Jenseits der Leinwand

 

Einem Gemälde von Albert Ràfols-Casamada gegenüberzustehen, ist eine Erfahrung, die über die bloße Betrachtung hinausgeht. Es geht nicht darum, Objekte zu identifizieren oder eine Erzählung zu entschlüsseln, sondern von einem Bündel von Empfindungen umhüllt zu werden. Es ist das Gefühl, wonach er selbst strebte, "die zugrundeliegende Harmonie in den Dingen". Sein Werk ist nicht dazu bestimmt, eine Summe von Details zu sein, sondern eine totale Einheit, die uns in eine Atmosphäre von Emotionen eintauchen lässt. Dies ist das Tor zu seinem Universum: ein Ort, an dem Malerei zu einem sensorischen Erlebnis wird.

Dieser Artikel aus dem Taller del Coleccionista befasst sich mit der Figur Albert Ràfols-Casamada (1923-2009), nicht nur als einem der bedeutendsten Maler der zeitgenössischen spanischen Kunst, sondern auch als das, was seine Vertrauten als einen "vollkommenen Künstler" bezeichneten. Er war ein Dichter, dessen literarisches Werk parallel zu seinem malerischen Schaffen verläuft, ein Pädagoge, der die Kunstlehre in Barcelona revolutionierte, und ein Intellektueller, dessen ganzes Leben eine Suche nach dem Raum war, in dem Emotionen Gestalt annehmen. Seine Kunst ist, anders als die vieler seiner Zeitgenossen, eine Einladung, einen privaten und sensiblen Raum zu betreten, eine Weltwahrnehmung zu teilen (merken Sie sich das). Um Ràfols-Casamada zu verstehen, ist es notwendig, eine neue Art des Sehens zu lernen, eine, die Poesie im Alltäglichen und Struktur (ein sehr relevantes Konzept in seinem Werk) in der Emotion findet.

 

Von Barcelona nach Paris (1923-1954)

 

Albert Ràfols-Casamadas Beziehung zur Kunst war von Anfang an eine Frage des Erbes und des Umfelds. 1923 in Barcelona geboren, war er Sohn und Enkel eines Malers. Sein Vater, Albert Ràfols i Cullerés, war ein angesehener Landschaftsmaler, der in der Tradition des katalanischen Noucentisme verwurzelt war, einer Bewegung, die Ordnung, Klarheit und gute Handwerkskunst schätzte. Dieses frühe Eintauchen war nicht akademisch, sondern häuslich und lebensnah. Ràfols-Casamada lernte das Malen, indem er seinem Vater zusah, wie er das fast alchemistische Ritual des Mischens von Pigmenten beobachtete, um eine präzise Farbe zu erhalten. Kunst war für ihn nichts Fremdes, sondern die Sprache seines Zuhauses. Dieses Erbe brachte jedoch auch ein Problem mit sich. Sein Vater, der sehr gelitten hatte, um Maler zu werden – so Casamada selbst –, versuchte, ihn auf einen sichereren Weg zu lenken: die Architektur (ein entscheidender Hinweis zum Verständnis seines Werks). Albert schrieb sich sogar an der Architekturschule ein, doch seine angeborene, emotionale und malerische Berufung kämpfte gegen die strukturierte Rationalität der Pläne an. Dieser frühe Konflikt zwischen Struktur und Emotion sollte zum Motor seiner gesamten Karriere werden.

 

Das Nachkriegs-Barcelona

 

Das Spanien der 40er Jahre war eine kulturelle Ödnis, ein isoliertes Land, in dem die Avantgarde vor dem Bürgerkrieg zum Schweigen gebracht worden war. In diesem repressiven Kontext wurden kleine intellektuelle Widerstandsnester zu Lebensrettern für eine Generation junger Künstler. Ràfols-Casamada fand seinen Platz in Gruppen wie der "Grup dels Vuit" und, entscheidend, im "Cercle Maillol" des Institut Français in Barcelona.Diese Räume waren weit mehr als bloße gesellige Runden. Dort, unter dem Schutz von Persönlichkeiten wie dem Kritiker Sebastià Gasch oder dem vielseitigen Josep Maria de Sucre (von dem wir auch zahlreiche Werke im Taller del Coleccionista besitzen), konnten Ràfols-Casamada und seine Zeitgenossen – Antoni Tàpies, Joan Ponç, Francesc Guinovart – wieder eine Verbindung zum fragmentierten Erbe der Moderne herstellen: Picasso, Miró, Torres-García. In dieser geheimen Umgebung lernte er die Malerin Maria Girona kennen, die 1952 seine Ehefrau und über ein halbes Jahrhundert lang seine künstlerische und Lebensgefährtin werden sollte. Ràfols-Casamadas Werk kann daher nicht als isolierte Tat verstanden werden, sondern als Teil einer generationsübergreifenden Anstrengung, eine moderne katalanische kulturelle Identität aus ihrer Asche wieder aufzubauen.

 

Der Pariser Schmelztiegel

 

1950 ermöglichte ihm und Maria Girona ein bescheidenes Stipendium der französischen Regierung eine Reise nach Paris, wo sie bis 1954 zeitweise leben sollten. Dieser Aufenthalt war, wie er selbst sagte, eine "grundlegende und sehr notwendige kulturelle Bereicherung". Wenn Barcelona die im Geheimen geflüsterte Theorie war, so war Paris die in all ihrer Pracht gelebte Praxis. Es war die Gelegenheit, sich direkt den Meisterwerken zu stellen, die er nur aus Zeitschriften wie D’Ací i D’Allà oder Gaseta de les Arts kannte.

Seine Pariser Erfahrung war nicht die eines Schülers, der einen Meister wählt, sondern die eines neugierigen Geistes, der eine Reihe von Sprachen aufnimmt, um seine eigene zu schmieden. Die Einflüsse, die er assimilierte, waren vielfältig und auf den ersten Blick widersprüchlich:

Kubismus und Fauvismus: Der Einfluss von Picasso, Braque und vor allem Matisse war unmittelbar. Von ihnen verinnerlichte er die Dekonstruktion der Form und, grundlegend, die expressive Befreiung der Farbe.

De Stijl und die Geometrie: Eine Reise nach Holland in dieser Zeit enthüllte ihm das Werk von Piet Mondrian und der Bewegung De Stijl. Die Suche nach einer geometrischen Ordnung und einer universellen Harmonie beeindruckte ihn tief und bot ihm einen rationalen Kontrapunkt zur emotionalen Explosion der Fauvisten.

Die Samen des Informel: In Paris sah er Ausstellungen, die dauerhafte Interessen säten. Jean Dubuffets vollkommen materische Malerei und Kurt Schwitters' Collagen öffneten ihm die Augen für die Möglichkeiten der malerischen Materie und der Collagetechnik, die zu einer Konstante in seinem Werk werden sollte.

Das Echo von Nicolas de Staël: Kritiker weisen auf den klaren Einfluss des russisch-französischen Malers in Werken aus der Mitte der 50er Jahre wie Canal St. Martin (1956) hin. Die Art, wie Staël mit dicken Farbpasten baute, zwischen Figuration und Abstraktion, traf sich mit der Suche von Ràfols-Casamada.

In diesen prägenden Jahren ging es nicht darum, einen Stil zum Kopieren zu finden, sondern darum, eine Reihe ästhetischer Probleme und deren mögliche Lösungen zu verinnerlichen. Ein gewöhnlicher Künstler hätte vielleicht nur einen Weg gewählt: die Strenge Mondrians, die Emotion Matisses oder die Materialität Dubuffets. Das Genie von Ràfols-Casamada lag in seiner Fähigkeit, diese Kräfte integral zu vereinen. Seine gesamte spätere Karriere kann als anhaltende Anstrengung gesehen werden, Struktur mit Emotion, Freiheit mit Kontrolle zu versöhnen, um jene "totale Einheit" zu erreichen, die er stets verfolgte.

 

Der Sprung in die Abstraktion: Die Erfindung einer persönlichen Sprache (1955-80er Jahre)

 

Der "natürliche" Weg zur Abstraktion

 

Ràfols-Casamadas Übergang von der Figuration zur Abstraktion war ein Prozess, den er selbst als "ziemlich natürlich... ununterbrochen" beschrieb. Es war eine organische Entwicklung. Nach seiner Rückkehr aus Paris begann er eine Serie von Stillleben zu malen, in denen die Objekte langsam ihren Bezug zu den Modellen verloren und zu reinen Farbflächen wurden. Dies war keine Ablehnung der Realität, sondern eine Suche nach ihrem Wesen. Er reduzierte die Dinge auf vier Elemente, die ihm grundlegend erschienen: Farbe, Flecken, Struktur und Rhythmus. Er gab die Figuration nicht wegen eines theoretischen Imperativs auf, sondern weil seine eigene malerische Forschung ihn zu einem Punkt führte, an dem Formen und Farben mit einer reineren und direkteren Stimme sprechen konnten.

 

Ein kritischer Dialog mit den dominierenden Strömungen

 

Ende der 50er Jahre war Ràfols-Casamada bereits voll und ganz in die Sprache der Abstraktion eingetaucht, doch seine Stimme blieb stets einzigartig. Er führte einen ständigen Dialog mit den großen Strömungen seiner Zeit, nahm das auf, was ihn interessierte, und verwarf das, was nicht mit seiner mediterranen Sensibilität übereinstimmte. Seine einzigartige Position lässt sich am besten im Vergleich zu seinen Zeitgenossen definieren. Das Informel mit seiner Betonung der Materie war die dominierende Bewegung in Spanien. Ràfols-Casamada interessierte sich für diese Strömung, doch sein Werk blieb fern von der dramatischen Expressivität Tàpies' oder der Gruppe El Paso. Eines seiner Gemälde aus dem Jahr 1961, das in einer informellen Ausstellung gezeigt wurde, wurde als das am wenigsten materische, von einer "konstruktiven chromatischen Geometrie" beherrschte Werk beschrieben. Seine Abstraktion war lyrischer, leuchtender.

Ebenso beeindruckte ihn 1958 eine Ausstellung amerikanischer abstrakter Expressionisten in Madrid. Er bewunderte die gestische Freiheit und die großen Formate von Künstlern wie Mark Rothko und Robert Motherwell, die ihm halfen, den Raum zu vereinfachen. Er betonte jedoch schnell einen grundlegenden Unterschied. Er selbst erklärte: "Rothko ist sehr spirituell, fast erhaben, und meine Malerei hingegen basiert auf der Welt der Sinne; sie hat einen mediterranen Charakter." Dies ist der Schlüssel zu seiner Originalität. Seine Abstraktion ist nicht transzendent, sondern immanent; sie sucht nicht nach einem spirituellen Jenseits, sondern schöpft ihre Quelle aus dem Hier und Jetzt.

 

Die mediterrane Seele: Licht, Gefühl und das Alltägliche

 

Was Ràfols-Casamadas Abstraktion wirklich auszeichnet, ist ihre tiefe Verwurzelung in der gelebten Erfahrung. Seine Bilder sind abstrakt, aber es sind Abstraktionen von etwas: die Hitze eines Sommernachmittags in Calaceite, das Licht, das durch ein Fenster in seinem Studio in Barcelona fällt, die Erinnerung an die Felsen von Cadaqués. Seine Abstraktion, wie er sagte, "bewahrt die Präsenz eines definierten Lichts, von Räumen und Erinnerung... sogar Zeichen, die auf die reale und greifbare Welt anspielen."

Sein Freund, der Schriftsteller Josep M. Castellet, betonte, dass der Künstler sich auf die Unmittelbarkeit der Dinge konzentrierte, auf das, was ihnen Leben gibt. Diese Verbindung zum Alltäglichen macht sein Werk, obwohl formal komplex, zutiefst zugänglich und menschlich. In seinen Tagebüchern beschreibt er seinen Prozess, eine Landschaft zu beobachten, den Wind zu spüren oder die Veränderung des Lichts wahrzunehmen, um dann diese direkte Emotion in eine chromatische Schwingung auf der Leinwand zu verwandeln. Er malt nicht die Landschaft, sondern das Gefühl, das die Landschaft in ihm hervorruft.

 

Die Stimme des Künstlers: über Farbe, Raum und Poesie

 

Das Fenster: Ein Raum für das Paradox

 

Im Laufe seiner Karriere taucht ein Motiv immer wieder hartnäckig in Ràfols-Casamadas Werk auf: das Fenster. Von seinen figurativen Gemälden aus dem Jahr 1946 bis zu seinen großen abstrakten Leinwänden fungiert die Silhouette des Fensters als Schlüsselelement. Er beschrieb es als ein abstraktes Element innerhalb der Realität, das einen Tiefeneffekt ermöglicht, ohne die Flächigkeit aufzugeben. Das Fenster ist die perfekte Metapher für sein gesamtes künstlerisches Projekt. Es ist eine Struktur, die eine Emotion einrahmt. Es ist eine Grenze, die zwei Welten verbindet: das Innere und das Äußere, das Ich und die Umgebung, die Abstraktion und die Realität. Es ermöglicht ihm, einen doppelten Raum von Innen und Außen zu schaffen, ein Spiel der Ebenen, das die Komposition bereichert, ohne auf die traditionelle Perspektive zurückzugreifen. Das Fenster ist somit der Ort des Paradoxes: eine Öffnung, ein Rahmen, eine Trennung, die Verbindung ermöglicht, eine geometrische Struktur, die jene sensible Erfahrung enthält, die Albert uns durch Farbe vermittelt.

 

Farbe als Brücke zwischen Idee und Gefühl

 

Für Ràfols-Casamada war Farbe nie ein Selbstzweck. Seine Verwendung von Farbe ging über reine Dekoration, pure Emotion oder Formalismus hinaus. In einer seiner klarsten Überlegungen definierte er sie als das Vehikel einer Idee. Nicht Farbe um der Farbe willen, sondern Farbe basierend auf einer Idee... Dahinter steckt die Idee, und dazwischen die Gefühle. Die Farbe dient dazu, beides zu verbinden. Dies ist eine Aussage, die seine Verwendung von Farbe zu einer philosophischen Behauptung erhebt. Farbe ist der aktive Akteur, der eine Idee greifbar macht, der einem Gefühl Struktur verleiht. In seinen Tagebüchern dokumentiert er diesen Prozess akribisch. Er beschreibt, wie er eine Landschaft beobachtet, die Variationen von Grün, Ocker und Violett festhält, um diese sinnliche Erinnerung dann im Atelier in eines seiner Werke zu übersetzen. 

 

"Aus einem einzigen Strich": Malerei als Poesie

 

Ràfols-Casamadas Rolle als Dichter ist keine Ergänzung zu seiner Malerkarriere, sondern eine parallele Manifestation desselben kreativen Impulses. Er pflegte zu sagen, dass Malerei und Poesie aus einem einzigen kreativen Strich entstehen, der manchmal die Form von Malerei und manchmal die des Schreibens annimmt. Diese Einheit des Ursprungs ist entscheidend, um die Kohärenz seines gesamten Werks zu verstehen. Sein Werk erzählt keine Geschichte, aber es evoziert einen Seelenzustand, so wie es ein Gedicht tut. Beim Lesen seiner Poesie, wie der Elegie "L'ombra dels núvols" ("Der Schatten der Wolken"), finden sich dieselben Themen, die sich durch seine Leinwände ziehen: Erinnerung, Licht, das Vergehen der Zeit, die Überlagerung von Vergangenem und Gegenwärtigem. Verse wie "Nach und nach verblasst die Farbe der Steine / aus der Nähe wirken sie fast grau" könnten die Beschreibung eines seiner Bilder sein oder der Funke, der es auslöst. Für ihn verfolgen beide Künste dasselbe Ziel.

Obwohl er als Meister, als Klassiker unserer Zeit gefeiert wird, offenbaren seine Schriften ein rührendes Gefühl der Suche. Er spricht von Leinwänden, die ihm große Probleme bereiten, von der Notwendigkeit, sich mehrfach zu verirren, um das zu finden, was ein bestimmtes Thema seiner Meinung nach zu bieten hat. Dieser scheinbare Widerspruch zwischen Meisterschaft und Zweifel zieht sich durch die Persönlichkeit seines Werks. Dieser ständige Kampf mit der Materie, diese Demut vor dem Akt des Schaffens, macht sein Werk so zutiefst menschlich und seine Figur so bewundernswert.

 

Das Erbe eines Meisters: die EINA Schule und der Akt des Lehrens (ab 1967)

 

Die Gründung eines neuen Bildungsmodells

 

Albert Ràfols-Casamadas Einfluss auf die katalanische Kulturlandschaft beschränkte sich nicht auf sein Atelier. 1967 war er zusammen mit Persönlichkeiten wie dem Architekten Oriol Bohigas und dem Philosophen Xavier Rubert de Ventós Mitbegründer der Designschule EINA, einem wegweisenden Zentrum in Barcelona, dessen Direktor er siebzehn Jahre lang war.

EINA wurde mit dem Ziel gegründet, einen Raum für interdisziplinäre Erkundung zu schaffen, einen Ort, der, obwohl von den Richtlinien des Bauhauses inspiriert, dessen starren Rationalismus überwinden und ein offeneres, von den Studenten selbst geleitetes Bildungsmodell vorschlagen wollte. Die Philosophie war, dass der Lehrer führen und nicht aufzwingen sollte. Dieser Akt des institutionellen Aufbaus zeigt sein tiefes Engagement für die Ausbildung neuer Generationen und seinen Wunsch, die Kulturlandschaft über sein eigenes Werk hinaus zu gestalten.

 

Lehren als Form der Selbstfindung

 

Für Ràfols-Casamada war die Pädagogik nie eine Ablenkung von seiner Kunst. Er unterrichtete hauptsächlich den Farbkurs, und diese Erfahrung wurde zu einem Labor für seine eigenen Ideen. Er selbst erkannte, dass das Unterrichten einen zwingt, sich mit zahlreichen Problemen auseinanderzusetzen und sie zu vertiefen, um sie erklären zu können.Die Notwendigkeit, seinen Schülern abstrakte Konzepte über Farbe, Raum und Form zu vermitteln, zwang ihn zu einer Klärung, die seine Malerei und Poesie direkt beeinflusste. Das Lehren wurde so zur dritten Säule seiner kreativen Praxis, ein ständiger Dialog zwischen Schaffen, Reflektieren und Wissensvermittlung.

 

Ein Bild von Ràfols-Casamada bewohnen

 

Das Erbe von Albert Ràfols-Casamada ist das eines Künstlers, der es verstand, einen einzigartigen und zutiefst persönlichen Weg durch die turbulenten Strömungen der Kunst des 20. Jahrhunderts zu finden. Ohne sich vollständig einem "Ismus" anzuschließen, trat er mit allen in Dialog, um eine Sprache der Abstraktion zu schaffen, die weder kalt noch distanziert, sondern warm und sinnlich ist. Er schuf, wie Cézanne sagen würde, eine parallele Realität, aber eine Realität, die mit dem Licht des Mittelmeers und der Erinnerung an das Alltägliche konstruiert wurde.

Am Ende kehren wir zum Anfang zurück: zur Erfahrung, vor seinem Werk zu stehen. Sein Werk ist die ultimative Einladung: Es ermutigt uns, Zeit mit seinen Leinwänden zu verbringen, seine ruhigen und leuchtenden Räume zu uns sprechen zu lassen, unseren eigenen Dialog mit Farbe, Raum und Stille zu beginnen. Es ist eine Kunst, die nicht verstanden, sondern bewohnt werden will.