{"title":"Œuvres sur papier","description":"\u003cp\u003eCette collection réunit des œuvres sur des supports qui conservent une trace particulièrement directe du processus créatif. Dessins, aquarelles, encres, gouaches, pastels, estampes et techniques mixtes font dialoguer la figure, le paysage et l’abstraction. Chaque fiche précise la technique, le support, les dimensions, la signature, la date, la provenance et l’état de conservation lorsque ces informations peuvent être vérifiées.\u003c\/p\u003e\u003cp data-taller-artists=\"collection\"\u003e\u003cstrong\u003eArtistes présents dans cette collection :\u003c\/strong\u003e \u003ca href=\"\/fr\/pages\/antonio-santos\"\u003eAntonio Santos\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/josep-m-draper\"\u003eJosep M.ª Draper\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/j-carbonell\"\u003eJ. Carbonell\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/jordi-pagans-montsalvatge\"\u003eJordi Pagans Montsalvatge\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/ricard-opisso-i-sala\"\u003eRicard Opisso i Sala\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/david-mercade-recasens\"\u003eDavid Mercadé Recasens\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/francesc-todo\"\u003eFrancesc Todó\u003c\/a\u003e, \u003ca href=\"\/fr\/pages\/joan-soler-jove\"\u003eJoan Soler-Jové\u003c\/a\u003e.\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"patrick-loste-composicion-abstracta-jinete-telurico","title":"Patrick Loste — Cavalier parmi les montagnes — Technique mixte sur carton","description":"\u003cp\u003eLe cheval, le cavalier et les montagnes sont indissociables de l'univers de Patrick Loste (Perpignan, 1955). Dans cette composition, l'artiste français réunit trois de ses motifs caractéristiques dans une peinture à la matière affirmée, où les figures émergent d'un paysage d'ocres, de noirs et de bleus.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa tête du cheval est tournée vers la gauche, tandis que le cavalier, placé derrière lui, se fond dans une large masse sombre. Tous deux se construisent par des plages de pigment, des incisions et des traits clairs qui interrompent la matière. À l'arrière s'étend un paysage montagneux aux tons dorés et terreux, surmonté d'une étroite bande bleue suggérant le ciel.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL'œuvre fait dialoguer figuration et abstraction. Le cheval et son cavalier restent reconnaissables, mais leurs contours se mêlent aux textures du terrain. Les montagnes participent à la même énergie picturale que les figures, au-delà d'un simple rôle de fond.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eUne vie entre chevaux et montagnes\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa relation de Loste au monde équestre éclaire sa peinture. Fasciné par les chevaux depuis l'enfance, il commence très tôt à les dessiner. À seize ans, il vend une série de dessins de chevaux lors d'une exposition à Céret, expérience annonçant sa future carrière artistique.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003ePlus tard, durant son séjour à Barcelone, il apprend le métier de maréchal-ferrant, qui le maintient au contact direct des chevaux avant son établissement comme peintre.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eIl vit et travaille aujourd'hui dans les Albères, dans le sud de la France, entouré de nature et de chevaux en semi-liberté. Cet environnement est devenu une source constante d'inspiration.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSa peinture explore les relations entre l'être humain, l'animal et le paysage. Superpositions de pigments, traits énergiques et surfaces riches en matière créent des compositions où les figures semblent surgir de la terre.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eExpositions et motifs récurrents\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe parcours d'expositions de Loste se développe depuis les années 1980. Son travail a été présenté notamment au Musée d'Art Moderne de Céret, au Musée Hyacinthe Rigaud de Perpignan et au Musée des Beaux-Arts de Carcassonne, ainsi que dans des expositions et foires internationales.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSon langage associe représentation figurative et expérimentation de la matière. Chevaux et cavaliers comptent parmi les images récurrentes de sa production.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDans cette composition, les présences humaine et animale se fondent dans la montagne à travers une peinture attentive à la matière, au mouvement et à l'évocation du territoire.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Patrick Loste (Perpignan, France, 1955).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Cavalier parmi les montagnes (titre descriptif).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur carton.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 52 × 35 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e Œuvre contemporaine, non datée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signée « Loste » dans la partie supérieure gauche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSujet:\u003c\/strong\u003e Cavalier à cheval, paysage montagneux, figuration contemporaine.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Bon état général. Texture de surface prononcée et bords irréguliers, liés aux caractéristiques du support et de l'exécution.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEncadrement:\u003c\/strong\u003e Sans cadre.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes ocres des montagnes contrastent avec la masse sombre du cheval et du cavalier. Incisions et traits clairs parcourent les deux zones, de sorte que figures et paysage partagent une même texture. La bande bleue du bord supérieur ménage une pause entre le relief terrestre et le ciel.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52377829245261,"sku":null,"price":725.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0096_1e9ad4ad-661e-4393-b437-07ba3d973dc3.jpg?v=1791805300"},{"product_id":"ricardo-opisso-enterrament-poeta-iglesias-1928","title":"Attribué à Ricard Opisso — Enterrement du poète Ignasi Iglésies (1928) — Dessin historique","description":"\u003cp\u003eUn témoignage visuel et un hommage à la Barcelone de 1928 : l'observation sociale prend la forme d'une élégie personnelle, évoquant l'univers du modernisme catalan.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL'histoire derrière le dessin\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa scène s'inscrit dans la vie culturelle de la Catalogne du début du XXe siècle. Ricard Opisso (1880–1966) fut un chroniqueur graphique de la génération d'Els Quatre Gats, tandis qu'Ignasi Iglésies comptait parmi les dramaturges et poètes sociaux marquants de son époque. La composition, attribuée à Ricard Opisso, présente le deuil collectif comme un adieu intime.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa note manuscrite\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eUne note manuscrite au revers rattache la scène aux funérailles d'Iglésies en 1928 et comporte les références suivantes.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLes mots « Ho va dibuixar plorant » (« Il l'a dessiné en pleurant ») prêtent une réaction émotionnelle au dessinateur. La phrase appartient au texte manuscrit du revers.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa foule représente la société barcelonaise rendant hommage au poète. Au centre, le visage encadré de celui-ci, plutôt qu'un cercueil, devient le point de convergence du deuil.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa note indique aussi : « L'unic retrat que existeix de l'enterrament » (« Le seul portrait qui existe de l'enterrement »). Cette phrase est transcrite comme partie de l'inscription du revers.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Attribué à Ricard Opisso i Sala (1880–1966).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Enterrement du poète Ignasi Iglésies.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e 1928, date des funérailles représentées selon la note au revers.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Dessin à l'encre d'époque sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Œuvre : 31,5 × 57 cm. Cadre : 54,5 × 79,5 × 2,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Inscription « Opisso » en bas à droite. Note historique manuscrite au revers.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Très bon. De légères rousseurs liées à l'âge n'affectent pas l'intégrité du dessin. Fourni avec le cadre si souhaité.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa foule s'organise autour du visage encadré du poète, qui constitue le centre visuel de la scène. L'accumulation des figures concentre le mouvement du dessin et contraste avec la présence stable du portrait. Au revers, la note manuscrite apporte la référence aux funérailles et les phrases transcrites dans la description.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52783994306893,"sku":null,"price":2200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0196_8753b6a4-a3cd-4b81-baf0-0ddd8393f433.jpg?v=1790820020"},{"product_id":"j-fin-jose-vilato-composicion-abstracta-oleo-acrilico-escuela-paris","title":"Attribué à J. Fin (José Vilató) — Composition abstraite — Huile et acrylique","description":"\u003cp\u003eÉquilibre et matière dans l’École de Paris. Une œuvre d’époque qui témoigne d’une abstraction structurée et sobre liée au cercle de José Vilató, dans une recherche d’indépendance artistique face à l’héritage picassien.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eL’identité propre de J. Fin\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eJosé Vilató Ruiz, connu sous le nom de J. Fin (1916–1969), a développé une voix personnelle tout en partageant une filiation et un atelier avec son oncle Pablo Picasso. Cette composition abstraite, qui lui est attribuée sur la base de similitudes techniques et formelles, témoigne d’une maturité créative associée à l’École de Paris d’après-guerre. Elle ne cherche pas l’imitation du réel, mais construit un espace autonome fondé sur la force du geste et la solidité de la composition.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eStructure et palette\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa composition possède une architecture interne affirmée. Des traits noirs organisent le plan et laissent les plages de bleu vif et de blanc cassé interagir sur une surface riche en textures. L’huile et l’acrylique donnent à la touche une épaisseur et un poids physique sensibles. La palette sobre renvoie à l’esthétique française d’après-guerre et privilégie l’équilibre visuel.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Attribué à J. Fin (José Vilató Ruiz, 1916–1969).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ Sujet :\u003c\/strong\u003e Sans titre (composition abstraite).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque :\u003c\/strong\u003e Milieu du XXe siècle (École de Paris).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support :\u003c\/strong\u003e Huile et acrylique d’époque sur papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e Œuvre : 28 × 38 cm ; avec cadre : 49 × 56 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions :\u003c\/strong\u003e Inscription « J. Fin » dans l’angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Marché secondaire de l’art, collection particulière.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Très bon. Patine naturelle correspondant à son ancienneté. Encadrée avec un passe-partout de qualité et une moulure dorée.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa composition se construit avec une économie de moyens : couleur, matière et équilibre. Les gestes peints organisent une structure solide, sans surcharge d’éléments.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52785939611981,"sku":null,"price":750.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0039-removebg-preview.png?v=1790858846"},{"product_id":"patrick-loste-dos-figuras-tecnica-mixta-original","title":"Patrick Loste — Deux figures (1983) — Technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eDeux figures allongées parmi des plages orangées et des traits bleus.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL'artiste et l'œuvre\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003ePatrick Loste (Perpignan, 1955) vit et travaille dans les Albères, dans les Pyrénées-Orientales. Durant ses premières années à Barcelone, il associait la peinture à une formation de maréchal-ferrant, métier lié à son intérêt pour les chevaux.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eComposition\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDeux figures allongées occupent presque toute la feuille. Leurs profils et leurs corps sont dessinés par des lignes noires et bleues, tandis que de larges plages orangées réunissent leurs formes sur un fond clair.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eCouleur et trait\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe bleu se distingue dans les lignes et les taches qui traversent les corps et parcourent la partie basse. Des nuances violettes, vertes et grises apparaissent également. L'alternance de contours fins et de traits plus larges donne du mouvement à la composition.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Patrick Loste (né en 1955)\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Sans titre (Couple \/ Deux figures)\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAnnée:\u003c\/strong\u003e 1983\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 32 × 44 cm\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signée en bas à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Le revers présente des taches ocres visibles sur les photographies.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa proximité des deux figures concentre le regard sur la relation entre leurs profils et le dessin des corps. L'orangé forme une surface continue, parcourue de traits bleus dans plusieurs directions. Dans la partie basse, les lignes se superposent à des taches violettes et vertes ; vers le haut, le fond clair ménage davantage d'espace autour des têtes. La signature et la date « Loste 83 » apparaissent en bas à droite.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52792963432781,"sku":null,"price":295.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0245_01_61df6587-82ac-4c55-938b-23db9d015ad0.jpg?v=1792249118"},{"product_id":"francois-boucher-etude-champetre-grabado-frances-siglo-xix","title":"D'après François Boucher — « Étude Champêtre » — Eau-forte en couleurs — École française, XIXe siècle","description":"\u003cp dir=\"auto\"\u003eÉlégante estampe française inspirée de l'univers pastoral de \u003cstrong\u003eFrançois Boucher (1703–1770)\u003c\/strong\u003e, l'un des grands représentants du Rococo français. La scène réunit bergers, jeunes couples, troupeaux et architecture fantastique dans un paysage idéalisé au caractère marqué du XVIIIe siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLa composition est réalisée grâce à un travail minutieux de traits et de trames, enrichi par la suite de délicats rehauts de couleur en bleu, vert, rose et blanc qui accentuent certaines figures et éléments du paysage.\u003c\/p\u003e\n\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLa pastorale rococo\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eAu cours du XVIIIe siècle, François Boucher a fait de la pastorale galante l'un des motifs les plus reconnaissables de sa production. Ses paysages ne prétendaient pas représenter la vie rurale de manière documentaire, mais construire un monde idéalisé peuplé de bergers élégants, de jeunes amoureux, d'animaux et d'architectures capricieuses.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eCette composition répond pleinement à cet imaginaire.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eAu premier plan se déploie une succession de petites scènes humaines : un jeune homme porte une jeune fille, un autre couple apparaît allongé parmi la végétation et plusieurs animaux occupent l'espace central. À l'arrière-plan, des arbres, des constructions et des dénivelés architecturaux élargissent le paysage et créent une sensation de profondeur considérable.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eL'œuvre graphique d'après Boucher\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eL'extraordinaire diffusion de l'œuvre de Boucher a conduit de nombreux artistes à transposer ses compositions en gravure, tant au XVIIIe siècle que par la suite.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eDans cette estampe, le dessin est construit à l'aide d'une trame extrêmement détaillée de lignes parallèles, croisées et courbes, particulièrement visible dans les architectures, la végétation, les vêtements et les surfaces d'eau.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eLes petits rehauts chromatiques rompent délibérément la prédominance monochrome de l'impression et confèrent à la scène une apparence décorative particulièrement attrayante.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eDans la marge inférieure droite figure l'inscription imprimée \u003cstrong\u003e« Étude Champêtre à l’Eau-forte de BOUCHER »\u003c\/strong\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eFrançois Boucher\u003c\/h3\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003e\u003cstrong\u003eFrançois Boucher (Paris, 1703–1770)\u003c\/strong\u003e fut l'une des figures fondamentales du Rococo français. Peintre, dessinateur et graveur, il a développé une vaste production consacrée aux scènes mythologiques, allégories, pastorales et compositions galantes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp dir=\"auto\"\u003eSon succès a entraîné une énorme diffusion graphique de ses images : outre ses propres eaux-fortes, de nombreux graveurs français ont reproduit ses peintures et dessins, contribuant de manière décisive à l'expansion internationale de son langage artistique.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eFiche technique\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eAuteur de la composition :\u003c\/strong\u003e D'après François Boucher (Paris, 1703–1770).\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eGraveur :\u003c\/strong\u003e Non identifié.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eÉtude Champêtre\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eInscription :\u003c\/strong\u003e « Étude Champêtre à l’Eau-forte de BOUCHER ».\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eChronologie :\u003c\/strong\u003e Probablement XIXe siècle.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Eau-forte \/ estampe chalcographique avec rehauts de couleur sur papier.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 35,5 × 57 cm.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eÉcole :\u003c\/strong\u003e École française.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eStyle :\u003c\/strong\u003e Rococo \/ interprétation historiciste.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eThème :\u003c\/strong\u003e Scène pastorale \/ paysage galant.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eRéférence artistique :\u003c\/strong\u003e François Boucher.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\n\n\u003cli\u003e\n\n\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e État conforme à son ancienneté. Le papier présente une tonalité et de petits signes caractéristiques du passage du temps. La feuille conserve une bonne lecture générale et les rehauts chromatiques demeurent visibles.\u003c\/li\u003e\n\n\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3 dir=\"auto\"\u003eLa note de l'atelier\u003c\/h3\u003e\u003cp dir=\"auto\"\u003eLes groupes de figures occupent la partie inférieure de la composition : à gauche, un jeune homme porte une jeune fille ; vers le centre, les animaux et le couple assis réunissent plusieurs directions de mouvement. L'arche du pont ouvre l'espace vers la droite, tandis que les arbres et la construction en arrière-plan élèvent le regard. Les petites touches de bleu, de rose et de vert sont distribuées sur la trame de lignes et permettent de suivre les figures à travers la végétation.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52793258541389,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0319_0397c329-208d-441a-9da6-a232b5c6052a.jpg?v=1789741620"},{"product_id":"josep-barrenechea-retrato-masculino-carboncillo-original","title":"Josep Barrenechea — Portrait d’homme (1972) — Fusain sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003ci\u003eUne étude psychologique d’ombre et de lumière.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Josep Barrenechea Tubilla (Barcelone, 1908–1991).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e Portrait d’homme.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAnnée :\u003c\/strong\u003e 1972.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Fusain sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 48 × 32 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e Signé « Barrenechea » dans l’angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat :\u003c\/strong\u003e Bon.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003chr\u003e\u003ch2\u003eLe portrait et le trait\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eJosep Barrenechea Tubilla n’était pas un amateur : ce peintre figuratif a exposé aux célèbres \u003cstrong\u003eSalons de Primavera de Barcelone\u003c\/strong\u003e dans les années 1930 (1933–1937), ainsi qu’au \u003cstrong\u003eSaló d’Independents\u003c\/strong\u003e de 1936. Il appartient à cette génération d’artistes au métier solide qui a maintenu vivante la figuration classique durant les décennies mouvementées du XXe siècle.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe modèle est représenté en buste et de trois quarts, les cheveux coiffés en arrière, avec une moustache, une veste et une cravate. Les ombres du fusain définissent les yeux, le nez et les joues, tandis que des traits parallèles dessinent les revers et les épaules. Le fond clair fait ressortir le contour de la tête et la silhouette du costume.\u003c\/p\u003e\u003chr\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes lignes courbes des cheveux contrastent avec les traits obliques de la veste. Sur le visage, les ombres sont plus denses autour des yeux, sous le nez et sous le menton ; les zones claires du front et des joues donnent du volume à la tête. Le dessin s’ouvre vers les bords des épaules, où les traits espacés laissent le papier visible.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52793523601741,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0376_01_20aaa58e-e6c2-4183-af70-a1ab282e0ccf.jpg?v=1792250064"},{"product_id":"magda-folch-doble-retrato-pareja-1973-tinta-sobre-papel","title":"Magda Folch — Double portrait de couple, 1973 — Encre sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eDeux figures se rapprochent dans un double portrait à l’encre, signé « Magda Folch » et daté de 1973. L’artiste construit les visages, les cheveux et un geste de proximité par un dessin au trait retenu sur le blanc du papier.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eMagda Folch et l’art du portrait\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eMagda Folch Solé (Reus, 1903 – Tarragone, 1981) était une peintre, dessinatrice et enseignante catalane. Formée à l’Escola Municipal d’Arts i Oficis de Reus, elle mena une carrière d’expositions liée à Reus, Barcelone et Tarragone. Le portrait occupa une place importante dans sa production, au point de susciter l’exposition \u003cem\u003eMagda Folch. La mestria del retrat\u003c\/em\u003e, présentée au Museu de Reus en 2016.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eUne composition définie par le trait\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLe visage barbu à gauche et le visage à droite sont placés très près l’un de l’autre, les regards tournés vers le spectateur. La ligne, irrégulière et délibérément économe, dessine les yeux, les lèvres et les cheveux sans recourir à de larges zones d’ombre. Une main posée sur l’épaule relie les deux figures et concentre le sentiment de proximité. La vaste surface laissée vierge met en valeur le trait et le dialogue entre les deux visages.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Magda Folch Solé (1903–1981) ; œuvre portant la signature « Magda Folch ».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre descriptif :\u003c\/strong\u003e Double portrait de couple.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDate :\u003c\/strong\u003e 1973, inscrite « 73 » à côté de la signature.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support :\u003c\/strong\u003e Encre sur papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 49,5 × 34,5 cm (hauteur × largeur).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e « Magda Folch », dans la partie inférieure gauche.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eConservation :\u003c\/strong\u003e Papier présentant quelques taches et marques de vieillissement, notamment dans les marges ; le dessin principal reste bien lisible.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d’examen :\u003c\/strong\u003e Retour possible sous 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note de l’Atelier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eL’intérêt de ce dessin réside dans l’économie de moyens : les visages prennent corps avec très peu d’éléments, tandis que la main posée sur l’épaule crée un lien entre les figures sans qu’il soit nécessaire de construire un décor.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803348037965,"sku":null,"price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0150_43043e9c-6f0b-47c3-ab10-3fe9f4d2fb26.jpg?v=1792677700"},{"product_id":"josep-rigol-fornaguera-apunte-de-avila-plaza-e-iglesia-de-las-vacas-dibujo-preparatorio-con-anotaciones-lapiz","title":"Josep Rigol i Fornaguera — Esquisse d’Ávila, plaza de las Vacas — Crayon sur papier, XXe siècle","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDessin original au crayon sur papier de Josep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e, consacré à un coin d’Ávila identifié, dans les annotations de la feuille elle-même, aux abords de la plaza de las Vacas. La composition réunit l’architecture d’une église, des bâtiments voisins et une croix de pierre au premier plan. Plus qu’une vue achevée, il s’agit d’une étude de travail dans laquelle l’artiste observe les rapports entre les éléments et expérimente leur disposition dans l’espace.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe dessin est exécuté par des traits de graphite d’intensité variable. Les lignes principales délimitent les formes architecturales et les volumes, tandis que de brèves zones d’ombre et les parties du papier laissées en réserve différencient les plans et suggèrent la lumière. La croix du premier plan sert de repère visuel et dialogue avec l’architecture religieuse à l’arrière-plan.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes \u003cstrong\u003enotes manuscrites en catalan\u003c\/strong\u003e qui accompagnent l’image présentent un intérêt particulier. On y a notamment lu une indication concernant le déplacement de la croix vers la droite. Ces annotations montrent que Rigol ne se limitait pas à relever le motif : il en reconsidérait aussi le cadrage et l’organisation. Il n’est toutefois pas établi par la documentation que cette étude ait effectivement préparé une huile ou une estampe ultérieure.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’œuvre illustre le dessin comme outil d’observation et d’étude, une facette particulièrement importante du parcours de Rigol en raison de sa formation académique, de sa pratique de la gravure et de sa longue activité d’enseignant. L’identification du lieu est conservée conformément aux inscriptions associées à la pièce ; elle n’a pas été confirmée par une comparaison topographique concluante.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eÀ propos de l’artiste\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eJosep Rigol i Fornaguera (Terrassa, 1897–1986)\u003c\/strong\u003e fut dessinateur, graveur, peintre et une figure importante de l’enseignement artistique et de la conservation du patrimoine de Terrassa. Il se forma d’abord auprès de Tomàs et Pere Viver puis, grâce à une bourse de la municipalité de Terrassa, entra en 1922 à la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, à Madrid. Après sa formation et des séjours artistiques en Europe, il revint à Terrassa, où il consacra une grande partie de sa carrière à l’enseignement du dessin.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIl fut président d’Amics de les Arts et directeur de l’École des arts et métiers de Terrassa de 1961 à 1979. Engagé pendant des décennies dans la préservation du patrimoine local, il participa à la protection des églises de Sant Pere lors des événements de 1936 et au développement des collections du Museu de Terrassa. Son parcours fit l’objet de la monographie \u003cem\u003eJosep Rigol i Fornaguera: l'home, l'artista i el mestre\u003c\/em\u003e, publiée par le Museu de Terrassa en 2011.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Josep Rigol i Fornaguera (1897–1986).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTitre descriptif :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eEsquisse d’Ávila : place et église de Las Vacas\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDatation :\u003c\/strong\u003e XXe siècle, sans date documentée dans la fiche.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Crayon graphite sur papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 29 × 24,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions :\u003c\/strong\u003e Signé « J. Rigol F. » dans l’angle inférieur droit, avec des annotations de travail manuscrites.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Papier de teinte vieillie, présentant trois taches rectangulaires sombres, probablement liées à d’anciens éléments de fixation, et des bords irréguliers. Les taches sont visibles et font partie de l’état actuel de l’œuvre ; aucun examen de conservation en présence de la pièce n’a été réalisé.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa note du Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eL’intérêt de ce dessin réside autant dans sa représentation architecturale que dans son caractère d’étude de travail. Les indications écrites à côté de l’image permettent d’observer une phase du processus de composition qui disparaît généralement des œuvres achevées. La croix, l’église et les corrections manuscrites font d’une vue urbaine un témoignage particulièrement direct de la pratique du dessin de Josep Rigol.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803640066381,"sku":null,"price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-18_021509892.png?v=1792282513"},{"product_id":"michel-henricot-la-dame-dans-le-bain-realismo-fantastico-serigrafia","title":"Michel Henricot — La dame dans le bain — Sérigraphie","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUne vision intemporelle du corps humain : la figure semble flotter en suspension plutôt que se baigner.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe corps comme architecture\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eMichel Henricot (France, 1936–2022) s'inscrit dans le réalisme fantastique. Son univers s'éloigne du surréalisme onirique de Dalí pour un traitement plus solennel et mystérieux du corps humain, envisagé comme une structure fossilisée, momifiée ou éthérée. La dame dans le bain présente l'un de ses motifs récurrents : la figure humaine encapsulée.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa chrysalide\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa vue plongeante place le spectateur au-dessus de la figure féminine. Les tons turquoise et émeraude lumineux évoquent un fluide amniotique ou énergétique plutôt qu'une eau ordinaire. Les bandes et les voiles qui enveloppent l'anatomie rappellent des bandelettes de momie ou une armure biologique. La forme ovale et l'immobilité évoquent une matrice, un sarcophage ou une capsule d'hibernation de science-fiction, entre rituel ancestral et vision futuriste.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eTechnique\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa sérigraphie restitue les transparences et les dégradés subtils caractéristiques de la peinture de Henricot. Le halo autour du corps contribue à l'atmosphère surnaturelle.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Michel Henricot (1936–2022).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e La dame dans le bain.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e Vers 1970–1980.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Sérigraphie en couleurs sur papier de fort grammage.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Papier : 65 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et tirage:\u003c\/strong\u003e Signée « Henricot » au crayon en bas à droite ; numérotée 78\/100 en bas à gauche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Bon. L'image centrale est bien conservée et garde ses couleurs vives. Les marges blanches présentent des rousseurs.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa figure occupe le centre d'une forme ovale et se présente en vue plongeante. Les tons turquoise et émeraude entourent le corps, tandis que les bandes et les voiles de l'anatomie introduisent un rythme de lignes courbes. Le halo autour de la silhouette contraste avec l'immobilité de la posture.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52803974463821,"sku":null,"price":110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0070_cacfb206-6122-459c-91d0-4988f73abdbb.jpg?v=1790437922"},{"product_id":"rofer-roberto-fernandez-tras-el-telon-cronica-sovietica-ilustracion-original-de-prensa-tecnica-mixta","title":"Rofer (Roberto Fernández) — Tras el telón — Illustration originale — Technique mixte sur papier cartonné","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUne illustration de presse dont le trait rapide et ironique évoque l'atmosphère de secret derrière le rideau de fer.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL'illustrateur\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRoberto Fernández « Rofer » (Ségovie, 1931 – Madrid, 2019) fut un peintre, aquarelliste et illustrateur espagnol. Sa production comprenait l'illustration éditoriale et le dessin de presse. Cette illustration originale était destinée à la reproduction, peut-être en tête de rubrique, en ouverture de reportage ou dans un livre. Le titre manuscrit « TRAS EL TELÓN.. » et l'architecture de Moscou invitent à lire la scène dans le contexte du rideau de fer et de la guerre froide soviétique.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eUn regard aux aguets\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa composition est théâtrale et narrative. Un homme, peut-être un alter ego du journaliste ou de l'artiste, porte des lunettes et une chapka et écarte de lourds rideaux bleus tout en prenant des notes. Son regard vers le spectateur nous associe à son observation.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eÀ l'arrière-plan, les coupoles à bulbe de la cathédrale Saint-Basile situent la scène à Moscou. Des traits d'encre rapides et des touches de couleur suggèrent l'architecture sans description académique détaillée. L'aquarelle ou le lavis semble former les grandes masses des rideaux et des vêtements ; l'encre ou le feutre précise les contours d'un graphisme vif.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Rofer (Roberto Fernández, 1931–2019).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Tras el telón (Derrière le rideau \/ Journaliste à Moscou).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e Vers 1970–1980.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier cartonné.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 69,5 × 49,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signée « Rofer » verticalement dans la partie centrale gauche. Titre manuscrit en haut à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Acceptable. L'image centrale et les couleurs sont en excellent état, vives et fraîches. Des rousseurs et des salissures sont visibles dans la marge droite, hors de l'illustration principale, comme le montrent les photographies.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eL'illustration évoque l'atmosphère cinématographique des films d'espionnage des années 1970. Rofer caractérise le personnage en quelques lignes ; l'expression du journaliste mêle curiosité et prudence.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804294869325,"sku":null,"price":195.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0080_490999dd-05d2-4c83-ad88-3826bd139acf.jpg?v=1790438102"},{"product_id":"sabrina-sampere-escena-portuaria-y-urbana-apunte-del-natural-1998-carboncillo","title":"Sabrina Sampere — Scène portuaire et urbaine (étude sur le motif, 1998) — Fusain","description":"\u003cp\u003eL’activité d’un port et de son environnement urbain, saisie au fusain dans une alternance de lignes précises et de zones estompées.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eSabrina Sampere et le dessin\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eSabrina Sampere (Sabadell, 1975) obtient son diplôme des beaux-arts à Barcelone en 1998. Son langage plastique part de la figuration. Dans ce dessin, daté de la même année, elle réunit l’embarcation et le mouvement urbain par le contraste entre traits denses et lignes plus légères.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe rythme de la ville\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa composition comporte deux plans narratifs. Au premier plan, le pont d'une embarcation, avec ses cordages, ses bonbonnes et ses structures, est dessiné au fusain dense et sombre, qui ancre le regard. Derrière un mur ou un quai apparaît la vie urbaine : voitures, passants et enseignes commerciales, dont « NAUTIC... » partiellement lisible, esquissés d'un trait plus léger et atmosphérique.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSampere emploie la ligne acérée du fusain pour définir la structure du bateau, et l'estompe ou le doigt pour créer les ombres et suggérer le mouvement et la fumée dans la rue. Les gris argentés évoquent la lumière humide du port.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Sabrina Sampere.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Vue du port et circulation urbaine.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e 1998, date inscrite près de la signature.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Fusain sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 56 × 40 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signée « Sabrina Sampere » et datée « 98 » en bas à gauche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Bon. Le papier présente une légère tonalité naturelle liée au temps, sans taches d'humidité évidentes dans l'image.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe dessin possède une atmosphère de film noir, évoquant un port actif et bruyant. La solidité immobile du bateau au premier plan contraste avec le mouvement des voitures à l'arrière.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804341203277,"sku":null,"price":145.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0129_01_449115cb-79f1-4902-b984-244f2c2bb8a4.jpg?v=1792678124"},{"product_id":"gines-serran-pagan-composicion-habana-1987","title":"Ginés Serrán Pagán — Composition de La Havane (1987) — Technique mixte","description":"\u003cp\u003eUne œuvre créée à La Havane en 1987, l'année où Ginés Serrán Pagán exposait à la Casa de las Américas. Signée et numérotée 6\/12, elle appartient à une édition de douze exemplaires.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa Havane, 1987\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe parcours de Ginés Serrán Pagán (Ceuta, 1949) est étroitement lié au voyage. Artiste et anthropologue, il a développé une grande partie de sa carrière entre New York, l'Europe, l'Amérique latine et l'Asie, intégrant à son langage les traces des lieux, des cultures et des expériences rencontrés.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL'inscription « Havana » et la date 1987 rattachent l'œuvre à une étape précise de ce parcours. Cette année-là, Serrán Pagán séjournait à Cuba, invité à exposer à la Casa de las Américas, à La Havane. Sa présence dans la ville est aussi signalée par la presse cubaine de mars 1987.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL'œuvre peut se lire comme un témoignage matériel de cette période : une abstraction inscrite dans un contexte biographique identifiable.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eSurface et signes\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa surface évoque une carte, un mur érodé et une page ancienne. Le fond ocre et terreux conserve taches, transparences et petites variations de pigment sous une forte structure de lignes noires.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSignes, traits et formes fragmentaires apparaissent entre écriture et image. Le rouge, le jaune et le bleu ponctuent le fond chaud, créant des tensions dans une composition irrégulière.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEstampage, texture et interventions peintes ultérieures semblent coexister sur la même feuille, dans la continuité de l'expérimentation technique menée par Serrán Pagán depuis le début des années 1980.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL'œuvre est numérotée 6\/12, sixième exemplaire d'une édition de douze.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Ginés Serrán Pagán (Ceuta, 1949).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Havana. Composition abstraite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eLieu et date:\u003c\/strong\u003e La Havane, 1987.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTirage:\u003c\/strong\u003e Exemplaire 6\/12.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Estampe originale en technique mixte sur papier, avec impression et interventions peintes.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 73,5 × 49,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signée « Ginés Serrán Pagán » au crayon dans la marge inférieure droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInscriptions:\u003c\/strong\u003e Lieu et date manuscrits ; numérotation 6\/12.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Très bon.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eContexte:\u003c\/strong\u003e Réalisée l'année du séjour de Serrán Pagán à Cuba et de son exposition à la Casa de las Américas, à La Havane.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes lignes noires organisent le fond ocre et terreux, entre transparences et zones de pigment plus dense. Les accents rouges, jaunes et bleus apparaissent ponctuellement et tracent des parcours entre les signes. L'inscription « Havana », la date 1987 et la numérotation 6\/12 complètent la lecture de la feuille.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52804497113421,"sku":null,"price":1350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0215_01_8405e48b-710c-496d-8d20-256437fb6436.jpg?v=1790779119"},{"product_id":"escuela-espanola-s-xix-xx-la-lectora-segun-fragonard-academicismo-carboncillo","title":"École espagnole (XIXe–XXe siècles) — La lectrice — Fusain","description":"\u003cp\u003eUn dessin académique qui traduit en noir et blanc l’intimité et le silence d’une scène de lecture.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa figure et la lumière\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eL’œuvre représente une jeune femme absorbée dans sa lecture, modelée de manière académique par une gamme de gris. L’attention se concentre sur le visage, les pages du livre et les plis du vêtement.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eL’éclairage de la scène\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa lumière frappe le visage et les pages du livre, laissant le fond dans une pénombre douce qui accentue l’intimité. Le fusain est travaillé avec soin : un sfumato souple modèle la peau, tandis que les plis de la robe et le coussin prennent du volume face au dossier sombre de la chaise.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLa dédicace\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa dédicace manuscrite en bas à droite — « Recuerdo a mi cariñosa hermana en el día de su Santo... » — donne à l’œuvre le caractère personnel d’un cadeau à une sœur pour sa fête.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e École espagnole \/ catalane (signature non identifiée).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ Sujet:\u003c\/strong\u003e La lectora (La lectrice).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDate \/ Époque:\u003c\/strong\u003e Vers 1900–1930.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Fusain et estompe sur papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 62 × 46,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInscriptions:\u003c\/strong\u003e Dédicace manuscrite dans la marge inférieure droite.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Bon. La figure centrale conserve sa lisibilité et ses contrastes. Le papier présente un brunissement naturel lié au temps.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d’inspection:\u003c\/strong\u003e Retour garanti sous 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eL’absorption de la figure dans sa lecture se traduit par une gamme de gris douce et silencieuse. La dédicace manuscrite ajoute une dimension personnelle à l’étude académique et garde la trace d’un geste d’affection familiale.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815284928845,"sku":null,"price":325.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0225_01_8f77c292-ee05-42e9-bede-8e5ecfe10c64.jpg?v=1790792379"},{"product_id":"domenec-malfeito-tanella-retrato-de-yorkshire-terrier-realismo-expresivo-tecnica-mixta-1981","title":"Domènec Malfeito Tanella — Portrait de Yorkshire terrier (1981) — Technique mixte","description":"\u003cp\u003eUn portrait expressif où la rapidité du trait traduit la vivacité et le caractère d’un Yorkshire terrier.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe caractère dans le dessin\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDomènec Malfeito Tanella (Barcelone, 1936) a travaillé le paysage, la figure et les études d’après nature. Cette œuvre de 1981 donne à l’animal une présence attentive et individuelle plutôt qu’une pose formelle statique.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eLe pelage et le fond\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003ePlutôt que dessiner chaque poil, Malfeito emploie des traits noirs rapides et énergiques, au fusain ou au crayon gras, pour suggérer le pelage ébouriffé. Des balayages verticaux de sanguine ou de pastel saumon réchauffent le fond et font avancer la figure. Le regard brillant et concentré constitue le point focal.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Domènec Malfeito Tanella (1936).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ Sujet:\u003c\/strong\u003e Portrait de Yorkshire terrier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDate:\u003c\/strong\u003e 1981, sous la signature.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte : fusain\/crayon gras et sanguine\/pastel sur papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 46,5 × 30 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signée « D. Malfeito Tanella » et datée « 1981 » dans la marge inférieure droite.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Bon. Le dessin central est intact. Des traces d’ancien ruban adhésif subsistent sur les marges supérieure, droite et gauche, compatibles avec une fixation antérieure du papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d’inspection:\u003c\/strong\u003e Retour garanti sous 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes traits noirs rapides et croisés suggèrent le pelage ébouriffé du Yorkshire terrier. Le regard concentre l’attention ; les bandes verticales saumon réchauffent le fond et détachent la silhouette de l’animal du papier.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815408890189,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0024_52e9bc59-6875-480d-80f3-12324cf70f42.jpg?v=1792280095"},{"product_id":"julio-quesada-guilabert-retrato-de-caballero-escuela-espanola-1961-acuarela","title":"Julio Quesada Guilabert — Portrait d’homme — Aquarelle sur papier (1961)","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003ePortrait masculin à l’aquarelle sur papier de Julio Quesada Guilabert (Madrid, 1918–2009), signé et daté de 1961.\u003c\/strong\u003e L’œuvre représente un homme en chemise et cravate, dont le visage concentre l’attention. L’expression et les nuances du regard prennent le premier rôle devant un fond traité avec davantage de liberté.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes lavis transparents, les superpositions de couleurs et les réserves du papier articulent les traits dans une palette d’ocres, de roses, de bleus et de tons violacés. Le traitement plus libre des vêtements contraste avec l’observation attentive du visage. Cette différence d’exécution apporte de la fraîcheur à l’ensemble tout en préservant la présence du modèle.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eJulio Quesada Guilabert : l’aquarelle et le portrait\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eNé à Madrid en 1918, Julio Quesada Guilabert se forme à l’École des arts et métiers et à l’École de céramique de Madrid. Il mène une longue carrière consacrée particulièrement à l’aquarelle, dans laquelle les portraits et les paysages occupent une place importante. Il expose dans de nombreuses villes espagnoles ainsi qu’à l’étranger. Son lien avec Crevillent, localité d’origine de sa famille, se retrouve dans le Museo Pintor Julio Quesada, consacré à la conservation et à la diffusion de son œuvre.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Julio Quesada Guilabert (Madrid, 1918–2009).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTitre descriptif :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003ePortrait d’un homme\u003c\/em\u003e.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDate :\u003c\/strong\u003e 1961.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTechnique et support :\u003c\/strong\u003e aquarelle sur papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDimensions de l’œuvre :\u003c\/strong\u003e 43,5 × 31 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions :\u003c\/strong\u003e signé « Quesada » et daté « 61 » dans l’angle inférieur droit, selon les informations enregistrées pour l’œuvre.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eConservation :\u003c\/strong\u003e bon aspect général sur les photographies disponibles ; nous consulter pour davantage de détails.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eUn portrait qui permet d’apprécier un aspect caractéristique de Quesada : la construction du caractère par la couleur, la lumière et les transparences de l’aquarelle. La date de 1961 situe l’œuvre dans une période de pleine activité de l’artiste. Son intérêt réside autant dans le traitement du visage que dans la spontanéité des zones à peine suggérées.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52815514665293,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0009_03_59fe958a-f397-4ba7-bd70-0a283e7cb8e6.jpg?v=1792279990"},{"product_id":"paco-duran-vila-acuarela-original-barcelona-panoramica-bodegon-1985","title":"Paco Duran Vila — Panorama de Barcelone avec nature morte (1985) — Aquarelle sur papier","description":"\u003cp\u003eLa ville observée depuis un espace intime : une aquarelle panoramique associant paysage urbain et nature morte par la perspective atmosphérique.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDeux sujets et une profondeur de champ\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa composition de cette aquarelle de 1985 associe nature morte et paysage. Au premier plan, des boîtes et des étuis nettement dessinés forment des volumes géométriques solides. Ces objets ancrent le point de vue dans une pièce ou sur un toit-terrasse, d'où la Barcelone préolympique apparaît comme observée depuis un atelier.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa ville dissoute dans la brume\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eAu-delà de ce balcon improvisé, Barcelone s'étend vers l'horizon. Duran Vila privilégie l'atmosphère au détail architectural précis. Une aquarelle fluide, travaillée humide sur humide, dissout les bâtiments dans les ocres, les gris et les terres brunes.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCe traitement estompe les limites entre ville, mer et montagne, suggérant une lumière diffuse et un air dense, peut-être en fin de journée ou par temps couvert.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Paco Duran Vila (Francesc Duran i Vila).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Vue panoramique de Barcelone avec nature morte (paysage urbain).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e 1985, signée et datée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Aquarelle originale sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Œuvre : 22 × 47,5 cm. Avec cadre : 39 × 65 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Signée « P. Duran Vila » et datée « 85 » en bas à gauche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Marché secondaire de l'art ; collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Très bon. Les pigments de l'aquarelle sont stables, sans altérations importantes. Le cadre en bois d'époque est bien conservé.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne et apprécier sa profondeur spatiale.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes boîtes et les étuis du premier plan fixent le point de vue avant que le regard ne s'ouvre sur la ville. Leurs bords géométriques contrastent avec les bâtiments dissous dans les ocres et les gris. La transition entre l'intérieur proche et l'horizon brumeux soutient la profondeur du format panoramique.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52816412606797,"sku":null,"price":235.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0304_15a1e0d5-85d5-4dbd-a201-7a6be7fd7a15.jpg?v=1790856315"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-roma-piazza-del-popolo-con-ciclista-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Rome : Piazza del Popolo avec un cycliste — Technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eUne vision inhabituelle de la Ville éternelle, où la monumentalité baroque laisse place à un cycliste solitaire.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL'échelle humaine face à l'histoire\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDans cette œuvre de 1989, Ricard Calvo Duran nous conduit à l'entrée de la Piazza del Popolo, à Rome. Plutôt qu'une place bondée, il présente un espace presque métaphysique et vide, dominé par les formes équilibrées des églises jumelles Santa Maria in Montesanto et Santa Maria dei Miracoli.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLigne et atmosphère\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe dessin évoque l'illustration architecturale et la tradition européenne de la ligne claire. L'encre définit précisément colonnes, coupoles et entablements.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe ciel à l'aquarelle emploie des tons brunâtres et gris plutôt que le bleu méditerranéen habituel, suggérant l'humidité et une atmosphère mélancolique.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eUn cycliste vêtu d'une chemise rose vif interrompt la solennité de la pierre. Cette figure solitaire au premier plan introduit le mouvement et un contrepoint humain à l'ensemble monumental.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Ricard Calvo Duran, signé « Calvoduran ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Rome : la Piazza del Popolo.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e 1989, date inscrite près de la signature.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Œuvre : 42,5 × 52,5 cm. Cadre : 54,5 × 62 × 5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Manuscrite à l'encre dans la partie inférieure centrale, avec la mention de lieu « Roma ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Excellent. Le papier conserve sa blancheur d'origine dans les marges et les couleurs restent fraîches.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRome est une ville bruyante et animée, mais Calvo Duran semble en atténuer le son. La circulation et la foule disparaissent, laissant l'architecture et un seul cycliste. La scène devient une pause visuelle, évoquant une Rome du petit matin ou de l'imagination de l'artiste.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817072521549,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0365.jpg?v=1790857359"},{"product_id":"ricard-calvo-duran-costumbrismo-italiano-en-asis-ilustracion-urbana-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Ricard Calvo Duran — Vie quotidienne à Assise — Technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eUn contraste entre l'architecture sacrée et le mouvement vivant du quotidien sur deux roues.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe sacré et le quotidien\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eRéalisée en 1990, cette œuvre nous place devant la basilique Saint-François d'Assise, un grand lieu de pèlerinage. Calvo Duran introduit une touche d'humour par la présence d'une religieuse conduisant une Vespa classique au premier plan. La tradition ancienne et la modernité pratique partagent le même espace.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003ePrécision et atmosphère\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe style de ligne claire est proche de l'illustration éditoriale. Le dessin à l'encre décrit avec précision l'architecture gothique et romane du complexe, du campanile aux arcades inférieures.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe ciel bleu détache la silhouette de pierre crème de la basilique et crée un contraste théâtral.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa composition conduit du fond monumental à la petite scène quotidienne du premier plan. Les voitures de la fin des années 1980 et les groupes de frères à pied ajoutent un contexte d'époque et de vie sociale.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Ricard Calvo Duran, signé « Calvoduran ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Scène à la basilique Saint-François d'Assise.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e 1990, date inscrite près de la signature.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Œuvre : 32 × 39 cm. Cadre : 53,5 × 60,5 × 5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Manuscrite à l'encre en bas à droite, avec la mention de lieu « Assisi ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Excellent. Couleurs vives et papier en excellent état.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa religieuse sur sa Vespa introduit un mouvement quotidien devant la masse de la basilique. Voitures et groupes de frères répartissent de petites scènes sur la place. Le dessin précis des arcades et du campanile contraste avec la légèreté narrative du premier plan.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52817239212365,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0405_dfef902f-4ffe-4911-bf55-a0e5742fb5c3.jpg?v=1790858014"},{"product_id":"edmond-vales-veilleur-de-nuit-el-vigilante-nocturno-orientalismo-grabado-al-aguafuerte","title":"Edmond Valès — Veilleur de nuit — Eau-forte","description":"\u003cp\u003eUne atmosphère de silence et d'attente où la lumière de la lampe révèle l'intimité d'une nuit au Maghreb.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe rituel de l'attente\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDans cette estampe, Edmond Valès (1918–2001) nous fait partager la solitude d'un veilleur de nuit. Plutôt que la tension ou le danger, la scène suggère une pause introspective. Enveloppé dans une lourde djellaba contre le froid du désert, le personnage tient un verre de thé durant les longues heures de veille.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLumière et ombre\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eL'eau-forte construit la scène par le contraste du clair et de l'obscur. Un fond densément hachuré enveloppe le personnage et concentre l'attention sur son visage buriné et ses mains.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eUn brasero sous une théière fumante, une lampe à huile qui éclaire le personnage par-dessous et un bâton appuyé contre le mur définissent le lieu. Une babouche isolée au premier plan ajoute une impression de repos.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe trait gravé décrit les plis du tissu et la texture de la peau, suggérant le poids et la chaleur du vêtement face au froid nocturne.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Edmond Valès (1918–2001), signé « E. Valès » au crayon en bas à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Veilleur de nuit.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e XXe siècle, probablement les décennies centrales, vers 1950–1970.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Eau-forte sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Œuvre : 32,5 × 50 cm. Cadre : 48,5 × 66,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTirage:\u003c\/strong\u003e 30\/150, numérotée au crayon en bas à gauche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Excellent.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes hachures denses du fond concentrent la lumière sur le visage et les mains du veilleur. La lampe éclaire par-dessous, tandis que le verre de thé, la théière et le brasero créent de petits points d'attention autour du personnage. Les plis de la djellaba et la babouche au premier plan introduisent des textures et des pauses dans la scène nocturne.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52825809682765,"sku":"ETC-52825809682765","price":125.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0392_a2205425-0d77-4818-998a-58bf6e4a1930.jpg?v=1790857744"},{"product_id":"edmond-vales-lithams-mujeres-veladas-orientalismo-etnografico-grabado-a-punta-seca","title":"Edmond Valès — Lithams (Femmes voilées) — Pointe sèche","description":"\u003cp\u003eUne étude des regards et des textiles qui explore l'identité féminine au Maghreb par la délicatesse de la ligne.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe langage du voile\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDans Lithams, Edmond Valès (1918–2001) étudie différentes façons de porter le litham, ou voile traditionnel. Son approche privilégie l'observation plutôt que l'exotisme sensuel associé à l'orientalisme du XIXe siècle, montrant les apparences diverses d'un même vêtement.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLigne et expression\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa composition emploie la pointe sèche, technique de gravure directe et linéaire. Cinq portraits féminins se répartissent sur la feuille comme un ensemble d'études, plutôt qu'une scène narrative.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa ligne riche et veloutée différencie les textures : la rigidité des étoffes rayées, la souplesse des plis et l'intensité des yeux.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa bouche et le nez étant couverts, l'expression se concentre dans les yeux. Certains regards paraissent directs et affirmés, d'autres timides ou fuyants, donnant à chaque femme une présence individuelle.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Edmond Valès (1918–2001), signé « E. Valès » au crayon en bas à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Lithams (Étude de femmes voilées).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e XXe siècle, vers 1950–1970.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Pointe sèche sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Cuvette \/ image : 32,5 × 51,5 cm. Cadre : 48,5 × 66,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTirage:\u003c\/strong\u003e 42\/150, numérotée au crayon en bas à gauche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Très bon. Le papier conserve la cuvette de la plaque et présente de légères rousseurs dans les marges, hors de l'image.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes cinq figures distribuent l'attention entre regards et tissus. Dans la coiffe centrale rayée, la direction des lignes construit le volume sans grandes zones d'ombre. Les différents plis et l'intensité des yeux permettent de distinguer chaque visage au sein du groupe.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52825907265869,"sku":"ETC-52825907265869","price":125.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0398_02_56102884-d6f8-4a34-94db-57f4310caf33.jpg?v=1790857704"},{"product_id":"rainer-hercks-zappel-philipp-el-hampelmann-surrealismo-ludico-grabado-al-aguafuerte-y-aguatinta","title":"Rainer Hercks — Zappel-Philipp (Le pantin articulé) — Eau-forte et aquatinte","description":"\u003cp\u003eUne représentation nostalgique et légèrement inquiétante d'un jouet articulé, avec de petits détails à découvrir dans son environnement texturé.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe jouet comme métaphore\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe titre Zappel-Philipp renvoie à un personnage du livre allemand pour enfants Struwwelpeter. L'artiste présente ici un clown-pantin suspendu dans un espace onirique. L'image joue sur la double nature du jouet ancien : ludique par sa fonction, mais inquiétant par son regard fixe et son mouvement mécanique.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eTexture et symbolisme\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes textures de l'aquatinte transforment le fond gris en une surface évoquant un vieux mur usé. De petits éléments flottants y apparaissent : des lettres d'aspect gothique, peut-être « SM », une petite clé dorée, un fanion et une figure minuscule en haut à droite, écho du personnage principal.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe clown est dessiné avec précision. Les boules orange et violette qu'il tient servent de points d'ancrage colorés et équilibrent la disposition symétrique de ses membres ouverts.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLes traits de l'eau-forte définissent les contours, tandis que les plages d'aquatinte en couleurs donnent du volume au vêtement étoilé et au pantalon brun, créant une impression de relief tactile.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Rainer Hercks, signé en bas à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Zappel-Philipp (Clown articulé \/ Pantin).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e 1997, date inscrite près de la signature.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Eau-forte et aquatinte en couleurs sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Cuvette : 19,5 × 15 cm. Cadre : 54 × 44 × 4,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTirage:\u003c\/strong\u003e 62\/200.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Excellent. Le papier reste propre et les couleurs conservent leur intensité d'origine.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe fond retient particulièrement l'attention : il semble garder non seulement le jouet, mais aussi un souvenir estompé de l'enfance.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52826315293005,"sku":"ETC-52826315293005","price":85.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0009_b4b0ad84-c90f-4286-8d55-402bc40256e2.jpg?v=1790858104"},{"product_id":"subirana-verdaguer-bailarina-clasica-impresionismo-estilo-degas-pastel-sobre-papel","title":"Subirana Verdaguer — Danseuse classique — Pastel sur papier","description":"\u003cp\u003eUn hommage à l'élégance et au mouvement suspendu associés aux danseuses de Degas.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa référence à Degas\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa danseuse et le traitement du pastel rappellent les scènes de ballet d'Edgar Degas. Subirana Verdaguer concentre la composition sur une figure solitaire en pose, dans un espace indéfini qui souligne la ligne du corps et la légèreté du tutu.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLumière et couleur\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe tutu blanc est construit par des traits rapides et diffus suggérant le tulle en mouvement, en contraste avec le corsage bleu ciel. Une lumière théâtrale frappe la figure depuis la gauche, laissant le fond dans une pénombre chaude de gris et d'ocres.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa figure et le fond\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes membres allongés soulignent la grâce du ballet. De douces transitions entre tons chair et ombres rosées modèlent les bras et les jambes et témoignent d'une approche académique du dessin.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe fond atmosphérique forme une brume colorée autour de la danseuse, détachant la figure du plan pour lui donner du volume.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Subirana Verdaguer, signé « Subirana » en bas à gauche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Danseuse classique en pose.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e XXe siècle, probablement les années 1970–1980.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Pastel sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Œuvre : 37 × 27 cm. Cadre : 53 × 44 × 4,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Manuscrite au pastel rougeâtre en bas à gauche. Plaque d'identification sur le cadre.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat:\u003c\/strong\u003e Excellent. Le pastel reste vif et stable, sans perte de pigment visible.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d'examen:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe tutu blanc se construit par des touches de pastel et des bords diffus qui suggèrent la légèreté du tissu. Le corsage bleu introduit un contraste froid, tandis que bras et jambes relient des transitions rosées et des tons chair. Le fond gris et ocre enveloppe la figure sans définir un lieu précis.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52826523435341,"sku":null,"price":185.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0146_191dfe51-5dad-44f1-9af1-a0112a190f93.jpg?v=1790864440"},{"product_id":"gerald-moreno-diptico-litografias-akhnaton-metamorfosis","title":"Gerald Moreno — Akhnaton et La métamorphose artificielle — Lithographies E.A. \/ H.C.","description":"\u003cp\u003eDeux portraits associent des visages modelés avec précision à des formes qui se transforment en structures organiques et géométriques. Les lithographies de Gerald Moreno partagent une palette contenue et de vastes zones de papier clair.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDeux images en transformation\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDans Akhnaton mon maitre, la figure masculine s'organise autour d'un axe vertical. Une partie du visage et du torse conserve un modelé reconnaissable ; l'autre s'ouvre en lignes et en formes évoquant une architecture fantastique. La trame géométrique de la poitrine prolonge ce passage entre corps et structure.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa métamorphose artificielle présente un visage féminin entouré de volumes courbes, de fragments et de trames. Le regard et les lèvres concentrent le modelé le plus défini, tandis que le contour se prolonge en formes imaginaires. Le rapport entre anatomie, géométrie et transformation inscrit les deux compositions dans un langage surréaliste.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe détail et l'espace du papier\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes gris, les ombrages doux et les lignes fines permettent de passer du portrait reconnaissable à la forme inventée. Les vastes fonds clairs isolent les figures et renforcent le dialogue entre les deux estampes, présentées ensemble dans un même cadre.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Gerald Moreno.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitres:\u003c\/strong\u003e Akhnaton mon maitre et La métamorphose artificielle.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eStyle:\u003c\/strong\u003e Surréalisme \/ réalisme magique.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Lithographie sur papier de fort grammage.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉdition:\u003c\/strong\u003e Mentions E.A. (Épreuve d'artiste) et H.C. (Hors commerce) au crayon.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 50 × 36 cm (image imprimée, environ) | 68 × 89 cm (cadre total).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signées « Gerald Moreno » au crayon dans la marge inférieure.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d'inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes deux estampes opposent une zone de visage modelée à d'autres parties traitées en lignes ouvertes. L'axe vertical domine la figure masculine ; dans le portrait féminin, le mouvement se répartit autour de la tête. L'espace clair qui entoure chaque image permet de suivre les transitions entre le corps et les formes imaginaires.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52841720938829,"sku":null,"price":590.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0310_367bb350-c80e-4317-b62a-fb53f4a662cd.jpg?v=1790872240"},{"product_id":"antoni-esplugues-isaac-albeniz-y-su-circulo-intelectual-modernismo-catalan-fotografia-de-epoca","title":"Antoni Esplugas — Isaac Albéniz et accompagnants — Photographie","description":"\u003cp\u003eUn portrait de groupe réunissant le personnage identifié comme Isaac Albéniz et cinq accompagnants.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePhotographie de groupe du studio d’Antoni Esplugas, identifié par la marque « Esplugas » visible sur l’image. La fiche de collection identifie l’homme près de la femme comme Isaac Albéniz, accompagné de cinq autres personnes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes bords du groupe s’estompent progressivement vers le blanc, concentrant l’attention sur les modèles. Une lumière douce et diffuse modèle les visages sans ombres dures et révèle les textures des vêtements.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePhotographe:\u003c\/strong\u003e Antoni Esplugas i Puig (marque « Esplugas » dans l’image photographique).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePersonnage central:\u003c\/strong\u003e Isaac Albéniz (1860–1909).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ Sujet:\u003c\/strong\u003e Portrait de groupe identifié comme Isaac Albéniz et accompagnants.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Début du XXe siècle, vers 1900–1905.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Photographie sur papier.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e Image visible : 45 × 23 cm ; cadre : 64 × 43 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d’inspection:\u003c\/strong\u003e Retour garanti sous 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa disposition des six personnes équilibre le portrait de groupe. La lumière douce souligne visages et textures des vêtements ; les bords estompés réduisent la présence du fond et maintiennent l’attention sur les modèles.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52848599400781,"sku":null,"price":155.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0040_01.jpg?v=1764263819"},{"product_id":"segun-benjamin-vautier-el-arresto-del-comerciante-estampa","title":"J. López (inscription), d’après B. Vautier — L’arrestation du marchand — Estampe sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUne rue à l’architecture traditionnelle devient le théâtre d’une arrestation publique. Cette estampe sur papier reproduit une composition de Benjamin Vautier l’Ancien, peintre de genre de premier plan lié à l’école de Düsseldorf.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eL’œuvre et son contexte\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa scène se rapporte à \u003cem\u003eDie Verhaftung des Kaufmanns\u003c\/em\u003e (L’arrestation du marchand), composition documentée de Benjamin Vautier (1829–1898). L’agitation d’une rue étroite contraste avec l’affliction d’une femme assise près d’une entrée. Ce sujet appartient au répertoire narratif de la peinture de genre d’Europe centrale au XIXe siècle. La composition a également circulé dans des reproductions graphiques d’époque.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eComposition et langage graphique\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa perspective de la rue s’organise autour de façades à colombages, d’avancées de toiture, de lanternes et d’un pavement irrégulier. À gauche, les habitants se regroupent autour d’une figure qui désigne le fond ; à droite, deux femmes expriment leur abattement près d’un portail. L’accumulation de lignes et de hachures distingue le bois, la pierre et les étoffes, tandis que les réserves du papier préservent la clarté d’une composition très peuplée.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAuteur de la composition :\u003c\/strong\u003e Benjamin Vautier l’Ancien (1829–1898).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAuteur de l’estampe :\u003c\/strong\u003e Inscription « J. López » dans la partie inférieure ; l’identité du graveur reste à corroborer par des documents.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e L’arrestation du marchand (\u003cem\u003eDie Verhaftung des Kaufmanns\u003c\/em\u003e).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation :\u003c\/strong\u003e Composition du XIXe siècle ; la date précise d’impression de cet exemplaire reste indéterminée.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support :\u003c\/strong\u003e Estampe imprimée à l’encre sur papier ; procédé graphique à confirmer.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 42 × 55 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eConservation :\u003c\/strong\u003e Papier de teinte crème présentant de discrètes marques de vieillissement ; image bien lisible.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDélai d’examen :\u003c\/strong\u003e Retour possible sous 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note de l’Atelier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa tension de la scène ne repose pas sur un seul protagoniste : elle se répartit entre le geste accusateur, la foule dans l’attente et les figures recueillies près du portail. L’architecture sert de cadre narratif et conduit le regard vers un dénouement davantage suggéré qu’expliqué.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52855871439181,"sku":null,"price":195.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/imagen_2026-10-22_160055535.png?v=1792677661"},{"product_id":"jose-miguel-serrano-caballo-en-corveta-estudio-de-movimiento-escuela-de-paris-carboncillo-sobre-papel","title":"Josep Miquel Serrano — Cheval cabré — Encre et lavis sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUn cheval se dresse sur ses membres postérieurs dans une étude de mouvement signée « Serrano ». La figure se distingue par l’association de traits sombres, de lavis dilués et de réserves du papier.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eUne étude du mouvement équin\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLa tête relevée, l’encolure arquée et un membre antérieur fléchi définissent une attitude d’élan et de tension. Le corps clair se détache sur un fond de taches brunes et grises, posé à grands coups de pinceau. Les zones sombres renforcent la crinière et les jambes, tandis que le contour de l’animal reste ouvert par endroits pour préserver la vivacité du geste.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe mouvement peut être décrit comme celui d’un cheval cabré, mais aucune figure précise de haute école ni aucune courbette exécutée selon la terminologie équestre n’est documentée.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eJosep Miquel Serrano\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eJosep Miquel Serrano i Serra (1912–1982), également cité sous le nom de José Miguel Serrano, était un artiste catalan formé auprès de Francesc Labarta et Xavier Nogués. L’utilisation expressive de la ligne et du lavis situe ce dessin dans le cadre de sa production figurative, bien que sa datation précise nécessite un appui documentaire.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Josep Miquel Serrano i Serra (1912–1982) ; attribution appuyée par la signature « Serrano ».\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre descriptif :\u003c\/strong\u003e Cheval cabré, étude de mouvement.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque :\u003c\/strong\u003e XXe siècle ; date exacte indéterminée.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support :\u003c\/strong\u003e Encre appliquée au pinceau et lavis sur papier ; identification visuelle à confirmer.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 47 × 46,5 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e « Serrano », dans l’angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eConservation :\u003c\/strong\u003e Papier de teinte chaude présentant quelques marques de vieillissement ; composition lisible.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note de l’Atelier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLe dessin concentre son énergie dans la courbe de l’encolure et l’élévation du corps. La tache du fond encadre le mouvement sans annuler la légèreté des réserves du papier.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52856041046349,"sku":null,"price":170.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0405_01_2bf5d277-641e-458b-bf9c-bb4486b2d686.jpg?v=1792678796"},{"product_id":"maite-gonzalez-naturaleza-muerta-con-ciclamenes-realismo-intimista-linografia-ejemplar-unico-1-1","title":"Maite González — Nature morte aux cyclamens — Linogravure (exemplaire unique, 1\/1)","description":"\u003cp\u003eUn pot de fleurs occupe le premier plan de cette petite nature morte de Maite González. Le vert et l'ocre relient les plantes, la corbeille de fruits et le fond de lignes horizontales.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eUn intérieur construit par les lignes\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe pot décoré concentre l'attention à droite, tandis que la corbeille de fruits occupe la gauche. Les longues feuilles de l'arrière-plan élargissent le parcours de la composition. Les traits fins et les hachures distinguent les pétales, les feuilles, l'osier et la surface sur laquelle reposent les objets.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDu vert à l'ocre\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe vert est plus intense dans la partie inférieure et sur certains contours ; les ocres apparaissent dans les fruits, le pot et le fond. Les zones claires du papier maintiennent les volumes ouverts. L'estampe est datée de 2005 et porte la numérotation « 1\/1 ».\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Maite González.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Nature morte avec pot de cyclamens et fruits.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAnnée:\u003c\/strong\u003e 2005.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Linogravure sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉdition:\u003c\/strong\u003e 1\/1 (exemplaire unique).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 16 × 15 cm (image imprimée). Papier à larges marges.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signée au crayon « Maite González '05 » dans l'angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d'inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes courbes de la corbeille et du pot s'opposent aux lignes horizontales du fond. Dans la partie supérieure, les fleurs et les feuilles interrompent cette régularité. Le passage progressif du vert à l'ocre relie les objets, tandis que les réserves claires du papier séparent leurs contours.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52856888394061,"sku":"ETC-52856888394061","price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0006_2204b3f2-14f1-4ce9-b702-abffd8a4409c.jpg?v=1790437113"},{"product_id":"lourdes-mojica-antiga-casa-figueres-barcelona-expresionismo-urbano-oleo-sobre-carton-1997","title":"Lourdes Mojica — Antiga Casa Figueres (Barcelone, 1997) — Huile sur carton","description":"\u003cp\u003eUne interprétation lumineuse et colorée du bâtiment moderniste de la Rambla, accompagnée d’une documentation du Cercle Artístic de Sant Lluc.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDans cette œuvre de 1997, Lourdes Mojica propose une vision personnelle de l’Antiga Casa Figueres de Barcelone, aujourd’hui la pâtisserie Escribà sur la Rambla. Plutôt que le réalisme photographique, elle adopte un langage proche de l’expressionnisme.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDes contours noirs marqués définissent l’architecture comme les plombs d’un vitrail, contenant des couleurs saturées. Les mosaïques de trencadís, les arcs et la sculpture d’angle sont suggérés par des taches de jaune cadmium, de bleu turquoise et de violet.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’éclairage suggère le soir ou la nuit : la lumière artificielle de l’intérieur fait briller les vitrines. Le carton, support fréquent pour la peinture de plein air et les études rapides, donne à l’huile une texture mate et douce.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Lourdes Mojica Ferrer.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Antiga Casa Figueres.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDate:\u003c\/strong\u003e 1997.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Huile sur carton.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 35 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signée « L. Mojica 97 » dans l’angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eCertificat:\u003c\/strong\u003e Avec un certificat d’authenticité du Cercle Artístic de Sant Lluc, fixé au verso (exposition Petit Format al Cercle).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Impeccable. L’œuvre n’a jamais été déballée de sa protection plastique d’origine.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d’inspection:\u003c\/strong\u003e Retour garanti sous 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes contours noirs séparent les zones colorées et soulignent le dessin ornemental de la façade. Jaunes, turquoises et violets décrivent les arcs, les mosaïques et les vitrines par des taches saturées. La lumière intérieure contraste avec les tons de l’extérieur et concentre l’attention sur l’entrée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-taller-author=\"lourdes-mojica\"\u003e\u003ca href=\"\/fr\/pages\/lourdes-mojica-ferrer\"\u003eDécouvrir les œuvres de Lourdes Mojica Ferrer\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52858201571661,"sku":null,"price":320.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0127_01_0dae5c7a-42fc-4821-8874-55aaaf088b62.jpg?v=1792282316"},{"product_id":"lourdes-mojica-fachada-urbana-apunte-del-natural-expresionismo-oleo-sobre-carton","title":"Lourdes Mojica — Façade urbaine (étude sur le motif) — Huile sur carton","description":"\u003cp\u003e\u003ci\u003eUne représentation vibrante et gestuelle de l’architecture urbaine, où la couleur construit les volumes et l’atmosphère de la rue.\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDans cette œuvre, Lourdes Mojica aborde le paysage urbain sous un angle expressionniste. Loin d’un dessin architectural strict, l’artiste utilise la peinture à l’huile pour saisir l’impression d’une façade. Cette étude sur le motif est réalisée rapidement afin d’en restituer la dimension psychologique à un instant précis.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa composition verticale se concentre sur un fragment architectural. Mojica construit le bâtiment par blocs de couleurs saturées : les jaunes et les ocres suggèrent un éclairage artificiel, tandis que les bleus profonds et les tons violacés marquent les entrées en retrait et les ombres portées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’artiste applique généreusement la peinture à l’huile, probablement au couteau ou au pinceau large, créant une surface riche en textures. La peinture privilégie la tache colorée à la ligne pour transmettre la vitalité de la ville plutôt que décrire littéralement ses briques.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Lourdes Mojica Ferrer.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ Sujet :\u003c\/strong\u003e Façade urbaine \/ Étude architecturale.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support :\u003c\/strong\u003e Huile sur carton.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 42 × 27 cm.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e Signée « L. Mojica » dans l’angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Bon. La peinture conserve sa fraîcheur et adhère bien au support.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d’inspection :\u003c\/strong\u003e Retour garanti sous 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eQuelques plans de couleur bien placés suffisent à construire la façade. Mojica rend la présence du bâtiment sans en dessiner chaque détail ; la simplification des formes structure l’architecture.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-taller-author=\"lourdes-mojica\"\u003e\u003ca href=\"\/fr\/pages\/lourdes-mojica-ferrer\"\u003eDécouvrir les œuvres de Lourdes Mojica Ferrer\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52858312098125,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0115_01_f4830129-bde2-4721-b2a9-a602cb1d45ad.jpg?v=1792282239"},{"product_id":"francois-antoine-aveline-vista-optica-de-paris-desde-el-pont-royal-grabado-original-s-xviii-coloreado-de-epoca","title":"Pierre Aveline — Paris depuis le Pont Royal — Estampe coloriée sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUn panorama de la Seine et du Pont Royal où ponts, bâtiments et embarcations s’articulent dans une perspective profonde.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003ePierre Aveline et la vue topographique\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003ePierre Aveline (vers 1656–1722) était un graveur, éditeur et marchand d’estampes spécialisé dans les vues topographiques. Cette pièce fait partie de l’ensemble de trois estampes d’Aveline conservées dans la collection.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eLa composition\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eLa vue correspond à la composition « Veuë et Perspective de la Ville de Paris du côté du Pont Roial », cataloguée par les Beaux-Arts de Paris comme une œuvre de Pierre Aveline du XVIIe siècle. Le Pont Royal occupe le premier plan ; au-delà, les deux rives et les ponts successifs conduisent le regard vers l’intérieur de Paris. L’architecture monumentale contraste avec les petites embarcations qui animent le fleuve.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe trait gravé définit l’architecture et les détails de la scène. La mise en couleur crée des contrastes entre l’eau, les bâtiments et le ciel, distinguant les différentes distances et les points d’intérêt de la composition.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Pierre Aveline (vers 1656–1722).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Veuë et Perspective de la Ville de Paris du côté du Pont Roial.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation de la composition:\u003c\/strong\u003e XVIIe siècle.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Estampe coloriée à la main sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions enregistrées:\u003c\/strong\u003e 32,5 × 50 cm (hauteur × largeur ; empreinte \/ papier visible).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInscription d’auteur:\u003c\/strong\u003e “Aveline fecit et excudit C.P.R.”\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière ; même ensemble que les deux autres estampes d’Aveline.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eConservation:\u003c\/strong\u003e Bon état général. Couleurs vives.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d’inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa profondeur est l’élément qui soutient cette composition. Les bâtiments des deux rives encadrent le fleuve et les ponts successifs marquent la distance. La mise en couleur clarifie la lecture d’une scène particulièrement riche en architecture et en vie fluviale.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52867321495885,"sku":"ETC-52867321495885","price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0114_0171ed5c-070d-4932-82a1-0c344fbd9f0f.jpg?v=1792246660"},{"product_id":"francois-antoine-aveline-cartagena-vista-fantastica-colonial-grabado-original-s-xviii-curiosidad-cartografica","title":"Pierre Aveline — Carthagène des Indes — Estampe coloriée sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUn panorama portuaire de Carthagène avec des bateaux, des fortifications et une ville qui se déploie à l’arrière-plan.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003ePierre Aveline et la vue topographique\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003ePierre Aveline (vers 1656–1722) était un graveur, éditeur et marchand d’estampes spécialisé dans les vues topographiques. Cette pièce fait partie de l’ensemble de trois estampes d’Aveline conservées dans la collection.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eLa composition\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eL’inscription situe Cartagene dans « l’Amérique Australe » et la décrit comme « Ville d’Espagne », formule correspondant à son contexte colonial. La scène réunit une tour fortifiée au premier plan, des voiliers et une vaste façade urbaine. La mer et le mouvement des embarcations structurent la composition, tandis que la couleur distingue la pierre, l’eau et les différents plans du port.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa légende mentionne le « Fleuve Cavé ». Le texte historique est conservé comme partie intégrante de l’estampe.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe trait gravé définit l’architecture et les détails de la scène. La mise en couleur crée des contrastes entre l’eau, les bâtiments et le ciel, distinguant les différentes distances et les points d’intérêt de la composition.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Pierre Aveline (vers 1656–1722).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Cartagene, Ville d’Espagne.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Estampe coloriée à la main sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions enregistrées:\u003c\/strong\u003e 32,5 × 50 cm (hauteur × largeur ; empreinte \/ papier visible).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInscription d’auteur:\u003c\/strong\u003e “Fait par Aveline C.P.R.”\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière ; même ensemble que les deux autres estampes d’Aveline.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eConservation:\u003c\/strong\u003e Bon état général. Couleurs vives.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d’inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa tour du premier plan et l’ampleur de la baie donnent à cette estampe une présence scénographique. Les voiles, les drapeaux et le rythme de l’eau invitent à parcourir l’image ; son attrait réside dans cette vision historique d’une ville portuaire et dans la richesse de ses détails.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52867341386061,"sku":"ETC-52867341386061","price":130.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0120_8aa3d552-dd2c-41ae-9e4e-167a5811f838.jpg?v=1792246718"},{"product_id":"francois-antoine-aveline-notre-dame-y-la-isla-de-saint-louis-grabado-s-xviii-documento-historico-de-paris","title":"Pierre Aveline — Notre-Dame et l’Île Saint-Louis — Estampe coloriée sur papier","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eUne vue de la Seine où l’architecture de l’île et l’activité des rives composent un panorama d’une grande profondeur.\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003ePierre Aveline et la vue topographique\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003ePierre Aveline (vers 1656–1722) était un graveur, éditeur et marchand d’estampes spécialisé dans les vues topographiques. Cette pièce fait partie de l’ensemble de trois estampes d’Aveline conservées dans la collection.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eLa composition\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eLa légende identifie l’ancienne « Isle Nostre Dame », aujourd’hui l’Île Saint-Louis, du côté de la maison de Bretonvilliers. Les bâtiments de l’île occupent la droite, tandis que les tours de Notre-Dame apparaissent au fond. Les embarcations, les personnages et le travail sur la rive donnent une échelle humaine à l’ensemble.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe trait gravé définit l’architecture et les détails de la scène. La mise en couleur crée des contrastes entre l’eau, les bâtiments et le ciel, distinguant les différentes distances et les points d’intérêt de la composition.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Pierre Aveline (vers 1656–1722).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e Veüe et Perspective de l’Isle Nostre Dame du costé de la Maison de Monsr. de Bretonvilliers.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support :\u003c\/strong\u003e Estampe coloriée à la main sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions enregistrées :\u003c\/strong\u003e 32,5 × 50 cm (hauteur × largeur ; empreinte \/ papier visible).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInscription d’auteur :\u003c\/strong\u003e « fait par Aveline à Paris avec Privil. du Roy ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance :\u003c\/strong\u003e Collection particulière ; même ensemble que les deux autres estampes d’Aveline.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eConservation :\u003c\/strong\u003e Bon état général. Couleurs vives.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d’inspection :\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eL’intérêt de cette vue réside dans l’équilibre entre l’architecture et le fleuve. La succession des plans conduit le regard des personnages du premier plan jusqu’à la silhouette de la ville, et la couleur différencie les surfaces sans masquer le dessin gravé.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52867376644429,"sku":"ETC-52867376644429","price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0127_d2fcb0ab-3159-4805-9304-b4d1ac38934a.jpg?v=1792246770"},{"product_id":"miguel-ros-blasco-paul-cezanne-y-vasijas-negras-neoexpresionismo-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Miguel Ros Blasco — « Paul Cézanne » et récipients noirs — Technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eDeux formes noires aux profils courbes se détachent sur des taches rouges. L'inscription verte « Paul Cézanne » traverse la partie supérieure de cette œuvre de Miguel Ros Blasco, datée de 1990.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe nom et l'image\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa référence écrite à Cézanne s'intègre à l'espace pictural, aux côtés de formes qui donnent à l'ensemble un caractère de nature morte. Les contours noirs associent zones compactes et traits ouverts, tandis que de petites touches vertes se répètent à l'intérieur des figures.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eRouge, noir et vert\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes taches rouges restent visibles entre les profils et autour d'eux. Le noir apporte le plus grand poids visuel ; le vert se distingue dans la calligraphie supérieure comme dans les lignes fines qui parcourent les marges. Les zones non peintes du papier séparent ces éléments.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Miguel Ros Blasco.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Nature morte avec inscription « Paul Cézanne ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAnnée:\u003c\/strong\u003e 1990.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 60 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Signature manuscrite « M. Ros 90 » dans l'angle inférieur gauche. Inscription supérieure « Paul Cézanne ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon. Couleurs vives et papier sans déformations.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d'inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe grand contour courbe de droite dirige le regard vers l'inscription supérieure. À gauche, le profil plus vertical introduit un autre rythme. La répétition du vert relie les lettres aux petits détails des formes noires, tandis que le rouge reste visible comme un champ commun.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953244041549,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0141_a62b960e-70b8-48dc-acbb-c91c9f0284ce.jpg?v=1793468223"},{"product_id":"miguel-ros-blasco-brau-toro-en-rojo-y-negro-neoexpresionismo-tecnica-mixta-sobre-papel","title":"Miguel Ros Blasco — Brau (1990) — Technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eUne figure de taureau construite en traits noirs traverse un champ de taches rouges. Miguel Ros Blasco associe gestes amples, lignes fines et petit cercle vert dans cette œuvre de 1990.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa figure en mouvement\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes cornes courbes s'élèvent depuis la tête, tandis que le dos, les pattes et la queue se prolongent en touches de différentes épaisseurs. La silhouette se reconnaît sans modelé anatomique minutieux. Les changements de direction des traits transmettent le mouvement.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLes contrastes du papier\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes taches rouges s'étendent derrière la figure et restent visibles entre les zones sombres. Le cercle vert de la partie supérieure et les lignes de la même couleur introduisent un contraste supplémentaire. Les espaces clairs du papier séparent les gestes et maintiennent les contours lisibles.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Miguel Ros Blasco.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Brau (Taureau).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAnnée:\u003c\/strong\u003e 1990.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 60 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Signature manuscrite « M. Ros 90 » dans l'angle inférieur droit. Titre « BRAU » dans l'angle inférieur gauche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Excellent. Couleurs saturées et papier propre.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d'inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes traits noirs concentrent le poids de la figure du taureau et dessinent de longues cornes courbes. Les pattes et la queue se prolongent en lignes ouvertes, tandis que les taches rouges restent visibles entre les touches sombres. Le petit cercle vert de la partie supérieure et les lignes fines de la même couleur contrastent avec le rouge. Les espaces non peints du papier séparent les gestes et rendent la silhouette lisible.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953282871629,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0155_01_e52ddb17-2f9f-4237-8fed-43b5fcf0a94f.jpg?v=1792678217"},{"product_id":"yves-brayer-caballos-en-la-camarga-figuracion-francesa-litografia-a-color","title":"Yves Brayer — Chevaux en Camargue — Lithographie en couleurs","description":"\u003cp\u003eChevaux et poulains se répartissent au bord de l'eau parmi les bleus, les ocres et les orangés. Yves Brayer construit la scène avec des contours noirs, de vastes zones claires et des bandes horizontales de paysage.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDes chevaux dans un paysage ouvert\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eYves Brayer (1907–1990) est un peintre figuratif français associé aux paysages de Provence et de Camargue. Dans cette lithographie, un cheval clair et un poulain occupent le premier plan. D'autres chevaux se regroupent au bord de l'eau et conduisent le regard vers la ligne basse de l'horizon.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe contraste entre l'eau et la végétation\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes bleus de l'eau et du ciel s'opposent aux tons chauds de la terre et de l'arbuste de droite. Les traits sombres définissent le corps des animaux et les branches, tandis que les chevaux clairs se détachent entre les plans de couleur. Les oiseaux et une petite construction prolongent l'espace au-delà du groupe principal.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Yves Brayer.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Chevaux et poulains en Camargue.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Lithographie en couleurs sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 56,5 × 67,5 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signature « Yves Brayer » en bas à droite, imprimée dans la composition.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon. Papier légèrement bruni et image nette.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d'inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes chevaux forment une succession allant du couple au premier plan aux animaux du fond. L'arbuste orangé de droite équilibre le volume clair du cheval. Les bandes bleues de l'eau relient les deux côtés et maintiennent le paysage ouvert entre les figures.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953351487821,"sku":null,"price":165.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0368_bf241def-f2ac-4b20-a525-fdf3fa36443c.jpg?v=1792678439"},{"product_id":"josep-canyada-tecnica-mixta-original-horizonte-materico-tierras-1988","title":"Josep Canyada — Horizon texturé aux tons terre (1988) — Technique mixte","description":"\u003cp\u003eDes tons terre, des traits clairs et une bande bleue organisent cette composition de Josep Canyada, datée de 1988. Les marques qui parcourent la surface suggèrent un paysage sans décrire un lieu précis.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eUn horizon de taches et de traits\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes bruns, les ocres et les gris s'étendent en bandes et en balayages de directions différentes. Une zone jaunâtre traverse le centre, tandis que le bleu se concentre près du bord supérieur. Cette répartition permet de lire une séparation entre terre et ciel dans une composition abstraite.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa surface comme élément du paysage\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes lignes claires, les traces de matière étirée et les différences de densité rendent la texture visible. Certaines marques traversent de grandes zones de couleur, d'autres forment de petites interruptions. Le rapport entre le ton du fond et les traces superposées donne sa continuité à l'ensemble.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Josep Canyada.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Abstraction de paysage. Horizon texturé aux tons terre.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAnnée:\u003c\/strong\u003e 1988.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte avec étirement du pigment sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 37 × 52,5 cm (œuvre) | 53,5 × 68,5 × 3 cm (avec cadre).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Signature manuscrite « Canyada 88 » dans l'angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Marché secondaire de l'art, collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d'inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa bande bleue supérieure contraste avec l'étendue des tons terre. Au centre, le jaune introduit une pause entre les marques plus sombres. Les traits blancs traversent ces zones et permettent de suivre un parcours sur la surface, en plus de la lecture horizontale du paysage.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52953374589261,"sku":null,"price":220.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0016_30464fc6-9d13-47d5-b159-448ff799b7c8.jpg?v=1790817963"},{"product_id":"isabel-dartiguelongue-acrilico-original-abstraccion-expresionista-rojo-oliva","title":"Isabel Dartiguelongue — Tension chromatique en rouge et olive — Acrylique sur carton","description":"\u003cp\u003eDes bandes rouges, des balayages verts et des zones sombres structurent cette composition abstraite d'Isabel Dartiguelongue. Le trait courbe de droite contraste avec les plans plus verticaux du centre et des extrémités.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003ePlans de couleur et mouvement\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes verts olive et les tons terre forment un champ de variations douces, traversé par des zones rouges et brun foncé. Certaines parties conservent la direction des poils du pinceau ; d'autres sont davantage recouvertes. Les contrastes permettent de distinguer des couches et des parcours sans recourir à des figures reconnaissables.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe rouge et les espaces clairs\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes rouges apparaissent dans les bandes latérales et dans de petites coulures et éclaboussures au centre. Les zones claires interrompent les balayages verts et ouvrent la composition. Le grand geste courbe de droite introduit un mouvement différent de celui des bandes verticales.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Isabel Dartiguelongue (Argentine).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Composition abstraite en rouge et olive.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle (vers 1980–1990).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Acrylique sur carton.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 52 × 79 cm (œuvre) | 67 × 94 × 3 cm (avec cadre).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Signée « Dartiguelongue » dans l'angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Marché secondaire de l'art, collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d'inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l'œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes plans verticaux concentrent le poids du rouge et du brun foncé. À côté, les balayages verts laissent visibles les lignes du pinceau et les zones claires du support. Les petites éclaboussures du centre relient deux façons d'appliquer la couleur : la surface étendue et le geste plus ponctuel.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52959472025933,"sku":null,"price":480.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0285_0b2452ec-b823-45ce-a554-82e07945f173.jpg?v=1790871881"},{"product_id":"atribuido-opisso-mir-nonell-catalogo","title":"Attribué à Ricard Opisso — Joaquim Mir e Isidre Nonell. Evocació — fiche de catalogue","description":"\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eŒUVRE EN COURS D’ÉTUDE ET D’AUTHENTIFICATION\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eCette œuvre fait actuellement l’objet d’une étude et d’une authentification.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePour cette raison, la pièce n’est pas actuellement proposée à la vente et ne peut pas être achetée directement sur le site.\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes demandes concernant cette fiche sont traitées uniquement à des fins documentaires. Tant que l’étude est en cours, aucun achat, aucune réservation ni aucune offre ne sont acceptés pour cette œuvre.\u003c\/p\u003e\n\u003chr\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDeux figures masculines se tiennent debout dans une composition évocatrice, construite par un dessin énergique et de larges plages d’aquarelle dans des tons ocre, terre et orangés.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’œuvre elle-même fournit une clé essentielle pour interpréter la scène. À côté des figures, une inscription manuscrite identifie \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJoaquim Mir e Isidre Nonell\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, accompagnée du mot \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Evocació»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e. La composition semble donc conçue non comme un portrait conventionnel nécessairement réalisé devant les modèles, mais comme une évocation de deux figures essentielles de la peinture catalane du début du XXe siècle.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pièce présente également une signature \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Opisso»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, élément sur lequel repose, avec ses caractéristiques graphiques et stylistiques, la recherche actuelle sur son auteur.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’attribution proposée renvoie à \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRicard Opisso i Sala (Tarragona, 1880 – Barcelona, 1966)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e, dessinateur étroitement lié au milieu artistique de la Barcelone moderniste et particulièrement connu pour son extraordinaire capacité à représenter les personnages, les réunions, les rues et les scènes de la société de son temps.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eOpisso connaissait directement le milieu culturel dans lequel Joaquim Mir et Isidre Nonell ont développé leurs carrières. Cette circonstance offre un contexte historiquement cohérent pour une composition conçue comme une « évocation ».\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eUne évocation de Mir et Nonell\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’identification manuscrite des personnages est particulièrement significative.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eJoaquim Mir\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e et \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eIsidre Nonell\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e appartenaient à une génération décisive pour la transformation de la peinture catalane autour de 1900, bien qu’ils aient développé des langages profondément personnels et différents l’un de l’autre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eDans cette pièce, ils ne sont pas représentés avec la solennité d’un portrait officiel. Les figures sont construites par un dessin rapide, au caractère graphique marqué, où dominent la silhouette, l’attitude corporelle et quelques traits capables d’individualiser les personnages.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLe mot \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Evocació»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e introduit également une dimension mémorielle. Il ne semble pas destiné uniquement à identifier les figures : il transforme l’image en un souvenir ou une reconstruction de personnages appartenant à un milieu artistique déterminé.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eTechnique et composition\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’œuvre associe de larges lavis d’aquarelle à un trait sombre nettement plus appuyé.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLe fond est traité dans des tons chauds et dilués qui créent une atmosphère peu définie, tandis que les figures émergent grâce à des lignes plus denses et directes. Ce contraste entre un environnement chromatique diffus et le dessin sombre des personnages confère à la composition une force visuelle notable.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLe support, de dimensions importantes pour une œuvre graphique de cabinet, donne aux figures une présence supérieure à celle des petites études ou des illustrations éditoriales.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pièce mesure \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e40,5 × 29,5 cm\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eFiche technique\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eAttribution actuellement à l’étude :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e Ricard Opisso i Sala (1880–1966)\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTitre \/ inscription :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003cem\u003e\u003cspan\u003eJoaquim Mir e Isidre Nonell. Evocació\u003c\/span\u003e\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDatation proposée :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e première moitié du XXe siècle\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eTechnique :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e technique mixte, avec aquarelle et trait gras sombre sur papier épais\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDimensions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e 40,5 × 29,5 cm\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSignature :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e présente une signature «Opisso» sur le côté droit\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eInscriptions :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e «Joaquim Mir i l'Isidre Nonell \/ Evocació»\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eProvenance :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e collection privée\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eÉtat de conservation :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e très bon état général visible, avec patine et signes de vieillissement compatibles avec le support\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eSituation actuelle :\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e en cours d’étude et d’authentification ; non disponible à la vente\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eÀ propos de l’attribution\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’attribution à \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eRicard Opisso\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e fait actuellement l’objet de recherches.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eL’étude prend en compte conjointement la signature présente sur l’œuvre, les inscriptions manuscrites, la technique employée, les caractéristiques du dessin, le contexte historique des personnages représentés et la comparaison avec la production documentée de l’artiste.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eTant que ce processus n’est pas achevé, \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eEl Taller del Coleccionista ne présente pas cette pièce comme une œuvre authentique ou certifiée de Ricard Opisso\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLes références à l’artiste contenues dans cette fiche décrivent exclusivement l’\u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eattribution actuellement à l’étude\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e et le contexte historique et artistique qui la motive.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eToute modification future de l’attribution sera intégrée à cette fiche au fil de l’avancement des recherches.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003e\u003cspan\u003eLa note du Taller\u003c\/span\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003ePour certaines œuvres, la recherche fait partie de leur propre histoire.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eCette pièce est arrivée au Taller accompagnée de plusieurs éléments qui méritaient qu’on s’y attarde : une signature «Opisso», deux figures liées à l’une des périodes les plus importantes de l’art catalan et, surtout, une annotation particulièrement évocatrice : \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003e«Joaquim Mir i l'Isidre Nonell \/ Evocació»\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eC’est précisément en raison de l’importance que revêtirait une attribution à Ricard Opisso que nous avons préféré ne pas proposer l’œuvre sur le marché tant que son étude se poursuit.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003eLa pièce restera \u003c\/span\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ehors vente jusqu’à ce que nous disposions d’éléments suffisants pour établir son catalogage avec davantage de certitude\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette fiche sera mise à jour au fil de l’avancement de l’étude d’attribution.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53456164946253,"sku":null,"price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0041_13b252de-cc32-4f38-ad99-800c1733564a.jpg?v=1791473861"},{"product_id":"humberto-jaimes-sanchez-rostro-cubista-1954","title":"Humberto Jaimes Sánchez — Visage cubiste, Rome 1954 — Huile sur papier","description":"\u003cp\u003eUn visage construit à partir de plans anguleux et d’une palette de rouges, de roses, de terres et d’ocres. Humberto Jaimes Sánchez concentre la composition sur les yeux allongés, le nez central et la bouche horizontale, définis par des contours sombres et des traits clairs.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eRome, 1954\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eL’œuvre porte l’inscription « H. Jaimes Sanchez 54 Roma ». La chronologie publiée par la Fundación Humberto Jaimes Sánchez situe son voyage en Europe en décembre 1954 et son séjour à Rome jusqu’en mars 1955. Ce contexte correspond à une période précoce de la carrière du peintre vénézuélien.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa construction du visage\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes formes triangulaires des joues et des sourcils organisent le visage en plans colorés. Une ligne noire verticale, accompagnée d’un trait blanc, articule le nez ; les yeux et la bouche introduisent des rythmes horizontaux. La texture du papier et les variations de densité de la peinture restent visibles à la surface.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Humberto Jaimes Sánchez (1930–2003).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Composition anthropomorphe cubiste (étude de Rome).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e 1954.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Huile sur papier marouflé sur carton.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 11 × 20 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Signé, daté et situé en bas à droite : « H. Jaimes Sanchez 54 Roma ».\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Archives d’une collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon. La couche picturale demeure stable, sans écaillage, et conserve sa texture d’origine et son aspect mat.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRetours:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes yeux allongés et la bouche horizontale contrastent avec la ligne verticale du nez. Les contours noirs séparent des plans rouges, roses et ocre ; quelques traits blancs en éclairent les bords. L’asymétrie entre les deux moitiés du visage et la texture visible de la surface animent cette composition frontale.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53456245031245,"sku":null,"price":2000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0372_15f77c5a-ba14-4731-9670-5d213fb17dfe.jpg?v=1791040634"},{"product_id":"ricard-opisso-escena-costumbrista-encuentro-tinta-acuarela","title":"Attribué à Ricard Opisso — Scène de genre « La Rencontre » — Encre et aquarelle","description":"\u003cp\u003eUn choc de deux mondes saisi avec une grande verve satirique et un trait magistral. Un document graphique d’époque où la dissection aiguë de la société de son temps se présente dans un format de cabinet, avec une montage exceptionnel.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eL’examen minutieux de la modernité\u003c\/b\u003e Ricard Opisso (1880-1966) fut une figure fondamentale pour comprendre l’évolution graphique de la Catalogne. Formé dans l’atelier de Gaudí et aguerri dans les cercles de discussion d’Els Quatre Gats, il sut distiller l’essence d’une époque de profondes transformations sociales. Cette pièce, attribuée à sa main en raison de solides similitudes stylistiques, techniques et thématiques, constitue un document sociologique de premier ordre. Elle présente ce regard acéré, capable de synthétiser à l’encre et à l’aquarelle la psychologie de tout un pays, caractéristique des meilleurs journaux historiques de l’illustration.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eLa collision de deux Catalognes\u003c\/b\u003e La scène propose un contraste narratif parfait, résolu par l’inimitable ligne noire, continue et dynamique associée à l’univers de l’auteur. D’un côté, la figure du bourgeois urbain : aux volumes arrondis, aux vêtements soignés et à l’attitude statique, tenant délicatement sa veste. Face à lui, le paysan : maigre, musclé, coiffé de la traditionnelle barretina rouge et vêtu d’un pantalon rapiécé.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe dialogue visuel est fascinant, construit sur un humour profondément humaniste plutôt que sur le dramatisme. La goutte de sueur sur le front du paysan contraste avec l’arrogance du visage de l’homme de la ville. Les subtiles touches d’aquarelle ne rivalisent pas avec le dessin, mais l’enveloppent, conférant à la scène profondeur et atmosphère.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eUne montage exceptionnel\u003c\/b\u003e Ce qui élève cette pièce au rang d’objet de collection particulièrement singulier, c’est son support. Elle n’est pas conçue sur une simple feuille de papier, mais montée organiquement sur une base de cuir sombre. Ce choix matériel lui confère un caractère presque artisanal, tactile et définitif. Le papier présente une ondulation naturelle et imparfaite, fruit du temps et du montage manuel, apportant une « patine de vie » qui témoigne directement d’un travail d’atelier minutieux.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eAuteur :\u003c\/b\u003e Attribué à Ricard Opisso i Sala (1880 - 1966).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTitre \/ Sujet :\u003c\/b\u003e Scène de mœurs (La rencontre).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eÉpoque :\u003c\/b\u003e Première moitié du XXe siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eTechnique et support :\u003c\/b\u003e Encre noire et aquarelle d’époque sur papier, monté sur un support en cuir.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eDimensions :\u003c\/b\u003e 13,5 x 13,5 cm (dimensions de l’œuvre).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eSignature et inscriptions :\u003c\/b\u003e Présente l’inscription « Opisso » dans l’angle inférieur droit.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eProvenance :\u003c\/b\u003e Collection particulière (avec historique d’adjudication aux enchères).\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eÉtat de conservation :\u003c\/b\u003e Bon. Elle présente une patine d’époque très attrayante ainsi qu’une ondulation organique du papier, fruit du montage manuel sur le cuir. Couleurs vives et stables.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe contraste entre les deux figures se construit par leurs attitudes, leurs expressions et leurs vêtements. Les formes arrondies de l’homme de la ville font face à la silhouette plus maigre du paysan, coiffé d’une barretina rouge et vêtu d’un pantalon rapiécé. Les contours noirs organisent la scène, tandis que de légers lavis d’aquarelle lui donnent de la profondeur. Le papier est monté sur un support en cuir sombre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-taller-blog-reference=\"20261019\"\u003eLa scène est commentée dans notre parcours historique consacré à \u003ca href=\"\/fr\/blogs\/cronicas\/ricard-opisso-cronista-modernismo\"\u003eRicard Opisso, à l’illustration catalane et à ses dessins de scènes de la vie quotidienne\u003c\/a\u003e.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53456896393549,"sku":null,"price":550.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0359_70527948-0ac7-40dd-94bb-997e770d3f0a.jpg?v=1791038261"},{"product_id":"anita-sola-dimbert-composicion-estructural-en-rojo-y-negro-abstraccion-geometrica-tecnica-mixta","title":"Anita Solà d’Imbert — Composition structurelle en rouge et noir — Technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eComposition abstraite d’Anita Solà d’Imbert dans laquelle des plans rouges aux profils triangulaires s’entrecroisent avec des lignes noires et des ombres grises sur le papier clair.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLignes et plans colorés\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes longues diagonales et les formes pointues étendent la structure vers les côtés. Les traits noirs varient d’épaisseur et alternent droites et courbes, tandis que le rouge occupe certains espaces délimités par le dessin.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLe papier comme espace\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes réserves claires séparent les formes et maintiennent la composition ouverte. Les ombres grises introduisent des variations de densité près des plans rouges, associant la précision géométrique à la texture visible du trait.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Anita Solà d’Imbert.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Composition structurelle en rouge et noir.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Art contemporain.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte (fusain, encre et cire\/pigment rouge) sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 23,5 × 16 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signée à la main « Anita Solà d'Imbert » en bas à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Archives d’une collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Excellent. Le support reste propre et les pigments conservent leur contraste, leur saturation et leur éclat, sans signes de dégradation ni perte de fixation.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRetours:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l’œuvre et son état en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes plans rouges aux profils triangulaires contrastent avec les lignes noires et les ombres grises. Les traits varient d’épaisseur et alternent droites, courbes et croisements, de sorte que la structure géométrique coexiste avec un dessin plus libre. Le fond clair et les petites réserves entre les formes permettent de suivre le parcours de la ligne sans refermer la composition sur une surface compacte.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53457106895181,"sku":null,"price":190.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0086_63056040-dd59-4075-83d2-5767b90371f8.jpg?v=1791634100"},{"product_id":"anita-sola-dimbert-forma-abstracta-en-verde-y-negro-informalismo-materico-acrilico-sobre-papel","title":"Anita Solà d’Imbert — Forme abstraite en vert et noir, vers 1965 — Technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eAnita Solà d’Imbert, nom sous lequel Anna Solà Galí (Barcelone, 1906–1995) a mené sa carrière artistique, occupe une place singulière dans l’art catalan de l’après-guerre. Après une première période liée à la figuration, au paysage et à la nature morte, elle évolue durant les années 1960 vers un langage informaliste caractérisé par les formes organiques, l’expérimentation de la matière et une libération progressive du geste.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCette composition se rattache stylistiquement à cette démarche informaliste. Sur la vaste surface claire du papier se concentre une structure irrégulière de pigments verts, noirs, blancs et gris. Le noyau sombre et compact réunit les accumulations de matière les plus importantes, tandis que de nombreux prolongements se projettent vers l’extérieur, donnant une forte impression de croissance et de mouvement.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’artiste associe des zones de peinture fluide à des empâtements, des traces étirées et des superpositions qui forment de petits reliefs. Les blancs et les gris se mêlent partiellement au noir et au vert, créant des veinures et des transitions internes. La réserve du papier joue un rôle actif : elle isole la forme centrale et accentue son expansion.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003ePar ses affinités techniques et stylistiques, l’œuvre peut être située vers le milieu des années 1960, période où Solà d’Imbert présenta certaines de ses propositions les plus nettement informalistes. Son intérêt tient à la fois à la force gestuelle de la composition et à son appartenance à une facette moins connue d’une artiste aujourd’hui redécouverte par l’historiographie et les institutions muséales catalanes.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Anita Solà d’Imbert — Anna Solà Galí (Barcelone, 1906–1995).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Forme abstraite en vert et noir. Titre descriptif.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDatation:\u003c\/strong\u003e Vers 1965. Datation stylistique.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Technique mixte à base d’acrylique sur papier à fort grammage.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 23,5 × 16 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signée « Anita Solà d’Imbert » en bas à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Bon état général. Le support reste stable et la couche picturale conserve ses reliefs et son adhérence, avec de légères marques d’ancienneté du papier.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa pièce est particulièrement représentative de la période informaliste d’Anita Solà d’Imbert. Par contraste avec les compositions géométriques qu’elle développera ensuite, la tache, le relief et l’expansion organique du pigment prédominent ici. Le petit format concentre une énergie visuelle notable et permet d’observer de près les mélanges, les veinures et les accumulations qui construisent la surface.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53457112400205,"sku":null,"price":180.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0073_6dd87319-4f40-4fb1-bd76-c8cc8888dd80.jpg?v=1791634263"},{"product_id":"xavier-ubach-paisaje-atmosferico-con-arbol-sintesis-tonal-acuarela-original-sobre-papel","title":"Xavier Ubach — Paysage atmosphérique avec un arbre — Aquarelle sur papier","description":"\u003cp\u003eAquarelle de Xavier Ubach avec un arbre sombre à gauche, une clôture basse et un paysage en bandes horizontales dans des tons bruns, ocre et noirs.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL’arbre et la profondeur\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa cime de l’arbre concentre les traits les plus denses. Derrière, la clôture et les bandes de terrain conduisent le regard vers la droite. De légers lavis définissent les collines du fond, séparées par des zones claires du papier.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLavis et traits secs\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa texture fragmentée du premier plan et du feuillage contraste avec les transitions plus diluées du ciel. De petites réserves blanches interrompent les bandes de couleur et apportent de la lumière au paysage.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Xavier Ubach.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Paysage atmosphérique (Strates de la mémoire).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Art contemporain.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Aquarelle originale sur papier, avec travail au pinceau sec et lavis.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 16 × 23 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signé à la main « XAVIER UBACH » en bas à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Archives d’une collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Excellent. Le papier ne présente pas de taches et les pigments conservent leur contraste, des noirs profonds aux lavis ocre subtils du ciel.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRetours:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l’œuvre en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eL’arbre sombre situé à gauche concentre les traits les plus denses de la composition. L’herbe et la terre du premier plan présentent des marques fragmentées qui contrastent avec les bandes horizontales plus douces des collines. Le ciel clair, dans des tons bruns et ocre, laisse de l’espace au paysage. Les petites réserves blanches du papier interrompent la surface et accentuent le contraste entre les zones sèches et les lavis.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53457161814349,"sku":null,"price":90.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0019_04.jpg?v=1772464282"},{"product_id":"henry-dresser-marsh-titmouse-carbonero-palustre-ilustracion-cientifica-del-s-xix-litografia-original","title":"Henry Dresser — Marsh Titmouse (mésanges) — Lithographie du XIXe siècle","description":"\u003cp\u003ePlanche ornithologique issue de A History of the Birds of Europe, de Henry Eeles Dresser (1838–1915). La composition réunit trois oiseaux parmi des branches et des feuilles, avec des plumages gris et bruns et des calottes sombres.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL’illustration ornithologique\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa publication de Dresser est parue à Londres entre 1871 et 1881, avec un supplément en 1895–1896, et a fait appel à des illustrateurs comme J. G. Keulemans. Les oiseaux sont présentés dans différentes positions pour montrer leurs profils, leurs ailes et leurs queues. Les textes du bas identifient deux spécimens comme « Marsh Titmouse » (Parus palustris) et le troisième comme « Northern Marsh Titmouse » (Parus borealis), selon la nomenclature imprimée.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eDessin et présentation\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes traits fins décrivent le plumage, les pattes et les nervures des feuilles. Le fond clair sépare les contours des oiseaux et laisse de l’espace aux légendes scientifiques. Le passe-partout bleu et le cadre aux détails dorés entourent la composition.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAuteur de la publication:\u003c\/strong\u003e Henry Eeles Dresser (1838–1915).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePublication d’origine:\u003c\/strong\u003e A History of the Birds of Europe, Londres.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre de la planche:\u003c\/strong\u003e 1. 2. Marsh Titmouse (Parus palustris). 3. Northern Marsh Titmouse (Parus borealis).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e XIXe siècle ; publication parue en 1871–1881, avec un supplément en 1895–1896.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Lithographie originale sur papier d’époque.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 24 × 31 cm (image visible). Cadre inclus.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInscriptions:\u003c\/strong\u003e Légendes scientifiques imprimées dans la marge inférieure. Monogramme du lithographe dans la planche, vers le bas à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Archives d’une collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon. Papier stable avec une légère tonalité ancienne homogène.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrésentation:\u003c\/strong\u003e Encadrement professionnel en bois à finition bleue et dorée, avec passe-partout bleu texturé.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRetours:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l’estampe en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes trois oiseaux se répartissent parmi les branches et les feuilles, leurs têtes sombres et leurs poitrails clairs formant des points de contraste. Leurs orientations différentes permettent d’observer leurs profils et leurs plumages dans une même composition. Le fond clair laisse de l’espace autour de chaque figure, et le passe-partout bleu sépare la planche du cadre aux détails dorés.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53461230584141,"sku":null,"price":75.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0219_a8a23576-f4e0-4a8d-8a84-8896a1425535.jpg?v=1791853203"},{"product_id":"henry-dresser-azure-titmouse-herrerizo-cianeo-ilustracion-cientifica-del-s-xix-litografia-original","title":"Henry Dresser — Azure Titmouse (mésange azurée) — Lithographie du XIXe siècle","description":"\u003cp\u003ePlanche ornithologique issue de A History of the Birds of Europe, de Henry Eeles Dresser (1838–1915), avec deux mésanges azurées posées sur des branches. Les ailes et les queues bleues contrastent avec le blanc et le gris du reste du plumage.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL’illustration et ses inscriptions\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa publication de Dresser est parue à Londres entre 1871 et 1881, avec un supplément en 1895–1896, et a fait appel à des illustrateurs comme J. G. Keulemans. La planche conserve la légende « Azure Titmouse \/ Parus cyaneus » et le numéro 86, ainsi qu’un monogramme placé près de la branche.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eCouleur et composition\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes deux oiseaux sont tournés vers la droite, à des hauteurs différentes. Les traits fins décrivent les plumes et les détails des branches, tandis que les zones bleues se détachent sur le fond clair. Le feuillage vert accompagne surtout l’oiseau inférieur. La présentation comprend un passe-partout bleu et un cadre doré.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAuteur et illustrateur:\u003c\/strong\u003e Henry Eeles Dresser (1838–1915), auteur de la publication. Illustrateur lithographe : J. G. Keulemans, attribution d’après le monogramme dans la planche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePublication d’origine:\u003c\/strong\u003e A History of the Birds of Europe, Londres.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre de la planche:\u003c\/strong\u003e Azure Titmouse (Parus cyaneus). Planche 86.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e XIXe siècle ; publication parue en 1871–1881, avec un supplément en 1895–1896.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique et support:\u003c\/strong\u003e Lithographie originale sur papier d’époque de qualité.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 24 × 31 cm (image visible). Cadre inclus.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eInscriptions:\u003c\/strong\u003e Légende imprimée dans la marge inférieure : « AZURE TITMOUSE. \/ PARUS CYANEUS. \/ 86 ». Monogramme de l’artiste intégré au dessin près de la branche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Archives d’une collection particulière.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon. Papier stable avec une légère tonalité ancienne homogène. Pigments bien fixés.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrésentation:\u003c\/strong\u003e Encadrement professionnel avec cadre classique en bois doré et passe-partout bleu texturé.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eRetours:\u003c\/strong\u003e Délai de retour de 30 jours pour examiner l’estampe en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes deux oiseaux sont posés sur des branches et tournent leurs profils vers la droite. Leurs ailes bleues et leurs longues queues contrastent avec leurs têtes et leurs poitrails clairs. Les feuilles vertes accompagnent l’oiseau inférieur, tandis que le fond ouvert laisse distinguer les contours et le dessin du plumage. Le passe-partout bleu reprend les tons des oiseaux et sépare l’illustration du cadre doré.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53461241004365,"sku":null,"price":75.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0201_0c833ca7-a0b1-4dd7-bbeb-aff8bdf686f6.jpg?v=1791852919"},{"product_id":"hernan-ardila-composicion-abstracta-2003-grabado-contemporaneo-aguafuerte-y-punta-seca","title":"Hernán Ardila — Composition abstraite (2003) — Eau-forte et pointe sèche","description":"\u003cp\u003eUne grille ordonne des formes organiques noires sur un champ clair. Dans cette estampe de Hernán Ardila, datée de 2003, un unique accent rougeâtre rompt la continuité de l'ensemble.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eLa grille et les formes\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes lignes divisent la composition en compartiments rectangulaires de tailles inégales. Chaque espace contient une ou plusieurs formes au contour irrégulier : certaines sont compactes, d'autres présentent une ouverture centrale. La répétition établit un ordre qui varie d'une case à l'autre.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEncre et papier\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eL'association de l'eau-forte et de la pointe sèche réunit surfaces sombres, textures et lignes. L'accent rougeâtre de la partie supérieure droite se distingue parmi les formes noires. Les larges marges séparent le champ imprimé du cadre en bois clair et laissent visible le papier qui l'entoure.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Hernán Ardila.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre \/ sujet:\u003c\/strong\u003e Composition abstraite. Grille organique.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eAnnée:\u003c\/strong\u003e 2003.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Eau-forte et pointe sèche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSupport:\u003c\/strong\u003e Papier artisanal Molí Cubé de 250 g à bords naturellement frangés.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 55 × 45 cm (feuille) | 25 × 25 cm (cuvette de la plaque). Cadre inclus.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉdition et inscriptions:\u003c\/strong\u003e Exemplaire numéroté « 1\/84 » dans l'angle inférieur gauche. Signé et daté au crayon dans l'angle inférieur droit.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eProvenance:\u003c\/strong\u003e Archives d'une collection privée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Très bon. Papier propre, sans rousseurs, avec une bonne densité des encres.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003ePrésentation:\u003c\/strong\u003e Encadrement contemporain en bois clair.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eGarantie d'inspection:\u003c\/strong\u003e Délai de retour garanti de 30 jours pour examiner l'estampe en personne.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLes lignes droites divisent le champ imprimé en compartiments rectangulaires de tailles inégales. À l'intérieur, les formes organiques sombres alternent surfaces compactes et contours ouverts, avec un accent rougeâtre en haut à droite. Leurs profils irréguliers contrastent avec la grille, tandis que les espaces libres entre les formes établissent un rythme posé. Les larges marges du papier séparent la composition du cadre simple en bois.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462417604941,"sku":"ETC-53462417604941","price":135.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0105_5f474fac-23eb-4f93-80e2-a9f90d862264.jpg?v=1791850613"},{"product_id":"carme-navarra-pruna-la-dulzura-de-la-mirada-retrato-de-joven-con-flores-retrato-contemporaneo-tecnica-mixta","title":"Carme Navarra Pruna — La douceur du regard — Portrait féminin, technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eUne jeune femme aux cheveux roux regarde le spectateur. La délicatesse de ses traits, les tons roses des boucles et le petit ornement floral de sa robe composent une image d’intimité sereine.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCe portrait de Carme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023) réunit certains traits caractéristiques de la peintre et illustratrice catalane : l’attention à la figure humaine, l’économie du dessin et une couleur qui privilégie l’expression plutôt que le détail académique.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe visage est légèrement incliné, les yeux, le nez et la bouche définis par des traits bruns très simples. Les tons roses et terreux donnent du volume aux cheveux, tandis que les épaules et l’encolure se dessinent en lignes bleutées et petites touches vertes.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDans la partie inférieure, un motif floral apporte un détail ornemental qui renforce la délicatesse de l’image.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eUne vie consacrée au dessin et à la peinture\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eCarme Navarra Pruna naît en 1933 à Can Pruna, maison moderniste de Sant Just Desvern, ville à laquelle elle reste étroitement liée toute sa vie.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSa vocation artistique apparaît très tôt. À onze ans, elle remporte un prix national d’illustration de contes et commence à travailler dans l’édition durant son adolescence.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003ePendant plusieurs décennies, elle collabore avec l’éditeur Luis Talleda, réalisant des illustrations, des cartes de Noël et des images religieuses. Cette expérience lui permet de développer son aisance dans le dessin et sa sensibilité aux compositions de petit format.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eAu début des années 1970, elle entame une nouvelle période consacrée à la peinture à l’huile. Sa première exposition personnelle a lieu en 1975 à la Galeria 4 Cantons d’Olot. Elle expose ensuite à Barcelone, Madrid et dans d’autres villes, développant un langage figuratif personnel.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe portrait, notamment féminin, occupe une place importante dans son œuvre. Femmes, fillettes et personnages du quotidien apparaissent dans des scènes intimes.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEn février 2022, la mairie de Sant Just Desvern rend hommage à sa longue carrière avec la rétrospective Mirades, au Celler de Can Ginestar.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL’expression par la simplicité\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eDans La douceur du regard, l’artiste écarte les éléments narratifs secondaires pour concentrer l’attention sur l’expression du visage.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe dessin se développe sur une surface granuleuse, avec de petites marques de pigment qui révèlent la structure de la composition. Les touches de couleur émergent progressivement du papier, sans contours rigides ni transitions soigneusement modelées.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe regard calme et légèrement mélancolique de la jeune femme forme le centre émotionnel du portrait et établit un rapport direct avec le spectateur.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa composition montre l’approche intime de Navarra Pruna, liée à sa longue expérience du dessin et à son intérêt pour la figure humaine.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Carme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e La douceur du regard. Titre descriptif.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier, avec des traits et des applications de pigment d’aspect cireux ou pastel.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions de l’œuvre:\u003c\/strong\u003e 32 × 23 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions avec cadre:\u003c\/strong\u003e 52 × 43 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle ou début du XXIe ; sans date documentée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e « C. Navarra Pruna », en bas à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSujet:\u003c\/strong\u003e Portrait féminin, jeune figure et illustration figurative.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Bon état général. Petites marques de vieillissement du papier et du montage, avec conservation des tons et de la lisibilité du portrait.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEncadrement:\u003c\/strong\u003e Cadre en bois avec passe-partout à double filet décoratif inclus.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe visage légèrement incliné concentre les lignes brunes des yeux, du nez et de la bouche. Les boucles associent des tons roses et terreux qui contrastent avec les traits bleutés des épaules. En bas, l’encolure festonnée conduit à une fleur dessinée en brun et vert. La texture granuleuse laisse voir le fond clair entre les petites applications de couleur.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462726476109,"sku":null,"price":165.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0065_d80ddad9-9e4b-4cfe-a7f8-44174f0198c4.jpg?v=1791849922"},{"product_id":"carme-navarra-pruna-la-dama-del-sombrero-retrato-contemporaneo-tecnica-mixta","title":"Carme Navarra Pruna — La dame au chapeau — Portrait féminin, technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eUne jeune femme apparaît de profil sous un ample chapeau orné de petites fleurs. Quelques lignes dessinent son visage calme et pensif, tandis que le traitement délicat de la couleur donne à la composition une atmosphère d’élégance et de nostalgie.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCette œuvre de Carme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023) exprime sa sensibilité particulière pour le portrait féminin, l’un des sujets récurrents de sa carrière.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa figure est tournée vers la droite, les cheveux rassemblés sous un chapeau à large bord. Les tons bruns définissent le profil et de petits détails roses et verts ornent la coiffure.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe vêtement, décrit par des applications bleutées et de délicats accents roses, complète une composition caractérisée par la légèreté du trait et l’équilibre des couleurs.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eCarme Navarra Pruna : de l’illustration au portrait\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eNée à Sant Just Desvern en 1933, Carme Navarra Pruna manifeste très jeune une profonde vocation pour le dessin.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eÀ onze ans, elle reçoit une première distinction pour ses illustrations enfantines. Durant son adolescence, elle commence une collaboration professionnelle avec l’éditeur Luis Talleda, réalisant des cartes de Noël, des images religieuses et des illustrations.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCes premiers travaux marquent son langage artistique. La précision du dessin, l’intérêt pour les figures délicates et la capacité à construire des images narratives avec des moyens simples restent présents dans une grande partie de son œuvre ultérieure.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDurant les années 1970, elle élargit son activité à la peinture à l’huile et commence à exposer dans différentes galeries espagnoles.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eParmi ses premières expositions personnelles figurent celles de la Galeria 4 Cantons d’Olot en 1975, de la Sala Ramon Casas de Barcelone en 1977 et de la Sala Nonell de Madrid en 1978.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSa production porte une attention particulière à la figure humaine, aux personnages féminins et aux cadres intimes. Femmes, fillettes, intérieurs et jardins sont représentés dans un langage où coexistent tradition figurative et sensibilité de l’illustration.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSa longue carrière reçoit une reconnaissance institutionnelle en 2022 avec la rétrospective Mirades, organisée par la mairie de Sant Just Desvern.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eUn portrait au-delà d’une époque\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa dame au chapeau évoque la tradition du portrait féminin élégant, en particulier les représentations de femmes aux chapeaux ornés qui prennent de l’importance aux XIXe et XXe siècles.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’ample coiffe florale rappelle la mode historique et l’illustration d’époque, mais l’artiste traite le motif avec un langage graphique plus libre et synthétique.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’expression se concentre dans la ligne du nez, des lèvres et du menton. Le regard, dirigé vers un espace extérieur à la composition, crée une impression de recueillement.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa texture granuleuse des couleurs permet au fond clair de participer à l’image. Les tons bruns et bleus s’équilibrent grâce aux petits détails roses et verts, particulièrement visibles dans les fleurs du chapeau.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’économie de moyens et la délicatesse ornementale constituent des aspects distinctifs de l’œuvre.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Carme Navarra Pruna (Sant Just Desvern, 1933–2023).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e La dame au chapeau. Titre descriptif.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Technique mixte sur papier, avec des applications de pigment d’aspect cireux ou pastel.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions de l’œuvre:\u003c\/strong\u003e 32 × 23 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions avec cadre:\u003c\/strong\u003e 52 × 43 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle ou début du XXIe ; sans date documentée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e « C. Navarra Pruna », en bas à gauche.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSujet:\u003c\/strong\u003e Portrait féminin de profil, chapeau floral et illustration figurative.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Bon état général, avec de petites marques de vieillissement du support et du montage. Les traits et les couleurs restent bien lisibles.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEncadrement:\u003c\/strong\u003e Cadre en bois avec passe-partout à double filet décoratif inclus.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe profil est tourné vers la droite sous la courbe du bord du chapeau. Les contours bruns définissent le visage et les cheveux ; de petites touches roses et vertes indiquent les fleurs de la coiffure. Les marques bleutées se concentrent dans le vêtement, près d’un détail rose au cou. Le fond clair et la texture granuleuse séparent les différentes zones de couleur.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462828253517,"sku":null,"price":165.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0050_b47187b2-743d-4f59-b919-715b14036eba.jpg?v=1791849428"},{"product_id":"esteban-escartin-pueblo-de-alta-montana-arquitectura-de-luz-y-piedra-pintura-de-paisaje-oleo-a-espatula","title":"Esteban Escartín Lacoma — Village de montagne — Peinture au couteau sur papier","description":"\u003cp\u003eLes maisons se regroupent autour d’une église qui domine le paysage. Les toits sombres, les façades rosées et les montagnes à l’arrière-plan composent une scène apparemment simple qu’Esteban Escartín Lacoma (1938) transforme en une image riche en couleurs et en matière.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe peintre aragonais, particulièrement lié aux villages et aux paysages du Haut-Aragon, propose une interprétation personnelle de l’architecture rurale. Le couteau remplace une grande partie du dessin linéaire par de petites surfaces de pigment qui construisent directement toits, murs et façades.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLes mauves, les roses, les ocres et les verts contrastent avec les toitures sombres, tandis que le fond bleu-vert suggère un environnement montagneux. Le clocher constitue l’axe vertical d’une composition organisée par des formes géométriques superposées.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eEsteban Escartín et la mémoire des villages aragonais\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLa représentation des villages et de l’architecture traditionnelle occupe une place importante dans la carrière d’Esteban Escartín Lacoma, artiste aragonais né en 1938.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSon œuvre transforme le paysage rural en construction picturale où la géométrie, la couleur et la disposition des volumes jouent un rôle majeur.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eEn 2015, son travail figure dans Miradas. Huesca y su paisaje en el arte, exposition organisée par Fundación Ibercaja avec d’autres artistes liés à la province de Huesca.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eL’année suivante, Fundación Caja Inmaculada présente dans sa Sala CAI Huesca la rétrospective Tiempo de recuerdos, réunissant 31 peintures consacrées principalement aux villages aragonais, notamment du Haut-Aragon.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eCette exposition permet d’observer différentes étapes de sa production, d’un langage plus figuratif à des compositions proches d’approches constructives, où architecture et géométrie jouent un rôle essentiel.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLa peinture d’Escartín révèle aussi des intérêts artistiques variés. Son parcours a été rapproché de la tradition figurative européenne, de l’expérimentation compositionnelle et de certaines influences du Bauhaus, notamment dans l’organisation des volumes et le traitement de la couleur.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eL’architecture devenue peinture\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eCette composition réunit plusieurs caractéristiques reconnaissables du langage paysager d’Escartín.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLes maisons s’organisent sur différents plans. La succession des toits et des façades conduit le regard vers le clocher. La perspective traditionnelle cède en partie la place à des formes compactes, comme si les maisons étaient des pièces assemblées.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe couteau apporte une dimension matérielle. Les applications de pigment présentent des bords fragmentés, de petites accumulations et des variations d’épaisseur qui évoquent les surfaces irrégulières de la pierre et des constructions anciennes.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLes zones de papier non peint apportent de la lumière et laissent de l’espace autour de la composition dans ce format ample.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eLe paysage relève d’une interprétation de l’architecture traditionnelle de montagne plutôt que d’une reproduction topographique précise. La mémoire du lieu s’exprime par la couleur et la matière.\u003c\/p\u003e\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\u003cul\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eArtiste:\u003c\/strong\u003e Esteban Escartín Lacoma (1938).\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTitre:\u003c\/strong\u003e Village de montagne. Titre descriptif.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eTechnique:\u003c\/strong\u003e Peinture au couteau sur papier.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSupport:\u003c\/strong\u003e Papier épais à texture marquée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eDimensions:\u003c\/strong\u003e 60 × 50 cm.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉpoque:\u003c\/strong\u003e Seconde moitié du XXe siècle ou début du XXIe ; sans date documentée.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSignature:\u003c\/strong\u003e Signé « Escartín » en bas à droite.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eSujet:\u003c\/strong\u003e Paysage rural, architecture traditionnelle et village de montagne.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation:\u003c\/strong\u003e Bon état général de la composition picturale, avec des empâtements et des couleurs bien préservés. Le papier présente une variation de tonalité dans la marge droite et de légères marques de vieillissement.\u003c\/li\u003e\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eEncadrement:\u003c\/strong\u003e Cadre doré inclus.\u003c\/li\u003e\u003c\/ul\u003e\u003ch2\u003eLa Note du Taller\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eLe clocher établit l’axe vertical de l’ensemble. Les toits sombres se superposent aux façades roses et mauves, avec des accents verts dans les fenêtres et la végétation. Au fond, les plans bleutés et verdâtres suggèrent les montagnes. Les bords fragmentés des applications de peinture contrastent avec les larges zones claires du papier qui entourent le village.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53462980788557,"sku":null,"price":180.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/DSC_0031_095d9950-1594-4284-9202-86758c32c0ff.jpg?v=1791848672"},{"product_id":"julio-linares-el-primer-dia-1973-arte-visionario-y-psicodelia-tecnica-mixta","title":"Julio Liñares — Le Premier Jour (1973), technique mixte sur papier","description":"\u003cp\u003eUn univers de formes organiques, de courants de couleur et de minuscules figures humaines se déploie dans \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e (« Le Premier Jour »), une composition de Julio Liñares datée de 1973.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’œuvre propose un paysage imaginaire où le microscopique et le monumental semblent coexister. Parmi des structures cellulaires, des parcours sinueux et des regroupements de formes biomorphiques, de petites silhouettes humaines s’intègrent dans une architecture visuelle complexe.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSon titre, \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e, porté dans une inscription au revers, invite à interpréter la scène comme une évocation de l’origine de la vie, de la naissance d’un monde ou d’un processus de création encore en cours.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eUn univers entre abstraction et imagination\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eLa composition s’organise autour d’un réseau élaboré de lignes, de points, de courbes et de formes organiques. Les couleurs semblent circuler dans des conduits imaginaires, tandis que les différents compartiments se relient pour former une structure d’une grande complexité.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa palette associe les oranges, les jaunes, les verts, les roses et les bleus, avec des transitions douces qui laissent apparaître la texture du papier.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’un de ses aspects les plus remarquables est l’intégration de petites figures humaines dans les structures abstraites. Leur présence introduit une dimension narrative : le regard découvre un monde habité où l’échelle humaine se trouve réduite face à l’ampleur des formes environnantes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUne observation attentive révèle de nouvelles relations entre les éléments. Certaines structures rappellent des organismes cellulaires ; d’autres évoquent des courants aquatiques, des végétations imaginaires ou des architectures fantastiques.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLe contexte artistique de 1973\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDatée de 1973, l’œuvre s’inscrit dans une période d’intense expérimentation formelle au sein de l’art du XXe siècle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAu cours des années 1960 et 1970, de nombreux artistes ont exploré des modes de représentation éloignés de la figuration traditionnelle. L’abstraction organique, l’esthétique psychédélique et certaines tendances de l’art fantastique ont ouvert la voie à des compositions caractérisées par la liberté d’imagination, l’intensité chromatique et la création d’univers visuels autonomes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e présente des affinités formelles avec ces tendances. Son langage ne relève toutefois pas d’une abstraction purement spontanée : la précision des structures, la répétition de petits motifs et l’organisation des parcours chromatiques témoignent d’une exécution soigneusement élaborée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’œuvre établit ainsi un dialogue entre abstraction et figuration, entre le reconnaissable et l’imaginaire.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eSignature et inscriptions\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eLa composition porte une signature datée de 1973 dans l’angle inférieur droit, ainsi qu’une inscription au revers avec le titre \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e, la même date et une signature plus développée.\u003c\/p\u003e\n\u003ch2\u003eFiche technique\u003c\/h2\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eArtiste :\u003c\/strong\u003e Julio Liñares.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTitre :\u003c\/strong\u003e \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e (« Le Premier Jour »), selon l’inscription au revers.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDate :\u003c\/strong\u003e 1973, d’après les inscriptions.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTechnique :\u003c\/strong\u003e Technique mixte, avec encres et pigments de couleur sur papier.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDimensions :\u003c\/strong\u003e 63 × 50 cm.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eStyle :\u003c\/strong\u003e Abstraction biomorphique avec des éléments figuratifs et des affinités avec l’art visionnaire et l’esthétique psychédélique.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSignature :\u003c\/strong\u003e « Liñares 73 » dans l’angle inférieur droit.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eInscriptions au revers :\u003c\/strong\u003e Titre \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e, date 1973 et signature manuscrite.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eÉtat de conservation :\u003c\/strong\u003e Bon état général, avec une tonalité chaude du papier, de légères traces de vieillissement et une richesse chromatique préservée.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEncadrement :\u003c\/strong\u003e Présentée dans un cadre en bois foncé.\u003c\/p\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch2\u003eLa note du Taller\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eCette composition retient l’attention par la densité de ses détails et l’originalité de son imaginaire.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNous soulignons particulièrement la coexistence des grandes structures organiques et des petites figures humaines réparties sur la surface. Ce rapport d’échelles transforme l’œuvre en un paysage imaginaire qui invite à une contemplation prolongée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa variété chromatique et la finesse des tracés contribuent à sa singularité, tandis que le titre \u003cem\u003eEl primer día\u003c\/em\u003e apporte une dimension narrative ouverte à différentes interprétations.\u003c\/p\u003e","brand":"El taller del coleccionista","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53467896643917,"sku":null,"price":350.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0904\/1841\/3901\/files\/Arteabstractoorganicoenmarcado.png?v=1791848083"}],"url":"https:\/\/eltallerdelcoleccionista.com\/fr\/collections\/historias-sobre-papel.oembed?page=12","provider":"El taller del coleccionista","version":"1.0","type":"link"}