : comme peinture et comme témoignage visuel d’une place catalane durant la seconde moitié du XXe siècle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eArtiste :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Josep Ribot Llupià (1925–2020).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eBasilique Santa Maria de Castelló d’Empúries\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e (titre descriptif).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Aquarelle sur papier.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 47,5 × 65 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDatation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Seconde moitié du XXe siècle, probablement les années 1970–1980.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSignature :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Signé « RIBOT LLUPIÀ » dans l’angle inférieur gauche.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eLieu représenté :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Castelló d’Empúries, Alt Empordà, Girona, Catalogne.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSujet :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Paysage urbain, architecture gothique catalane et scènes de la vie quotidienne.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉtat de conservation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Bon état général, avec de légères traces de vieillissement et de petites irrégularités superficielles du papier, sans pertes importantes de la composition identifiées.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Note du Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCette aquarelle se distingue par l’association d’une précision architecturale et d’une sensibilité à la vie quotidienne. Ribot Llupià accorde une attention extraordinaire au portail de Santa Maria, tout en réservant une place aux voitures, aux visiteurs et aux petites scènes qui situent le monument à une époque précise.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNous nous intéressons particulièrement au contraste entre la permanence de l’architecture médiévale et le caractère passager de l’activité humaine représentée. La composition préserve non seulement l’image de l’un des grands monuments de l’Empordà, mais aussi l’atmosphère d’une place qui a changé au fil du temps.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSon format généreux et la luminosité de l’aquarelle renforcent l’attrait d’une œuvre qui réunit peinture, architecture et mémoire historique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53475898687821,"sku":null,"price":295.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0268_0e310184-7deb-4ce3-b488-631645cc46c9.jpg?v=1791806453"},{"product_id":"joan-aragones-iglesia-rural-homenaje-a-mossen-baldello-aguada-original-escuela-catalana","title":"Joan Aragonès — Église rurale (hommage à Mossèn Baldelló) — Lavis sur papier","description":"\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003eLa révérence d’un disciple exprimée dans la sobriété du clair-obscur. Un document historique et artistique exceptionnel qui témoigne du respect et de la profonde connexion entre deux intellectuels de la culture catalane des XIXe et XXe siècles.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"7\" data-index-in-node=\"0\"\u003eL’hommage au maître : Francesc de Paula Baldelló\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eCertaines œuvres transcendent la technique graphique pour s’inscrire pleinement dans le domaine de la mémoire culturelle. Ce lavis original délicat de Joan Aragonès en est un exemple exceptionnel. Il ne s’agit pas d’une simple étude de paysage ; c’est avant tout un objet de vénération personnelle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003eLa clé de l’estampe réside dans la dédicace autographe manuscrite, tracée à la plume dans l’angle inférieur gauche : \u003ci data-path-to-node=\"9\" data-index-in-node=\"118\"\u003e« A Mossèn Baldelló amb la veneració que devem als grans mestres »\u003c\/i\u003e. Francesc de Paula Baldelló (1887-1977), prêtre et figure fondatrice de la musicologie catalane moderne, reçoit ici l’hommage d’un Aragonès qui utilise la pureté du lavis monochrome pour conférer à l’architecture une spiritualité et un silence tangibles.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa synthèse du volume et la maîtrise de l’eau\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11\"\u003eL’exécution technique témoigne d’une retenue et d’une maturité magistrales. Aragonès nous présente une église rurale à l’architecture robuste, couronnée d’un clocher-mur et habilement encadrée par la silhouette d’un pin dans la marge gauche. L’artiste renonce à la couleur pour jouer exclusivement sur les dilutions du pigment, créant les lourds volumes de la pierre au moyen de touches sûres et intuitives. Sa maîtrise de l’« espace négatif » est remarquable : la réserve du blanc brut du papier agit visuellement comme le soleil implacable de midi frappant les façades, générant un contraste d’une grande force scénographique.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"15\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAuteur :\u003c\/b\u003e Joan Aragonès.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTitre \/ Thème :\u003c\/b\u003e Paysage avec église rurale \/ Hommage à Mossèn Baldelló (Dessin architectural).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoque estimée :\u003c\/b\u003e Milieu du XXe siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTechnique et support :\u003c\/b\u003e Lavis original monochrome (encre diluée) sur papier à dessin de teinte chaude.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensions documentées :\u003c\/b\u003e Environ 21 x 26 cm (format paysage de cabinet).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eSignature et inscriptions :\u003c\/b\u003e Présente une dédicace autographe et la signature manuscrite \u003ci data-path-to-node=\"15,5,0\" data-index-in-node=\"73\"\u003e« Joan Aragonès »\u003c\/i\u003e dans la marge inférieure gauche.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eStyle \/ Mouvement :\u003c\/b\u003e Réalisme synthétique \/ École catalane.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"15,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"15,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProvenance :\u003c\/b\u003e Collection privée \/ Fonds de galerie.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Le papier présente une tonalité chaude et de petites perforations, principalement dans la zone du ciel au-dessus du clocher. Le lavis conserve son contraste et la composition reste bien lisible.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eCette pièce est un dialogue silencieux entre deux érudits. Aragonès nous livre un paysage qui exprime la même humilité que celle avec laquelle il reconnaît dans le destinataire de la dédicace un « grand maître ».\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53488357048653,"sku":null,"price":125.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0258_04.jpg?v=1772753624"},{"product_id":"pau-sabate-i-jauma-paisaje-mediterraneo-con-campanario-acuarela-original-postimpresionismo-catalan","title":"Pau Sabaté i Jaumà — Paysage méditerranéen avec clocher — Aquarelle sur papier","description":"\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eLa lumière de la Méditerranée capturée à travers une palette vibrante et moderne. Une aquarelle originale où la solidité de l’architecture historique dialogue avec l’immensité de la mer et la perspective atmosphérique.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLe maître du dessin face au paysage ouvert\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003eDans le panorama de l’art catalan de la première moitié du XXe siècle, peu d’artistes sont parvenus à maîtriser la dualité entre la rigueur académique du dessin et la liberté de la couleur comme Pau Sabaté i Jaumà (1872-1954). Cette aquarelle témoigne exceptionnellement de son approche la plus libre et lumineuse. Sabaté nous transporte dans un site côtier (peut-être sur la côte du Maresme ou du Garraf), où un robuste clocher aux réminiscences romanes et au toit pyramidal se dresse comme un gardien du temps face à l’horizon marin.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11\"\u003eLa composition est un traité d’équilibre classique. Au premier plan, les cyprès stylisés — symbole ancestral de bienvenue en Méditerranée — marquent la verticalité de la scène et guident le regard du spectateur vers la ligne de la côte.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"12\" data-index-in-node=\"0\"\u003eL’audace chromatique : lilas, pourpre et lumière\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003eCe qui élève cette œuvre au rang de chef-d’œuvre, c’est sa palette de couleurs. Loin du paysagisme dix-neuviémiste et terreux, Sabaté adopte une esthétique clairement postimpressionniste. L’artiste utilise magistralement les transparences de l’aquarelle pour construire la profondeur visuelle, teintant les montagnes du fond et les nuages d’audures glacis pourpres, lilas et rosés. Ce procédé (\u003ci data-path-to-node=\"13\" data-index-in-node=\"394\"\u003eperspective atmosphérique\u003c\/i\u003e) confère à l’œuvre une luminosité interne éblouissante, laissant le blanc réservé du papier respirer et se transformer en lumière aveuglante du plein midi.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 data-path-to-node=\"16\"\u003eFICHE TECHNIQUE\u003c\/h3\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"17\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eArtiste :\u003c\/b\u003e Pau Sabaté i Jaumà (Reus, 1872 - Barcelone, 1954).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTitre \/ Sujet :\u003c\/b\u003e Paysage avec église et cyprès face à la mer (marine \/ paysage rural).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉpoque estimée :\u003c\/b\u003e Première moitié du XXe siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTechnique et support :\u003c\/b\u003e Aquarelle originale fluide sur papier à dessin.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensions documentées :\u003c\/b\u003e 18 x 26,5 cm (format paysage de cabinet).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eSignature et inscriptions :\u003c\/b\u003e Signée à la main au pinceau \u003ci data-path-to-node=\"17,5,0\" data-index-in-node=\"47\"\u003e\"P. Sabaté\"\u003c\/i\u003e dans l’angle inférieur gauche.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eStyle \/ Mouvement :\u003c\/b\u003e Postimpressionnisme \/ École catalane.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"17,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProvenance :\u003c\/b\u003e Collection privée \/ Fonds de galerie.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"17,8,0\"\u003e\u003cb\u003eÉtat de conservation :\u003c\/b\u003e Le papier présente deux petites perforations dans l’angle supérieur gauche, en dehors de la composition centrale.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eCertains paysages décrivent un lieu ; d’autres transmettent aussi une sensation de température. Ici, Sabaté évoque la chaleur de la pierre et la brise de l’horizon lilas.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53488380346701,"sku":null,"price":135.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0215_c5500db1-9785-459b-b332-6177e1d19178.jpg?v=1791590823"},{"product_id":"guillem-fresquet-paisaje-rural-con-campanario-1952-acuarela-original-escuela-catalana","title":"Guillem Fresquet — Paysage rural avec clocher (1952) — Aquarelle sur papier","description":"\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eLa danse de l’eau et du pigment. Une fenêtre ouverte sur l’atmosphère du paysage catalan, exécutée par l’un des grands maîtres historiques de l’Association des aquarellistes de Catalogne.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLe peintre de l’air et de la perspective atmosphérique\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11\"\u003eGuillem Fresquet Bardina (1914–1991) ne peignait pas seulement la topographie ; il peignait l’air et l’humidité qui enveloppaient le paysage. Formé à la Llotja, il consacra sa vie à perfectionner la technique la plus impitoyable des arts plastiques. Dans cette superbe aquarelle originale, datée de 1952, nous découvrons la quintessence de son style : un petit hameau rural couronné par un clocher qui se détache devant la silhouette imposante d’une montagne.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"12\"\u003eLa pièce vibre d’une énergie particulière. Fresquet utilise l’aquarelle non comme un simple remplissage chromatique, mais comme un élément vivant qui amplifie le volume. La grande masse montagneuse de l’arrière-plan, traitée dans de magistrales tonalités plombées et pourpres, se brouille en se fondant dans le ciel nuageux, créant une profondeur atmosphérique éblouissante qui réduit l’empreinte humaine persistante de l’architecture.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"13\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa dualité technique : du \u003ci data-path-to-node=\"13\" data-index-in-node=\"25\"\u003emouillé sur mouillé\u003c\/i\u003e au trait sec\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14\"\u003eLa véritable prouesse technique de cette œuvre réside dans sa facture divisée. Tandis que les arrière-plans sont réalisés au moyen de la technique incontrôlable et poétique du « mouillé sur mouillé » (laissant l’eau agir seule sur la cellulose), le premier plan révèle la main ferme du dessinateur. Fresquet définit la rustique clôture en bois de gauche et les bords du chemin de terre par des traits énergiques au pinceau presque sec et au pigment très saturé, ancrant visuellement la composition et repoussant le paysage vers l’horizon.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 data-path-to-node=\"17\"\u003eFICHE TECHNIQUE\u003c\/h3\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"18\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAuteur :\u003c\/b\u003e Guillem Fresquet Bardina (Barcelone, 1914 - 1991).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTitre \/ Sujet :\u003c\/b\u003e Paysage rural avec clocher et montagne (paysagisme catalan).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAnnée de création :\u003c\/b\u003e 1952.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTechnique et support :\u003c\/b\u003e Aquarelle originale fluide sur papier à dessin.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensions documentées :\u003c\/b\u003e 19,5 x 28,5 cm (format paysage de cabinet).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eSignature et inscriptions :\u003c\/b\u003e Signée à la main et datée \u003ci data-path-to-node=\"18,5,0\" data-index-in-node=\"48\"\u003e\"FRESQUET 52\"\u003c\/i\u003e dans l’angle inférieur droit.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eStyle \/ Mouvement :\u003c\/b\u003e Réalisme atmosphérique \/ École catalane d’aquarelle.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"18,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProvenance :\u003c\/b\u003e Collection privée \/ Fonds de galerie.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"18,8,0\"\u003e\u003cb\u003eÉtat de conservation :\u003c\/b\u003e Les couleurs conservent leur intensité. Le papier présente de légères taches brunes (rousseurs), principalement dans la zone du ciel. Les photographies permettent d’en apprécier l’étendue.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eFresquet accorde autant d’importance à la brume qui voile les arbres qu’aux arbres eux-mêmes. L’atmosphère feutrée invite à une contemplation silencieuse.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53488400597325,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0201_59d012eb-56d1-4af8-a033-9784794aff64.jpg?v=1791589974"},{"product_id":"antoni-carrera-karris-silueta-urbana-gesto-expresionista-acuarela-y-tinta-sobre-papel","title":"Antoni Carrera «Karris» — Silhouette urbaine : geste expressionniste — Aquarelle et encre sur papier","description":"\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003ePaysage urbain contemporain réalisé selon une technique mixte. Une œuvre originale d’Antoni Carrera « Karris » qui documente sa période néo-expressionniste, se distinguant par le contraste structurel entre le dessin à l’encre et l’utilisation expansive de l’aquarelle.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"7\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa synthèse du paysage contemporain\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003eCette œuvre, datée de 2004, éloigne le spectateur de la représentation figurative traditionnelle pour l’immerger dans une interprétation purement expressive du paysage urbain. La pièce structure la silhouette d’un village dominé par la verticalité de son église, un axe de composition qui ancre le regard et confère stabilité à l’œuvre. Karris capture l’essence du lieu grâce à une économie de moyens qui privilégie l’impact visuel à la description topographique stricte.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9\" data-index-in-node=\"0\"\u003eL’architecture du trait et du lavis\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003eCe qui rend cette pièce magnétique, c’est le contraste dramatique de ses matériaux. D’un côté, l’utilisation de l’encre noire — appliquée par un trait calligraphique rapide — définit la solidité des édifices et la topographie des montagnes. En net contraste technique, les lavis dans des tons magenta et rosés enveloppent la scène. Il est intéressant d’observer comment Karris utilise magistralement le vide du papier blanc pour apporter de la lumière à la composition, créant un équilibre propre à la peinture contemporaine.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"13\"\u003eFICHE TECHNIQUE\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"14\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eArtiste :\u003c\/b\u003e Antoni Carrera (« Karris »).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTitre \/ Sujet :\u003c\/b\u003e Silhouette urbaine avec église (paysage néo-expressionniste).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAnnée \/ Époque :\u003c\/b\u003e 2004 (signée et datée « KARRIS ’04 »).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTechnique et support :\u003c\/b\u003e Aquarelle et encre originales sur papier, travaillées au trait calligraphique et aux lavis expansifs.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensions documentées :\u003c\/b\u003e Env. 24 x 33 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eStyle \/ Mouvement :\u003c\/b\u003e Néo-expressionnisme \/ abstraction figurative.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eProvenance :\u003c\/b\u003e Collection privée.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"14,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"14,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉtat de conservation :\u003c\/b\u003e Excellent.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eCette œuvre originale d’Antoni Carrera « Karris » témoigne de sa période néo-expressionniste, marquée par le contraste structurel entre le dessin à l’encre et l’usage expansif de l’aquarelle.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53493029830989,"sku":null,"price":145.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0392_93890c0d-4b67-4e16-a9b2-45cc076589e0.jpg?v=1791575964"},{"product_id":"antonio-comerma-dibujo-arquitectura-romanica-aguada-sepia-1942","title":"Antonio Comerma — Monumentalité romane (1942) — Dessin original au lavis sépia","description":"\u003cp\u003eUn dessin original de 1942 représentant une église romane, avec un traitement académique du volume et de la lumière.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSigné Antonio Comerma et daté de 1942, ce dessin architectural montre le chevet et le clocher d’une église romane catalane, en concentrant l’attention sur l’abside. Le lavis monochrome sépia rappelle les gravures anciennes ou les photographies d’époque.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’artiste construit les volumes de pierre par un placement précis des ombres portées. La profondeur des arcatures aveugles et la perspective des murs révèlent une étude attentive de la géométrie architecturale. Le dessin serein et équilibré transmet la solidité du patrimoine médiéval.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Antonio Comerma.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ Sujet:\u003c\/strong\u003e Vue d’une abside et d’un clocher romans.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAnnée:\u003c\/strong\u003e 1942.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Lavis sépia sur papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 52 × 37 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInscriptions:\u003c\/strong\u003e Signé « A. Comerma » et daté « 1942 » dans l’angle inférieur gauche.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eStyle \/ Mouvement:\u003c\/strong\u003e Réalisme académique \/ Architecture régionaliste.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e État lié à l’ancienneté. Le papier présente des rousseurs, petites taches d’oxydation associées à l’humidité. Ces marques n’empêchent pas la lecture du dessin.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa douceur des tons sépia et la fermeté du trait permettent de suivre les détails architecturaux. La précision des formes se combine à une gradation de lumières et d’ombres donnant de la profondeur au bâtiment.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53518282031437,"sku":null,"price":103.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-22_155933274.png?v=1792677576"},{"product_id":"blanca-montane-la-punta-sitges-acuarela-1987","title":"Blanca Montané Ramírez — La Punta de Sitges, 1987 — Aquarelle sur papier","description":"\u003cp\u003eAquarelle originale datée de 1987 représentant l’église de Sant Bartomeu i Santa Tecla, l’un des monuments les plus reconnaissables du littoral de Sitges. La composition montre l’ensemble architectural connu sous le nom de \u003cem\u003eLa Punta\u003c\/em\u003e, situé sur l’ancien bastion de la ville et ouvert sur la Méditerranée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’église occupe l’extrémité gauche de la scène, ses deux tours se détachant sur un ciel de larges lavis bleus et jaunâtres. À droite s’étend l’horizon marin, traité par de douces touches horizontales et des transparences de couleur qui apportent lumière et profondeur.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’architecture est construite dans des tons ocre, des jaunes chauds et des ombres brunes, appliqués par des touches rapides et distinctes. Le traitement des façades, des escaliers et des murs descendant vers la promenade témoigne d’un intérêt particulier pour la synthèse des formes et la représentation de la lumière méditerranéenne.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’aquarelle porte la signature «Montané» et la date «87» dans l’angle inférieur droit. Elle appartient à la production de \u003cstrong\u003eBlanca Montané Ramírez\u003c\/strong\u003e, aquarelliste liée à Sitges et connue pour ses représentations de lieux caractéristiques de la ville.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’artiste est documentée dans le Fons d’Art de l’Ave Maria Fundació, qui conserve une autre aquarelle de l’église de Sant Bartomeu i Santa Tecla, étroitement apparentée à cette œuvre par sa composition et son langage pictural.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Blanca Montané Ramírez.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e La Punta de Sitges (titre descriptif).\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDate:\u003c\/strong\u003e 1987.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Aquarelle originale sur papier.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions de l’œuvre:\u003c\/strong\u003e 23,5 × 33 cm.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions avec cadre:\u003c\/strong\u003e 38 × 47 cm.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSujet:\u003c\/strong\u003e Vue de l’église de Sant Bartomeu i Santa Tecla, Sitges.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e «Montané 87», dans l’angle inférieur droit.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Bon état général : composition intacte et lavis de couleur conservés. Papier encadré sous verre, avec de légères traces de vieillissement propres au support.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003ePrésentation:\u003c\/strong\u003e Cadre doré avec passe-partout clair.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eCette aquarelle saisit l’une des vues les plus caractéristiques de Sitges dans une interprétation particulièrement lumineuse et spontanée. L’architecture monumentale de La Punta contraste avec l’ampleur du ciel et la sérénité de l’horizon marin.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54325779333453,"sku":null,"price":175.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0052_59325f25-984c-4881-ae98-6aed66ad8308.jpg?v=1784376125"},{"product_id":"jesus-casas-plaza-navalcarnero-oleo-1978","title":"Jesús Casas — Place de Navalcarnero : paysage urbain monumental — Huile sur toile (1978)","description":"\u003cp\u003eŒuvre originale de 1978 représentant avec précision l’emblématique Plaza de Segovia à Navalcarnero, près de Madrid. Jesús Casas décrit l’architecture castillane — ses arcades caractéristiques, ses colonnes de pierre et la silhouette de l’église Nuestra Señora de la Asunción — par une touche libre et empâtée. La perspective ouverte du pavement et le traitement du ciel donnent de la monumentalité à ce paysage urbain de grand format.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’œuvre représente le centre historique de Navalcarnero. Casas emploie une technique d’influence impressionniste, visible dans les textures des tuiles et la luminosité du ciel. Le choix de montrer la place dégagée, en soulignant le dessin du pavement, crée de la profondeur et situe le spectateur au centre de l’espace public. La peinture constitue un témoignage historique et artistique de ce lieu.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Jesús Casas.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSujet :\u003c\/strong\u003e Paysage urbain \/ Architecture et vie locale (Plaza de Segovia, Navalcarnero).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Huile sur toile.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e Œuvre : 60 × 81,5 cm ; cadre : 78 × 100 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e Signée « J. Casas » au recto. Signée, titrée et datée au verso : « PLAZA de NAVALCARNERO \/ 1978 \/ J. CASAS ».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Très bon. Couche picturale stable et toile bien tendue. Cadre en bois aux tons chauds, avec une bande intérieure claire, en bon état.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d’inspection :\u003c\/strong\u003e Retour garanti sous 30 jours pour examiner l’œuvre en personne et en apprécier la qualité.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes lignes du pavement convergent vers les façades et ouvrent une vaste surface au premier plan. Le réverbère de gauche introduit une verticale proche, tandis que les tours et leurs flèches dépassent les toits. Sous les balcons, les zones sombres des arcades contrastent avec les murs clairs. Les ocres du sol et des tuiles relient l’architecture à la place, face aux bleus et aux blancs du ciel.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54326641066317,"sku":null,"price":550.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0411_e5c09419-364f-4da0-b353-49b059305eeb.jpg?v=1791901372"},{"product_id":"karl-stuhlmuller-mercado-rural-bavaro","title":"Karl Stuhlmüller — Scène de marché rural bavarois — Huile sur toile — Fin du XIXe siècle","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003eUne représentation précise de la vie quotidienne en Haute-Bavière. Cette œuvre capture l’animation et le quotidien d’un marché aux bestiaux, nous transportant dans l’atmosphère rurale d’Europe centrale au tournant du siècle.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003eCette peinture s’inscrit dans la tradition de la peinture de genre de l’École de Munich, un mouvement qui atteint sa maturité technique au cours du dernier quart du XIX\u003csup\u003ee\u003c\/sup\u003e siècle. La composition place le spectateur face à une foire aux bestiaux, un motif récurrent dans la production associée à Karl Stuhlmüller, qui démontra une remarquable capacité à organiser des scènes d’ensemble avec une précision animalière. L’axe visuel est défini par l’ensemble architectural local, où se distingue la silhouette de l’église avec son dôme à bulbe, élément caractéristique de la région. Au premier plan, l’artiste articule l’interaction entre les figures humaines et le bétail de trait. Le traitement de la lumière et la gestion de la couleur suivent les canons des ateliers allemands de l’époque, créant une profondeur équilibrée qui confère à la scène sa vérité.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"4\" data-index-in-node=\"0\"\u003eNote de catalogage\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"5\"\u003eL’œuvre porte la signature « K. Stuhlmüller München » dans l’angle inférieur gauche. La scène de marché rural, la composition d’ensemble et le traitement des personnages et des animaux s’inscrivent dans le contexte de la peinture de genre bavaroise de la fin du XIXe siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8\" data-index-in-node=\"0\"\u003eFiche technique\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"9\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAuteur :\u003c\/b\u003e Karl Stuhlmüller (Munich, 1859 - Etzenhausen, 1930).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eSujet :\u003c\/b\u003e Paysage avec personnages \/ Peinture de genre rural \/ Marché bavarois.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTechnique :\u003c\/b\u003e Huile sur toile.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensions :\u003c\/b\u003e 39 x 60 cm (toile) \/ 53 x 74 cm (cadre).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eSignature :\u003c\/b\u003e Porte la signature « K. Stuhlmüller München » dans l’angle inférieur gauche.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉtat de conservation :\u003c\/b\u003e Très bon. Couche picturale stable. Le cadre d’époque présente une patine naturelle et des marques d’usure liées à son usage.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"9,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"9,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eInclus :\u003c\/b\u003e Cadre en bois sculpté et assurance transport.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"10\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"10\" data-index-in-node=\"0\"\u003eLa note de l’atelier\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11\"\u003eLes personnages et le bétail se répartissent devant les bâtiments du village, formant une scène d’ensemble. L’église organise l’arrière-plan de la composition, tandis que la variété des gestes et des groupes donne du rythme au marché. Le cadre d’époque conserve sa patine et accompagne la présentation de la peinture.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54326674620749,"sku":null,"price":2250.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0289_3da0af67-e363-4467-811d-40d49b14431b.jpg?v=1791898267"},{"product_id":"albert-carner-paisaje-postimpresionista-escuela-catalana-oleo","title":"Albert Carner — Peinture de genre postimpressionniste. École catalane — Huile sur toile — XXe s.","description":"\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eUne immersion dans la sérénité de la vie rurale méditerranéenne. Cette toile de grand format capture l’essence d’un environnement traditionnel grâce à une lumière saisissante et à une maîtrise technique de la perspective, invitant le spectateur à parcourir ses rues.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"6\"\u003eLa composition nous transporte dans une scène purement costumbriste, structurée autour d’une rue en pente qui guide naturellement le regard vers le point de fuite, où se dressent la silhouette imposante de l’église et son clocher. Albert Carner emploie un langage postimpressionniste profondément ancré dans la tradition paysagère catalane, caractérisé par une touche ferme, décidée et riche en matière.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"7\"\u003eL’aspect le plus remarquable de l’œuvre est son étude rigoureuse de la lumière. La lumière d’un soleil rasant de milieu d’après-midi crée un fort contraste entre les zones éclairées de la chaussée et des façades, et les ombres denses projetées par les personnages et le mur d’enceinte. Les verts de la végétation, appliqués d’une manière plus libre et expressive, apportent fraîcheur et volume à la composition. En outre, le revers de la toile conserve le cachet historique de « Vicente Piera » (Cardenal Casañas, Barcelone), ce qui situe et contextualise sans équivoque l’exécution matérielle de la pièce au sein du foyer artistique catalan de l’époque.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"11\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eArtiste :\u003c\/b\u003e Albert Carner.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eThème :\u003c\/b\u003e Paysage rural \/ Costumbrisme \/ Architecture.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTechnique :\u003c\/b\u003e Huile sur toile.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensions :\u003c\/b\u003e 55 x 66 cm (œuvre) \/ 85 x 96 cm (cadre).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eSignature :\u003c\/b\u003e Signée dans l’angle inférieur droit. Le revers porte le cachet de l’historique maison de beaux-arts Vicente Piera (Barcelone).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉtat de conservation :\u003c\/b\u003e Très bon. La couche picturale est solide, sans craquelures apparentes et avec des couleurs vibrantes. La toile conserve une excellente tension sur le châssis. Le cadre classique est en magnifique état et apporte une grande solidité à l’ensemble. Il est recommandé d’examiner attentivement le reportage photographique, qui fait foi.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"11,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"11,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eInclus :\u003c\/b\u003e Cadre en bois sculpté de haute qualité, passe-partout en tissu et assurance de transport professionnel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"13\"\u003eAu-delà de l’anecdote rurale, nous sommes face à une œuvre dont la véritable protagoniste est la lumière méditerranéenne. La maîtrise avec laquelle Carner traite les ombres sur la chaussée et le volume des arbres témoigne d’un savoir-faire pictural mature et d’une grande assurance. C’est une pièce qui raconte l’histoire de la quiétude d’un village, s’imposant comme une fenêtre ouverte sur la meilleure tradition de l’école paysagère catalane.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54326766240077,"sku":null,"price":490.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0270_8ebf3205-7006-4388-9076-bfc110c3f8f4.jpg?v=1791990012"},{"product_id":"oriol-jansana-cristo-calvario-crucifixion-oleo-tabla","title":"Attribué à Josep Oriol Jansana d'Anzizu — Le Calvaire — Huile sur panneau, XXe siècle","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePeinture originale à sujet religieux, attribuée à l’artiste catalan \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJosep Oriol Jansana d’Anzizu (Barcelone, 1913–1993)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, représentant la Crucifixion du Christ dans un langage expressionniste d’une forte intensité dramatique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composition s’organise autour du Christ crucifié, au centre du panneau. À ses pieds apparaissent deux personnages recueillis : l’un porte un manteau bleu qui permet de le rapprocher de la Vierge Marie, tandis que la figure de droite est vêtue d’une ample tunique rougeâtre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’artiste construit la scène par une touche libre et synthétique, concentrant l’attention sur les figures et écartant les éléments narratifs secondaires. Le corps du Christ, éclairé de tons ocres et blanchâtres, se détache sur un fond sombre de noirs bleutés et de verts profonds.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLes personnages qui l’accompagnent sont représentés avec une grande économie de détails, par de larges applications de couleur et des traits suggérant leurs gestes et leurs expressions. Les tons rougeâtres des vêtements contrastent avec les ombres du paysage et le bleu intense du manteau de la figure féminine.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’austérité de la composition et le caractère esquissé de l’exécution renforcent la dimension spirituelle et émotionnelle de la scène, proche des tendances expressionnistes de la peinture figurative du XXe siècle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAu revers du panneau figure une inscription manuscrite qui semble indiquer « Bocet de Oriol Jansana », accompagnée de diverses esquisses et annotations au crayon. Cette référence constitue un élément documentaire important pour l’attribution de la pièce.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eÀ propos de l’artiste\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJosep Oriol Jansana d’Anzizu (Barcelone, 1913–1993)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e était un peintre catalan formé auprès de Nolasc Valls et à l’Escola de la Llotja de Barcelone. Il entretient des liens artistiques avec Marià Pidelaserra, figure importante du renouveau pictural catalan.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eIl commence à exposer dans les années 1930 et participe à différents groupements artistiques, notamment La Campana de Sant Gervasi.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSa production se développe principalement autour des paysages urbains et ruraux, mais il pratique également le portrait et la représentation figurative. Sa peinture révèle des influences du fauvisme et de l’expressionnisme, avec une attention particulière à l’intensité chromatique et à la construction synthétique des formes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSon parcours comprend des expositions dans des galeries barcelonaises comme Syra et Subex, ainsi qu’un séjour artistique en Italie au cours duquel il obtient une médaille d’or au concours Cadorago-Lario de Côme en 1971.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSon œuvre est représentée dans des collections institutionnelles, notamment au Museu d’Art de Girona.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAttribution :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Attribué à Josep Oriol Jansana d’Anzizu (1913–1993).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Le Calvaire (titre descriptif).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Huile sur panneau de bois.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDatation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e XXe siècle, sans date identifiée.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions de l’œuvre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 24,5 × 18 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions avec cadre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 36 × 30 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eStyle :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Figuration expressionniste à sujet religieux.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscriptions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Au revers, annotation manuscrite apparemment « Bocet de Oriol Jansana », accompagnée d’autres esquisses au crayon.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉtat de conservation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Bon état général de présentation. La couche picturale conserve sa texture et ses principales relations chromatiques. De petites marques superficielles et des usures ponctuelles liées à son ancienneté sont visibles.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePrésentation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Cadre en bois orné de motifs végétaux, à finition blanche.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Note du Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCe petit panneau se distingue par la force expressive de sa composition et l’austérité de la représentation de la Crucifixion.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa palette sombre, la touche libre et le caractère synthétique des figures donnent à l’œuvre une intensité qui contraste avec ses dimensions réduites.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’inscription manuscrite au revers, qui relie la peinture à Oriol Jansana et la décrit apparemment comme une esquisse, présente un intérêt particulier pour l’étude de son attribution et de son processus de création.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54326783115597,"sku":null,"price":200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0146_6a013eb7-06a7-41d7-9492-f23ec3506d2e.jpg?v=1791942870"},{"product_id":"puell-melia-paisaje-rural-campanario-acuarela-tabla","title":"Puell Meliá — Atmosphère méditerranéenne : paysage rural avec clocher — Aquarelle sur panneau","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003eUne œuvre qui capture l’essence de la quiétude rurale grâce à une maîtrise absolue de la lumière et de l’atmosphère. Ce paysage de Puell Meliá se distingue par la fluidité de ses lavis et la chaleur de sa palette, offrant une fenêtre directe sur la tranquillité de l’environnement champêtre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003eLa composition nous transporte au cœur d’un village rural traditionnel, dominé par la verticalité d’un clocher et la silhouette caractéristique des cyprès, éléments classiques du paysage méditerranéen. Puell Meliá structure la scène sur plusieurs plans de profondeur : un premier plan esquissé aux coups de pinceau libres et aux nuances terreuses, un plan intermédiaire où s’installe le hameau — avec le détail narratif de la fumée s’échappant de la cheminée —, et un arrière-plan montagneux estompé sous un ciel couvert.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eTechniquement, le choix de l’aquarelle sur panneau est très intéressant. Ce support rigide permet à l’artiste de travailler avec un contrôle différent de l’humidité du pigment par rapport au papier traditionnel, en évitant les déformations. L’auteur fait preuve d’une grande maîtrise de la technique humide sur humide pour traiter le ciel chargé et les montagnes de l’arrière-plan, en contraste avec le traitement plus précis et sec de l’architecture et de la végétation centrale.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"8\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eArtiste :\u003c\/b\u003e Puell Meliá.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eThème :\u003c\/b\u003e Paysage rural \/ Architecture traditionnelle.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTechnique :\u003c\/b\u003e Aquarelle sur panneau.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensions :\u003c\/b\u003e 46 x 60 cm (œuvre) \/ 67 x 80,5 x 6 cm (cadre).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eSignature :\u003c\/b\u003e Signée « Puell Meliá » dans l’angle inférieur droit. Elle comporte également une plaque métallique d’identification centrée sur le passe-partout inférieur.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉtat de conservation :\u003c\/b\u003e Excellent. Les pigments ont conservé leur fraîcheur et leur luminosité d’origine, sans signes d’oxydation ni de décoloration due à l’exposition à la lumière. Le panneau garantit la parfaite planéité de l’œuvre. Le cadre solide est en magnifique état. Nous vous invitons à consulter les photographies détaillées, qui revêtent un caractère contractuel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eComprend :\u003c\/b\u003e Cadre original de haute qualité et assurance de transport professionnel.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe clocher et les cyprès forment un groupe de verticales qui dépasse les toits. Les façades claires alternent avec des touches vertes et brunes, tandis que la fumée de la cheminée introduit une ligne blanche à gauche. Au premier plan, les pierres et les herbes présentent des contours plus définis ; à l’arrière, les montagnes se dissolvent dans des tons gris et bleutés. Cette différence de netteté sépare les plans et laisse une large zone claire entre le hameau et le bord inférieur.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54332571418957,"sku":null,"price":135.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0091_b8e5a2cb-3f3f-4712-803d-c6dea2b38262.jpg?v=1791909861"},{"product_id":"acrilico-vista-collioure-martine-foissier-2013","title":"Martine Foissier — Vue de Collioure (2013) — Acrylique sur panneau — Néo-fauvisme français","description":"\u003cp\u003eUne interprétation contemporaine de la côte méditerranéenne, où couleur pure et touche gestuelle évoquent la lumière du sud de la France.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’architecture identifie la vue comme Collioure, en Occitanie. La silhouette de l’église Notre-Dame-des-Anges avançant dans la mer et le profil du château dominent le fond, rappelant le rôle de la ville aux débuts du fauvisme.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMartine Foissier emploie un langage postimpressionniste et néo-fauviste. Des lignes noires fermes et calligraphiques, proches du cloisonnisme, structurent la barque catalane au premier plan, l’architecture et les vagues. Des touches acryliques larges, rapides et chargées de matière remplissent cette structure. Le bleu céruléen de l’eau contraste avec le rouge de la barque et l’orange d’un soleil en spirale schématique, donnant du mouvement à l’ensemble.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Martine Foissier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDate:\u003c\/strong\u003e 2013.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉcole:\u003c\/strong\u003e École française contemporaine.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eStyle:\u003c\/strong\u003e Néo-fauvisme \/ Expressionnisme.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Acrylique sur panneau de bois rigide.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions de l’œuvre:\u003c\/strong\u003e 65 × 50 cm (format vertical).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions avec cadre:\u003c\/strong\u003e 79 × 64 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Excellent. Le support rigide maintient la stabilité de la couche picturale. Avec un cadre patiné aux tons clairs, en accord avec la luminosité de la peinture.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eFoissier transpose la tradition paysagère du sud de la France dans un langage contemporain. Les lignes directes et les plages colorées définissent la scène sans accumulation de détails.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54336976519501,"sku":null,"price":84.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0005_fadf3562-a608-4bcb-a327-db2ee134d7f2.jpg?v=1791905238"},{"product_id":"frans-geerts-oleo-cardenal-estudio-costumbrismo-belga-siglo-xix","title":"Frans Geerts — Le cardinal dans son cabinet — Huile sur toile — Peinture de genre belge","description":"\u003cp\u003eUne scène de genre du peintre belge Frans Geerts (Anvers, 1869 – Borgerhout, 1957), représentant un cardinal dans l’intimité de son cabinet, parmi un mobilier élaboré et des objets décoratifs. Elle s’inscrit dans la tradition des scènes anecdotiques de hauts dignitaires ecclésiastiques en milieu domestique à la fin du XIXe siècle, mêlant solennité institutionnelle, vie quotidienne et humour discret.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe cardinal est assis près d’une table recouverte d’un tissu ornemental. Ses motifs géométriques contrastent avec le rouge intense du vêtement. Devant lui, un petit animal attire son attention et déplace le récit de sa fonction publique vers un moment privé.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUne cheminée monumentale, des ornements architecturaux, une chaise en bois sculpté à garniture rougeâtre, un meuble sombre et divers objets remplissent l’intérieur. L’intensité du vêtement et la distribution de la lumière créent une hiérarchie visuelle. La description des textiles et surfaces décorées contraste avec le modelé du visage et des mains ; le sol chaleureux équilibre la complexité du fond.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa composition rejoint la peinture de cardinaux pratiquée par Georges Croegaert, Jehan Georges Vibert et Andrea Landini : ecclésiastiques lisant, conversant, se reposant ou participant à de petites situations humoristiques. Geerts associe le récit à une description attentive des intérieurs dans une œuvre de cabinet conçue pour une observation rapprochée.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eÀ propos de l’artiste\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eFrans Geerts, également appelé Franz ou François Geerts, fut un peintre belge de formation académique lié à la tradition figurative flamande. De 1880 à 1886, il étudia à l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers sous la direction de Lucas Victor Schaefels. Il réalisa portraits, scènes de genre, sujets religieux, paysages et natures mortes, surtout à l’huile, mais pratiqua aussi l’aquarelle et le dessin.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSon œuvre resta liée aux traditions réaliste et romantique, avec une attention au récit et aux petits formats. À côté de ses compositions, il réalisa des interprétations et copies de maîtres anciens, pratique d’étude académique courante. Il travailla principalement autour d’Anvers et de Borgerhout, où il résida durant des décennies.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Frans Geerts (1869–1957).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre descriptif:\u003c\/strong\u003e Le cardinal dans son cabinet.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e Fin du XIXe \/ début du XXe siècle, probablement vers 1890–1910.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Huile sur toile.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eStyle:\u003c\/strong\u003e Peinture de genre anecdotique de tradition académique belge.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions de l’œuvre:\u003c\/strong\u003e 32 × 25 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signée « F. Geerts » dans l’angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDocumentation matérielle:\u003c\/strong\u003e Le châssis conserve une étiquette de l’encadreur F. De Leeuw, situé Turnhoutschebaan à Borgerhout (Anvers).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEncadrement:\u003c\/strong\u003e Cadre en bois sculpté et doré, à décor historiciste.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Bon état général de présentation, avec des craquelures superficielles visibles par endroits et des signes compatibles avec son ancienneté.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe récit s’appuie sur le soin apporté aux matières de l’intérieur. Le rouge du vêtement attire le regard sur le cardinal ; la variété des textiles et surfaces décorées donne de la profondeur. L’étiquette au revers témoigne de l’histoire matérielle de la peinture : son adresse à Borgerhout correspond à un secteur où Geerts travailla. Cette scène intime rejoint le goût de la fin du XIXe siècle pour la peinture figurative anecdotique.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54337467187533,"sku":null,"price":390.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/IMG_20260506_181710_eef9e544-bf49-4c8c-aad6-aa9893360a53.jpg?v=1792070813"},{"product_id":"javier-rey-oleo-paleta-pintor-vista-sitges-expresionismo","title":"Javier Rey — Vue de Sitges sur palette de peintre — Huile sur panneau — Expressionnisme coloriste","description":"\u003cp\u003eUne vue colorée de Sitges sur un support singulier : une palette de peintre en bois. La forme de l’objet, intégrée à l’encadrement, participe à la composition.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’artiste galicien Javier Rey, installé à Sitges, reprend la tradition paysagère de cette ville côtière catalane, liée au modernisme et à des artistes comme Santiago Rusiñol et Ramon Casas, et la réinterprète dans une approche contemporaine et expressionniste.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa scène représente le Passeig de la Ribera avec son kiosque caractéristique, les palmiers, la mer ponctuée de voiliers et la silhouette de l’église Sant Bartomeu i Santa Tecla au-dessus de la jetée. L’huile est appliquée directement sur la palette en bois par des touches rapides, gestuelles et chargées de matière. Les violets et les pourpres du ciel sous un soleil rouge cadmium contrastent avec les jaunes de l’architecture et le turquoise de l’eau, dans une palette fortement fauviste.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Javier Rey.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Vue de Sitges depuis la promenade maritime (titre donné).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Contemporaine.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eStyle:\u003c\/strong\u003e Expressionnisme \/ Fauvisme.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Huile sur panneau de bois découpé en forme de palette de peintre.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions de l’œuvre:\u003c\/strong\u003e 40 × 28 cm (palette).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions avec cadre:\u003c\/strong\u003e 50 × 38 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e « Rey », dans l’angle inférieur droit de la palette.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Excellent état de la structure et de la couche picturale.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa courbe intérieure de la palette accompagne la ligne de la mer. La promenade violette conduit du kiosque au premier plan vers l’église. Les voiles blanches et l’architecture jaune ressortent sur les verts et les bleus de l’eau.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54368438747469,"sku":null,"price":170.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0146_a95fffd2-3e2e-495a-b098-c1842a8dcae9.jpg?v=1792094230"},{"product_id":"roser-puig-maternidad-virgen-nino-tecnica-mixta-1957","title":"Roser Puig — Maternité (Vierge à l’Enfant) (1957) — Technique mixte sur papier — Dessin académique catalan","description":"\u003cp data-path-to-node=\"1\"\u003eUn dessin d’une délicatesse extraordinaire, où la pureté de la ligne au graphite et la subtilité du craie blanche capturent la tendresse de la maternité dans l’art graphique catalan du milieu du XXe siècle.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp data-path-to-node=\"3\"\u003eRéalisée en 1957, cette œuvre de Roser Puig propose une approche intimiste de l’iconographie de la Maternité ou de la Vierge à l’Enfant, un thème profondément ancré dans la tradition de l’illustration catalane de l’après-guerre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"4\"\u003eSur le plan technique, l’œuvre se distingue par une facture linéaire nette et sereine, héritière de la sobriété du Noucentisme et de l’illustration académique du milieu du XXe siècle. Puig travaille sur un papier teinté beige chaud, construisant l’anatomie des figures au moyen d’un trait ferme et modulé au graphite. Pour donner tridimensionnalité et volume à la composition, l’artiste recourt magistralement au craie blanche — appliqué avec précision sur les visages, les cheveux de l’enfant et l’auréole — ainsi qu’à de subtiles touches de pigments ocre pour définir les plis des vêtements. La présence des deux oiseaux voltigeant au-dessus de l’auréole ajoute une note de lyrisme et de fraîcheur à la composition.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"7\"\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul data-path-to-node=\"8\"\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,0,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,0,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eArtiste :\u003c\/b\u003e Roser Puig\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,1,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,1,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTitre :\u003c\/b\u003e \u003ci data-path-to-node=\"8,1,0\" data-index-in-node=\"8\"\u003eMaternité \/ Vierge à l’Enfant\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,2,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,2,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eAnnée :\u003c\/b\u003e 1957\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,3,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,3,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eStyle :\u003c\/b\u003e Illustration académique \/ Dessin catalan du milieu du XXe siècle\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,4,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,4,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eTechnique :\u003c\/b\u003e Technique mixte (graphite, craie blanche et pigments terre) sur papier teinté\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,5,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,5,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensions de l’œuvre :\u003c\/b\u003e 41 x 30 cm\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,6,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,6,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eDimensions avec cadre :\u003c\/b\u003e 68 x 52 cm env.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,7,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,7,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eSignature :\u003c\/b\u003e Angle inférieur droit (« roser puig 1957 »)\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,8,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,8,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eEncadrement :\u003c\/b\u003e Cadre sobre en bois naturel avec vitre de protection et passe-partout grand format dans un ton café neutre.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp data-path-to-node=\"8,9,0\"\u003e\u003cb data-path-to-node=\"8,9,0\" data-index-in-node=\"0\"\u003eÉtat de conservation :\u003c\/b\u003e Excellent. Papier ferme, stable et en parfait état de conservation.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 data-path-to-node=\"9\"\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa craie blanche accroche la lumière sur les visages, en contraste avec le ton naturel et chaud du papier. Son dialogue avec le trait de graphite donne du volume aux figures tout en préservant la délicatesse du dessin.\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54368448676173,"sku":null,"price":190.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0180_ea30194c-1292-4170-97e3-9b43fd0a9517.jpg?v=1792094677"},{"product_id":"escuela-europea-the-ave-maria-relic-retablo-antiguo","title":"École européenne — La relique de l'Ave Maria : Madone à l'Enfant et Saints — Huile et retable de haute antiquité","description":"\u003cp\u003eUne pièce de dévotion de caractère muséal qui témoigne de la richesse de l'art sacré d'époque ancienne. Ce retable, conçu pour le culte privé, fusionne la sculpture sur bois massif polychrome avec une peinture à l'huile détaillée, encapsulant la dévotion et la virtuosité technique de l'imagerie religieuse européenne.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa splendeur du culte domestique :\u003c\/b\u003e Durant l'Antiquité tardive, les oratoires privés étaient l'épicentre spirituel des familles nobles ou de la haute bourgeoisie. Cette œuvre répond à ce besoin de dévotion intime, présentant une structure architecturale sculptée, polychrome et dorée qui élève la scène centrale au rang de sacré. Ses caractéristiques stylistiques témoignent d'une école européenne oscillant entre la rigueur compositionnelle des ateliers florentins et le dramatisme dévotionnel de la tradition espagnole.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eUn document matériel inaltéré :\u003c\/b\u003e La pertinence de ce panneau réside dans son intégrité historique et sa facture inaltérée. L'huile centrale dialogue directement avec la structure massive qui l'abrite, créant une œuvre totale. La présence de restes d'une étiquette de catalogage ancienne au revers souligne son importance documentaire, retraçant son passage par le collectionnisme historique sans que cette inscription ne permette de reconstruire à elle seule son parcours historique.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eFiche technique\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAuteur :\u003c\/b\u003e Anonyme (École européenne, origine possible espagnole ou florentine).\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTitre \/ Sujet :\u003c\/b\u003e The Ave Maria Relic : Madonna, Child and Saints (Vierge, Enfant et saints).\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eÉpoque :\u003c\/b\u003e Antiquité tardive.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTechnique et support :\u003c\/b\u003e Huile sur panneau intégré dans un retable en bois massif sculpté, polychrome et doré.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensions :\u003c\/b\u003e 70 cm (Hauteur) x 37 cm (Largeur) x 6,5 cm (Épaisseur).\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003ePoids :\u003c\/b\u003e 4,5 kg.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eSignature et inscriptions :\u003c\/b\u003e Aucune. Conserve des restes d'une étiquette de catalogage ancienne au revers.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eProvenance :\u003c\/b\u003e Marché secondaire \/ Collection particulière historique.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eÉtat de conservation :\u003c\/b\u003e Très bon dans son état ancien. Maintient intacte sa patine authentique. Présente un craquelé naturel sur la couche picturale, une fissure centrale due à la contraction du bois, des manques structurels et des marques historiques inactives de xylophages qui documentent son état matériel, sans attester par elles seules de sa date ni de son authenticité.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa Note de l'Atelier\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eÊtre face à ce retable, c'est observer comment le temps a sculpté sa propre patine sur l'œuvre humaine. C'est une œuvre solennelle, chargée de contexte historique et dotée d'une présence physique imposante qui impose le respect.\u003c\/p\u003e\n","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54521905152333,"sku":null,"price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/WhatsAppImage2026-05-11at13.51.03_01-Photoroom-copia.png?v=1786806361"},{"product_id":"san-pedro-de-alcantara-oleo-barroco-espanol","title":"École espagnole — Saint Pierre d’Alcántara devant le Crucifix — Huile sur toile — Tradition baroque avec une marque de dévotion mariale","description":"\u003cp\u003ePuissante peinture religieuse de tradition baroque espagnole qui représente, selon toute vraisemblance, \u003cstrong\u003eSaint Pierre d'Alcántara (1499-1562)\u003c\/strong\u003e livré à la contemplation du Christ crucifié. Le saint apparaît isolé devant un fond profondément sombre, accompagné uniquement par le crucifix, un livre ouvert et un crâne, éléments qui concentrent dans la scène quelques-uns des principaux motifs de la spiritualité ascétique de l'époque moderne.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL'œuvre présente en outre un élément exceptionnel : dans l'angle supérieur droit, une \u003cstrong\u003epetite peinture mariale réalisée à la main sur le support textile\u003c\/strong\u003e est conservée, probablement une représentation de \u003cstrong\u003eNotre-Dame d'Atocha\u003c\/strong\u003e. Cet ajout dévotionnel minuscule, incorporé à un moment donné de l'histoire matérielle du tableau, constitue une trace singulière de son ancien usage religieux.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003eLa composition appartient clairement à la tradition de la peinture religieuse espagnole développée durant le baroque et prolongée au cours des siècles suivants. Le protagoniste apparaît de profil, complètement absorbé par la contemplation du Crucifié qu'il tient entre ses mains.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL'identification avec \u003cstrong\u003eSaint Pierre d'Alcántara\u003c\/strong\u003e est particulièrement plausible grâce à la combinaison de plusieurs éléments : l'habit franciscain, la tonsure marquée ou calvitie, le caractère extrêmement austère de la représentation, le crucifix, le crâne et le livre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSaint Pierre d'Alcántara fut l'une des figures fondamentales de la réforme franciscaine espagnole du XVIe siècle et a atteint une importante diffusion iconographique à partir de sa canonisation en 1669. Son image s'est développée fondamentalement comme celle d'un religieux ascétique, à la vie contemplative intense, associé au crucifix, à la pénitence et à la méditation sur la mort.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa composition se passe presque entièrement d'éléments narratifs. Le peintre concentre l'éclairage sur le visage du religieux, ses mains, le Crucifié et certaines zones de l'habit, tandis que le reste de la scène demeure plongé dans la pénombre. Ce procédé confère à la peinture une intensité psychologique remarquable et renvoie directement aux ressources ténébristes caractéristiques de la peinture religieuse espagnole.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe visage du saint présente un intérêt particulier, traité par un éclairage latéral qui modèle avec force le front, le nez et la pommette. Son regard se dirige directement vers le Christ et établit le véritable axe émotionnel de la composition.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLe livre et le crâne : méditation et \u003cem\u003ememento mori\u003c\/em\u003e\n\n\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAu premier plan apparaît un livre ouvert, sur lequel est disposé un crâne humain.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCes deux éléments doivent être compris dans le cadre de la tradition ascétique chrétienne.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe livre renvoie à l'étude, à la prière et à la méditation spirituelle. Le crâne constitue l'un des symboles les plus répandus du \u003cem\u003ememento mori\u003c\/em\u003e, expression latine qui rappelle au croyant l'inévitabilité de la mort et la nature transitoire de l'existence terrestre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa présence simultanée du Crucifié, du livre et du crâne transforme la scène en une véritable image de méditation : le Christ comme objet de contemplation, les Écritures ou les textes spirituels comme moyen de connaissance et la mort comme rappel de la fugacité de la vie.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette austérité symbolique est caractéristique d'une bonne partie de la peinture religieuse espagnole des XVIIe et XVIIIe siècles.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eL'habit franciscain\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eL'un des aspects picturaux les plus singuliers de l'œuvre est le traitement de l'habit.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe peintre a représenté certaines zones de la manche et de l'épaule au moyen de nombreuses lignes parallèles sombres sur une tonalité terreuse claire, produisant visuellement la sensation d'un tissu extrêmement grossier.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCela ne semble pas être un détail purement décoratif. La pauvreté du vêtement fait partie de la construction iconographique du religieux et souligne délibérément le caractère pénitentiel de la scène.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa juxtaposition entre les zones éclairées de l'habit et l'obscurité pratiquement absolue du fond renforce encore davantage la présence physique du saint.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa petite peinture mariale\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eDans l'angle supérieur droit est conservé l'un des éléments les plus singuliers de toute l'œuvre : \u003cstrong\u003eune minuscule représentation de la Vierge peinte à la main sur un support textile indépendant.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSur les photographies, on peut apprécier la structure du tissu et une exécution picturale directe. Son état de conservation est fragmentaire et rend une identification absolument certaine difficile. Néanmoins, son iconographie présente d'importantes ressemblances avec les représentations historiques de \u003cstrong\u003eNotre-Dame d'Atocha\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eIdentification possible comme Notre-Dame d'Atocha\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eNotre-Dame d'Atocha fut l'une des invocations mariales les plus importantes de l'Espagne de l'époque moderne et fut particulièrement liée à Madrid et à la monarchie espagnole.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL'image originale est une petite statue médiévale de la Vierge à l'Enfant qui, depuis l'époque baroque, était présentée aux fidèles richement vêtue et couronnée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes vêtements postiches dissimulaient une grande partie de la sculpture originale et conféraient à l'image une silhouette rigide caractéristique, presque triangulaire ou conique. Cette apparence particulière a donné lieu à un type iconographique facilement reconnaissable qui fut reproduit de nombreuses fois durant les XVIIe et XVIIIe siècles.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes représentations d'Atocha présentent habituellement plusieurs éléments caractéristiques :\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003eVierge couronnée.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003eEnfant Jésus associé à la figure maternelle.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003eLarge vêtement à structure triangulaire ou conique.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003eVisage entouré par un « rostrillo » (collerette de dentelle).\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003eGrande auréole ou structure rayonnante autour de la tête.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003ePrésence fréquente d'étoiles et de rayons.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003ePrésentation de l'image comme si elle se trouvait dans son autel ou sa chapelle.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003eDans de nombreuses représentations, rideaux ou éléments architecturaux encadrant l'effigie.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003ePlusieurs de ces éléments semblent être reconnaissables, bien que de manière très détériorée, dans la petite peinture adhérant à la toile.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePour cette raison, nous proposons prudemment son identification comme \u003cstrong\u003e« probable Notre-Dame d'Atocha »\u003c\/strong\u003e, tout en laissant ouverte la possibilité qu'elle corresponde à une autre invocation mariale de typologie semblable.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLes « vrais portraits » d'images miraculeuses\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eL'identification possible avec Atocha est particulièrement intéressante pour une pratique caractéristique de la religiosité baroque.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDurant les XVIIe et XVIIIe siècles, de nombreuses représentations connues sous le nom de \u003cstrong\u003e« vrais portraits » ou \u003cem\u003evera effigies\u003c\/em\u003e\u003c\/strong\u003e d'images de culte ont été réalisées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL'objectif n'était pas simplement de représenter la Vierge de manière idéalisée, mais de reproduire avec la plus grande fidélité possible une sculpture concrète telle que le fidèle pouvait la voir dans son église : ses vêtements, bijoux, couronne, éclat et chapelle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes peintures de Notre-Dame d'Atocha constituent l'un des meilleurs exemples espagnols de ce phénomène.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCertaines de ces reproductions acquéraient en outre une signification dévotionnelle extraordinaire. Il est même documenté le cas d'une reproduction picturale de la Vierge d'Atocha réalisée au XVIIe siècle qui fut mise en contact avec l'image originale elle-même, selon la croyance que ce contact pouvait transmettre symboliquement une partie de ses propriétés protectrices.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIl n'est pas possible de déterminer si la petite peinture conservée dans ce tableau a fait l'objet d'une telle pratique. Cependant, son caractère de petit objet indépendant et son incorporation ultérieure à une autre toile religieuse est pleinement compatible avec une utilisation dévotionnelle privée.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eUne intervention historique à caractère dévotionnel\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa minuscule peinture mariale ne semble pas faire partie de la composition initialement conçue par l'auteur.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSa position dans l'angle supérieur droit, son support indépendant et ses bords visibles indiquent qu'elle a été ajoutée ultérieurement.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette circonstance constitue une partie particulièrement intéressante de l'histoire matérielle du tableau.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePlutôt que de l'interpréter uniquement comme une altération ultérieure, on peut la voir comme un témoignage de l'utilisation du tableau comme un véritable \u003cstrong\u003eobjet de dévotion\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÀ un moment de son histoire, un ancien propriétaire, religieux ou communauté, a décidé d'incorporer cette petite image mariale à une peinture déjà dédiée à la méditation religieuse.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe résultat réunit ainsi deux niveaux distincts de dévotion : la représentation picturale d'un saint contemplant le Christ et une petite image de la Vierge physiquement incorporée à la surface du tableau.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIl s'agit d'une intervention humble mais d'un intérêt historique considérable, car elle nous permet d'aborder non seulement la manière dont l'œuvre a été réalisée, mais aussi \u003cstrong\u003ecomment elle a été utilisée et transformée par ceux qui l'ont possédée\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eChronologie\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eL'œuvre répond sans équivoque aux modèles développés par la peinture baroque espagnole.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCependant, il est fondamental de distinguer la date de création d'une composition et la date d'exécution matérielle de la toile.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes modèles baroques ont continué à être copiés et réinterprétés durant le XVIIIe, et même le XIXe siècle, surtout dans les milieux conventuels, provinciaux et de dévotion privée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePour cette raison, et tant qu'une étude directe du tissu, de la préparation, des pigments, du châssis et des restaurations ne sera pas réalisée, nous proposons prudemment une datation approximative située entre les \u003cstrong\u003eXVIIIe et XIXe siècles\u003c\/strong\u003e, dans la tradition baroque espagnole.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUne chronologie plus ancienne ne peut être complètement exclue, mais nécessiterait une étude technique.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa petite peinture mariale peut en outre appartenir à une période différente de l'exécution de la toile principale, puisqu'elle semble avoir été ajoutée postérieurement.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eÉtat et traces matérielles\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa peinture présente un état de conservation conforme à une œuvre d'ancienneté considérable et à une histoire matérielle complexe.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eOn observe un craquelage étendu, de la saleté superficielle, de l'usure et des abrasions de la couche picturale, de petites pertes et des interventions anciennes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes bords de la toile montrent des détériorations et des pertes de matière, surtout dans certaines zones supérieures.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAu revers, on observe d'anciennes réparations au moyen de pièces appliquées sur le tissu, témoignant d'interventions réalisées pour consolider des déchirures ou des perforations produites au cours de l'histoire de la pièce.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCes restaurations font partie de son parcours matériel et sont clairement documentées sur les photographies.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAuteur :\u003c\/strong\u003e Anonyme\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eÉcole :\u003c\/strong\u003e Espagnole\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTitre proposé :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eSaint Pierre d'Alcántara devant le Crucifié\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDatation proposée :\u003c\/strong\u003e XVIIIe-XIXe siècles\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTradition artistique :\u003c\/strong\u003e Baroque espagnol\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eGenre :\u003c\/strong\u003e Peinture religieuse \/ peinture dévotionnelle\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Huile sur toile\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 103 × 83 cm\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e Non décelée\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003ePersonnage représenté :\u003c\/strong\u003e Probablement Saint Pierre d'Alcántara\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAttributs :\u003c\/strong\u003e Crucifix, livre et crâne\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eÉlément ajouté :\u003c\/strong\u003e Petite peinture mariale sur support textile\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eInvocation mariale proposée :\u003c\/strong\u003e Probablement Notre-Dame d'Atocha\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eÉtat :\u003c\/strong\u003e Présente un craquelage, des usures, des pertes et d'anciennes réparations. Le revers conserve des pièces correspondant à des interventions historiques sur le support. Les bords présentent des détériorations et des pertes de tissu. Il est recommandé de consulter attentivement toutes les photographies, qui font partie intégrante de la description de l'état de conservation.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa note de l'atelier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eIl existe des œuvres anciennes dont l'importance ne réside pas uniquement dans leur auteur, mais dans tout ce qui les entoure. Cette toile en est un magnifique exemple.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUn religieux contemple en silence le Christ crucifié. Devant lui, un livre et un crâne rappellent la prière, la connaissance et l'inévitabilité de la mort. Tout cela se déroule dans une obscurité presque absolue. Mais quelqu'un, à un moment ultérieur de l'histoire de la peinture, a ajouté autre chose. Dans l'un de ses angles, il a placé une minuscule image de la Vierge, peinte avec soin sur un petit fragment de tissu. Nous ne savons pas qui l'a fait, quand ni pourquoi cette personne a décidé de l'incorporer précisément à cette peinture.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSon iconographie permet de la relier probablement à Notre-Dame d'Atocha, l'une des grandes images dévotionnelles de l'Espagne baroque, bien que nous préférions maintenir cette identification comme une proposition tant que de nouveaux éléments ne pourront être documentés.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCe qui est véritablement extraordinaire, c'est que cette petite peinture transforme notre manière de comprendre l'ensemble. À un moment de son histoire, le tableau a cessé d'être seulement une représentation d'un saint. Quelqu'un est intervenu sur lui pour le transformer en un objet personnel de dévotion, réunissant physiquement sur une même surface la contemplation du Christ et une image protectrice de la Vierge. Ses usures, ses réparations et ses ajouts ne dissimulent pas cette histoire, ils la conservent.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54594673279309,"sku":null,"price":900.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/IMG_20260805_164223.jpg?v=1787839695"},{"product_id":"lucas-lorenzo-cristo-crucificado-arte-popular-mexicano","title":"Attribué à Lucas Lorenzo — Christ crucifié — Acrylique sur masonite — Art populaire mexicain","description":"\u003cp\u003eUne représentation colorée du \u003cstrong\u003eChrist crucifié\u003c\/strong\u003e, attribuée à \u003cstrong\u003eLucas Lorenzo (1941–2020)\u003c\/strong\u003e, artiste mexicain de Xalitla, dans le Guerrero, et figure marquante de l’art populaire mexicain.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’œuvre présente le Christ sur la croix, entouré de roses, de grands récipients et d’un paysage aux couleurs intenses. L’artiste utilise des contours noirs très marqués, des couleurs en aplats et une perspective libre, caractéristiques du langage naïf développé par la \u003cstrong\u003efamille Lorenzo\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCette peinture a été acquise avec deux autres œuvres de même format, support et style. L’une est clairement signée \u003cstrong\u003e« Lucas Lorenzo »\u003c\/strong\u003e, circonstance qui renforce l’attribution de cette pièce au même artiste ou à son entourage familial immédiat.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Attribué à Lucas Lorenzo (1941–2020)\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eChrist crucifié\u003c\/em\u003e\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eOrigine:\u003c\/strong\u003e Xalitla, Guerrero, Mexique\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eStyle:\u003c\/strong\u003e Art populaire mexicain \/ Art naïf\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Acrylique sur masonite\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions de l’œuvre:\u003c\/strong\u003e 29 × 19,5 cm\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions avec cadre:\u003c\/strong\u003e 33 × 23 cm\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eCadre:\u003c\/strong\u003e Inclus\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Non visible sur cette œuvre\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Acquise avec deux autres peintures similaires, dont une signée Lucas Lorenzo\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Bon état général. Consulter les photographies, qui font partie de la description.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eUne interprétation très personnelle de la Crucifixion, où le drame religieux côtoie les roses, la végétation et les couleurs intenses. Sa provenance commune avec une œuvre signée de Lucas Lorenzo constitue également un élément particulièrement intéressant pour son attribution.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54594722365773,"sku":null,"price":160.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/IMG_20260805_170118.jpg?v=1787841864"},{"product_id":"lucas-lorenzo-san-martin-de-porres-arte-popular-mexicano","title":"Attribué à Lucas Lorenzo — Saint Martin de Porres — Acrylique sur masonite — Art populaire mexicain","description":"\u003cp\u003eUne représentation colorée de \u003cstrong\u003esaint Martin de Porres\u003c\/strong\u003e, attribuée à \u003cstrong\u003eLucas Lorenzo (1941–2020)\u003c\/strong\u003e, artiste de Xalitla, dans le Guerrero, et figure marquante de l’art populaire mexicain.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe saint apparaît avec ses attributs les plus reconnaissables : le \u003cstrong\u003ebalai\u003c\/strong\u003e, le rosaire et différents animaux à ses pieds, éléments liés à son humilité, à sa charité et à sa relation particulière avec les animaux. La scène est construite par des couleurs vives en aplats, des contours noirs et une perspective délibérément libre, caractéristiques du langage naïf de la \u003cstrong\u003efamille Lorenzo\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’œuvre a été acquise avec deux autres peintures de mêmes dimensions, support, cadre et style. L’une est clairement signée \u003cstrong\u003e« Lucas Lorenzo »\u003c\/strong\u003e, donnée de provenance qui renforce l’attribution de cette pièce à l’artiste lui-même ou à son entourage familial immédiat.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Attribué à Lucas Lorenzo (1941–2020)\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eSaint Martin de Porres\u003c\/em\u003e\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eOrigine:\u003c\/strong\u003e Xalitla, Guerrero, Mexique\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eStyle:\u003c\/strong\u003e Art populaire mexicain \/ Art naïf\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Acrylique sur masonite\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions de l’œuvre:\u003c\/strong\u003e 29 × 19,5 cm\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions avec cadre:\u003c\/strong\u003e 33 × 23 cm\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eCadre:\u003c\/strong\u003e Inclus\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInscription:\u003c\/strong\u003e “San Martín de Porres”\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Acquise avec deux autres peintures similaires, dont une signée Lucas Lorenzo\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Bon état général. Consulter les photographies, qui font partie de la description.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eUne image particulièrement représentative de l’art religieux populaire latino-américain. La figure de saint Martin de Porres, traditionnellement appelé \u003cstrong\u003ele saint au balai\u003c\/strong\u003e, est ici transformée par la couleur et la spontanéité caractéristiques de la peinture populaire de Xalitla.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54594725708109,"sku":null,"price":160.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/IMG_20260805_170138.jpg?v=1787842239"},{"product_id":"heber-l-gil-lluvia-bajo-estrellas-japon-2016","title":"Heber L. Gil — « Pluie sous les étoiles » — Le Japon dans ma mémoire — Technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eŒuvre originale sur papier de \u003cstrong\u003eHeber Luis Gil Ameijeiras\u003c\/strong\u003e, signée \u003cem\u003eHeber L. Gil\u003c\/em\u003e et réalisée à Barcelone en décembre 2016. Intitulée par l'artiste lui-même \u003cem\u003ePluie sous les étoiles\u003c\/em\u003e (Lluvia bajo las Estrellas), elle appartient à son évocation particulière \u003cstrong\u003e« Le Japon dans ma mémoire »\u003c\/strong\u003e (Japón en mi Memoria), une approche intime du paysage, de l'architecture et de l'atmosphère du Japon.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa scène représente l'entrée monumentale d'un temple ou d'un sanctuaire japonais sous un ciel bleu profond. Les piliers rougeâtres, les détails dorés de l'architecture et les petites silhouettes protégées par des parapluies construisent une image silencieuse dans laquelle la pluie semble avoir momentanément arrêté le rythme du lieu.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3\u003eLe Japon vu par la mémoire\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003ePlus qu'une représentation documentaire d'un monument concret, l'œuvre fonctionne comme un souvenir reconstruit. L'inscription manuscrite elle-même \u003cstrong\u003e« Le Japon dans ma mémoire »\u003c\/strong\u003e fournit la clé : Heber L. Gil sélectionne des éléments reconnaissables de l'architecture traditionnelle japonaise et les transforme à travers sa propre perception.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa porte monumentale domine la composition, tandis que les figures humaines sont réduites à une échelle minimale. Une femme au parapluie rose avance au premier plan et donne de la profondeur à la scène, renforçant cette sensation d'instant quotidien capturé lors d'une journée de pluie.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eArchitecture, pluie et nuit\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eL'utilisation d'\u003cstrong\u003eencres spéciales sur papier\u003c\/strong\u003e permet à l'artiste de travailler par transparences, lignes et petits détails ornementaux. Les rouges et les ors de l'architecture contrastent avec les gris du sol mouillé et le bleu intense du ciel.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes petites lumières blanches qui parsèment la partie supérieure justifient le titre évocateur \u003cem\u003ePluie sous les étoiles\u003c\/em\u003e, créant une combinaison peu habituelle entre humidité, obscurité et lumière.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAuteur :\u003c\/strong\u003e Heber Luis Gil Ameijeiras (Heber L. Gil).\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003ePluie sous les étoiles\u003c\/em\u003e.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSérie \/ référence :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eLe Japon dans ma mémoire\u003c\/em\u003e.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDate :\u003c\/strong\u003e Décembre 2016.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eLieu de création :\u003c\/strong\u003e Barcelone.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support :\u003c\/strong\u003e Encres spéciales sur papier.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eThématique :\u003c\/strong\u003e Japon \/ architecture traditionnelle japonaise \/ paysage urbain.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions de l'œuvre :\u003c\/strong\u003e 25 × 17 cm.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions avec cadre :\u003c\/strong\u003e 34 × 28 cm.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e Signé « Heber L. Gil » en rouge dans l'angle inférieur droit.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEncadrement :\u003c\/strong\u003e Oui. Cadre noir avec protection frontale et système d'accrochage.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAuthentification :\u003c\/strong\u003e Le revers conserve une fiche manuscrite par l'artiste lui-même avec l'auteur, le titre, la technique, la référence à \u003cem\u003eLe Japon dans ma mémoire\u003c\/em\u003e, la date et le lieu d'exécution.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Très bon état général. Le cadre présente de légères marques normales d'usage. Les photographies font partie intégrante de la description.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa note de l'atelier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eIl y a quelque chose de particulièrement séduisant dans le fait que Heber L. Gil n'ait pas simplement intitulé cette œuvre avec le nom d'un lieu.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003ePluie sous les étoiles\u003c\/em\u003e parle davantage d'une sensation que d'une localisation. L'énorme portail, les parapluies, le pavé humide et le ciel profondément bleu transforment une scène apparemment quotidienne en un souvenir presque cinématographique.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL'annotation \u003cstrong\u003e« Le Japon dans ma mémoire »\u003c\/strong\u003e, écrite par l'artiste lui-même au revers, finit de lui donner tout son sens : nous sommes face à la manière dont un lieu demeure dans la mémoire après coup.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54594969796941,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0148_3c083d23-8700-4a43-a007-ca77ba0fd851.jpg?v=1792245044"},{"product_id":"heber-l-gil-descanso-templo-japon-tecnica-mixta","title":"Heber L. Gil — « Repos au temple » — Technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eŒuvre originale de \u003cstrong\u003eHeber Luis Gil Ameijeiras\u003c\/strong\u003e, signée sous le nom de \u003cem\u003eHeber L. Gil\u003c\/em\u003e, qui représente une scène d'inspiration japonaise se déroulant à l'intérieur d'un temple. Une figure féminine vêtue d'une tenue traditionnelle apparaît assise à côté d'une statue bouddhiste dorée et de différents éléments évoquant l'écriture et la culture visuelle du Japon.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa pièce allie figuration, couleur et une interprétation libre de l'esthétique orientale au sein du langage contemporain de l'artiste.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eUne scène de pause et de contemplation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eLe titre lui-même, \u003cem\u003eDescanso en el Templo\u003c\/em\u003e (Repos au Temple), dirige le regard vers le caractère intime de la scène. La figure reste assise et isolée, tandis que l'image dorée située derrière elle introduit une dimension spirituelle et silencieuse.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eHeber L. Gil oppose les tons terreux du temple aux petites touches chromatiques de la robe florale, créant une composition simple mais au fort caractère narratif.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePlus qu'une reproduction documentaire d'un espace religieux concret, l'œuvre semble faire partie de la vision personnelle que l'artiste a développée autour du \u003cstrong\u003eJapon, de ses temples et de sa culture traditionnelle\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eAuteur :\u003c\/strong\u003e Heber Luis Gil Ameijeiras (Heber L. Gil).\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eDescanso en el Templo\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTechnique et support :\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eThématique :\u003c\/strong\u003e Japon \/ temple japonais \/ scène d'inspiration orientale.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eDimensions de l'œuvre :\u003c\/strong\u003e 25 × 18 cm.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eDimensions avec cadre :\u003c\/strong\u003e 36 × 25 cm.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e Signé « Heber L. Gil » dans l'angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eEncadrement :\u003c\/strong\u003e Oui. Cadre ton bois.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Conserve au verso une identification manuscrite et une ancienne étiquette de catalogage avec le titre, la technique et un prix historique de \u003cstrong\u003e100 €\u003c\/strong\u003e.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e L'œuvre est en bon état général. \u003cstrong\u003eLa vitre de protection présente plusieurs fissures visibles et devra être remplacée.\u003c\/strong\u003e Le cadre présente de légères traces d'usure. Les photographies font partie intégrante de la description.\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa note de l'atelier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eNous nous intéressons particulièrement au contraste entre une scène apparemment quotidienne — une femme assise au repos — et l'environnement cérémoniel qui l'entoure.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa figure dorée, les inscriptions et le costume traditionnel transforment ce petit moment de pause en une image chargée d'atmosphère. Une œuvre intime au sein de la production de \u003cstrong\u003eHeber L. Gil inspirée par le Japon\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54594980282701,"sku":null,"price":80.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/SantuarioserenoconmujeryBuda.png?v=1792245613"},{"product_id":"m-camps-santiago-peregrino-tecnica-mixta-papel-1966","title":"M. Camps — « Santiago Peregrino » — Technique mixte sur papier, 1966","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eReprésentation de \u003cstrong\u003eSaint Jacques pèlerin\u003c\/strong\u003e, réalisée en 1966 et signée « M. Camps ». La figure de l'apôtre apparaît en pied, tenant un long bourdon et enveloppée dans un ample manteau rouge, sur un fond chromatique intense dominé par des bleus, des jaunes et des rouges.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eL'œuvre associe une composition à caractère religieux traditionnel à une interprétation clairement liée à l'esthétique décorative du milieu du XXe siècle.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eSaint Jacques en pèlerin\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa figure est représentée de face, avec une barbe, une tunique, un manteau et un long bâton ou bourdon. Ces éléments renvoient à l'iconographie traditionnelle de \u003cstrong\u003eSaint Jacques le Majeur en pèlerin\u003c\/strong\u003e, l'une des formes les plus répandues de représentation de l'apôtre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eL'artiste se passe ici du paysage et d'une narration religieuse complexe pour concentrer toute l'attention sur la figure. Le personnage occupe la quasi-totalité de la composition et acquiert une présence monumentale grâce au format vertical.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eCouleur et caractère décoratif\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eL'un des éléments les plus frappants de l'œuvre est l'utilisation de la couleur. Le bleu intense du fond contraste avec le rouge du manteau, tandis qu'une zone jaune et verdâtre illumine la partie supérieure droite de la composition.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLes ornements végétaux des coins renforcent le caractère décoratif de l'ensemble et créent une sorte de cadre pictural autour de la figure centrale.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eL'exécution combine des zones transparentes avec d'autres de couleur plus opaque, c'est pourquoi il est plus approprié de la cataloguer comme \u003cstrong\u003etechnique mixte sur papier\u003c\/strong\u003e plutôt que de la limiter exclusivement à l'aquarelle.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eAuteur :\u003c\/strong\u003e M. Camps.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eSantiago Peregrino\u003c\/em\u003e (Saint Jacques pèlerin).\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e Descriptif, attribué pour le catalogage.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eDate :\u003c\/strong\u003e 1966.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 45 × 29,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e Signée et datée « M. Camps. 66 » dans la partie inférieure de la composition.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eThème :\u003c\/strong\u003e Art religieux \/ Saint Jacques apôtre.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003ePériode :\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Bon état général en rapport avec son ancienneté. On observe de légers signes de vieillissement et de petites altérations sur les marges du papier, visibles sur les photographies.\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eNote de l'atelier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa figure de Saint Jacques domine la composition. Le rouge du manteau contraste avec le bleu du fond, tandis que les petits éléments ornementaux encadrent l'image et accompagnent sa lecture religieuse.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54768198615373,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0056_b17e3553-3568-4906-8795-0504afd484c9.jpg?v=1792246123"},{"product_id":"gaspar-riera-esglesia-sesgleieta-mallorca-tinta-1960","title":"Gaspar Riera — « L’església de s’Esgleieta » — Encre sur papier, 1960","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eDessin original à l'encre sur papier réalisé par \u003cstrong\u003eGaspar Riera Moragues\u003c\/strong\u003e en 1960. L'œuvre représente l'église de \u003cstrong\u003eSanta Maria de l'Olivar de s'Esgleieta\u003c\/strong\u003e, un petit noyau rural appartenant à la commune majorquine d'Esporles.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eRiera construit la scène par un dessin direct et spontané, en se concentrant sur l'architecture, les toitures, le clocher et la végétation environnante. L'économie chromatique permet à toute l'expressivité de reposer sur la ligne et le rythme du tracé.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eMajorque avant de devenir un motif\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eGaspar Riera a développé la quasi-totalité de sa carrière autour du paysage majorquin. Né à Estellencs en 1922, c'était un artiste essentiellement autodidacte qui a trouvé dans les villages, les champs et les chemins de Majorque sa principale source de travail.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa présente œuvre est datée de \u003cstrong\u003e1960\u003c\/strong\u003e, un moment précoce au sein de son évolution artistique. Durant ces années, Riera était encore en train de consolider un langage propre qui, au cours de la décennie suivante, finirait par se caractériser par la simplification du paysage et une interprétation de plus en plus personnelle du territoire majorquin.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLe choix de s'Esgleieta est particulièrement cohérent avec cette attention portée aux recoins ruraux de l'île. L'artiste ne représente pas un grand monument, mais une petite église intégrée dans son environnement quotidien.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eL'église de Santa Maria de l'Olivar\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLe bâtiment représenté correspond à l'église de \u003cstrong\u003eSanta Maria de l'Olivar\u003c\/strong\u003e, située à s'Esgleieta, noyau historique de la commune d'Esporles.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eRiera choisit une vue latérale où ressortent le clocher, la longue toiture de tuiles et les constructions annexes. La végétation s'insère entre les différents plans architecturaux par des traits rapides et nerveux, évitant une représentation excessivement rigide.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLe dessin possède ainsi un double intérêt : en tant qu'œuvre sur papier de Gaspar Riera et en tant que témoignage graphique d'un lieu concret de la Majorque du début des années soixante.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eAuteur :\u003c\/strong\u003e Gaspar Riera Moragues (Estellencs, 1922 – Palma, 1993).\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eL’església de s’Esgleieta\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eDate :\u003c\/strong\u003e 1960.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Encre sur papier.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 35 × 48 cm.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e Signé « Gaspar Riera » dans l'angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eInscriptions :\u003c\/strong\u003e Titré et daté au verso « L’Església de S’Esglaieta – 1960 ».\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eSujet :\u003c\/strong\u003e Paysage architectural \/ Majorque.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eLieu représenté :\u003c\/strong\u003e Église de Santa Maria de l'Olivar, s'Esgleieta, Esporles, Majorque.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003ePériode :\u003c\/strong\u003e Première étape de la production de l'artiste.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Bon état général conforme à son ancienneté. On observe de petits signes, des taches ponctuelles et des altérations propres au papier, visibles sur les photographies.\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eLa note de l'atelier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eUne pièce particulièrement intéressante au sein de la production sur papier de Gaspar Riera car elle combine \u003cstrong\u003eune date précoce, une localisation parfaitement identifiée et un format généreux pour un dessin\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eL'artiste construit l'architecture pratiquement sans recourir à la couleur : toits, clocher, arbres et murs s'articulent grâce à une ligne rapide qui transmet l'impression d'une esquisse réalisée directement devant le motif.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eDatée de 1960, l'œuvre permet d'aborder Riera avant le développement complet du langage paysager pour lequel il sera particulièrement reconnu durant les décennies suivantes.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54771056804173,"sku":null,"price":190.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0171_01_1c15b68f-c479-49d0-93ef-b3f1b84d9cf1.jpg?v=1792247922"},{"product_id":"morato-aragones-paisaje-urbano-catalan-dibujo-tinta","title":"Josep Maria Morató Aragonès — « Village de montagne » — Encre sur papier — École catalane","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eDessin original de \u003cstrong\u003eJosep Maria Morató Aragonès\u003c\/strong\u003e, réalisé à l'encre sur papier et dédié à l'un des grands thèmes de son parcours : le paysage et l'architecture rurale.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa composition représente un noyau de maisons étagées sur le terrain, dominé dans la partie supérieure par la silhouette d'une église. Toits, murs et constructions s'intègrent au relief montagneux grâce à un dessin rapide et expressif, caractéristique de la facette la plus spontanée de l'œuvre de l'artiste.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLe paysage dans l'œuvre de Morató Aragonès\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLe paysage a occupé une position centrale dans l'extensif parcours de Josep Maria Morató Aragonès. Depuis ses premières années à Cornudella de Montsant, l'artiste a développé une relation étroite avec les villages et les montagnes de l'intérieur de la Catalogne, des motifs vers lesquels il reviendrait à maintes reprises tout au long de sa carrière.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eSa peinture a évolué au contact de différents langages européens, combinant la tradition paysagère avec une simplification progressive des formes et une liberté croissante du trait.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eDans ses dessins, cette synthèse apparaît de manière particulièrement directe.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLa force de la ligne\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eL'œuvre est construite pratiquement sans couleur. L'encre délimite les façades, les toits et le clocher au moyen de traits d'intensité différente, tandis que des lignes plus légères décrivent les montagnes en arrière-plan.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eMorató évite une représentation architecturale rigide. Certains bâtiments sont définis par des contours nets et des zones intensément noires, tandis que d'autres éléments restent à peine suggérés.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eCette alternance entre dessin précis et ligne spontanée apporte du mouvement à la composition et transforme le village en une structure de formes superposées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLe grand format du papier permet en outre d'apprécier avec clarté l'assurance du trait et le processus de construction de la scène.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eAuteur :\u003c\/strong\u003e Josep Maria Morató Aragonès (Reus, 1923 – Barcelone, 2006).\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003ePueblo de montaña\u003c\/em\u003e (Village de montagne).\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e Descriptif, attribué pour le catalogage.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eChronologie :\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Encre sur papier.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 35 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e Signé « Morató Aragonès » dans l'angle inférieur gauche.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eÉcole :\u003c\/strong\u003e École catalane.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eStyle :\u003c\/strong\u003e Figuration expressive \/ paysagisme.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eThème :\u003c\/strong\u003e Paysage urbain \/ architecture rurale \/ village de montagne.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003ePériode :\u003c\/strong\u003e Art catalan de la seconde moitié du XXe siècle.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Bon état général conforme à son ancienneté, avec de petites marques et altérations ponctuelles inhérentes au papier, visibles sur les photographies.\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eLa Note de l'Atelier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eUne œuvre particulièrement intéressante pour apprécier la facette de \u003cstrong\u003eMorató Aragonès en tant que dessinateur\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eSans recourir à la couleur, l'artiste structure tout le paysage par la ligne : les formes compactes des maisons contrastent avec le dessin libre et presque abstrait des montagnes, tandis que l'église située dans la partie supérieure agit comme axe visuel de la composition.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLe résultat conserve la spontanéité d'une esquisse réalisée directement face au paysage et, en même temps, possède suffisamment de développement et de taille pour fonctionner comme une œuvre autonome.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54777373851981,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0258_42e48793-e0cb-4c47-999f-df9673bc61aa.jpg?v=1791592227"},{"product_id":"guillem-fresquet-paisaje-ermita-acuarela-original","title":"Guillem Fresquet — « Paysage avec ermitage et promeneurs » — Aquarelle originale — École catalane","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eAquarelle originale de \u003cstrong\u003eGuillem Fresquet Bardina\u003c\/strong\u003e dédiée au paysage rural catalan, avec une petite église ou ermitage en pierre situé entre des montagnes et deux personnages avançant sur un chemin.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eL'architecture occupe le centre de la composition, se détachant sur un paysage construit par des plans successifs de verts, de bleus et de tons terre. Fresquet tire un profit particulièrement efficace de la transparence propre à l'aquarelle pour séparer le premier plan rocheux des montagnes à l'arrière-plan et produire une sensation marquée de profondeur.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLe paysage dans l'œuvre de Guillem Fresquet\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eGuillem Fresquet a développé une grande partie de sa carrière autour de l'aquarelle, technique dans laquelle il a obtenu une reconnaissance importante au sein de la peinture catalane du XXe siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eSa production inclut des paysages, des villages, des ports, des marchés, des scènes urbaines et des motifs ruraux. En 1968, il a également été distingué lors du Prix de Peinture Villa de Palamós pour une aquarelle intitulée \u003cem\u003eSargint xarxes\u003c\/em\u003e, dont la maîtrise technique avait déjà été soulignée par la critique de l'époque. \u003cspan class=\"contents\"\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa présente œuvre appartient précisément à ce volet paysager.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa composition est structurée autour d'un chemin qui pénètre diagonalement dans le paysage et conduit visuellement vers l'église. Les deux petites figures introduisent une échelle humaine et rompent la quiétude de la scène.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLumière, pierre et profondeur atmosphérique\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLe premier plan est construit par des coups de pinceau énergiques de gris, bleu, vert et terre qui décrivent la roche sans avoir recours à un dessin fermé.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eL'église, exécutée avec des tons brunâtres et grisâtres, fonctionne comme centre visuel. Au-dessus, le clocher se découpe contre un ciel pratiquement réservé en blanc.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eÀ l'arrière-plan, Fresquet réduit progressivement le contraste et utilise des lavis bleutés pour représenter les montagnes, recourant à un procédé classique de perspective atmosphérique particulièrement adapté à l'aquarelle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eL'œuvre montre une exécution fluide et assurée, avec de larges réserves du papier lui-même utilisées comme partie active de la composition.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eGuillem Fresquet Bardina\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003e\u003cstrong\u003eGuillem Fresquet Bardina (Barcelone, 1914–1991)\u003c\/strong\u003e était un peintre et dessinateur spécialisé notamment dans l'aquarelle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eSon activité d'exposition s'est développée à partir du milieu du XXe siècle et son œuvre était étroitement liée à la tradition aquarelliste catalane. En \u003cstrong\u003e1973, il a reçu la commande de réaliser des vues de villes espagnoles destinées à des designs liés à la Poste\u003c\/strong\u003e, et fut également coauteur avec José M. Parramón du manuel \u003cem\u003eCómo pintar a la acuarela\u003c\/em\u003e. \u003cspan class=\"contents\"\u003e\u003cspan class=\"\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eAuteur :\u003c\/strong\u003e Guillem Fresquet Bardina (Barcelone, 1914–1991).\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003ePaysage avec ermitage et marcheurs\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e Descriptif, attribué pour le catalogage.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Aquarelle sur papier.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 32 × 45 cm.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e Signé « Guillem Fresquet » dans l'angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eInscriptions :\u003c\/strong\u003e Présente des annotations manuscrites de catalogage au verso.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eÉcole :\u003c\/strong\u003e École catalane.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eStyle :\u003c\/strong\u003e Paysagisme figuratif.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eThème :\u003c\/strong\u003e Paysage rural \/ architecture religieuse \/ montagne.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003ePériode :\u003c\/strong\u003e XXe siècle.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Bon état général. Les couleurs conservent luminosité et contraste, avec de légers signes propres à l'ancienneté et à la manipulation du support.\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eLa Note de l'Atelier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eUne aquarelle très représentative de la production paysagère de \u003cstrong\u003eGuillem Fresquet\u003c\/strong\u003e, avec une composition particulièrement équilibrée et une combinaison attrayante d'architecture, de montagne et de figure humaine.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eOn remarque l'économie technique avec laquelle l'artiste parvient à séparer les différents plans : les rochers du premier plan apparaissent définis par des coups de pinceau fermes, tandis que le paysage montagneux se dilue progressivement par de douces transparences bleutées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eL'église et les deux marcheurs transforment une simple vue rurale en une scène narrative, caractéristique de la tradition paysagère catalane du milieu du XXe siècle.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54779289600333,"sku":null,"price":145.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0327_01_c14fbc79-feef-4bb6-ac8e-5eb267fcb803.jpg?v=1789742043"},{"product_id":"david-roberts-giralda-sevilla-litografia-siglo-xix","title":"David Roberts — La Giralda de Séville — Lithographie en couleurs — XIXe siècle","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eÉlégante \u003cstrong\u003elithographie en couleur d'après David Roberts (1796–1864)\u003c\/strong\u003e, représentant l'une des vues les plus emblématiques de Séville : \u003cstrong\u003ela Giralda s'élevant au-dessus de l'ancien tissu urbain de la ville\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa composition provient des dessins réalisés par Roberts lors de son voyage en Espagne en 1832–1833 et fut diffusée par la suite au sein de sa célèbre série de vues espagnoles. La précision architecturale de la tour contraste avec l'animation des rues, des balcons et des petites figures qui occupent le premier plan.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eDavid Roberts fut l'une des figures fondamentales du romantisme britannique et l'un des artistes ayant le plus contribué à diffuser internationalement l'image de l'Espagne monumentale du XIXe siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eCette vue de la Giralda allie \u003cstrong\u003eintérêt topographique et sensibilité romantique\u003c\/strong\u003e, avec un dessin minutieux et une mise en couleur sélective dans des tons bleus, verts, ocres et rougeâtres.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e David Roberts (1796–1864), d'après le dessin original\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eThe Tower of the Giralda, Seville\u003c\/em\u003e \/ \u003cem\u003eLa Giralda de Séville\u003c\/em\u003e\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eLithographe :\u003c\/strong\u003e William Gauci\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Lithographie en couleur\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 30 × 21 cm\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eÉpoque :\u003c\/strong\u003e XIXe siècle\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003ePublication originale de la composition :\u003c\/strong\u003e Londres, 1837\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eStyle :\u003c\/strong\u003e Romantisme \/ Paysage architectural\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eThème :\u003c\/strong\u003e Séville \/ La Giralda\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003ePrésentation :\u003c\/strong\u003e Estampe découpée et montée sur support\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Collection particulière\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eÉtat :\u003c\/strong\u003e Bon état général conforme à son ancienneté, avec des traces du passage du temps visibles sur les photographies\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2 dir=\"auto\"\u003eLa Note de l'Atelier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eUne image attrayante de la \u003cstrong\u003eSéville romantique du XIXe siècle\u003c\/strong\u003e, où la monumentalité de la Giralda est mise en valeur par l'étroitesse de la perspective urbaine et les petites figures au premier plan. La mise en couleur apporte une vivacité particulière sans ôter de sa superbe au travail lithographique détaillé.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54785913618765,"sku":null,"price":350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0366_9b2562d6-6cbb-43f5-b680-86f9d41e4c34.jpg?v=1789830952"},{"product_id":"antonio-santos-plaza-pueblo-linograbado-original-13-16","title":"Antonio Santos — Place de village — Linogravure originale 13\/16","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLinogravure originale d'Antonio Santos, signée et numérotée au crayon, appartenant à une édition limitée à seulement 16 exemplaires.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composition représente une place ou un espace urbain à caractère populaire, dominé par une architecture religieuse et plusieurs figures humaines. La scène est construite par un contraste marqué entre les masses noires et les zones réservées du papier, créant une image d'une grande force graphique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eL'œuvre\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSantos synthétise bâtiments, arbres et personnages à travers un langage délibérément schématique. Les contours anguleux, les larges surfaces noires et l'élimination des détails secondaires transforment la scène quotidienne en une composition à forte personnalité visuelle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa place s'ouvre au premier plan autour de plusieurs figures, tandis que l'église et les maisons ferment la composition en arrière-plan. Le résultat allie une composante narrative à une conception directe et expressive de la gravure en relief.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eAntonio Santos\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAntonio Santos Lloro, né à Lupiñén, Huesca, en 1955, est artiste plasticien, graveur, sculpteur, écrivain et illustrateur. Diplômé des Beaux-Arts de l'Université de Barcelone, il a développé un vaste parcours artistique caractérisé par la combinaison de différentes disciplines et par un langage figuratif doté d'une forte capacité de synthèse.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSa production graphique occupe une place importante dans son parcours, notamment la gravure et l'illustration, domaines dans lesquels il a développé un style reconnaissable fondé sur la simplification formelle, le contraste et l'expressivité de la ligne.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAuteur :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Antonio Santos Lloro\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Place de village\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Linogravure sur papier\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 40 × 31 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉdition :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 13\/16\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSignature :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Signée au crayon dans la marge inférieure droite\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eNumérotation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 13\/16 au crayon dans la marge inférieure gauche\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eThème :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Scène urbaine \/ paysage de village\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉtat :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Bon état général, avec de légères marques de conservation propres au papier et à son ancienneté\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eProvenance :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Collection particulière\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eNote de l'Atelier\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUne œuvre particulièrement attrayante par son tirage réduit de seulement 16 exemplaires. La composition réunit plusieurs des traits caractéristiques du langage graphique d'Antonio Santos : synthèse formelle, fort contraste entre noir et blanc et une figuration d'apparence simple mais soigneusement structurée.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'architecture et les figures humaines apportent en outre une composante narrative qui fait de cet exemplaire une pièce particulièrement représentative de sa production graphique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54833449894221,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0065_bea37f74-8070-41c2-b7de-b8b9cc0f1512.jpg?v=1792677480"},{"product_id":"pascual-bueno-ferrero-marina-mediterranea-grabado-papel-guarro","title":"Pascual Bueno Ferrer — Marine méditerranéenne, probablement Cadaqués — Gravure sur papier Guarro","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eŒuvre graphique de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePascual Bueno Ferrer\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, consacrée à l'un des grands thèmes du paysagisme méditerranéen : la relation entre la mer, les embarcations et l'architecture côtière.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composition montre plusieurs barques réparties sur une baie lumineuse, avec un noyau de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003emaisons blanches et une église élevée\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e en arrière-plan, protégés par le profil sombre des montagnes. Par sa configuration urbaine et paysagère, la scène pourrait correspondre à \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCadaqués\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, bien que nous préférions maintenir cette identification comme probable, aucun titre n'étant inscrit sur la pièce.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eUne marine méditerranéenne\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003e\u003cspan\u003eBueno Ferrer construit le paysage au moyen de plans très clairs. Les embarcations sombres au premier plan dirigent le regard vers l'eau, traitée à travers de petits reflets lumineux, tandis que les maisons blanches en arrière-plan concentrent la lumière de la composition.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa gamme de bleus, de verts, d'ocres et de terres confère une atmosphère sereine et très méditerranéenne. Bien qu'il s'agisse d'une œuvre graphique, elle conserve une sensibilité picturale évidente dans le traitement de la couleur et de la surface.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003e\u003cspan\u003ePapier Guarro\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'estampe est réalisée sur \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003epapier Guarro\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, support espagnol traditionnellement lié au dessin et à l'œuvre graphique. Sa texture et sa qualité permettent une bonne définition de la ligne tout en préservant la richesse des différentes tonalités utilisées dans l'impression.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAuteur :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Pascual Bueno Ferrer\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMarine méditerranéenne, probablement Cadaqués\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Gravure en couleur\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSupport :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Papier Guarro\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 49,5 × 64 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eThème :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Marine et paysage côtier\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉpoque :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Seconde moitié du XXe siècle\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eStyle :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Paysagisme méditerranéen\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉtat :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Bon état général, avec des traces normales d'ancienneté conformes à une œuvre graphique d'époque.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Note de l'Atelier\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa bande claire de l'eau sépare les embarcations de la ligne de maisons blanches qui s'étend le long de la côte. Les mâts et le clocher introduisent des accents verticaux face au développement horizontal du village et des versants. Les montagnes sombres font ressortir l'architecture, tandis que les rochers sur la droite rapprochent un premier plan du bord de l'image. La texture de la couleur reste visible aussi bien dans le ciel que sur les pentes.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54924167938381,"sku":null,"price":110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0283_10f56282-f2f1-461e-800d-9cec45276659.jpg?v=1790794918"},{"product_id":"dos-vistas-el-escorial-pareja-grabados-calcograficos-color","title":"Deux vues de l'Escurial — paire de gravures en taille-douce en couleur sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDeux images du même monument, construites depuis des points de vue complètement différents.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDans la première estampe, le Monastère de San Lorenzo de El Escorial apparaît comme une grande architecture longitudinale. Le regard suit la façade jusqu'à atteindre la puissante tour qui domine l'extrémité de l'édifice, couronnée par une flèche qui se découpe sur un ciel à peine teinté de bleu.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa seconde composition se rapproche de l'ensemble. La grande coupole de la basilique émerge entre les toitures, les tours et les corps architecturaux superposés, tandis qu'un mur de pierre et une petite zone de végétation introduisent de la profondeur au premier plan.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eVues ensemble, les deux estampes offrent une lecture particulièrement complète du monument : \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003el'une présente son échelle et sa sévérité extérieure ; l'autre, la complexité de ses volumes et de ses profils\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eArchitecture convertie en ligne\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLe rôle principal revient presque entièrement au dessin.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eTours, corniches, fenêtres, toitures et pierres de taille sont décrits au moyen d'une trame fine et précise, mais sans atteindre la froideur d'une reproduction architecturale. La ligne maintient de petites variations et une certaine vibration manuelle qui rappellent continuellement que nous sommes face à une estampe réalisée au moyen de procédés graphiques traditionnels.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa couleur est utilisée de façon extrêmement contenue.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUn bleu verdâtre très pâle occupe les ciels des deux compositions et, dans l'une d'elles, quelques verts marquent discrètement la végétation située devant le monastère. Le reste est confié aux tons chauds de l'encre et au blanc naturel du papier.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCette économie chromatique permet à l'architecture de conserver toute sa présence.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eDeux manières de regarder El Escorial\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLes deux œuvres semblent conçues comme faisant partie d'une même série.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eElles partagent les dimensions, le traitement graphique, le titre manuscrit, le type de papier, le timbre sec et une édition limitée de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e100 exemplaires\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUne estampe est numérotée \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e75\/100\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e et l'autre \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e91\/100\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, elles ne forment donc pas une paire avec un numéro correspondant, mais elles appartiennent clairement à la même édition ou au même ensemble graphique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSous les deux images apparaît écrit au crayon \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e« El Escorial »\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, accompagné d'une signature également manuscrite dans la marge inférieure droite.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'identité du graveur n'a pas pu être établie de manière documentaire avec suffisamment de certitude, nous avons donc préféré conserver l'œuvre telle qu'elle se présente : \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003edeux estampes signées et numérotées dont la qualité graphique peut être appréciée indépendamment d'une attribution encore ouverte\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eLe monastère comme motif graphique\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDepuis sa construction au XVIe siècle, le Monastère de San Lorenzo de El Escorial a été l'un des grands thèmes de l'image architecturale espagnole.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSa géométrie, les longues façades, les tours angulaires et la grande coupole de la basilique offrent un répertoire visuel particulièrement adapté à la gravure.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCes deux estampes poursuivent cette tradition avec une sensibilité contemporaine. Elles ne cherchent pas une reconstruction panoramique spectaculaire, mais deux cadrages contenus et presque silencieux.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa large marge qui entoure les images renforce cette sensation : les édifices restent isolés sur le papier, comme si la pierre avait été séparée de son environnement pour pouvoir l'observer avec plus d'attention.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eDeux vues de El Escorial\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eNombre d'œuvres :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 2\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Gravure calcographique en couleur sur papier\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉdition :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Tirage limité de 100 exemplaires\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eNumérotation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 75\/100 et 91\/100\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 24 × 20 cm chaque feuille\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSignature :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Les deux estampes sont signées au crayon avec une signature non identifiée documentairement\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscriptions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e « El Escorial », manuscrit au crayon sous les deux images\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eMarque :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Timbre sec en relief présent sur les deux feuilles\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eThème :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Monastère royal de San Lorenzo de El Escorial\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eChronologie :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Seconde moitié du XXe siècle\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉtat :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Bon état général selon les images disponibles\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa note de l'atelier\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNous trouvons particulièrement intéressant que les deux estampes ne répètent pas la même vision du monument.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa première laisse l'architecture s'étendre horizontalement jusqu'à culminer dans la tour ; la seconde s'approche de la basilique et fait de la grande coupole le centre de la composition.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa couleur apparaît à peine comme une suggestion. Du bleu pour l'air, du vert pour la végétation et le reste confié à la ligne.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEnsemble, elles fonctionnent mieux que séparément : deux regards différents sur un même lieu, au sein d'une édition soignée, signée, numérotée et marquée avec un timbre sec.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54941919019341,"sku":null,"price":100.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0353_dc26e3b8-14ec-4bf1-9bc7-22003fe015c4.jpg?v=1791041189"},{"product_id":"federico-marioni-milano-duomo-c-1920-1930-aguafuerte-y-aguatinta-a-color-sobre-papel","title":"Federico Marioni — Milano - Duomo, v. 1920–1930 — eau-forte et aquatinte en couleur sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLe Duomo de Milan émerge sur la place comme une architecture presque impossible.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eFederico Marioni choisit une vue oblique qui permet de contempler simultanément la façade, l'interminable développement latéral de l'édifice et la forêt d'aiguilles qui découpe son profil sur le ciel. À ses pieds, de petites silhouettes et des voitures traversent la place, réduites à quelques traits.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa différence d'échelle est délibérée : face à l'énormité de la cathédrale, la vie quotidienne continue presque minuscule.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSur le dessin minutieux de l'architecture, Marioni introduit un ciel bleu intense et de petites touches de couleur sur les fenêtres et les personnages. La combinaison transforme une vue topographique de Milan en une image beaucoup plus atmosphérique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eMilan depuis l'atelier d'un graveur\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eMarioni connaissait la ville non pas comme un visiteur, mais comme son lieu de travail.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eInstallé à Milan depuis la fin du XIXe siècle, il y a développé une grande partie de sa carrière et a fondé sa propre \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCalcografia di Milano\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, un atelier qui a atteint un prestige considérable au cours des premières décennies du XXe siècle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa ville et ses monuments sont devenus des motifs naturels pour son œuvre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDans \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMilano - Duomo\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cspan\u003e, l'intérêt documentaire coexiste avec une sensibilité très différente de la photographie. Chaque aiguille, contrefort et fenêtre a été construit au moyen d'une énorme accumulation de lignes, mais le ciel et la couleur introduisent une dimension beaucoup plus libre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eIl ne s'agit pas uniquement d'enregistrer à quoi ressemble l'édifice. Marioni tente également de conserver \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ece qu'il apparaît à celui qui entre sur la place\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eUne manière particulière de travailler la couleur\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'un des aspects les plus intéressants de la production de Federico Marioni fut précisément son traitement des estampes en couleur.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'artiste a développé un procédé personnel d'estampage avec lequel il pouvait obtenir des variations chromatiques entre différents exemplaires d'une même matrice. Le résultat pouvait acquérir un aspect proche de l'aquarelle ou du monotype, s'éloignant de l'uniformité habituelle d'un tirage mécanique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSur cette feuille, cela est particulièrement visible dans le ciel : le bleu ne fonctionne pas comme un simple remplissage plat, mais comme une surface irrégulière et atmosphérique, avec des zones plus denses et d'autres délibérément ouvertes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLes petites touches rougeâtres et bleuâtres réparties sur les fenêtres ajoutent ensuite de la profondeur à une architecture dominée par les terres, les noirs et les blancs.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eFederico Marioni\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFederico Marioni (Claro, 1866 – Milan, 1938)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e était graveur, lithographe et estampier.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAprès avoir débuté sa formation en Suisse, il a travaillé pendant plusieurs années à Paris et a ensuite séjourné à Turin avant de s'installer définitivement à Milan vers 1893.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eIl y a ouvert la \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eCalcografia di Milano\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, d'où il a développé une activité aussi bien en tant que graveur indépendant qu'en tant qu'estampier pour d'autres artistes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'architecture et les villes ont occupé une place importante dans sa production. Milan, Venise, Rome, Florence et différentes localités italiennes apparaissent à maintes reprises dans ses eaux-fortes et aquatintes, généralement traitées avec une combinaison de précision graphique et d'effets atmosphériques de couleur.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSon œuvre est actuellement représentée dans des collections publiques italiennes, parmi lesquelles les Civiche Raccolte Grafiche e Fotografiche du Castello Sforzesco de Milan.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAuteur :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Federico Marioni\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMilano - Duomo\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eChronologie :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e vers 1920–1930\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Eau-forte et aquatinte en couleur sur papier\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 24 × 20 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSignature :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Signée au crayon dans la marge inférieure droite\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscription :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e « Milano - Duomo » au crayon dans la marge inférieure gauche\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eThème :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Cathédrale de Milan et Piazza del Duomo\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉcole :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Italienne\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePériode :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Première moitié du XXe siècle\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉtat :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e État de conservation inégal. Présente un vieillissement général du support, des taches et une importante trace d'humidité dans le secteur supérieur droit, ainsi qu'une déchirure ou fissure dans la marge supérieure qui atteint cette zone. L'image conserve toutefois une bonne lecture générale et une coloration intense.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Note de l'Atelier\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eIl y a quelque chose de particulièrement attrayant dans ces anciennes estampes de villes : elles montrent des monuments que nous continuons à reconnaître immédiatement, mais les ramènent dans un monde complètement différent.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDevant le Duomo de Marioni, des voitures circulent encore. Les silhouettes traversent lentement une place ouverte et l'énorme architecture gothique semble occuper presque tout l'horizon.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eMais ce qui est peut-être le plus intéressant réside dans la couleur.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eMarioni a fait de la gravure quelque chose de moins répétable que d'habitude. Ses variations d'encre et de couleur faisaient que des exemplaires provenant d'une même matrice pouvaient acquérir leur propre personnalité. Sur cette feuille, le grand ciel bleu transforme une vue architecturale extrêmement précise en une image étonnamment lumineuse.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54941921739085,"sku":null,"price":140.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0418_346e472b-7fe1-4905-968d-e183e7159c86.jpg?v=1791041891"},{"product_id":"rhys-paris-rue-saint-julien-le-pauvre-aguafuerte-aguatinta","title":"Rhys — Paris, rue Saint-Julien-le-Pauvre, vers 1930 — eau-forte et aquatinte en couleurs sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eVue de la \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003erue Saint-Julien-le-Pauvre à Paris\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, réalisée au cours de la première moitié du XXe siècle et signée au crayon \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e« Rhys »\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e dans la marge inférieure droite.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composition représente l'un des recoins historiques du Quartier latin, avec les tours de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eNotre-Dame de Paris\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e dominant l'arrière-plan de la scène. La perspective de la rue guide le regard vers la cathédrale tandis qu'au premier plan se succèdent d'anciennes constructions, des murs, de la végétation et des éléments architecturaux traités par un travail minutieux du trait.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'image a été réalisée selon des \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eprocédés chalcographiques, principalement à l'eau-forte et à l'aquatinte en couleur\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, technique qui permet de combiner la précision linéaire du dessin avec des surfaces tonales d'intensités différentes. L'empreinte de la planche reste clairement visible autour de l'image.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa gamme chromatique demeure délibérément contenue, dominée par des bruns, des ocres, des verts et un doux bleu verdâtre employé pour le ciel. Sur ces tons se détachent deux petites figures vêtues de rouge. Le personnage situé sur la droite est particulièrement singulier : il est représenté \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eassis devant un chevalet\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, introduisant la figure de l'artiste lui-même au sein de la vue urbaine.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'architecture est travaillée avec une attention particulière grâce à des lignes parallèles, des hachures croisées et différentes densités d'eau-forte, tandis que l'aquatinte apporte les masses d'ombre des façades, du pavé et de la végétation. L'ensemble s'inscrit dans la tradition des \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003evues du vieux Paris réalisées par des graveurs au cours des premières décennies du XXe siècle\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, époque où les rues historiques de la ville constituaient un motif récurrent tant pour les artistes français que pour de nombreux auteurs étrangers établis ou actifs temporairement à Paris.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDans la partie inférieure de la planche elle-même figure l'inscription :\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e« Paris. – Rue Saint Julien le Pauvre »\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa signature \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e« Rhys »\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, réalisée au crayon hors de la planche, est de la main de l'auteur et ne fait pas partie du processus d'impression.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa signature « Rhys » et son éventuelle relation avec Rhys Jenkins\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSur le marché européen et britannique apparaissent diverses estampes de villes signées simplement \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e« Rhys »\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e qui présentent d'importantes similitudes avec cette œuvre : vues architecturales minutieusement dessinées, utilisation de l'eau-forte et de l'aquatinte, gammes brunes et verdâtres, petits points de couleur vive et une signature manuscrite abrégée aux caractéristiques très similaires.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eUne partie de ces œuvres a été commercialisée historiquement sous le nom de l'artiste britannique \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRhys Jenkins\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, et certaines maisons de vente aux enchères ont utilisé des formules telles que \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e« Rhys, probablement Rhys Jenkins »\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCependant, il n'existe actuellement pas suffisamment de documentation publiée permettant de démontrer de façon univoque que toutes ces estampes signées uniquement « Rhys » appartiennent à Jenkins. Il existe par ailleurs des différences entre certaines signatures documentées sous son nom complet et la signature abrégée utilisée dans ce groupe de vues européennes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePour cette raison, et dans le but de maintenir un catalogage rigoureux, l'œuvre est présentée sous le nom qui figure effectivement sur la pièce :\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRhys\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'identification possible avec \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRhys Jenkins\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e demeure une hypothèse de recherche raisonnable, mais non une attribution définitive.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAuteur :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Rhys\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAttribution possible :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Traditionnellement liée à Rhys Jenkins, sans confirmation documentaire définitive\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eParis – Rue Saint-Julien-le-Pauvre\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDate :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e ca. 1930\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePériode :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Première moitié du XXe siècle\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Eau-forte et aquatinte en couleur sur papier\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSupport :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Papier\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 25 × 31 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSignature :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Signée au crayon « Rhys » dans la marge inférieure droite\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscription :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e « Paris. – Rue Saint Julien le Pauvre », dans la planche\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eLieu représenté :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Rue Saint-Julien-le-Pauvre, Paris\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉléments représentés :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Notre-Dame de Paris, architecture du Quartier latin et figure de peintre devant son chevalet\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eÉtat de conservation\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eÉtat de conservation conforme à son ancienneté.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLe papier présente une \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eoxydation générale, de petites taches de rousseur et des traces d'un montage ancien\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, particulièrement visibles sur les marges. On observe également quelques zones éclaircies probablement liées à un montage ou une fixation antérieure.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eAu verso demeure une ancienne bande de papier adhésif.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa surface imprimée conserve une bonne lisibilité ; tant le dessin que les différentes tonalités employées dans l'estampe sont correctement préservés. La signature manuscrite reste également visible.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eNote de l'Atelier\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'un des éléments les plus attrayants de cette estampe est la manière dont elle combine une représentation architecturale minutieuse avec une composition très étudiée.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNotre-Dame est délibérément décalée vers l'arrière-plan, évitant ainsi de faire de la cathédrale l'unique protagoniste. Le tracé de la rue, les arbres et les constructions du premier plan créent des plans de profondeur successifs qui mènent visuellement vers elle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa petite figure du \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003epeintre travaillant devant son chevalet\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, soulignée par un rouge intense, constitue en outre un détail particulièrement intéressant. Sa présence transforme la scène en quelque chose de plus qu'une simple vue urbaine et rappelle l'importance que ces coins du vieux Paris ont eue pour des générations de peintres et de graveurs.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa signature « Rhys » permet de lier la pièce à un groupe connu d'estampes européennes traditionnellement associées à \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRhys Jenkins\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, bien que l'absence de documentation définitive incite à garder cette identification ouverte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54973385539917,"sku":null,"price":90.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0055_1d920be6-f8a8-4479-9588-e2ba9e97bb94.jpg?v=1791373409"},{"product_id":"n-del-moral-monasterio-sant-cugat-tinta-cartulina","title":"N. del Moral. Monastère de Sant Cugat del Vallès, milieu du XXe siècle. Encre sur carton","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eVue architecturale du \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003emonastère de Sant Cugat del Vallès\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, centrée sur la monumentale façade de son église et sur la grande rosace gothique qui domine l'ensemble. La composition intègre également les bâtiments et murs environnants, des arbres et de la végétation au premier plan, construisant une vision particulièrement détaillée de l'enceinte monumentale.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eN. del Moral travaille au moyen d'une dense combinaison de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eplume, hachures parallèles et trames croisées\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, réservant le blanc du support pour définir la lumière et accumulant l'encre dans les zones de plus grande profondeur. Le procédé s'avère particulièrement efficace dans la représentation de la pierre : chaque mur, ouverture et élément architectural acquiert du volume grâce à des changements dans la densité et la direction du trait.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa grande rosace constitue le point focal de la composition. Autour d'elle, l'irrégularité des arbres et l'entrelacs des constructions rompent la stricte géométrie de l'architecture et confèrent à la scène un caractère plus vivant que celui d'une simple représentation documentaire.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\u003cspan\u003eN. del Moral et une signature identifiée\u003c\/span\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'œuvre apparaît signée \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e« N. del Moral »\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e dans l'angle inférieur droit. La comparaison avec d'autres dessins connus sous cette même signature permet de considérer la lecture comme pratiquement certaine.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePlusieurs dessins à la plume attribués à N. del Moral sont conservés sur le marché, parmi lesquels des œuvres datées de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e1949\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, de dimensions et de procédé technique similaires. On y retrouve à la fois la graphie de la signature et une manière très caractéristique de représenter les bâtiments par une accumulation minutieuse de lignes, d'ombres croisées et de petits traits verticaux.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePour le moment, il n'a pas été possible d'établir documentairement l'identité complète de l'artiste ; il est donc plus rigoureux de maintenir l'attribution sous la forme \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eN. del Moral\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e avec laquelle il a signé ses travaux.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAuteur :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e N. del Moral\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eMonastère de Sant Cugat del Vallès\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eChronologie :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Milieu du XXe siècle, probablement vers les décennies 1940–1950\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Encre à la plume sur carton\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 23,5 × 34 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSignature :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Signée « N. del Moral » dans l'angle inférieur droit\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eThème :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Architecture \/ paysage urbain \/ Monastère de Sant Cugat del Vallès\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉtat de conservation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e État conforme à son ancienneté. On observe une oxydation et de petites taches sur le support, des irrégularités et une usure sur les bords ainsi qu'une légère perte périphérique, sans affecter de manière significative le motif principal.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa note de l'atelier\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'identification de la signature est particulièrement intéressante car il existe d'autres travaux de \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eN. del Moral datés de 1949\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e qui présentent une graphie et une technique très proches de celles de cette pièce. L'œuvre peut être raisonnablement située dans cet environnement chronologique, bien qu'elle ne présente pas de date visible.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'identification du monument comme étant le \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003emonastère de Sant Cugat del Vallès\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e ajoute en outre une composante historique et locale à un dessin à la plume particulièrement travaillé, dans lequel architecture et végétation s'intègrent grâce à une exécution minutieuse et très graphique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54973715939661,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0082_6b45d2b1-bb44-44b2-8a86-a1c9600ee516.jpg?v=1791376186"},{"product_id":"bauca-agudes-camino-arbolado-iglesia-1980-aguafuerte","title":"Baurà Agulles — Chemin bordé d'arbres vers une église, 1980 — eau-forte sur papier Guarro","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEau-forte originale datée de 1980 représentant un chemin rural bordé d'arbres et de murets en pierre, au fond duquel apparaît une construction à caractère religieux dotée d'un petit clocher.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composition se distingue par sa perspective, qui guide le regard depuis le large chemin au premier plan vers l'édifice situé au loin. La végétation occupe une grande partie de l'image et est représentée par un entrelacement élaboré de lignes et de petits traits qui définissent les cimes, les troncs et les ombres projetées sur le sol.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLe graveur combine des zones d'une intense concentration linéaire avec des surfaces beaucoup plus claires, obtenant un contraste équilibré entre la végétation, le ciel et l'architecture. Le traitement des textures végétales témoigne d'une connaissance approfondie des possibilités graphiques de l'eau-forte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'estampe est signée au crayon dans la marge inférieure droite, avec une graphie dont la lecture probable est « Baurà Agulles ». Dans la marge inférieure gauche figure l'indication « P\/A », correspondant à une épreuve d'artiste, tandis qu'au centre est conservée l'inscription « Aguafuerte 1980 ».\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'identité complète du graveur n'a pu être établie de manière documentaire.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAuteur :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Baurà Agulles (lecture probable de la signature).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Chemin bordé d'arbres vers une église.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDate :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 1980.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Eau-forte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSupport :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Papier Guarro.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 25 × 26 cm, selon les informations fournies ; reste à distinguer entre la feuille et la cuvette.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉdition :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e P\/A — épreuve d'artiste.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSignature :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Signée au crayon dans la marge inférieure droite.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscriptions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e « Aguafuerte 1980 ».\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉtat de conservation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Bon état général apparent, avec de légers signes de vieillissement et de petites altérations superficielles visibles sur les marges. L'image conserve une bonne définition.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa Note de l'Atelier\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa particularité de cette estampe réside dans le traitement de la végétation au moyen d'une trame très minutieuse, qui contraste avec la simplicité de l'architecture située au fond du chemin.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSa condition d'épreuve d'artiste et l'inscription manuscrite de 1980 confèrent un intérêt documentaire à une œuvre graphique représentative du paysage figuratif de la fin du XXe siècle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54985350349133,"sku":null,"price":55.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0252_d4d1a389-ffd3-47be-8918-a7645b5088c7.jpg?v=1791470878"},{"product_id":"bauca-agudes-iglesia-entre-arboles-y-muro-de-piedra-1979-aguafuerte-sobre-papel-guarro","title":"Baurà Agulles — Église parmi les arbres et mur de pierre, 1979 — eau-forte sur papier Guarro","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003eGravure originale à l'eau-forte datée de 1979 représentant un édifice religieux partiellement caché par un bois, situé derrière un mur de pierre dans un paysage de caractère méditerranéen.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa composition est organisée autour de l'architecture de l'arrière-plan, dont la tour émerge parmi la cime des arbres. Au premier plan, un large mur construit avec des pierres irrégulières établit une séparation entre le chemin et l'enceinte boisée, tandis que la végétation introduit différents niveaux de profondeur.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'artiste accorde une importance particulière au traitement des textures. Les arbres apparaissent traités au moyen d'une combinaison complexe de traits fins, de pointillés et d'ombrages qui contrastent avec la surface plus géométrique du mur. Les réserves de blanc et l'intensité variable de l'encre permettent de différencier les plans architecturaux et naturels.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa scène conserve un caractère descriptif et documentaire, proche de la tradition de la gravure paysagère et des vues architecturales de la fin du XXe siècle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'estampe conserve la signature manuscrite de lecture probable « Baurà Agulles », l'annotation « Aguafuerte 1979 » et l'indication « P\/A », qui identifie l'exemplaire comme épreuve d'artiste.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAuteur :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Baurà Agulles (signature de lecture probable).\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Église parmi les arbres et mur de pierre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDate :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 1979.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Eau-forte.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSupport :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Papier Guarro.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 25 × 26 cm, selon les informations fournies ; sous réserve de vérification de la mesure individuelle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉdition :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e P\/A — épreuve d'artiste.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSignature :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Signée au crayon dans la marge inférieure droite.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscriptions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e « Aguafuerte 1979 ».\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉtat de conservation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Bon état apparent, avec de légers signes superficiels de vieillissement. L'estampe conserve une impression nette et une lisibilité adéquate des détails.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa note de l'atelier\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCette gravure se distingue par l'attention portée à la construction de la végétation et à sa relation avec l'architecture. Le contraste entre les cimes densément dessinées, le mur de pierre et la tour qui émerge en arrière-plan confère à la scène une profondeur remarquable.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'œuvre fait partie d'un ensemble de trois eaux-fortes liées par leur technique, leur signature et leur chronologie, datées entre 1979 et 1980.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54985359229261,"sku":null,"price":55.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0255_32921060-b979-4fdf-ae39-d4d9889146d2.jpg?v=1791471003"},{"product_id":"radip-tandukar-nepal-tibet-panorama-himalaya-acrilico","title":"Radip Tandukar — Népal et Tibet : panorama culturel de l'Himalaya — Acrylique sur panneau","description":"\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePeinture originale de l'artiste népalais \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRadip Tandukar\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, réalisée à l'acrylique sur panneau. L'œuvre présente une vaste composition panoramique qui réunit architecture religieuse, paysages de haute montagne, populations traditionnelles, scènes de la vie quotidienne et une riche représentation de la faune de l'Himalaya et des basses terres du Népal.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eD'une minutie extraordinaire et aux coloris vifs, la peinture organise d'innombrables scènes sur une même surface, construisant un parcours visuel à travers le patrimoine culturel et naturel de la région.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eDu Tibet à la vallée de Katmandou\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDans la partie supérieure apparaissent des ensembles monumentaux inspirés de l'architecture tibétaine, parmi lesquels une construction rappelant le palais du Potala à Lhassa. Les bâtiments, aux murs blancs et aux toits ornés, se déploient devant des montagnes rougeâtres et un ciel aux douces tonalités chaudes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eEnsuite, une imposante cordillère de sommets enneigés laisse place à des paysages de collines vertes, de forêts et de cours d'eau. De petites silhouettes parcourent les sentiers, tandis que d'autres naviguent sur les rivières ou vaquent à diverses activités quotidiennes.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa zone centrale présente une vaste succession d'habitations, de pagodes et de stupas bouddhistes, inspirés de l'architecture traditionnelle de la vallée de Katmandou. Une grande stupa ornée de drapeaux de prière multicolores, entourée de constructions et de scènes populaires, attire particulièrement le regard.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDans le tiers inférieur, les populations et les monuments cèdent la place à une nature exubérante, habitée par des tigres, des cerfs, des singes, des éléphants et d'autres animaux. Ce dernier domaine évoque la richesse naturelle des régions subtropicales népalaises.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eUne peinture de tradition narrative\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL'œuvre combine des éléments de la peinture populaire népalaise avec une représentation minutieuse de paysages, d'architectures et de figures humaines.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eSon organisation spatiale ne répond pas à une perspective géographique conventionnelle. Les différents lieux apparaissent superposés en bandes successives, permettant de réunir des monuments, des régions et des activités qui, dans la réalité, sont séparés par de grandes distances.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLes contours sombres, la précision des petits motifs ornementaux et l'application de couleurs intenses créent une composition d'une grande richesse visuelle. Chaque section fonctionne comme une petite scène autonome, intégrée au sein d'un ensemble soigneusement organisé.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eRadip Tandukar\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eRadip Tandukar est un artiste népalais dont la production documentée comprend des paysages de l'Himalaya et des compositions liées à l'iconographie bouddhiste.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eParmi ses travaux connus figurent des représentations du massif de l'Ama Dablam et des peintures de mandalas d'inspiration tibétaine, réalisées à l'aide de techniques telles que l'huile, la gouache et l'acrylique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCette œuvre reflète son intérêt pour le paysage, l'architecture religieuse et les traditions culturelles de l'Himalaya, les réunissant dans une composition panoramique à caractère narratif et décoratif.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAuteur :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Radip Tandukar.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre descriptif :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Népal et Tibet : panorama culturel de l'Himalaya.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉpoque :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Contemporaine.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Acrylique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSupport :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Panneau.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 40,5 × 28 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSignature :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e « R. TANDUKAR », dans l'angle inférieur droit.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eThématique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Paysage de l'Himalaya, architecture religieuse, patrimoine culturel, scènes populaires et faune.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉtat de conservation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Bon état visuel général, avec de légères irrégularités superficielles et de petites traces d'usage, sans pertes significatives de matière picturale visibles sur les photographies.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa note de l'atelier\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eNous soulignons tout particulièrement l'extraordinaire richesse des détails et l'organisation narrative particulière de cette peinture. De l'architecture monumentale du Tibet aux temples de la vallée de Katmandou et aux forêts peuplées d'animaux, Radip Tandukar réussit à réunir différents paysages et traditions dans une composition unique.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa minutie des silhouettes, la vivacité des couleurs et la multiplication des petites scènes font de cette œuvre une interprétation visuelle attrayante du patrimoine culturel et naturel de l'Himalaya.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":55005471768909,"sku":null,"price":150.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0220_7a385b35-c729-420e-8efa-40590475a5df.jpg?v=1791556772"}],"url":"https:\/\/eltallerdelcoleccionista.com\/fr\/collections\/arte-sacro-y-religioso.oembed?page=3","provider":"El taller del coleccionista","version":"1.0","type":"link"}